초보자를위한 음악 제작

모두가 어딘가에서 시작합니다. 첫 번째 단계는 실제로 원하는 일을 알아내는 것입니다. 어쩌면 당신은 비트를 만들고있을 수도 있고, 처음부터 전체 트랙을 만들고 싶거나, 초점이 믹싱하고 마스터하는 것일 수도 있습니다. 그 선택은 뒤 따르는 모든 것에 대한 방향을 설정합니다.

일단 분명 해지면 기본 사항을 배울 차례입니다. 트랙이 어떻게 결합되는지, 리듬과 멜로디가 상호 작용하는지, 요소 간의 균형이 중요한 이유를 이해하십시오. 당신은 그것 없이는 멀지 않을 것입니다. 학습하는 가장 좋은 방법 중 하나는 부담없이 음악을 실제로 듣는 것입니다. 물건을 무너 뜨리고 그들이 작동하는 것을 알아 내십시오.

좋은 음악을 만들려면 멋진 스튜디오가 필요하다는 생각을 잊어 버리십시오. 마이크, 오디오 인터페이스, 견고한 헤드폰 쌍 및 기본 프로덕션 소프트웨어만으로 갈 수 있습니다. 다른 모든 것은 시간과 연습과 함께 제공됩니다.

음악 제작이 실제로 의미하는 바

음악 제작은 첫 번째 아이디어에서 최종 사운드에 이르기까지 트랙을 만드는 모든 여정입니다. 음악 쓰기, 배열 형성, 녹음, 믹싱 및 트랙을 릴리스 할 준비를 다룹니다. 프로세스의 각 부분은 초점과 약간의 기술 노하우를 취합니다. 그러나 장비보다 더 많은 것은 실제로 중요한 것은 그것을 고수하고, 가면서 배우고, 시작한 것을 끝내는 것입니다.

음악 제작의 기초

음악 프로듀서가 실제로하는 일

음악 제작은 기술적 인 측면이 아니라 처음부터 끝까지 트랙을 만드는 전체 프로세스를 감독하는 것입니다. 프로듀서는 큰 그림을 초점을 맞추는 사람으로, 프로젝트를 첫 번째 아이디어의 불꽃에서 최종 버전으로 릴리스 준비에 안내합니다. 설정에 따라 음악 자체를 작성하거나 아티스트의 거친 자료를 형성하거나 음악가와 엔지니어 팀을 조정하여 모든 것을 하나로 모으십시오.

프로듀서의 주요 책임 중 하나는 트랙이 응집력있는 느낌을 갖도록하는 것입니다. 이는 다른 요소가 어떻게 작동하고, 구조를 구축하며, 음악적 아이디어가 완전히 실현되는지에주의를 기울이는 것을 의미합니다. 녹음하는 동안 프로듀서는 배열의 변화를 제안하거나 아티스트가 공연에 더 많은 감정을 가져 오거나 트랙을 더 강하게 만들기 위해 단순화되거나 강조 해야하는 것을 결정할 수 있습니다.

독립적 인 생산자, 특히 집에서 일하는 사람들의 경우 역할에는 종종 글쓰기, 배열, 녹음, 믹싱 및 마스터 링 등 모든 것이 포함됩니다. 그리고 요즘에는 시작하기 위해 큰 스튜디오 나 비싼 장비가 필요하지 않습니다. 랩톱, 오디오 인터페이스, 마이크 및 몇 가지 플러그인은 먼 길을 갈 수 있습니다. 그러나 기억하는 것이 중요합니다. 생산자가되는 것은 DAW에서 버튼을 누르는 것에 관한 것이 아닙니다. 에너지, 흐름, 균형 및 사람들과 연결되는 방식으로 소리를 형성하는 방법을 이해하는 것입니다. 훌륭한 프로듀서는 사운드 모음을 살아있는 느낌으로 바꾸는 데 도움이됩니다.

음악 프로듀서로서 귀를 개발합니다

잘 훈련 된 귀가 없으면 소리로 자신있게 작동하는 것은 불가능합니다. 생산자는 피치를 인식하는 능력보다 더 많은 것이 필요합니다. 미묘한 세부 사항을 선택해야합니다. 기기 상호 작용 방법, 주파수가 충돌하는 주파수, 믹스에 깊이가없는 곳 또는 스테레오 이미지가 느껴지는 곳. 이런 종류의 인식은 일관된 연습과 의도적 인 청취에서 비롯됩니다.

귀 훈련은 경험을 통해 발생합니다. 좋아하는 장르 만 고수하지 마십시오. 광범위한 음악을 탐색하십시오. 배열이 어떻게 구축되는지, 개별 부품이 얼마나 깨끗한 지, 보컬이 믹스에 어떻게 있는지주의하십시오. 트랙을 비교하는 것도 도움이됩니다. 하나는 깨끗하고 개방적으로 들릴 수 있지만 다른 하나는 진흙 투성이 또는 지나치게 압축 된 느낌이 듭니다. 목표는 이러한 차이점을 만드는 이유를 파악하는 것입니다.

연습을 많이할수록 작동하지 않는 것을 발견하는 것이 좋습니다. 기타가 더 많은 공간이 필요할 때, 저음이 믹스를 압도 할 때 또는 보컬이 볼륨이 고르지 않을 때 듣기 시작합니다. 이러한 통찰력은 사운드를보다 정확하게 형성하고 균형 잡힌 의도적 인 느낌을주는 믹스를 구축하는 데 도움이됩니다. 좋은 귀는 당신이 태어난 것이 아닙니다. 집중적이고 일관된 노력을 통해 개발 한 것입니다.

작곡의 기본을 배우는 것

깨끗한 제작은 중요하지만, 분위기를 설정하고 청취자를 끌어들이는 것은 노래 자체입니다. 그래서 프로듀서는 단순히 혼합 이상의 것을 이해해야합니다. 멜로디, 하모니 및 가사로 작업하는 방법을 알아야합니다.

시작하기에 좋은 곳은 구조입니다. 대부분의 노래는 구절, 코러스, 구절, 코러스, 다리, 최종 코러스와 같은 친숙한 형식을 따릅니다. 이런 종류의 레이아웃은 청취자에게 자연스럽고 에너지와 흐름을 구축하는 데 도움이됩니다. 구조는 트랙 방향을 제공하고 처음부터 끝까지 참여시킵니다.

하모니는 다음 조각입니다. 간단한 코드 진행조차도 의도로 선택된 경우 올바른 톤을 설정할 수 있습니다. 그것은 복잡성에 관한 것이 아닙니다. 그것은 당신의 멜로디에 대한 올바른 감정적 배경을 만드는 것입니다. 잘 배치 된 몇 개의 코드는 기술적으로 발전했지만 초점이 맞지 않는 것보다 더 많은 것을 말할 수 있습니다.
가사는 중요합니다. 그들은 지나치게 시적 일 필요는 없지만 살아 있어야합니다. 좋은 가사는 감정을 가져 오거나 이야기를하거나 명확한 이미지를 만듭니다. 그들은 음악을 지원하고 그것에 맞서 싸우지 않고 움직여야합니다. 단어와 멜로디가 함께 작동하면 결과는 항상 더 강합니다.

모두가 작곡에 다르게 접근합니다. 일부는 가사 아이디어로 시작하고 다른 일부는 멜로디로 시작합니다. 열쇠는 실험입니다. 많이 쓰고, 돌아가서 듣고, 각 시도에서 배우십시오. 연습을 많이할수록 노래를 연결하는 것이 무엇인지, 그리고 자신의 작업에서 그 연결을 형성하는 방법을 더 잘 이해할 수 있습니다.

생산자의 기술 능력 개발

학습 코드, 음악 이론 및 리듬

음악 이론을 확실하게 파악하면 제작자가보다 효율적이고 자신있게 작업 할 수 있습니다. 코드, 리듬 패턴 및 타이밍 그리드 이해와 같은 기본으로 시작합니다. 이 기초를 사용하면 시행 착오에 전적으로 의존하지 않고 고조파 및 리듬 아이디어를 구축 할 수 있습니다. 일반적인 화음 진행을 연습하고, 다른 리듬을 시도하고, 모양 사이를 전환하는 방법을 배우면 근육 기억과 창의적인 유창성이 생깁니다. MIDI 컨트롤러 또는 드럼 패드로 작업하면 타이밍과 정밀도가 날카롭게됩니다. 특히 실시간으로 녹음하는 경우. 일관된 연습과 약간의 자기 반성으로 이러한 기술은 자신의 트랙에 자연스럽게 나타나기 시작합니다.

깨끗하고 고품질 사운드를 녹음합니다

훌륭한 사운드는 깨끗한 신호로 시작합니다. 보컬이나 라이브 악기를 녹음하는지 여부에 관계없이 적용됩니다. 녹음 품질은 사용하는 마이크, 소스에 대한 위치 위치 및 세션에서 설정 한 신호 경로에 따라 다릅니다. 실내 음향은 괜찮은 기어를 사용하더라도 반사 및 배경 소음과 같은 것들이 테이크를 망칠 수 있습니다. 공간의 소음 수준을 확인하고 문제 빈도를 처리하고 필요한 경우 기본 사운드 처리를 사용하십시오. 마이크 배치를 가지고 놀고 다른 설정을 시도하면 사운드를 얻는 방법을 알아낼 수 있습니다.

