작곡 팁

1. 가사와 멜로디

고품질의 인기곡을 만드는 것은 녹음 스튜디오에 들어가기 훨씬 전부터 시작됩니다. 성공적인 작곡의 기초는 좋은 가사와 눈길을 끄는 멜로디입니다. 아무리 최고급 보컬 마이크라도 가사가 지루하고 멜로디가 기억에 안 나면 트랙을 저장할 수 없습니다.

얼마나 많은 홈 뮤지션들이 노래를 쓰기도 전에 장비와 녹음 기술에 대해 논의하기 시작하는지 항상 놀랍습니다. 녹음을 생각하기 전에 먼저 좋은 노래가 있어야 합니다. 아직 존재하지 않는 것을 녹음할 수는 없습니다.

'히트'라는 용어는 매우 주관적이지만 성공적인 노래에는 몇 가지 중요한 특성이 있다고 생각합니다.

재료 1: 기억에 남는 멜로디

멜로디는 노래를 기억에 남게 만들고 듣는 사람의 마음에 남게 만드는 요소입니다. 멜로디라인이 너무 단순하거나 지루하면 금방 잊어버리게 됩니다. 기억하기 쉽고 계속해서 반복하고 싶게 만드는 멜로디를 만들어 보세요.

성분 2: 기억에 남는 가사

노래의 가사는 멜로디와 불가분의 관계로 연결되어야 합니다. 깊은 철학적 생각일 필요는 없습니다. 듣는 사람의 마음에 쏙쏙 들어오는 하나의 강렬한 대사나 문구면 됩니다. 기억에 남는 멜로디와 좋은 가사가 결합되어 노래에 필요한 기억력을 더해 줄 것입니다.

성분 3: 특이한 요소

대부분의 노래는 절, 코러스, 절, 코러스 등의 표준 구조를 따릅니다. 이는 완전히 정상적인 것이지만 특이한 요소를 추가하면 노래가 독특해질 수 있습니다. 예상치 못한 편곡의 변화일 수도 있고, 특이한 악기일 수도 있고, 독특한 보컬 테크닉일 수도 있습니다. 청취자들은 “와!”라고 말하게 만드는 순간을 좋아합니다.

EDM, 록, 재즈, 팝 등 장르에 상관없이 귀를 사로잡는 멜로디, 기억에 남는 가사, 노래에 최소한 한 가지 특이한 요소를 만드는 것이 목표입니다. 이것은 어려운 작업이지만 경험이 쌓이면 기술이 나옵니다. 노래 작업을 많이 할수록 노래는 더 좋아집니다.

음악을 만드는 것은 일관성과 근면이 필요한 작업이라는 것을 기억하십시오. 가만히 앉아서 영감이 떠오를 때까지 기다리지 마세요. 작곡을 직업으로 여기면 작곡이 어떻게 향상될지 알게 될 것입니다. 이 세 가지 핵심 요소를 열심히 적용하고 적용한다면 훌륭한 작곡가가 될 수 있습니다.

2. 정리 및 기획

곡의 편곡과 기획을 진행하는 단계는 뮤지션들이 과소평가하는 경우가 많고 때로는 완전히 무시되기도 합니다. 그러나 성공적인 트랙을 위한 기반이 마련되는 단계는 바로 이 단계이며, 이를 무시하면 최종 결과에 큰 영향을 미칠 수 있습니다.

편곡과 기획은 단순히 악기와 소리를 선택하는 일이 아닙니다. 이는 노래의 다양한 요소가 언제 어떻게 들리는지에 대한 결정을 포함하는 전체 과정입니다. 편곡의 목표는 단순히 다양성을 더하는 것이 아니라 처음부터 끝까지 청취자의 관심을 유지하는 역동적인 음악적 내러티브를 만드는 것입니다.

당신의 노래가 라디오에서 재생된다면 어떻게 인식될지 생각해 보세요. 노래가 새로운 것을 제공하지 않는다면 청취자가 첫 절과 후렴이 끝난 후에도 계속해서 당신과 함께 있을 가능성은 얼마나 됩니까? 노래가 단조롭게 들리면 듣는 사람은 금방 흥미를 잃을 수 있습니다.

현대 히트곡은 신중하게 고안된 배치 덕분에 단조로움을 피하는 경우가 많습니다. 작곡가는 다양한 기술을 사용하여 들을 때마다 새로운 것이 나오도록 합니다. 청중의 관심을 유지하는 데 도움이 되는 몇 가지 방법은 다음과 같습니다.

