Muziek maken

Tot voor kort moest iedereen die geïnteresseerd was in het maken van muziek begrijpen dat het proces zelf een zorgvuldige voorbereiding en oefening vereist. Door het ontbreken van plug-ins en multitrack-sequencers moest het materiaal herhaaldelijk worden gerepeteerd totdat het bijna automatisch ging. In de studio moest alles foutloos, synchroon en zonder fouten worden gespeeld.

Met de komst van computerprogramma's kregen muzikanten echter de mogelijkheid om meerdere takes op te nemen en tracks moeiteloos te bewerken met slechts een paar muisklikken. Tegenwoordig kan men gemakkelijk een hit produceren vanuit het comfort van zijn eigen huis, zoals veel hedendaagse zangers hebben bewezen door hun ervaringen.

Wat zijn de vereisten om muziek te maken?

Een hoogwaardige professionele studio biedt ongetwijfeld aanzienlijke voordelen als het gaat om apparatuur. Deze studio's beschikken doorgaans over ruime geluiddichte ruimtes met een uitstekende akoestiek, hoogwaardige compressors en equalizers, een ruime keuze aan microfoons, een analoge mengtafel, een goed uitgeruste controlekamer met meerdere monitorlijnen en nog veel meer.

Een thuisstudio heeft echter zijn eigen voordelen op het gebied van budget en efficiëntie. Als je elektronische muziek maakt met een computer en plug-ins, heb je geen geluiddichte kamers of een groot aantal microfoons nodig. Je gaat tenslotte geen volledig orkest, drums of een vleugelpiano opnemen. Het enige wat je hoeft te doen is je concentreren op de essentie en aan de slag gaan. Dus, welke apparatuur heb je nodig om een complete thuisproductiestudio in te richten?

• Computer;
• Sequencer met plug-ins;
• Audio-interface;
• Monitoren;
• Koptelefoon;
• Microfoon;
• Midi-keyboard;
• Gitaar, basgitaar (als je speelt);
• Gedempte ruimte;
• Rekken en kabels.

Tegenwoordig hoef je niet langer gigabytes aan software op je computer te installeren om je eigen muziek te componeren. Met een sequencer zoals Amped Studio kun je rechtstreeks in je webbrowser muziek produceren, omdat alle essentiële functies, tools en plug-ins al zijn inbegrepen. In deze online sequencer vind je een audio-editor, een MIDI-editor, synthesizers, samplers en bewerkingseffecten. In werkelijkheid kun je met een online sequencer dus zonder extra software aan de slag.

Welke andere apparatuur is niet nodig om muziek te maken? Monitoren kunnen worden vervangen door een hoofdtelefoon van hoge kwaliteit, waardoor akoestische ruimtebehandeling overbodig wordt. Als u geen MIDI-keyboard hebt, kunt u eenvoudig noten tekenen met een potlood in de MIDI-editor. In Amped Studio kunt u zelfs hele akkoorden tekenen met slechts één klik. Hoewel een microfoon handig is voor het opnemen van zang, is deze niet vereist.

Het enige wat je dus nodig hebt om muziek te maken, is een computer, een hoofdtelefoon, een audio-interface en een internetverbinding. Als je echter geen monitoren of microfoon hebt, kun je ook de audio-interface achterwege laten. Is het mogelijk om helemaal zonder computer muziek te maken? Tegenwoordig is dat mogelijk met mobiele muziekproductie op een smartphone of tablet.

Hoe kun je muziek maken zonder een computer te gebruiken?

Een online sequencer werkt in een webbrowser op een computer, laptop, tablet of smartphone, waardoor je elk mobiel apparaat met internetverbinding kunt gebruiken om muziek te componeren. Deze programma's hebben geen speciale systeemvereisten en je hoeft geen software, samplerbibliotheken of virtuele instrumenten en effectplug-ins te downloaden.

Het online formaat stroomlijnt het proces van muziekcompositie, waardoor je snel muzikale ideeën kunt vastleggen, zelfs als je niet achter je computer zit met een sequencer. Open gewoon de website op je smartphone of tablet en noteer een melodie, beat of hook. Later, wanneer je weer achter je computer zit, kun je je project eenvoudig afronden.

Amped Studio, een online sequencer, is ongelooflijk gebruiksvriendelijk en biedt een breed scala aan functies voor het componeren van muziek. Het werkt in een multitrack-formaat, neemt audio en MIDI op van externe bronnen en bewerkt audio- en MIDI-clips. Bovendien biedt het een verscheidenheid aan loops, samplers en MIDI-patronen en bevat het ingebouwde virtuele instrumenten en plug-ins. Met deze functies is het al mogelijk om uitsluitend met hun hulp muziek te maken. Hier is een lijst met basisapparatuur:

• Synthesizer;
• Sampler;
• Drumcomputer ;
• Compressor;
• Equalizer;
• Delay;
• Reverb;
• Horus;
• Distortion.