믹싱 기술을 마스터하는 것

믹싱은 모든 것이 함께 오는 곳입니다. 이곳에서 트랙을 응집력있는 완성 된 조각으로 형성하는 곳입니다. 좋은 믹스는 모든 것이 공간을 가지고 있음을 의미합니다. 악기는 충돌하지 않고 보컬이 올바르게 앉아 있으며 너무 무겁거나 얇은 느낌이 없습니다. 믹싱의 핵심은 균형 수준, EQ, 압축 및 효과를 포함합니다. 경쟁 할 수있는 주파수, 역학을 제어하는 ​​방법, 리버브 또는 지연을 사용하여 깊이를 추가 할 위치를 이해해야합니다. 이 단계에서 일반적인 문제로는 진흙 투성이의 저가형, 약한 스테레오 스프레드 또는 지나치게 압축 된 요소가 포함됩니다. 잘 믹싱하려면 연습과 비판적으로 듣고 다른 트랙을 참조하는 습관이 필요합니다.

최종 단계 : 마스터 링으로 트랙 릴리스 준비

마스터 링은 릴리스 전 마지막 단계입니다. 최종 광택이 발생하는 곳 (음량, 역학 조정 및 트랙이 다른 장치와 플랫폼에서 잘 번역되도록합니다. 리미터, EQ 및 스테레오 인핸서와 같은 도구는 정밀하게 사용하여 믹스에서 최고를 제공합니다. 목표는 일관성 있고 균형 잡힌 공개 준비를하는 것입니다. 당신은 자신의 트랙을 습득 할 수 있지만 종종 다른 사람에게 전달하는 것이 가장 좋습니다. 신선한 귀 세트와 일부 외부 관점은 놓친 것들을 잡아서 트랙에 추가 밀려 나게 할 수 있습니다.

집에서 음악을 녹음하기위한 필수 장비

컴퓨터

귀하의 컴퓨터는 홈 스튜디오의 중심 허브입니다. 노트북이든 데스크탑이든, 여러 오디오 트랙, 플러그인 및 가상 악기를 속도를 늦추지 않고 처리하는 능력만큼 중요하지 않습니다. 강력한 CPU와 충분한 RAM이 핵심입니다. 태블릿과 스마트 폰은 빠른 아이디어를 적어 놓거나 이동 중에 배열을 스케치하는 데 편리 할 수 ​​있지만 심각한 생산 작업을 위해서는 절단하지는 않습니다.

갈가마귀

DAW (Digital Audio Workstation)는 녹음 및 믹싱 및 마스터 링에 이르기까지 전체 트랙이 함께 모이는 소프트웨어입니다. 많은 옵션이 있습니다. Logic Pro는 Mac 사용자에게 큰 선택이며, Ableton Live는 전자 생산자들에게 인기가 있으며 FL Studio는 사용자 친화적 인 레이아웃으로 유명하며 Cubase는 라이브 악기 작업에 신뢰할 수 있으며 Reaper는 유연한 톤의 강력하고 가벼운 옵션입니다. 하나에 정착하기 전에 몇 가지 데모 버전을 시도해보십시오. 워크 플로에 적합한 느낌에 관한 것입니다.

모니터 및 헤드폰

음악 소리가 어떻게 들리려면 정확한 모니터링이 필요합니다. 이것은 음량이나 "좋은"소리에 관한 것이 아닙니다. 그것은 당신의 트랙을 그대로 듣는 것입니다. Studio Monitors (컴퓨터 화면이 아닌 스피커)는 평평하고 거친 주파수 응답을 제공하여 자신감과 혼합 할 수 있도록 설계되었습니다. 그들은 소비자 스피커처럼베이스를 과대 광고하거나 고등을 밝게하지 않습니다. 좋은 일입니다.

그러나 공간이 음향이나 얇은 벽으로 인해 스피커를 허용하지 않는다면 헤드폰은 확실한 대안입니다. 폐쇄 형 헤드폰은 녹음에 적합합니다 (마이크에 사운드가 누출되지 않음). 개방형 또는 반 오픈 모델은 믹싱에 더 적합합니다. 핵심은 캐주얼 듣기가 아니라 스튜디오 사용을 위해 만든 헤드폰을 선택하는 것입니다.

설정 업그레이드 : 추가 장비 모든 음악 제작자는 결국 필요합니다.

컴퓨터, 헤드폰 및 DAW로 시작하는 것은 완전히 괜찮습니다. 첫 번째 트랙을 녹음하고 로프를 배우기 시작하기에 충분합니다. 그러나 보컬, 라이브 악기 또는 더 복잡한 세션으로 작업을 시작하면 툴킷을 확장해야한다는 것을 빠르게 알게 될 것입니다. 일반적으로 오디오 인터페이스가 필수화 된 경우입니다.

오디오 인터페이스

오디오 인터페이스는 외부 기어와 DAW 사이의 브리지 역할을합니다. 마이크, 악기 또는 신디사이저에서 아날로그 신호를 가져 와서 컴퓨터가 처리 할 수있는 디지털 오디오로 변환하고 완성 된 트랙을 헤드폰이나 모니터로 다시 보냅니다. 노트북의 내장 사운드 카드는 이러한 종류의 작업을 위해 설계되지 않았습니다. 종종 원치 않는 소음을 소개하고, 세부 사항을 충분히 캡처 할 수 없으며, 고품질 녹음을 위해 만들어지지 않았습니다.

좋은 인터페이스는 최소한의 대기 시간으로 깨끗하고 안정적인 오디오를 제공합니다. 이는 라이브를 녹음하는 경우 중요합니다. 당신이 연주하거나 노래하는 것과 헤드폰에서 듣는 것 사이에 눈에 띄는 지연이 있다면, 그것은 당신의 타이밍을 버리고 수행하기 어렵게 만듭니다.

인터페이스를 선택할 때는 입력의 수에주의를 기울여야합니다. 보컬과 기타를 추적하는 경우 두 채널이 수행됩니다. 그러나 드럼, 풀 밴드 또는 다중 하드웨어 신디사이저를 녹음하는 경우 4, 8 또는 더 많은 입력이 필요합니다.

홈 스튜디오에 적합한 마이크를 선택합니다

보컬, 어쿠스틱 악기 또는 모든 종류의 라이브 사운드를 녹음하려는 경우 마이크가 필수입니다. 그것은 단지 기어 조각이 아니라 전체 녹음 체인의 출발점입니다. 설정에 적합한 것을 선택하면 음질에 큰 차이가 생길 수 있습니다.

음악 제작에 사용되는 가장 일반적인 두 가지 유형은 동적 및 콘덴서 마이크입니다. 다이나믹 마이크는 배경 노이즈에 덜 민감하며 기타 앰프 나 드럼과 같은 시끄러운 소스에 적합합니다. 그들은 내구성이 뛰어나고 왜곡하지 않고 높은 음압 레벨을 처리합니다. 반면에 응축기 마이크는 더 민감하고 더 자세하고 뉘앙스를 선택합니다. 따라서 보컬, 어쿠스틱 기타, 문자열 또는 선명도와 톤이 중요한 공연을 녹음하는 데 이상적입니다. 콘덴서는 오디오 인터페이스 또는 믹서가 일반적으로 제공하는 팬텀 파워 (일반적으로 +48V로 표시)가 필요합니다.

스튜디오 마이크는 XLR 케이블을 통해 연결됩니다. USB 마이크가 존재하고 컴퓨터에 직접 연결되지만 유연성과 전반적인 오디오 품질이 더 제한적인 경향이 있습니다. 신뢰할 수있는 결과와 성장 공간을 목표로한다면 적절한 인터페이스와 쌍을 이루는 XLR 마이크가 더 똑똑한 선택입니다.

당신은 즉시 포춘을 쓸 필요가 없습니다. 홈 스튜디오에 대한 확실한 결과를 제공하는 예산 친화적 인 다이나믹 및 콘덴서 마이크가 많이 있습니다. 가장 중요한 것은 어떻게 사용할 것인지 아는 것입니다. 당신은 주로 보컬을 녹음하고 있습니까? 악기도 캡처하고 싶습니까? 치료 방이나 일반 침실에서 녹음 할 예정입니까?

홈 스튜디오의 MIDI 컨트롤러 : 그들이하는 일과 하나를 선택하는 방법

컴퓨터는 음악을 만드는 데 엄청나게 강력한 도구입니다. 악기, 효과 및 끝없는 편집 옵션에 액세스 할 수 있습니다. 그러나 실제로 실시간으로 무언가를 재생할 때 마우스와 키보드를 사용하면 어리석은 느낌이들 수 있습니다. MIDI 컨트롤러가 들어 오면서 디지털 음악 제작을보다 실습적이고 음악적 경험으로 바꿨습니다.