• 보컬 효과: 예를 들어 독특한 사운드를 만들기 위해 튜브나 디스토션 효과를 사용합니다.
• 타악기: 셰이커, 탬버린 및 기타 타악기 요소 추가
• 새로운 악기: 신디사이저, 스트링 또는 패드 소개;
• 보컬 파트: 추가 보컬 파트 또는 하모니를 소개합니다.
• 편곡 변경: 새로운 기타 부품을 추가하거나 기존 부품을 변경합니다.
• 템포 변경: 중요한 순간에 템포를 늦추거나 변경합니다.

각 변경 사항은 노래의 중요한 지점에 전략적으로 배치되어야 합니다. 예를 들어, 첫 절의 전체 편곡으로 시작한 다음 보컬과 기타만 포함하는 간단한 편곡으로 넘어갈 수 있습니다. 또는 노래를 각 섹션마다 고유한 음향 공간이 있는 섹션으로 나누어 다양성과 흥미를 유발할 수 있습니다.

편곡의 목표는 청취자를 흥미롭고 독특한 음악적 여정으로 안내하는 것입니다. 같은 내용을 계속해서 반복하는 것이 아니라 노래의 각 지점에서 새롭고 흥미로운 관점을 제공하고 싶습니다.

배열을 만드는 과정에서는 사용 가능한 모든 요소를 ​​사용하고 중복을 방지하는 것 사이에서 균형을 찾는 능력이 필요합니다. 청취자의 관심을 유지하고 압도하지 않도록 새로운 요소를 도입하는 시기와 방법을 이해해야 합니다. 이를 위해서는 신중한 계획과 구성의 각 섹션에 대한 신중한 접근이 필요합니다.

당신의 노래를 가지고 주의 깊게 연구하십시오. 각 섹션에서 어떤 새롭고 흥미로운 것들을 제공할 수 있는지 결정하세요. 작품의 차이점과 독특한 순간을 분리하고 분석할 수 있게 되면 다음 단계를 진행할 준비가 된 것입니다.

3. 녹음

노래가 준비되고 편곡이 완료되면 녹음 단계가 시작됩니다. 이는 트랙의 성공 여부를 크게 결정합니다. 추적이라고 알려진 이 단계는 매우 중요하며 진지한 접근 방식이 필요합니다. 많은 음악가들이 진짜 마법은 믹싱 단계에서 일어난다고 믿고 있지만, 녹음 역시 같은 주의를 기울여 이루어져야 합니다.

이 단계에서는 아이디어가 현실이 되고 녹음 품질이 최종 결과에 직접적인 영향을 미칩니다. 그러나 종종 홈 스튜디오는 부주의와 성급함의 문제에 직면하여 최종 제품을 크게 악화시킬 수 있습니다. 이런 일이 발생하지 않도록 하세요!

녹음 과정에서 더 나은 결과를 얻는 데 도움이 되는 세 가지 주요 규칙은 다음과 같습니다.

1. 천천히 시간을 가지세요. 녹음은 철저하고 신중해야 합니다. 모든 소리, 모든 음표가 중요합니다. 녹음을 시작하기 전에 장비를 설정하고 사운드를 확인하는 데 충분한 시간을 투자하십시오.
2. 녹음에 주의해서 접근하세요. 모든 테이크를 사용하여 사운드를 개선하십시오. 녹음을 단순한 고정으로 취급하지 마십시오. 이는 트랙의 기초입니다. 잘 녹음된 자료는 다음 단계의 작업을 더 쉽게 만들고 최종 제품의 품질을 향상시킵니다.
3. 녹음 품질을 확인하세요. 녹음된 자료를 정기적으로 청취하여 품질이 좋은지 확인하십시오. 뭔가 잘못된 경우, 다시 녹음하는 것을 두려워하지 마세요. 이렇게 하면 믹싱과 마스터링 중에 많은 문제를 피하는 데 도움이 됩니다.

트래킹은 단순한 기술적 과정이 아니라 전체 구성의 분위기를 설정하는 중요한 단계라는 점을 잊지 마세요. 진지하고 신중하게 접근하면 트랙이 원하는 대로 정확히 어떻게 들리기 시작하는지 확인할 수 있습니다.

규칙 1. 성공적인 녹음의 핵심은 마이크 배치입니다.