Bovendien maakt Amped Studio het mogelijk om VST's vanaf een computer aan te sluiten, wat doorgaans geen functie is van online sequencers. Verder biedt het een unieke functie die een gezongen melodie omzet in een reeks MIDI-noten. Daarnaast maakt Amped Studio het mogelijk dat meerdere gebruikers vanaf verschillende computers aan hetzelfde project kunnen samenwerken, wat een functie is die niet vaak voorkomt in stationaire programma's.

Deze software is met name geschikt voor beatmakers, componisten en songwriters die snel en efficiënt muziek willen maken. Het is ook uitstekend geschikt voor het arrangeren van muziek, en vocalisten, gitaristen en toetsenisten zullen de geluidsopnamefunctie bijzonder nuttig vinden. Zelfs mixtechnici kunnen profiteren van de mogelijkheden van Amped Studio om tracks in balans te brengen en er effecten op toe te passen.

Moet je kennis hebben van muziektheorie om muziek te maken?

Het zal je misschien teleurstellen, maar enige kennis van muziektheorie is essentieel voor een muzikant. Het goede nieuws is echter dat je niet alles hoeft te onthouden. Naarmate je je meer verdiept in de muziekwereld, raak je vanzelf vertrouwd met de concepten en wetten ervan. Zelfs als je niet bekend bent met de terminologie, kun je nog steeds een melodie maken. Sommige muzikanten hebben technieken onder de knie en kunnen snel interessante ideeën bedenken zonder de technische namen ervan te kennen.

Als je muziek maakt, moet je onderscheid kunnen maken tussen majeur- en mineurtoonladders (en andere toonsoorten), intervallen, maatsoorten, akkoorden, enzovoort. Misschien kun je het verschil horen tussen de sfeer die een kwart of een sext oproept, zelfs als je de namen ervan niet kent. Het is helemaal niet nodig om termen te kennen. Als je het tempo kunt aangeven met een getal, zoals 120 bpm, waarom zou je dan onthouden wat 'adagio', 'moderato', 'allegro' enz. betekenen?

Veel mensen vragen zich af of het mogelijk is om muziek te maken zonder muzieknotatie te kennen. In werkelijkheid is het moeilijk om een muziekproducent te vinden die muzieknotatie gebruikt in zijn werk en puntjes met vlaggetjes op de notenbalk plaatst. Snel van blad lezen is alleen nuttig voor orkestmusici, maar niet voor componisten en arrangeurs. Hoewel kennis je werk gemakkelijker, sneller en interessanter kan maken.

Sommige mensen maken willekeurig muziek en kiezen noten op het gehoor. Dit is ook een methode, maar wie bekend is met de kwart- en kwintcirkel, intervallen, frets, de plaatsing van kruizen en mollen in verschillende toonsoorten, kan zich gemakkelijk alle noten in zijn hoofd voorstellen en ze snel vinden op het toetsenbord of de toets. Als een muzikant inspiratie mist, kan hij vertrouwen op logica en kennis, maar dat mag hem nooit vertragen. Oefenen moet altijd op de eerste plaats komen.

Wat zijn de componenten van een liedje?

De meeste hedendaagse liedjes die voor een breed publiek zijn bedoeld, zijn opgebouwd uit repetitieve structuren. Je hoeft geen ingewikkelde arrangementen en verwarrende verhaallijnen te bedenken zoals in detectiveverhalen om muziek voor liedjes te maken, behalve in het geval van opera's of klassieke werken. Hieronder volgen de belangrijkste onderdelen van een typisch liedje:

• Introductie (Intro);
• Couplet (Vers);
• Overgang naar het refrein (Pre-chorus);
• Refrein;
• Playback (brug);
• Culminatie (Midden, Opbouw);
• Uitwisseling (Drop, Solo);
• Afsluiting (Outro, Coda).

Het schrijven van muziek volgt niet altijd een strikte code of formule. Niet alle stukken hoeven een climax te bevatten of een bepaalde structuur te volgen. Sommige nummers eindigen met een solo of refrein, terwijl andere alleen een couplet en refrein herhalen met een continu herhalend arpeggio als begeleiding. Zelfs de inzet van het refrein is niet altijd vereist. Desondanks is het belangrijk om zorgvuldig aandacht te besteden aan alle elementen van de compositie.