가장 일반적인 유형은 키보드 컨트롤러입니다. 전통적인 피아노 나 신디사이저에서와 마찬가지로 멜로디, 코드 및베이스 라인을 연주 할 수 있습니다. 드럼 및 샘플의 경우 PAD 컨트롤러는 이동 옵션입니다. 속도에 민감하고 히트, 루프 또는 문구를 트리거하는 데 좋습니다. 많은 컨트롤러에는 DAW에 매핑 할 수있는 페이더, 손잡이 및 버튼이있어 마우스에 닿지 않고 레벨, 조정 효과 또는 신디사이저 매개 변수를 조정할 수 있습니다.

컨트롤러가 자체적으로 사운드를 생성하지 않는다는 것을 이해하는 것이 중요합니다. 대신, MIDI 데이터를 컴퓨터에 보냅니다. 어떤 노트를 연주했는지, 얼마나 열심히 누르는 지, 얼마나 오래 보유했는지에 대한 정보가 있습니다. 그런 다음 DAW는 해당 데이터를 사용하여 가상 악기에서 사운드를 트리거합니다.

방금 시작한 경우 간단한 컨트롤러가 DAW와 작동하고 워크 플로에 맞는 한 작업을 수행합니다. 목표는 아이디어를 트랙으로 쉽게 바꾸는 것을 쉽고 빠르게 만드는 것입니다. 좋은 컨트롤러는 프로그래밍뿐만 아니라 실제로 음악을 재생하는 것처럼 느끼는 데 도움이됩니다.

가상 악기 : 실제 장비에 대한 실용적인 대안

마이크, 오디오 인터페이스 및 MIDI 컨트롤러를 사용하더라도 실제 사운드를 생성하려면 여전히 필요한 것이 필요합니다. 라이브 악기 나 녹음 공간에 접근 할 수 없다면 가상 악기는 쉽고 강력한 솔루션입니다.

이들은 피아노와 드럼에서 복잡한 신디사이저 및 오케스트라 라이브러리에 이르기까지 모든 소프트웨어 기반 버전의 실제 악기입니다. 그들은 당신의 DAW 내부에서 직접 실행되며 MIDI 컨트롤러를 사용하여 재생하거나 시퀀서로 바로 프로그래밍 할 수 있습니다. 대부분의 DAW에는 기본적인 가상 악기 컬렉션이 묶여 있으며 트랙을 구축하기에 충분합니다.

가정 제작자에게는이 설정이 특히 편리합니다. 케이블, 마이크, 룸 트리트먼트 없음 - 사운드를 선택하고 설정을 조정하고 녹음을 시작하십시오. 이 플러그인 중 일부는 실생활에서 액세스하는 데 수천 달러의 비용이 드는 장비를 모방하며 인상적인 현실감으로 수행합니다.

샘플 및 루프 : 작동하는 창의적인 바로 가기

DJ Shadow, The Avalanches, DJ Premier, Kanye West 등 많은 상징적 인 제작자가 샘플을 사용하여 전체 트랙을 구축했습니다. 그들의 접근 방식은 기존 오디오 재 작업 및 재구성을 기반으로하여 완전히 새로운 것을 만들어냅니다.

샘플링은 특히 자신의 라이브 녹음이없는 경우 트랙을 구축하는 빠른 방법입니다. 루프를 사용하면 리듬을 내려 놓고 톤을 설정하며 노래의 전체 구조를 정의 할 수 있습니다. 기술 설정에 빠지지 않고 아이디어를 무너 뜨리고 음악 제작의 창의적인 부분에 집중하는 효율적인 방법입니다.

트랙이 함께 오는 방법 : 음악 제작의 주요 단계

모든 제작의 중심에는 노래 자체가 있습니다. 분위기를 형성하고 역학을 제어하며 전체 트랙의 방향을 설정합니다. 일부 제작자들은 처음부터 시작하여 글을 쓰는 반면, 다른 제작자는 기존 멜로디, 코드 진행 또는 보컬 아이디어에서 일합니다. 어느 쪽이든, 기본 작곡 구조를 이해하면 프로세스 전반에 걸쳐 창의적이고 기술적 인 결정을 안내하는 데 도움이됩니다.

새 세션 시작 : 작업 공간 구축

다른 일을하기 전에 DAW에서 새 프로젝트를 열십시오. 이것은 아이디어를 녹음하고, 배열을 구축하고, 효과를 적용하며, 결국 트랙을 혼합 할 수있는 작업 공간이 될 것입니다. 처음부터 조직되면 집중력을 유지하고 나중에 기술적 인 두통을 피할 수 있습니다.

템포와 키 : 기초 설정

가장 먼저 잠겨있는 것 중 하나는 템포입니다. 트랙의 속도를 정의하며 MIDI, 루프 및 라이브 악기를 동기화하는 데 필수적입니다. 꾸준한 템포는 모든 사람을 제 시간에 유지하고 편집을 훨씬 쉽게 할 수 있습니다.

다음은 열쇠가 온다. 초기 단계에서는 특히 아이디어를 스케치하는 경우 즉시 한 번에 헌신 할 필요가 없습니다. 그러나 멜로디와 코드가 형성되면 열쇠가 자연스럽게 제자리에 들어갑니다. 그리고 당신이 그것을 바꿔야한다면, 당신이 생산에 깊이 들어가기 전에 그렇게하는 것이 가장 좋습니다.

오디오 설정 : 사운드를 올바르게 라우팅합니다

모든 것을 기록하고 원활하게 재생하려면 DAW에서 오디오 설정을 구성해야합니다. 외부 오디오 인터페이스없이 작업하는 경우 컴퓨터의 내장 사운드 카드는 일반적으로 기본적으로 선택됩니다. 대부분의 경우 기본 작업에 적합합니다.

오디오 인터페이스를 사용하는 경우 DAW의 오디오 설정으로 이동하여 기본 입력 및 출력 장치로 설정하십시오. 그런 다음 올바른 입력 및 출력을 할당하십시오. 예를 들어, 마이크가 입력 1에 연결된 경우 오디오 트랙을 작성하고 해당 입력을 소스로 설정하십시오. 레코드를 누르면 신호가 해당 트랙으로 라우팅됩니다.

출력 (일반적으로 1 및 2)은 DAW에서 헤드폰 또는 모니터로 오디오를 보냅니다. 모든 것이 올바르게 설정되면 플레이를 누르는 순간 세션 재생이 명확하게 들려야합니다.

진행됨에 따라 라우팅 설정이 버스, 하위 그룹 및 병렬 처리를 통해 더욱 복잡해 질 수 있습니다. 그러나 처음에는 마이크에서 트랙, Daw에서 귀 까지이 간단한 경로를 이해하기에 충분합니다.

가상 악기 시작 : 작동 방식 및 알아야 할 사항

가상 악기를 사용하면 마이크, 외부 장비, 복잡한 설정이 필요하지 않은 컴퓨터 내부에서 음악을 완전히 제작할 수 있습니다. DAW와 MIDI 컨트롤러 만 있으면됩니다. 실제로 마우스와 키보드만으로 시작할 수도 있습니다. 유연성과 고품질 사운드 덕분에 가상 악기는 현대 생산자에게는 해결책이되었습니다.
가상 악기에는 두 가지 주요 유형이 있습니다. 신디사이저는 알고리즘과 사운드 엔진을 사용하여 처음부터 사운드를 생성합니다. 그들은 물리적 세계에 존재하지 않는 독창적 인 색조와 질감을 만드는 데 좋습니다. 다른 유형은 샘플 기반 악기입니다. 이들은 실제 오디오 녹음을 기반으로합니다. 샘플링 된 음표 또는 키 또는 패드에 매핑 된 사운드. 메모를 트리거하면 사전 녹음 된 샘플을 되돌려 드럼, 기타, 보컬 또는 그 밖의 다른 것을 쉽게 재현 할 수 있습니다.
대부분의 가상 악기에는 사전 설정 사운드가 장착되어 있습니다. 어디서부터 시작 해야할지 확실하지 않으면 사전 설정 및 실험을 선택하십시오. 몇 개의 메모를 연주하고 설정을 조정하고 악기가 할 수있는 일에 대한 느낌을 얻으십시오. 그것은 그 성격을 이해하고 그것이 당신의 트랙에 어떻게 맞는지 알아낼 수있는 빠른 방법입니다.

플러그인 형식 : 설정과 함께 작동하는 내용

가상 악기는 일반적으로 VSTI와 AU의 두 가지 주요 플러그인 형식으로 제공됩니다. VSTI는 Windows와 MacOS 모두에서 널리 지원되는 반면 AU는 MACOS 용으로 특별히 설계되었으며 주로 다른 Apple 기반 플랫폼에서 사용됩니다.

무엇이든 설치하기 전에 형식이 DAW 및 운영 체제와 호환되는지 확인하는 것이 좋습니다. 예를 들어 Ableton Live는 Mac 및 PC 모두에서 VSTI와 함께 작동하지만 Logic Pro는 AU 플러그인 만 사용합니다. 모든 것이 미리 줄어들면 나중에 성가신 호환성 문제에서 벗어날 수 있습니다.