올바른 마이크를 선택하는 것뿐만 아니라 올바르게 배치하는 것도 중요합니다. 실내 마이크의 위치에 따라 사운드가 크게 달라질 수 있습니다. 음원과의 거리가 조금만 변경되어도 최종 결과에 눈에 띄는 영향을 미칠 수 있습니다. 마이크를 앰프 바로 앞에 배치하는 등 표준적인 방법에만 국한되지 마십시오. 달성하려는 사운드 이미지를 가장 정확하게 전달하는 최적의 배치를 찾을 때까지 시간을 들여 실험해 보십시오.

규칙 2. 볼륨을 너무 높이지 마세요

가장 흔한 실수 중 하나는 가능한 가장 큰 레벨로 녹음하는 것입니다. 많은 음악가들은 가능한 한 큰 소리로 녹음해야 한다고 생각하지만 이는 왜곡을 초래할 수 있습니다. 클리핑을 방지하고 녹음을 깨끗하게 유지하려면 입력 레벨을 피크 값의 50-75%로 설정하십시오. 이렇게 하면 악기가 선명하고 음악적인 소리를 낼 수 있습니다.

규칙 3. 프로듀서처럼 녹음에 접근하세요

스튜디오에는 엔지니어 외에 최종 사운드가 무엇인지 결정하는 프로듀서가 있는 경우가 많습니다. 엔지니어와 프로듀서라는 두 가지 역할을 모두 수행해야 합니다. 녹음을 시작하기 전에 어떤 사운드를 얻고 싶은지 결정하세요. 마음속에 노래의 음향적 그림을 그려보고 이를 녹음으로 옮기는 작업을 하십시오.

프로듀서로서 기술을 개발할 수 있는 기술을 사용해 보세요. 좋아하는 세 곡을 선택하고 형용사를 사용하여 그 사운드를 설명하세요. 드럼 소리는 어떤가요? 보컬은 어떤가요? 이렇게 하면 달성하려는 사운드를 더 잘 이해하는 데 도움이 됩니다.

녹음 과정에 시간과 연습이 필요하더라도 이러한 규칙을 따르면 고품질 사운드를 얻는 데 도움이 됩니다. 녹음은 경험을 통해 발전하는 예술이라는 것을 기억하십시오.

4. 편집

최신 디지털 오디오 녹음을 사용하면 자신의 연주이든 다른 음악가의 작업이든 상관없이 자료를 쉽고 효율적으로 조정하고 향상할 수 있습니다. 이는 프로세스가 훨씬 더 노동 집약적이고 복잡했던 디지털 이전 시대에 비해 크게 개선된 것입니다.

디지털 기술 이전에는 사운드 엔지니어가 면도기를 사용하여 테이프를 자르고 손으로 접합했습니다. 이제 품질 저하 없이 DAW에서 간단하고 빠른 단계를 통해 오디오를 편집할 수 있습니다.

그러나 디지털 편집의 단순성에도 불구하고 그 과정에는 주의가 필요합니다. 잘못된 편집은 사운드를 쉽게 망칠 수 있으며, 생명력이 없고 부자연스러운 사운드로 변할 수 있습니다. 이러한 문제를 방지하려면 편집을 네 가지 기본 단계로 나누는 것이 좋습니다.

1단계. 테이크 작업

거의 모든 DAW에서는 동일한 부분을 여러 번 녹음할 수 있습니다. 예를 들어 여러 버전의 보컬을 녹음한 다음 최종 어셈블리에 가장 적합한 순간을 선택할 수 있습니다. 편집을 시작하기 전에 모든 테이크를 듣고 가장 좋은 부분을 식별하여 녹음하여 과정에서 길을 잃지 않도록 하세요.

2단계. 보컬 편집(오토튠)

자동 튜닝 및 기타 피치 수정 도구를 사용하는 것은 스튜디오에서 일반적인 관행입니다. 숙련된 보컬리스트라도 무대 실력에도 불구하고 녹음할 때 실수를 할 수 있습니다. 피치 교정기는 작은 부정확성을 제거하고 사운드를 개선하는 데 도움이 됩니다. 자동 튜닝에만 전적으로 의존해서는 안 되지만, 현명하게 사용하면 녹음 품질을 크게 향상시킬 수 있습니다.

이러한 규칙을 따르면 표현력과 생동감을 유지하면서 녹음 내용을 잘 편집할 수 있습니다. 편집은 연습과 주의가 필요한 예술이라는 점을 기억하세요.