Inleiding. Voor het maken van muziek zijn er geen strikte regels. Sommige populaire nummers beginnen met een couplet, terwijl andere beginnen met een refrein. De standaardstructuur van een nummer bestaat meestal uit een intro, een bridge en een coda. De intro kan de melodie van het refrein, een specifiek deuntje of een van de hooks herhalen, maar kan ook volledig uniek zijn.

Hoofdgedeelte. De conventionele benadering van het componeren van muziek is om gewoon af te wisselen tussen coupletten en refreinen, waarbij elk gedeelte meestal twee of drie keer wordt herhaald. Het is echter belangrijk om toch dynamiek en drama in te bouwen. De coupletten moeten meer ingetogen, verhalend en rechttoe rechtaan zijn, vaak gezongen in een lager bereik om de toon te zetten voor het hoofdgedeelte. Het belangrijkste onderdeel is het refrein, dat dynamischer, levendiger, sterker, melodieuzer en rijker gearrangeerd moet zijn met hogere noten. In wezen leidt het hele nummer naar het refrein toe.

Pre-refrein. Het pre-refrein is een onderdeel dat vaak over het hoofd wordt gezien bij het maken van muziek. Het opnemen van een pre-refrein kan echter het drama versterken en de muziek intrigerender maken. Het pre-refrein verandert de sfeer van het couplet en creëert een intensere atmosfeer. Het dient als een brug tussen het rustige deel en het explosieve deel van het nummer en bereidt de luisteraar voor op de verandering. Het is vergelijkbaar met een geel verkeerslicht, dat aangeeft dat er iets spannends staat te gebeuren.

Opbouw. Deze methode kan de dramatische ontwikkeling van een muziekstuk versterken. Het creëert een moment van rust, een vertraging en een verandering in sfeer. In sommige gevallen kan het drumgedeelte worden weggelaten, terwijl de zangmelodie meestal een verandering ondergaat. Er zijn verschillende mogelijkheden voor dit gedeelte, waaronder een verschuiving van mineur naar majeur, het veranderen van het ritme, het creëren van een breakdown of de overgang naar een andere toonsoort. Het is echter ook mogelijk om dit gedeelte helemaal weg te laten.

Solo of drop. Bij het schrijven van muziek met een gitaar is het belangrijk om eindeloze solo's te vermijden. Houd in gedachten dat er een aangewezen plek is waar de leadgitaar kan schitteren. Elektronische stijlen hebben doorgaans geen solo's, maar ze hebben drops waarbij de muziek overgaat van een rustig of langzaam gedeelte naar een krachtig dansritme met zware synthesizers. Op dit punt kan er een rap zijn of gewoon een herhaling van het couplet.

Coda. Het laatste deel van het componeren van muziek wordt vaak over het hoofd gezien. Op dit punt kun je de bridge opnieuw introduceren, de solo naar een climax brengen of het refrein herhalen om een conclusie voor het nummer te creëren. De keuze is aan jou. Je hebt de mogelijkheid om een memorabel einde te creëren door een uniek en creatief slotgedeelte te maken.

Bridges en cutouts. Het kan een uitdaging zijn om muziek te maken die naadloos van het ene deel naar het andere overgaat, en niet alle luisteraars zullen dit waarderen. Het kan effectief zijn om na een krachtig refrein een korte pauze of intermezzo in te lassen, zoals een akkoordprogressie of een solo in de bridge. Drumfills, hooks of kleine harmonische verschuivingen worden vaak toegevoegd aan elk deel om het nummer interessanter en boeiender te maken.

Ontwikkeling is een van de basisprincipes van het maken van muziek. Het is waar dat veel nummers uit repetitieve delen bestaan, maar dat betekent niet dat ze eentonig hoeven te zijn. Elk deel, inclusief het tweede couplet en refrein, moet nog steeds enige evolutie of variatie ten opzichte van het vorige deel hebben om het interessant te houden. Dit kan worden bereikt door nieuwe elementen toe te voegen of dingen te veranderen. Het is zelfs ideaal om elke maat iets nieuws te introduceren om de aandacht van de luisteraar vast te houden.

Hoe kun je variatie aanbrengen in je muziek als het gaat om coupletten? Je kunt een melodisch instrument met contrapunt toevoegen aan het tweede couplet, percussie, achtergrondzang of een tweede gitaar toevoegen, de bas verdikken, de hi-hat iets aanpassen, het gitaararpeggio veranderen, een fill pad invoegen of de bas extra fills laten spelen. Deze technieken kunnen ook worden toegepast op het refrein.