버퍼 크기 및 대기 시간 : 설정이 워크 플로에 영향을 미칩니다

가상 악기 및 플러그인으로 작업 할 때 컴퓨터 프로세서는 특히 여러 트랙과 효과를 한 번에 실행하는 경우 빠르게 과부하 될 수 있습니다. 시스템이 어려움을 겪기 시작하면 오디오에서 클릭, 드롭 아웃 또는 글리치가 들립니다. 부하를 완화하는 가장 간단한 방법 중 하나는 DAW 설정에서 오디오 버퍼 크기를 조정하는 것입니다.

더 큰 버퍼는 시스템에 사운드를 처리하는 데 더 많은 시간을 제공하여 더 안정적인 재생을 제공합니다. 그러나 지연 시간도 증가합니다. 메모를 할 때와 실제로들을 때의 지연. 버퍼가 작을수록 해당 지연이 줄어들어 악기가 더 반응이 좋게 느껴지지만 CPU에 더 많은 압력이 가해집니다. 핵심은 올바른 균형을 찾는 것입니다. 실시간 성능을 느끼지 않고 부드러운 재생이 느껴집니다.

외부 오디오 인터페이스를 사용하면 많은 도움이 될 수 있습니다. 내장 사운드 카드와 달리 인터페이스는 오디오를 훨씬 더 효율적으로 처리하는 전용 드라이버를 사용합니다. 이를 통해 더 낮은 버퍼 설정으로 작업하고 대기 시간을 제어 할 수 있습니다. 가상 악기 (특히 라이브 재생 또는 실시간 녹음에 ​​대해 진지하게 사용하려는 경우 오디오 인터페이스는 현명한 투자입니다.

MIDI 컨트롤러로 가상 악기를 재생합니다

가상 악기는 풍부하고 표현력이 뛰어날 수 있지만 잠재력을 최대한 발휘하려면 적절한 제어가 필요합니다. 대부분의 DAW를 사용하면 컴퓨터 키보드를 사용하여 기본 메모를 재생할 수 있습니다. 아이디어를 스케치하거나 이동 중에 작업하는 데 좋습니다. 그러나 이러한 키는 속도에 민감하지 않으며 실제 성능의 역학을 캡처 할 수 없습니다.

MIDI 컨트롤러가 들어오는 곳입니다. 키, 패드 또는 슬라이더 세트이든 컨트롤러는 훨씬 더 자연스럽게 가상 악기와 상호 작용하도록 설계되었습니다. 그것은 당신이 메모를 얼마나 힘들고, 얼마나 오래 붙잡고 있는지, 그리고 그것을 연주하는 방법을 포착합니다. 이들은 모두 소리의 반응에 큰 차이를 만듭니다.

목표가 마우스로 프로그램 노트뿐만 아니라 실제로 음악을 재생하는 것이 목표라면 컨트롤러에 투자하는 것이 가치가 있습니다. 그것은 당신에게 더 많은 제어를 제공하고, 워크 플로우를 가속화하며, 물리적 수준에서 사운드와 연결하는 데 도움이됩니다.

MIDI는 무엇이며 음악 제작에서 중요한 이유

MIDI는 장비와 소프트웨어가 음악적 아이디어를 전달할 수있는 보편적 인 프로토콜입니다. 오디오 파일과 달리 MIDI는 소리를 내지 않습니다. 지침을 보냅니다. 이를 통해 음악을 녹음, 편집 및 배열에 매우 유연하게 만듭니다.

MIDI 컨트롤러에서 키를 누르면 DAW는 "Note A2, Velocity 90, 기간 0.8 초"와 같은 메시지를받습니다. 패드에 닿으면 DAW가 샘플을 트리거하거나 클립을 시작할 수 있습니다. MIDI를 사용하면 성능을 캡처 한 다음 악기를 교환하거나 타이밍을 조정하거나 표현식을 조정할 수 있습니다.

대부분의 가상 악기는 MIDI에 의존하여 기능합니다. DAW 내부의 신디사이저, 샘플러 및 드럼 머신과 상호 작용하는 방법의 중추입니다. 전체 부품의 키를 변경하고 개별 노트를 편집하고 속도를 조정하며 매개 변수를 자동화 할 수 있습니다.

양자화 : 사용시기 - 그렇지 않은 경우

MIDI와 함께 일하는 큰 장점 중 하나는 녹음 후 성능을 정리할 수 있다는 것입니다. 양자화는 메모를 가장 가까운 비트 또는 그리드 라인으로 스냅하여 일이 시작되면 타이밍을 조이는 도구입니다.

특히 드럼,베이스 라인 또는 타이밍이 중요한 리듬 기반에 적합합니다. 양자화는 물건을 제자리에 고정시키는 데 도움이 될 수 있습니다. 또는 그루브를 약간 바꾸어 원하는 분위기에 따라 더 느긋하거나 푸시 느낌을 얻을 수 있습니다.

그러나 배 밖으로 가기가 쉽습니다. 너무 많은 양을 양자화하면 부분을 인간으로 느끼게하는 미묘한 타이밍 변형을 제거 할 위험이 있습니다. 그 작은 결함은 성능에 자연적인 움직임과 에너지를 부여합니다. 따라서 모든 것을 자동으로 고정하기 전에 잠시 시간을내어 실제로 수정이 필요한 것을 듣고 결정하십시오.

라이브 오디오 소스 : 보컬, 악기 및 하드웨어

라이브 사운드는 트랙에 독특한 캐릭터를 제공합니다. 단일 보컬 테이크 또는 어쿠스틱 기타 녹음조차도 노래의 느낌을 완전히 변화시킬 수 있습니다. 그리고 좋은 소식은 - 당신은 시작하기 위해 프로 스튜디오가 필요하지 않다는 것입니다. 기본 오디오 인터페이스와 마이크를 사용하면 실제 오디오를 프로젝트에 녹화 할 수 있습니다. 깊이를 더하고 지나치게 프로그래밍 된 정적 배열에서 멀어지게하는 간단한 방법입니다.

라이브 악기 또는 하드웨어 신디사이저 통합은 음파 팔레트를 확장하고 디지털 생산을 유기적 질감과 혼합하는 데 도움이됩니다. 직접 입력을 통해 마이크를 사용하여 한 부분을 추적 한 다음 DAW 내부에 가상 악기로 레이어를 할 수 있습니다. 이 하이브리드 접근법은 종종 더 풍부하고 역동적 인 프로덕션으로 이어집니다.

오디오 입력 및 신호 레벨 이해

깨끗하게 기록하고 기술적 인 문제를 피하려면 인터페이스가 다른 신호 유형을 처리하는 방법을 아는 것이 중요합니다. 대부분의 오디오 인터페이스에는 마이크, 계기 및 라인의 세 가지 입력이 있으며 각각의 특정 목적을 제공합니다.

MIC 입력은 매우 낮은 수준의 신호를 출력하는 마이크 용으로 설계되었습니다. 그렇기 때문에 MIC 입력에는 신호를 사용 가능한 레벨로 향상시키기 위해 프리 앰프와 함께 제공됩니다. 대부분의 인터페이스에는 프리 앰프가 내장되어 있지만 모든 채널에 반드시 녹음하기 전에 두 번 확인해야 할 것은 아닙니다.

기기 입력은 일렉트릭 기타 나베이스와 같은 것입니다. 이 신호는 MIC 레벨보다 강력하지만 여전히 약간의 이득이 필요합니다. 계측기 입력은이를 적절한 임피던스로 처리하고 깨끗한 추적을위한 구조를 얻습니다.

라인 입력은 신디사이저, 드럼 머신 또는 아웃 보드 기어와 같은 강력한 신호를 이미 생성하는 장치를위한 것입니다. 이것들은 추가 이익이 필요하지 않습니다. 실제로, 라인 레벨 신호를 마이크 입력으로 보내면 지나치게 왜곡이 발생하거나 과부하로 인해 기어가 손상 될 수 있습니다.

각각의 입력이 어떻게 작동하는지 알고 올바른 소스와 일치하는 것은 원활한 녹음 워크 플로우에 중요합니다. 그것은 기술적 인 세부 사항이 아니라 실제 오디오로 작업 할 때 훌륭한 소리를내는 기초입니다.

녹음에 적합한 입력 레벨을 설정하는 방법

레코드를 누르기 전에 입력 레벨을 올바르게 설정하는 것이 중요합니다. 너무 뜨겁지 않고 너무 조용하지 않습니다. 오디오 인터페이스의 게인 손잡이가 들어 오는 곳입니다. 일반적으로 마이크 또는 기기 입력 바로 옆에 있습니다.

녹음이 시작되기 전에 레벨을 조정해야합니다. 신호가 너무 강한 경우 왜곡이 발생합니다. 그것이 너무 약하면, 나중에 그것을 높이고 원치 않는 소음을 가져다 줄 것입니다. 가장 쉬운 점검 방법은 DAW의 레벨 미터를 보는 것입니다. 피크는 안전 범위에 편안하게 앉아 있어야합니다. 이상적으로 -12 dB에서 -6dB 사이입니다. 전반적인 음질에 큰 차이를 만드는 작은 단계입니다.