3단계. 원치 않는 소리 제거

테이크를 모으고 보컬을 수정한 후 다음 단계는 원치 않는 사운드를 제거하는 것입니다. 보컬을 녹음할 때 헐떡거리는 소리, 한숨, 입술이 다물어지는 소리 등 의도하지 않은 소리가 들릴 수 있습니다. 이러한 작은 소리는 메인 멜로디를 방해하고 녹음 사운드를 덜 전문적으로 만들 수 있습니다.

악기의 경우 실수로 현을 건드려 발생하는 부자연스러운 기타 소리 또는 마이크 필드에 유입된 기타 외부 소리와 같은 무작위 소음일 수 있습니다. 나는 보컬리스트의 무작위 헐떡임이나 기타 원치 않는 소음이 전체적인 인상을 망친 많은 노래를 들었습니다. 이러한 작은 결함을 제거하는 데 시간을 조금 더 투자하면 트랙의 사운드가 크게 향상되어 더 깨끗하고 전문적인 사운드를 만들 수 있습니다.

이 프로세스에는 다양한 접근 방식이 있습니다. 일부 엔지니어는 가장 미묘한 사운드까지 불필요한 사운드를 모두 완전히 제거하는 것을 선호하는 반면, 다른 엔지니어는 보다 선택적인 접근 방식을 선택합니다. 저는 균형을 찾으려고 하이브리드 방식을 사용합니다. 작은 결함이 트랙에 생동감과 역동성을 더할 수 있으므로 경험을 실제로 방해하는 사운드만 제거하는 것이 중요합니다.

청소를 너무 많이 하면 사운드가 무미건조하고 생기가 없어질 수 있으며, 이 단계에 너무 주의를 기울이지 않으면 오디오가 탁하고 불쾌한 결과를 얻게 됩니다. 소리가 깨끗하면서도 자연스러움을 잃지 않도록 행복한 매체를 찾으세요.

편집 팁

멀티 트랙 드럼 녹음 작업을 할 때는 모든 트랙이 그룹화되어 있는지 확인하십시오. 이를 통해 위상 및 동기화 문제를 방지하면서 모든 트랙을 한 번에 조작할 수 있습니다. 또한 클릭이나 팝 현상을 방지하려면 편집할 때마다 약간의 크로스페이드를 적용하는 것을 잊지 마세요.

4단계: 베이스와 드럼 양자화

녹음된 자료를 편집하면 많은 가능성이 제공되지만 음악가는 종종 모든 것을 완전히 고치려고 과도하게 수정하는 함정에 빠지게 됩니다. 기억하는 것이 중요합니다. 실제로 수정이 필요한 요소만 수정하세요.

기타와 보컬 정리가 끝나면 다음 단계는 베이스와 드럼을 퀀타이즈하는 것입니다. 그러나 이 프로세스는 명백한 불일치에만 주의를 기울여 신중하게 수행해야 합니다. 모든 히트와 모든 음표를 그리드에 완벽하게 정렬하려고 하지 마십시오. 중요한 불일치와 명백한 오류를 수정하는 데 집중하고 나머지는 그대로 두는 것이 좋습니다.

녹음된 자료를 편집할 때 중요한 규칙은 작은 수정이라도 전체 사운드에 상당한 영향을 미칠 수 있다는 점을 인식하는 것입니다. 때로는 약간의 수정으로 트랙이 크게 향상될 수 있지만, 너무 많은 수정으로 인해 노래가 망가지는 경우도 있습니다. 따라서 소리를 자연스럽게 유지하고 꼭 필요한 부분에서만 수정하십시오.

양자화에 대한 올바른 접근 방식은 트랙이 너무 무미건조해지고 노래의 원래 성격을 잃지 않는 동시에 트랙을 생생하고 역동적으로 유지하는 데 도움이 됩니다.

5. 음악 믹싱

녹음은 음악을 포착하고, 편집은 음악을 향상시키며, 믹싱은 음악에 생기를 불어넣어 트랙이 스피커를 초월하여 청취자에게 깊은 인상을 남길 수 있게 해줍니다.

믹싱은 녹음된 모든 요소가 함께 모여 하나의 응집력 있는 전체를 형성하는 핵심 단계입니다. 패닝, 레벨 조정, 이퀄라이제이션, 압축 및 다양한 효과를 사용하여 악기의 약점을 제거하고 장점을 강조합니다. 이 과정은 트랙 사운드를 조화롭고 전문적으로 만드는 데 중요합니다.