Je hoeft niet al deze trucs tegelijk te gebruiken. Er zijn eindeloze mogelijkheden om interessante muziek te creëren, en iets nieuws bedenken is de essentie van creativiteit. Hoe origineler en innovatiever je ideeën, hoe beter. Herhaling is echter ook essentieel om je nummer in het geheugen van de luisteraar te laten blijven hangen.

Het maken van muziek vereist een evenwicht tussen het gebruik van beproefde technieken en het experimenteren met nieuwe technieken. Het gaat erom verwachtingen te creëren en deze vervolgens te ondermijnen om de luisteraar geboeid te houden. Herhaling creëert een hypnotiserend effect dat de luisteraar meesleept, maar door dat patroon te doorbreken kun je hem verrassen en prikkelen. Uiteindelijk draait het allemaal om het beheersen van de ervaring van de luisteraar door zorgvuldig gebruik te maken van herhaling en variatie.

Instrumentatie en arrangement. Vanuit een dynamisch perspectief hebben we onderzocht hoe je muziek kunt maken door de instrumenten en instrumentgroepen in een synchroon aspect te beschouwen. Elk nummer heeft een unieke set instrumenten die gedurende de hele compositie worden bespeeld, en de kern van het nummer mag niet worden gewijzigd, anders klinkt het onsamenhangend. Waaruit bestaat deze kern dan?

De instrumentatie van een nummer kan worden onderverdeeld in verschillende belangrijke componenten, waaronder:

• Het hoofdinstrument, dat zowel zang als een lead-synthesizer kan zijn en als middelpunt van het nummer fungeert;
• De ritmesectie, bestaande uit drums en bas, die de basisgroove en puls van de muziek vormen;
• Ondersteunende instrumenten, waaronder ritmegitaar, piano, orgel of andere instrumenten die harmonische en ritmische ondersteuning bieden;
• Tweede solo-instrument, dat een leadgitaar kan zijn, een synthesizerlead die samenwerkt met het hoofdinstrument, of een ander melodisch instrument dat wordt gebruikt voor de drop of andere secties;
• Vullers, waaronder pads, effecten, percussie en andere elementen die textuur en sfeer aan de muziek toevoegen.

Om aangename en samenhangende muziek te schrijven, moeten alle partijen in dezelfde toonsoort worden gecomponeerd en moet dissonantie worden vermeden. Als twee instrumenten tegelijkertijd dissonante intervallen spelen, zoals tritonen of septiemakkoorden, kan dat onaangenaam klinken. Als deze intervallen echter door één instrument in een specifieke stijl en context worden gespeeld, kunnen ze geweldig klinken. Daarnaast moet ritmische verwarring worden vermeden.

Bij het maken van muziek worden instrumentale lijnen met elkaar verweven, waarbij alleen de verbeeldingskracht van de componist de grenzen bepaalt. Dialoog en gemeenschappelijke melodieën tussen instrumenten, evenals unisono spelen, zijn veelgebruikte technieken, vooral tussen gitaar en bas. Om een duidelijke beat te creëren, moeten alle elementen worden aangepast aan het ritme, waarbij de basgitaar vaak gedeeltelijk de zangmelodie herhaalt en de drums het ritme aansturen.

Het is belangrijk om je bij het schrijven van muziek aan stijlnormen te houden, maar er is altijd ruimte voor experimenten. Funkbas staat bijvoorbeeld bekend om het gebruik van syncopatie, en in metal vormt een herhalende riff het patroon van het nummer in plaats van akkoorden.

Inzicht in muziektheorie is essentieel voor effectieve compositie, maar het is belangrijk om dit in de context van praktisch gebruik te leren. Technische termen als 'syncope', 'zwakke maat', 'septima' en 'contrapunt' moeten misschien worden verduidelijkt, maar het beheersen ervan door middel van doelgerichte oefening is de sleutel tot het onthouden van de kennis.

Hoe wordt het nummer gemaakt?

Zelfs vandaag de dag blijft het schrijven van muziek een uitdagende taak. Voor de gemiddelde persoon is het meest magische, complexe en cruciale aspect van het proces de compositie zelf. Dit geldt misschien voor auteurs die hun muziek niet zelfstandig produceren. In werkelijkheid doorloopt een nummer echter verschillende stadia van verfijning voordat het aan een breed publiek wordt gepresenteerd. Er zijn verschillende stappen nodig om een ruw idee te verfijnen:

• Songwriting;
• Arrangement;
• Geluidsopname;
• Bewerking;
• Mixen;
• Mastering.