기록 할 적절한 공간을 선택합니다

마이크는 처음에는 눈에 띄지 않을 수도있는 소리를 포함하여 모든 것을 선택합니다. 거리 소음, 윙윙 거리는 전자 제품 또는 방 에코는 녹음을 심각하게 엉망으로 만들 수 있습니다. 그렇기 때문에 녹음 공간이 마이크만큼 중요한 이유입니다.

가구, 커튼 또는 카펫이있는 객실은 자연스럽게 반사를 흡수하고 더 나은 녹음 환경을 만듭니다. 처리 된 공간에 접근 할 수 없다면 창의력을 발휘하십시오. 옷으로 가득 찬 옷장조차도 놀랍게 잘 작동 할 수 있습니다. 목표는 에코를 줄이고 원치 않는 배경 노이즈를 차단하는 것입니다.

녹음을 시작하기 전에 레코드를 누르고 몇 초의 침묵을 포착하십시오. 헤드폰을 통해 다시 들어보세요. 팬, 트래픽 또는 냉장고의 윙 소리가 들리면 소스를 제거하거나 더 조용한 지점으로 이동하기 위해 최선을 다하십시오. 1 분 밖에 걸리지 않으며 나중에 편집 시간을 절약 할 수 있습니다.

보컬을 위해 팝 필터가 필요한 이유

보컬을 녹음하고 있다면 건너 뛰지 말아야 할 기어가 하나 있습니다 : 팝 필터.

우리가 노래하거나 말할 때, 자연스럽게 우리의 입에서 공기가 터지는 것, 특히“P”및“B”와 같은 자음에 나옵니다. 민감한 보컬 마이크는 깊고 불쾌한 쿵쿵 거리는 소리를 집어 올릴 것입니다. 팝 필터는 가수와 마이크 사이에 앉아 캡슐에 닿기 전에 버스트를 분해하여 보컬을 깨끗하고 사용할 수있게합니다.

일부 마이크에는 하나가 포함되어 있지만 하나가 없다면 쉽게 만들 수 있습니다. 와이어 행거를 잡고 원으로 구부리고 팬티 스타킹 층을 늘립니다. 붐 - 인스턴트 DIY 팝 필터.

입력 레벨 설정 : 왜곡을 피하고 깨끗한 소리를내는 방법

녹음을 시작하기 전에 입력 레벨이 오디오 인터페이스의 게인 노브를 사용하여 올바르게 다이얼링되도록하십시오. 신호가 너무 뜨거워지면 클리핑됩니다. 너무 낮아서 나중에 원치 않는 소음을 향상시킬 것입니다. Daw의 미터를보십시오. 피크는 빨간색에서 벗어나야하지만 너무 조용하지 않아야합니다. 이 권리를 얻는 것은 음질에 큰 차이를 만듭니다.

기록 할 곳 : 가능한 가장 조용한 장소를 찾으십시오

마이크는 팬, 교통, 방 에코와 같은 생각보다 더 많은 길을 픽업합니다. 가장 좋은 곳은 반사를 흡수하는 카펫, 커튼 또는 가구가있는 방입니다. 당신이 그것을 가지고 있지 않다면, 옷으로 가득 찬 옷장조차도 놀랍게도 잘 작동합니다. 몇 초의 침묵을 녹음하고 헤드폰으로 들어보십시오.

팝 필터 : 가혹한 자음을위한 간단한 수정

보컬을 녹음 할 때, 팝 필터는 가혹한 호박을 줄이는 데 도움이됩니다 - 마이크에 과부하 할 수있는“P”및“B”사운드에서 공기가 터지는 것입니다. 공기 흐름을 부드럽게하기 위해 가수와 마이크 사이에 있습니다. 하나가 없습니까? 문제 없음 - 와이어 링과 일부 팬티 스타킹으로 DIY 필터를 만들 수 있습니다. 그것은 마찬가지로 작동하며 비용이 들지 않습니다.

믹싱 및 오디오 편집 기본 사항 : 전문 사운드 구축에 대해 알아야 할 사항

오디오 편집은 클립을 자르고 움직이는 것이 아니라 트랙을 형성하여 응집력 있고 세련된 느낌이 듭니다. 실제로 두 가지 주요 접근 방식이 있습니다. 첫 번째는 고전적인 "분할 및 슬립"방법입니다. 오디오를 세그먼트로 자르고 수동으로 제자리로 전환합니다. 이를 통해 원래 음질에 영향을 미치지 않고 타이밍을 정확하게 제어 할 수 있습니다.

두 번째 방법은 트랙의 일부가 템포와 일치하도록 속도가 빨라지거나 속도가 느려지는 시간 스트레칭과 관련이 있습니다. 빠르고 편리하지만 원치 않는 인공물이나 부 자연스러운 색조를 도입하는 소리, 특히 보컬이나 음향 악기에서 사운드를 저하시킬 수 있습니다.

대부분의 전문가는 시간이 오래 걸리더라도 첫 번째 방법을 선호합니다. 믹싱과 마스터 링은 공연의 자연스러운 느낌을 보존하는 것입니다. 세련된 트랙에는 스스로 듣지 못할 수백 마리의 마이크로 편집이있을 수 있지만 함께 깨끗하고 균형 잡힌 사운드를 만듭니다. 오디오 편집은 세부적인 작업입니다.

믹싱이 중요한 이유와 트랙에 어떤 영향을 미치는지

믹싱은 트랙의 모든 요소가 하나의 통합 사운드로 결합되는 단계입니다. 목표는 전체 노래를 별도의 부품 모음이 아니라 단일 공연처럼 느끼게하는 것입니다.

이 단계에는 볼륨 레벨 조정, 스테레오 필드의 패닝 기기, EQ 적용 및 리버브 또는 지연과 같은 효과 추가가 포함됩니다. 목표는 모든 소리에 공간이 있고 믹스의 나머지 부분과 조화를 이루어 작동하는지 확인하는 것입니다.

믹싱은 기술적으로 기록 및 배열과 분리되어 있지만 실제로는 이러한 단계가 종종 겹칩니다. 좋은 믹스는 기술 기술뿐만 아니라 창의적 판단에도 의존합니다. 트랙의 성격이 실제로 나오는 곳입니다.

믹싱 기본 사항 : 깨끗하고 균형 잡힌 트랙을 구축하는 방법

볼륨 관리 : 믹스에서 디지털 클리핑 방지

믹싱의 첫 번째 단계는 적절한 볼륨 레벨을 설정하는 것입니다. 보컬은 묻히지 않아야하고, 저음은 압도해서는 안되며, 드럼은 모든 것을 익사시키지 않아야합니다. 소리가 너무 커지면 클립을 클립 할 수 있습니다. 디지털 오디오에서는 따뜻한 아날로그 크런치가 아니라 트랙을 망치는 가혹한 왜곡입니다.

그렇기 때문에 모든 DAW에는 레벨 미터가 포함되어 있습니다. 녹색은 당신이 좋고, 노란색이 가까워지고, 빨간색은 당신이 한계를 초과한다는 것을 의미합니다. 빨간색으로 치자마자 거절 할 때입니다. 레벨을 올바르게 관리하면 믹스를 깨끗하게 유지할뿐만 아니라 나중에 마스터하기에 충분한 헤드 룸을 제공합니다.

스테레오 배치 : 각 사운드에 공간을 제공합니다

패닝은 평평하고 붐비는 믹스를 피하기 위해 스테레오 필드에 악기를 왼쪽에서 오른쪽으로 퍼뜨리는 방법입니다. 리드 보컬과베이스는 일반적으로 트랙을 정박하기 위해 중앙에 있습니다. 신디사이저, 기타 또는 타악기와 같은 다른 요소는 너비와 공간을 추가하기 위해 한쪽 또는 다른쪽으로 약간 밀어 넣을 수 있습니다.

스테레오 배치는 각 사운드 호흡에 도움이됩니다. 간단한 팬 컨트롤을 사용하면 트랙이 더 크고 살아있는 느낌을주는 공간 감각을 형성합니다. 올바르게 끝나면 아무것도 연결이 끊어지면서 명확성과 움직임을 가져옵니다.

쉐이핑 톤 : 당신의 소리를 올바른 캐릭터에게주는 방법

믹싱은 볼륨의 균형을 맞추는 것이 아니라 각 악기의 느낌을 형성하는 것입니다. 단일 사운드는 가공 방식에 따라 따뜻하고 가혹하거나 칙칙하거나 밝을 수 있습니다. 생산자는 톤을 형성하기 위해 EQ, 압축 및 채도와 같은 도구를 사용합니다. EQ는 진흙 투성이 주파수를 정리하거나 부품이 눈에 띄는 데 도움이되는 영역을 향상시킬 수 있습니다. 압축은 볼륨 스파이크를 부드럽게하고 성능을 강화하는 반면, 채도는 미묘한 색상과 깊이를 더합니다. 대부분의 DAW의 스톡 플러그인조차도 트랙이 인식되는 방식을 눈에 띄게 변경하기에 충분한 유연성을 제공합니다.