일부 음악가는 믹싱의 중요성을 과소평가하는 반면, 다른 음악가는 이 무대에서 너무 많은 시간을 소비할 수도 있습니다. 실제로 믹싱은 중요할 뿐만 아니라 올바르게 접근하면 과도한 노력이 필요하지 않은 매우 간단한 프로세스이기도 합니다.

볼륨과 패닝을 약간만 "외관적으로" 조정하여 완벽한 사운드를 얻으려면 믹싱 프로세스를 5가지 주요 단계로 나눌 가치가 있습니다. 이 접근 방식은 트랙을 최고의 사운드로 체계적이고 효율적으로 만드는 데 도움이 됩니다.

1단계. 볼륨 및 패닝

믹싱 과정의 첫 번째이자 가장 중요한 단계는 볼륨 레벨과 패닝을 설정하는 것입니다. 트랙을 반복해서 재생하고 각 악기의 균형이 제대로 맞는지 확인하는 데 집중하세요. 어떤 요소도 지배적이거나 너무 많은 관심을 끌지 않는 것이 중요합니다. 각 악기는 전체 그림이 조화롭고 균형 잡힌 소리를 내기 위해 믹스에서 자신의 위치를 ​​차지해야 합니다. 이 단계에서는 효과에 주의가 산만해지지 마십시오. 주요 목표는 볼륨과 패닝만을 사용하여 깨끗하고 균형 잡힌 사운드를 얻는 것입니다.

2단계. 균등화

이퀄라이제이션은 깨끗하고 기분 좋은 사운드를 만드는 강력한 도구입니다. 주요 목적은 불필요한 주파수를 제거하고 각 악기의 장점을 강조하며 믹스에 공간을 만드는 것입니다. 주파수를 높이는 대신 제거하는 감산 EQ를 사용하는 것이 가장 좋습니다. 이는 각 악기가 제 자리를 차지하고 다른 악기를 압도하지 않는 깨끗하고 깨끗한 사운드를 만드는 데 도움이 됩니다. 이렇게 하면 믹스의 모든 요소에 공간을 제공할 수 있습니다.

믹싱 팁

성공적인 믹싱의 주요 비결은 균형입니다. 모든 트랙과 악기 사이의 조화로운 균형을 만드는 데 집중한다면 믹싱 과정이 훨씬 쉬워지고 결과는 더욱 전문적이 될 것입니다.

3단계. 압축

EQ 후 압축으로 넘어갑니다. 압축기는 복잡한 도구처럼 보이지만 그 기능은 엄청납니다. 압축을 사용하면 볼륨 레벨을 제어할 수 있을 뿐만 아니라 트랙에 밀도와 역동성을 추가할 수도 있습니다. 컴프레서를 트랙의 동적 변화를 제어하여 사운드를 더욱 균형있고 풍부하게 만드는 데 도움이 되는 자동 볼륨 페이더로 생각하십시오.

4단계. 리버브 및 딜레이

EQ 및 압축을 통해 믹스의 균형이 맞춰지고 향상되면 리버브 및 딜레이와 같은 분위기 효과로 넘어갑니다. 이러한 효과는 깊이와 볼륨을 추가하여 트랙을 더욱 생생하고 유기적으로 만듭니다. 이러한 효과를 과도하게 사용하지 마십시오. 그렇지 않으면 사운드가 흐려지고 불분명해집니다. 리버브는 모든 요소를 ​​하나의 사운드 공간으로 통합하는 데 도움이 되며 딜레이는 볼륨을 추가하고 너무 건조하게 들리는 악기에 활기를 불어넣습니다.

5단계. 자동화

자동화는 추가적인 단계이지만 매우 유용한 단계입니다. 이를 통해 트랙을 더욱 역동적이고 흥미롭게 만들 수 있습니다. 최신 프로그램을 사용하면 작곡의 다양한 부분에서 플러그인, 악기 및 컨트롤의 매개변수를 자동으로 제어할 수 있습니다. 자동화를 사용하여 악센트를 강조하고, 개별 악기의 볼륨과 패닝을 변경하고, 효과를 켜거나 끄면 믹스에 다양성과 개성이 만들어집니다.

믹싱은 트랙에 생명력, 아름다움, 깊이를 부여하는 예술입니다. 그 영향을 확인하려면 혼합 전과 후의 조각을 비교하십시오. 간단한 변경으로 사운드가 크게 향상되고 구성이 더욱 밝고 풍부해집니다.