최종 내보내기 : 믹스에 적합한 형식을 선택합니다

믹스가 완료되면 최종 단계는 프로젝트를 내보내는 것입니다. 마스터 링 또는 추가 제작의 경우 WAV 또는 AIFF와 같은 압축되지 않은 형식이 이상적입니다. 오디오의 전체 해상도를 보존합니다. 휴대 전화에서 데모 나 빠른 청취가 필요한 경우 MP3가 작동하지만 파일을 압축하고 세부 사항이 손실된다는 점을 명심하십시오. 수출은 기술적 형식 일뿐 만 아니라 믹스가 DAW를 떠나 완제품이되는 순간이므로 설정을 올바르게 얻는 것이 중요합니다.

마지막 터치 : 마스터 링이하는 일과 중요한 이유

마스터 링은 음악 제작의 마지막 단계입니다. 초점이 개별 트랙에서 믹스 전체로 이동하는 지점입니다. 더 이상 보컬이나 드럼을 조정하지 않습니다. 이제 전체 스테레오 파일을 사용하여 트랙을 전문 표준으로 가져오고 있습니다. 목표는 톤 균형을 개선하고 음량을 최적화하며 혼합 단계에서 남은 결함을 부드럽게하는 것입니다.

마스터 링 도구에는 믹싱과 유사하지만 개별 요소보다는 전체 믹스에 적용되는 EQ, 압축, 제한 및 채도가 포함됩니다. 이를 통해 엔지니어는 주파수를 미묘하게 향상시키고, 역학을 제어하며, 스튜디오 모니터, 헤드폰, 자동차 스피커 또는 저렴한 블루투스 스피커 등 모든 재생 시스템에서 트랙이 견고하게 들리도록 할 수 있습니다.

EP 또는 앨범과 같은 전체 릴리스를 마스터하면 일관성이 핵심이됩니다. 각 트랙은 부피 레벨과 색조 특성이 일치하는 응집력있는 전체의 일부처럼 느껴야합니다. 잘 마스터 된 트랙은 더 크지 않고 완전하다고 느낍니다. 마스터 링은 기술적으로 사운드 믹스를 릴리스 준비 제품으로 바꾸는 것입니다.

야심 찬 음악 제작자를위한 10 가지 실용적인 팁

방금 시작했을 때 트랙을 만들고 즉시 풀어주기를 유혹하고 있습니다. 그러나 너무 빨리 움직이면 최종 결과에 실제로 영향을 미치는 작은 세부 사항을 간과 할 수 있습니다. 시간을내어 탄탄한 기초 건설에 집중하십시오. 사용하기가 편안한 DAW를 선택하여 시작하십시오. 가장 비싼 것일 필요는 없으며 워크 플로에 맞고 창의력을 유지하는 데 도움이되는 것입니다.

개선하는 가장 좋은 방법 중 하나는 작업을 상업용 트랙과 비교하는 것입니다. 레벨, 악기 사이의 간격, 보컬의 명확성 - 혼합 방식을 자세히 들어보십시오. 당신은 종종 더 간단한 배열이 어수선한 것보다 더 잘 들린다는 것을 알게 될 것입니다. 믹스에 공간을 두는 것을 두려워하지 마십시오. 기본 음악 이론, 특히 리듬과 조화를 배우는 것도 더 자신있게 글을 쓰도록 도와줍니다.

EQ와 압축은 필수 도구입니다. 주파수를 형성하고 역학을 제어하는 ​​방법을 아는 것은 믹스가 더 엄격하고 세련되게 만듭니다. 거칠게 느껴지더라도 항상 아이디어를 녹음하십시오. 나중에 큰 일을 할 수 있습니다.

기회가 생기면 다른 사람들의 프로젝트를 파헤쳐보십시오. 다른 사람들이 어떻게 작동하는지 연구하는 것은 엄청나게 눈을 뜨게 될 수 있습니다. 자신의 음악에 그들의 기술을 적용하십시오. 일관성을 유지하십시오 - 매일 짧은 세션조차도 완벽한 영감의 순간을 기다리는 것보다 낫습니다. 그리고 가장 중요한 것은 음악을 공유하는 것입니다. 소수의 청중의 피드백은 모든 것을 스스로 지키는 것보다 빠르게 성장하는 데 도움이됩니다.

1. 홈 스튜디오를 시작하는 필수 장비

음악 제작에 참여할 때는 화려한 플러그인, 컨트롤러, 마이크 및 끝없는 액세서리 등 기어에 쉽게 잡을 수 있습니다. 그러나 진실은, 당신은 시작하기 위해 전문적인 설정이 필요하지 않다는 것입니다. 실제로 중요한 것은 비트, 보컬, 전체 트랙 등을 만들고 싶은 것을 아는 것입니다.

스튜디오의 핵심은 컴퓨터입니다. 최상위 일 필요는 없지만 견고한 프로세서, 8GB 이상의 RAM 및 빠른 SSD가 있어야합니다. 이 사양은 특히 여러 트랙 및 가상 악기로 작업 할 때 DAW를 원활하게 실행하는 데 도움이됩니다. 두 번째 모니터는 필수적이지는 않지만 믹서와 배열보기를 나란히 유지하면 워크 플로우를 높이게합니다.

다음은 오디오 인터페이스가 나옵니다. 기본 2 인치 2 아웃 모델로 시작하기에 충분합니다. 마이크, 헤드폰 또는 악기를 연결하고 대기 시간이 낮은 깨끗한 녹음을 얻을 수 있습니다. 소형 25 키 미디 키보드와 쌍을 이루십시오. 작은 사람조차도 마우스로 메모를 클릭하는 것보다 멜로디를 쓰고 건물 준비를 훨씬 빨리 만들 것입니다.

모니터링도 마찬가지로 중요합니다. 괜찮은 헤드폰과 일부 엔트리 레벨 스튜디오 모니터는 믹스를보다 정확하게 듣고 음악이 다른 환경에서 어떻게 들리는지 이해하는 데 도움이됩니다. 보컬을 녹음 할 계획이라면 대기업 콘덴서 마이크가 좋은 출발점입니다. 은행을 깨뜨릴 필요가 없습니다. 특히 조용한 방에서 녹음하는 경우 많은 저렴한 모델이 명확하고 상세한 보컬 테이크를 포착 할 수 있습니다.

2. 왜 실내 음향이 비싼 장비보다 중요한가

초보자가하는 가장 일반적인 실수 중 하나는 방 음향을 간과하는 것입니다. 훌륭한 모니터와 견고한 오디오 인터페이스를 사용하더라도 방에 통제되지 않은 반사가 가득 차면 믹스가 정확하게 들리지 않습니다. 기본적인 음향 치료가 없으면 음악을 듣지 않고 벽에서 튀는 소리가 들립니다.

좋은 소식은, 당신은 변화를 만들기 위해 수천을 소비 할 필요가 없다는 것입니다. 간단하고 저렴한 수정 사항은 먼 길을 갈 수 있습니다. 주요 목표는 특히 미드 레인지에서 반사를 줄이고 보통 모서리에서 수집하는 저가형 축적을 제어하는 ​​것입니다.

미네랄 울 또는 유리 섬유로 만든 기본 벽 및 천장 패널로 시작하십시오.이 재료는 저렴한 음향 폼보다 훨씬 효과적입니다. 가능하면 청취 위치 뒤에 디퓨저를 배치하십시오. 흡수 장치와 달리 디퓨저는 사운드 파를 균등하게 뿌려 방이 더 개방적이고 자연스럽게 느껴집니다.

과도하게 사용하지 마십시오. 방이 너무“죽은”것이면, 리버브 및 스테레오 너비와 같은 효과를 혼합하는 데 중요한 공간 감각을 잃게됩니다. 목표는 균형입니다. 믹스를 명확하게들을 수있는 충분한 통제력이지만 방이 생명이없는 느낌이 들지 않습니다. 잘 처리 된 공간에서 겸손한 장비조차도 믹스에서 실제로 일어나는 일에 대한 명확한 그림을 제공합니다.

3. 워크 플로에 적합한 음악 소프트웨어를 선택하는 방법

요즘 음악을 만들기 위해 전체 스튜디오 설정이 필요하지 않습니다. 추적부터 최종 믹스에 이르기까지 모든 것은 단일 소프트웨어로 수행 할 수 있습니다. 돈을 절약하고 속도를 높이며 언제든지 프로젝트를 다시 방문 할 수 있습니다.

열쇠는 직관적 인 느낌의 플랫폼을 찾는 것입니다. 일부 도구는 전자 음악 및 샘플 기반 프로덕션에 적합한 반면, 다른 도구는 악기 및 세부 믹싱에 더 적합합니다. 하나에 정착하기 전에 몇 가지 옵션을 시도해보십시오. 많은 옵션이 데모 버전을 제공하므로 워크 플로우를 느낄 수 있습니다.

“완벽한”프로그램을 쫓는 데 시간을 낭비하지 마십시오. 사용 방법을 알고 있으면 괜찮은 소프트웨어가 작업을 수행합니다. 더 나은 것을 찾기 위해 끊임없이 도구를 전환하는 대신 잘 배우고 제공하는 것을 최대한 활용하는 데 집중하십시오.

4. 귀를 믿으십시오 : 청취가 시각적 인 것보다 더 중요한 이유

설정이 설치되고 소프트웨어가 준비되면 실제 사운드에 집중할 차례입니다. 이 시점에서 많은 초보자들은 같은 함정에 빠지게됩니다.이 함정은 듣는 대신 화면에서 보는 것에 너무 크게 의존합니다.

최신 음악 소프트웨어는 스펙트럼 분석기, 레벨 미터 및 오실로스코프와 같은 시각적 도구로 가득합니다. 이들은 주파수 충돌을 발견하거나 역학 관리 또는 음량 검사에 매우 도움이 될 수 있습니다. 그러나 그것들은 단지 도구입니다. 그들은 당신의 의사 결정의 기초가되어서는 안됩니다.

귀가 가장 중요한 자산입니다. 그들은 트랙이 실제로 어떻게 느끼는지 말해줍니다. 이것이 청취자가 반응하는 것입니다. 균형, 공간 또는 감정에 대한 인식을 대체 할 수있는 그래프는 없습니다. 때때로, 가장 좋은 움직임은 눈을 감고 듣는 것입니다. 비주얼이 산만하지 않으면 미묘한 것들을 알 수 있습니다. 너무 붐비는 영역, 믹스에 선명도가 부족한 장소 또는 보컬이 사라지는 순간. 이것들은 실제로 중요한 세부 사항입니다. 사운드 자체에 집중할 때만 분명합니다.

5. Blueprint가 아닌 참조 점으로 Pro 트랙을 사용하십시오.

대부분의 생산자들은 특정 장르의 영향을 받기 시작합니다. 그것은 당신의 취향을 형성하고 초기 아이디어를 고무시킵니다. 그러나 스타일을 사랑하고 그것이 어떻게 작동하는지 이해하는 것은 두 가지 다른 것입니다. 그 공간에서 음악을 유지하기를 원한다면 트랙이 실제로 구축되는 방식을 연구해야합니다.

당신이 개발할 수있는 가장 귀중한 습관 중 하나는 당신이 존경하는 트랙을 적극적으로 분석하는 것입니다. 그들을 즐기지 마십시오 - 그들을 분해하십시오. 참조 노래를 선택하고 왜 그렇게 좋은 소리를 알아 봅니다. 기기의 균형, 주파수 스펙트럼, 사용 된 효과 유형 및 전체 역학에주의하십시오. BPM, 구조 및 믹싱 기술을 기록하십시오. 이러한 관찰을 적어두면 더 빨리 흡수하고 적용 할 수 있습니다.

시간이 지남에 따라이 접근법은 귀를 연마하고 자신의 트랙이 장르 내에서 "적합"시점을 인식하는 데 도움이됩니다. 더 중요한 것은, 장르의 기대에 충실하면서 자신의 소리를 유지하는 것입니다.

6.

음악 제작에 더 깊이 빠져들고 존경하는 트랙을 참조하기 시작하면, 특히 무언가가 세련되고 강력하게 들릴 때 듣는 것을 복사하는 함정에 빠지기 쉽습니다. 그러나 다른 사람에게 효과가있는 것을 모방하면 장기적으로 눈에 띄는 데 도움이되지 않습니다.

참조 트랙은 장르의 프레임 워크 (구조, 템포, 톤 균형을 이해하는 데 적합합니다. 그것들은 방향을위한 도구, 복제 할 템플릿이 아닙니다. 모든 움직임을 너무 면밀히 따르면 청취자는 독창성보다 반복을들을 가능성이 높습니다. 당신의 임무는 장르를 정의하고 예상치 못한 소리, 독특한 배열 또는 효과를 사용하는 방식에 관계없이 자신의 방식으로 그 언어를 말하는 것입니다. 개인적인 아이디어를 반영하는 것은 트랙 에너지와 정체성을 제공합니다.

시그니처 스타일은 밤새 나타나지 않습니다. 그것은 시험, 오류 및 실험 의지의 결과입니다. 일찍 자신의 접근 방식을 형성하기 시작할수록 사람들이 인식하는 것이 더 빨라집니다. 그리고 이것은 예술가에 관한 것이 아닙니다. 믹스 엔지니어조차도 시간이 지남에 따라 음파 지문을 개발합니다.

7. 트랙을 과부하하지 마십시오.

“더 적은 것은 더 많다”는 진부한 소리가 들릴지 모르지만 음악 제작에서 가장 신뢰할 수있는 진실 중 하나입니다. 새로운 생산자들은 종종 배열의 모든 간격을 채우려 고 노력하여 트랙이 붐비고 선명도를 잃을 때까지 레이어를 추가합니다.

글쓰기 과정에서 다른 패드, 더 많은 타악기 또는 추가 멜로디를 던지고 노래를“채우기”하고자합니다. 그러나 더 많은 요소를 추가할수록 각각의 호흡이 어려워집니다. 믹스는 가득 찬 소리 대신 진흙 투성이가되고 집중되지 않은 채로 변합니다. 이것은 드럼 레이어링에 특히 그렇습니다. 분명한 이유가 없다면 다른 효과로 여러 차기 또는 코를 쌓는 것은 거의 도움이되지 않습니다. 잘 선택된 사운드 하나는 종종 3 개 이상의 불필요한 층을 수행합니다.

녹음도 마찬가지입니다. 최종 믹스에서 2 ~ 3 개의 테이크 만 사용하려는 경우 20 개의 거의 동일한 버전을 녹음하면 혼란이 생깁니다. 더 많은 시간을 정렬하고 실제로 트랙을 구축 할 시간이 줄어 듭니다.

믹싱 및 마스터 링 단계에서도 과도한 프로세스가 문제가 될 수 있습니다. 단일 트랙에 6 ~ 7 개의 플러그인을 쌓아 올리면 소스에 문제가있을 가능성이 있습니다. 사운드 디자인이나 녹음 단계로 돌아가서 끝없는 압축과 Eq로 패치하는 것보다 수정하는 것이 종종 낫습니다.

믹스의 빈 공간은 약점이 아닙니다. 트랙 룸을 호흡 할 수있는 것입니다. 깨끗하고 집중된 배열은 항상 과부하 된 것보다 더 잘 연결됩니다. 그것은 단지 이론이 아니라 대부분의 제작자들이 경험을 통해 어려운 방법을 배우는 것입니다.

8. 레벨 업 더 빠르게 : 경험이 풍부한 생산자를 보는 것이 귀중한 이유

숙련 된 프로듀서 나 엔지니어와 함께 세션에 앉을 기회가 있다면 전달하지 마십시오. 세션 설정에서 최종 믹스 내보내기까지 전체 프로세스가 실시간으로 전개되는 것을 보는 것만 큼 좋은 것은 없습니다. 전문적인 환경에서 몇 시간 만 있으면 몇 주 이상의 시행 착오를 스스로 가르쳐 줄 수 있습니다.

즉, 모든 사람이 스튜디오에 액세스 할 수있는 것은 아니며 완전히 괜찮습니다. 요즘에는 온라인으로 이용할 수있는 엄청난 양의 지식이 있습니다. YouTube 자습서, 음악 제작 과정, 라이브 스트림, 마스터 클래스, 믹싱 및 마스터 링에 관한 책조차도 실제로 작동하는 방식을 이해하는 데 도움이 될 수 있습니다. 열쇠는 적극적으로 시청하는 것입니다. 스스로에게 물어보십시오 : 왜 그 플러그인을 선택 했습니까? 조정 후 무엇이 바뀌 었습니까? 그 한 움직임은 어떻게 믹스를 더 단단하게 만들었습니까?

진행 상황을 평가하는 가장 좋은 방법 중 하나는 트랙을 온라인 마스터 링 서비스에 업로드하고 결과를 자신의 버전과 비교하는 것입니다. 그것은 당신에게 모든 것을 가르쳐주지는 않지만, 당신이 잘하고있는 일과 믹스가 여전히 필요한 곳을 강조 할 것입니다.

그럼에도 불구하고 누군가가 실시간으로 일하는 것을 보는 것은 아무것도 없습니다. 현지 생산자가 어떻게 배열을 구축하는지, 효과를 설정하거나, 보컬을 설정하는지 관찰하더라도 보컬이 워크 플로우와 의사 결정에 대한 통찰력을 줄 수 있습니다. 그리고 길을 따라 질문을 할 수 있다면? 더 좋습니다.

9. 피드백이 중요한 이유 - 그리고 그것이 당신을 위해 작동하는 방법

음악 제작 과정의 어느 시점에서 다른 사람이 당신이 만든 것을들을 수 있도록해야합니다. 유효성 검사뿐만 아니라 트랙이 자신의 스튜디오의 안락함을 벗어나는 방법을 이해합니다. 기술적 인 지식이없는 사람인 캐주얼 리스너의 피드백조차도 음악이 실제로 연결되는지 여부를 알 수 있습니다.

비 무시한 사람들은 드럼을 어떻게 식별했는지 또는 보컬이 믹스에 완벽하게 앉아 있는지 신경 쓰지 않습니다. 그들은 단지 그것을 느낄 것입니다. 누군가가 끝까지 듣거나, 들어가거나, 다시 플레이한다면, 그것은 좋은 징조입니다. 그들이 반쯤 관심을 잃으면주의를 기울일 가치가 있습니다. 그것은 당신에게 뭔가 빠졌다는 것을 알려줍니다. 어쩌면 소개가 너무 길거나 에너지가 딥 또는 너무 많은 일이 일어나고 있습니다.