6. 마스터링

우리는 트랙을 만드는 과정에서 중요한 단계인 마스터링에 도달했습니다. 이는 노래 출시 ​​준비 전 마지막 단계입니다.
마스터링은 트랙을 돋보이게 만드는 과정이라고 잘못 믿는 신인 뮤지션들에게 종종 혼란스러운 주제입니다. 실제로 마스터링은 트랙을 완성하고 출시를 준비하는 섬세하고 미묘한 과정입니다.

마스터링은 원래 레코드판이나 컴팩트 디스크와 같은 물리적 매체에 녹음하기 위한 오디오 자료를 준비하기 위한 것이었습니다. 프로세스가 최신 디지털 형식에 맞게 조정되었지만 그 목적은 동일하게 유지됩니다. 마스터링 전문가는 이퀄라이제이션, 압축 및 기타 조정과 같은 마무리 작업을 추가하여 트랙을 완벽하게 만듭니다.

기술적인 세부 사항을 너무 많이 설명하지 않고 마스터링의 본질을 이해하는 것이 중요합니다. 마스터링은 트랙이 모든 장치와 플랫폼에서 고품질로 들리도록 보장하는 마지막 단계입니다. 작곡의 장점이 강조되고 사소한 결함이 제거되어 출시 준비가 된 순간입니다.

1단계: 전문 믹스와 비교(참조 트랙)

트랙 믹싱을 마친 후에는 전문적인 녹음처럼 들리는지 확인하는 것이 중요합니다. 참조 트랙과 비교하는 것은 작곡의 최종 사운드를 향상시키는 효과적인 방법입니다.
자신과 동일한 음악 스타일의 전문 트랙을 선택하고 프로젝트로 가져옵니다. 참조 트랙의 볼륨을 믹스 레벨로 줄이고 두 트랙을 하나씩 들어보세요. 이를 통해 결함을 식별하고 트랙을 상업적 품질 표준으로 끌어올리기 위해 어떤 개선이 필요한지 결정하는 데 도움이 됩니다.
마스터 채널의 EQ를 약간 조정하면 노래 사운드가 크게 향상되어 전문적인 수준에 가까워지고 전반적인 경험이 향상됩니다.

마스터링 팁

이퀄라이제이션이나 스테레오 확장 등 마스터링 단계에서 처리를 적용할 때 허용되는 피크 값을 초과하지 않는 것이 중요합니다(이 경우 리미터는 예외입니다). 소리의 크기가 항상 품질과 같지는 않다는 점을 기억하십시오. 우리의 두뇌는 큰 소리를 더 높은 품질로 인식할 수 있지만 이는 환상입니다. 항상 모니터링 시스템을 주시하십시오!

2단계: 상업적인 음량 달성

믹스가 전문 트랙 수준에 도달하면 다음 단계는 볼륨을 업계 표준 수준으로 조정하는 것입니다.

귀하의 DAW에서는 좋은 사운드를 내는 믹스가 다른 시스템에서 재생될 때 너무 조용할 수 있습니다. 이 문제를 해결하려면 리미터를 사용하십시오. 추가 소프트웨어가 필요하지 않습니다. DAW에는 필요한 모든 도구가 이미 포함되어 있습니다. 마스터 채널에 리미터를 설정하고 트랙이 다른 광고 녹음과 동등한 수준으로 들리도록 볼륨을 원하는 수준으로 높이십시오.

마스터링은 더 복잡한 과정이지만 홈 스튜디오의 경우 트랙을 전문 믹스와 비교하고 리미터를 사용하여 원하는 음량 레벨을 달성하는 두 가지 주요 작업에 집중하는 것으로 충분합니다. 이 단계는 게시할 준비가 된 고품질 트랙을 만드는 데 도움이 됩니다.

음악을 만드는 시간

이제 홈 스튜디오에서 고품질 트랙을 만들기 위한 단계별 계획이 생겼습니다. 성공적인 트랙은 좋은 노래와 편곡으로 시작되며, 녹음은 마법이 일어나는 곳이라는 것을 이해하실 것입니다. 악기의 약점은 믹싱 단계에서 개선될 수 있습니다.

남은 것은 일을 시작하는 것뿐입니다! 끊임없이 음악을 쓰고, 녹음하고, 믹싱하고 발표하는 것이 숙달로 가는 길입니다. 그리고 이 과정에서 가장 좋은 점은 당신이 좋아하는 일을 하고 있다는 것입니다.