다른 제작자 또는 숙련 된 음악가의 피드백은 다른 수준에서 히트합니다. 그들은 진흙 투성이의 주파수, 잘못 배치 된 층, 약한 전환과 같은 기술적 결함을 발견합니다. 그러나 이런 종류의 비판은 개인적이지 않습니다. 혼자서 일할 수없는 지원입니다. 그리고 더 많이 환영할수록 더 빨리 성장합니다.

즉, 모든 조언이 도움이되는 것은 아닙니다. 일부 피드백은 트랙의 실제 문제가 아니라 개인적인 취향에 의해 형성됩니다. 그렇기 때문에 필터를 배우는 것이 중요합니다. 믹스 나 배열을 명확하게 개선하는 의견을 제시하고 창의적 의도와 충돌하는 것을 남겨 두십시오. 피드백은 당신의 소리를 날카롭게하고 당신의 소리를 내지 말아야합니다.

10. 휴식 : 귀를 보호하고 믹스를 정직하게 유지하는 방법

듣기 피로는 음악 제작에서 가장 몰래 문제 중 하나입니다. 물러나지 않고 몇 시간 동안 트랙에서 일할 때 귀가 둔해지기 시작하고 균형 감각, 빈도 및 공간이 창 밖으로 나옵니다. 모든 것이 순간에 잘 들릴지 모르지만 다음날 돌아올 때는 종종 과민 압축, 가혹한 EQ 또는 명확한 머리로 피할 수있는 불균형을 찾을 수 있습니다.

구역에 있더라도 매 시간마다 짧은 휴식 시간을 보내는 것이 똑똑합니다. 스피커에서 10 분 거리에 귀가 재설정하고 결정을 날카롭게 유지하는 데 도움이 될 수 있습니다. 세션에 3 시간 이상을 소비한다면 더 긴 휴식 시간을 보냅니다. 밖으로 나가서 신선한 공기를 마시고 마음을 떠나고 들으십시오.

시끄러운 이벤트 나 파티 직후에 믹싱하거나 마스터하는 것을 피하십시오. 귀에 약간의 울리는 소리를 내고 집으로 돌아와 세션으로 바로 뛰어 들면 인식이 이미 왜곡되어 청각에 추가 스트레스를줍니다. 믹스가 고통받을뿐만 아니라 장기적인 피해를 입을 수 있습니다.

믹싱이나 마스터 링에 깊이 빠져들면 신선한 관점을 유지하는 것이 전부입니다. 때로는 가장 똑똑한 움직임은 걸어 가서 다음날 돌아 오는 것입니다. 수정 사항이 적고 결과가 적어 장기적으로 시간을 절약 할 수 있습니다.

휴식을 취하는 것은 지연이 아닙니다. 과정의 일부입니다. 귀를 정확하게 유지하고 세부 사항에주의를 기울이고 믹스의 모든 부분에서 더 나은 전화를 걸도록 도와줍니다. 모든 생산자가 일찍 건설 해야하는 단순한 습관이 있다면, 이것이 바로 이것입니다.

자신의 사운드를 개발하는 방법

창조적 자유와 음악적 상상력을 넓 힙니다

음악 제작은 규칙을 어기는 것이 종종 가장 좋은 방법 인 몇 안되는 창의적인 공간 중 하나입니다. 진정으로 당신의 사운드를 개발하려면 안전한 공식을 버리고 자유롭게 실험해야합니다. 이는 예기치 않은 질감을 겹치거나 전통적인 노래 구조를 구부리거나 이상한 비면음 소리 주위에 트랙을 건축하는 것을 의미 할 수 있습니다. 이러한 아이디어 중 일부는 작동하지 않습니다. 이것이 바로 요점입니다. 실패한 모든 실험은 당신에게 무언가를 가르쳐줍니다. 시간이 지남에 따라 분위기에 맞는 것이 무엇인지 인식하고 의도적으로 형성하는 방법을 배우기 시작할 것입니다.

경계를 더 많이 추진할수록 더 명확하게 예술적 정체성이 나타날 것입니다. 다른 사람에게 효과가있는 것을 복사하는 대신 자신의 관점을 통해 아이디어를 재 작업하기 시작합니다. 이것이 독창성이 뿌리를 내리는 곳입니다.

협력과 뮤지컬 커뮤니티의 힘

다른 예술가들과 함께 일하는 것은 창의적으로 성장하는 가장 빠른 방법 중 하나입니다. 협업은 새로운 관점을 가져오고 스스로 찾을 수 없었던 아이디어로 이끌 수 있습니다. 때로는 보컬리스트 또는 다른 프로듀서와의 자발적인 세션의 단일 의견이 트랙에 접근하는 방법을 완전히 재구성 할 수 있습니다.

커뮤니티도 마찬가지로 중요합니다. 도전에 참여하거나 온라인 프로듀서 포럼에서 놀거나 지역 모임에 참여하든 다른 사람들과 연결하면 날카 로워집니다. 당신의 열정을 나누는 사람들에 둘러싸여 있으면 당신이 향상시킬 수 있습니다. 실수는 실패가 아니라 앞으로 나아갈 수 있습니다. 성장은 독립적으로 발생하지 않습니다. 아이디어를 더 많이 교환할수록 소리는 실제적이고 개인적인 것으로 발전합니다.

창의적 잠재력을 잠금 해제하는 방법

개인적인 소리 개발

자신의 소리를 찾는 것은 관찰과 실험으로 시작됩니다. 스타일, 문화 및 제작 접근 방식에서 더 많은 음악을들을수록, 당신과의 공명을 더 명확하게 인식하기 시작합니다. 목표는 복사하는 것이 아니라 자신의 방식으로 이러한 영향을 재 해석하는 것입니다.

이상한 샘플, 예상치 못한 전환, 비 전통적인 처리 - 이러한 것들은 처음에는 무작위로 느껴질 수 있지만 시간이 지남에 따라 창의적인 지문의 일부가됩니다. 패턴은 자연스럽게 나타납니다. 당신은 어떤 결정이 당신의 취향을 일관되게 반영하고 음악이 다른지들을 수 있습니다. 점진적인 과정이지만, 그것이 당신의 소리를 개인적이고 기억에 남는 이유입니다.

음악을 통해 목소리를 공유합니다

트랙을 만드는 것은 여행의 절반에 불과합니다. 나머지 절반은 그것을 거기에 넣고 사람들이 그것과 연결하도록합니다. 그리고 오디오보다 더 많은 것을 공유 할 때 그 연결은 더 강해집니다. 과정, 영감, 트랙의 특정 순간의 이야기에 대해 이야기하십시오. 그런 종류의 개방성은 사람들을 끌어들입니다.

스트리밍 서비스, 소셜 미디어, 라이브 쇼와 같은 모든 플랫폼을 사용하십시오. 개인 캡션이있는 짧은 비디오 클립이나 데모조차도 컨텍스트없이 출시 된 세련된 트랙보다 더 매력적일 수 있습니다. 청취자는 최종 제품을 원하지 않고 뒤에있는 사람을 알고 싶어합니다. 더 정직하고 직접적 일수록 더 많은 음악이 공명 할 것입니다. 방송 사운드뿐만 아니라 실제로 실제 무언가를 의사 소통 할 때 사람들은 눈치 채고 있습니다.

새로운 음악 제작자를위한 최종 생각

음악 제작은 기술 단계에 관한 것이 아니라 이러한 도구가 아이디어를 표현하는 데 도움이되는 방법에 관한 것입니다. 처음에는 플러그인, 장비 및 끝없는 조언으로 압도 당하기가 쉽습니다. 그러나 열쇠는 한 번에 모든 것을 배우는 것이 아닙니다. 간단하게 시작하십시오 : 설정에 익숙해지고 귀를 훈련시키고 익숙하지 않은 느낌을 탐구하는 것을 두려워하지 마십시오.

좋은 소식은, 당신은 비싼 장비 나 정식 교육이 필요하지 않다는 것입니다. 랩톱, 무료 소프트웨어 및 학습에 대한 실질적인 관심을 갖추면 이미 필요한 것을 이미 가지고 있습니다. 다른 모든 것은 시간과 연습과 함께 제공됩니다. 다른 사람들이 어떻게 작동하는지, 아이디어를 빌리고, 스타일에 맞게 조정하고, 실수를 두려워하지 마십시오. 당신은 즉시 작동하는 것보다 잘못된 일에서 더 많은 것을 배울 것입니다.

당신이 계속해서 스스로에게 물어봐야 할 한 가지 질문은 다음과 같습니다.이 트랙으로 실제로 무엇을 말하려고 하는가? 그것이 의미가 사는 곳입니다. 음악이 실제, 개인적인 것을 반영하면 공명합니다. 처음에는 한 사람 만 연결하더라도 여전히 승리입니다. 결국, 그것은 완벽에 관한 것이 아닙니다. 정직한 느낌을 만드는 것입니다. 그리고 정직 할 때 사람들도 그것을 느낄 것입니다.