In een ideaal scenario zijn er verschillende rollen betrokken bij het maken van muziek: de auteur schrijft de muziek, de arrangeur verzorgt de arrangementen, de opnametechnicus verzorgt de opname, de assistent-geluidstechnicus verzorgt de montage, de mixtechnicus verzorgt de mixage en ten slotte verzorgt de masteringtechnicus de laatste afwerking. In de praktijk arrangeert de auteur echter vaak zijn eigen nummers en is er vaak maar één geluidstechnicus verantwoordelijk voor de opname, montage en mixage.

Songwriting. De persoon die de muzikale compositie creëert, staat bekend als de auteur. De auteur is verantwoordelijk voor het bedenken van de zangmelodie en het creëren van een basisbegeleiding op de piano of gitaar. In dit stadium kan een andere persoon de tekst schrijven. Zodra de basis van het nummer is gelegd, stuurt de auteur het ruwe ontwerp meestal naar een ervaren arrangeur voor verdere verfijning.

Arrangement. In werkelijkheid vindt het meest magische deel van het maken van muziek plaats tijdens de arrangeerfase. De arrangeur is verantwoordelijk voor het selecteren van de instrumenten, het afronden van de harmonieën, het ontwikkelen van muzikale ideeën en het creëren van overgangen en hooks. Pas nadat het arrangement is voltooid, komt de muziek echt tot leven in al zijn glorie.

Geluidsopname. Zodra het arrangement klaar is, moeten er minimaal zuivere zangpartijen worden opgenomen. Als je muziek met live-instrumenten hebt geschreven, moet je ook drums, gitaren, violen, trompetten, vleugelpiano's en alle andere instrumenten opnemen die de arrangeur in het nummer heeft opgenomen. Hiervoor zijn zowel muzikanten als een opnamestudio nodig.

Bewerking. Het kwantiseren van MIDI-partijen is een eenvoudig proces, maar het bewerken van microfoontracks kan een uitdaging zijn. Zelfs als je alleen met vocale opnames werkt, moet je zorgvuldig takes selecteren, hun timing en volume aanpassen, eventuele toonhoogteproblemen corrigeren en ongewenste ruis zoals klikken, pops en achtergrondgeluiden verwijderen.

Mixen. Zodra alle tracks tot in de perfectie zijn gepolijst, gaat de geluidstechnicus ermee aan de slag. Hij past de volumeniveaus aan en gebruikt equalizers, compressors, saturators en reverbs om de tracks te bewerken. Ook dit is een tijdrovend proces en soms kan mixen net zo uitdagend zijn als het componeren van de muziek.

Mastering. Wanneer de geluidstechnicus klaar is met het bewerken van meerdere tracks, ontvangt de masteringtechnicus één enkel bestand: de voltooide mix. Zijn taak is om het geluid te perfectioneren met behulp van eersteklas monitoren, hoogwaardige apparatuur en een ruimte met een ideale akoestiek.

Promotie. Hoewel deze fase niet het schrijven van muziek zelf omvat, is deze even cruciaal. Het is essentieel om een bepaald budget uit te trekken voor reclame, promotiecampagnes en het uitbrengen van het nummer op streamingplatforms. Zonder de juiste promotie kan zelfs een potentiële superhit onopgemerkt blijven. Daarom is het essentieel om hier rekening mee te houden tijdens het werken aan muziek.

Enkele tips om te onthouden

1. Laat je niet tegenhouden door theorie . Beginnen met het schrijven van muziek is eenvoudig als je jezelf niet laat tegenhouden door te denken dat je niet genoeg weet of niet over de nodige vaardigheden beschikt. Gebruik theorie alleen als dat nodig is en raadpleeg deze wanneer je het gevoel hebt dat je meer kennis nodig hebt.
2. Analyseer je favoriete nummers . Een geweldige manier om je vaardigheden op het gebied van het schrijven van muziek te verbeteren, is door hits te analyseren. Door de logica achter succesvolle nummers te begrijpen, kun je leren schrijven als een professional. Ontleed populaire nummers en probeer ze na te maken, waarbij je interessante oplossingen noteert. Het raadplegen van succesvolle nummers kan ook nuttig zijn bij het werken aan je eigen materiaal;
3. Streef naar originaliteit . Veel mensen geloven dat succesvolle muziekmakers bepaalde universele regels volgen. Als je echter een paar tijdloze hits bekijkt, zul je ontdekken dat elk van hen zijn eigen unieke smaak heeft. Wees daarom niet bang om te experimenteren en probeer iets te bedenken dat het publiek zal boeien met zijn originaliteit;
4. Let op trends . Overweeg om de voorkeuren van het hedendaagse publiek te verkennen om muziek te maken die populair zal zijn. Hoewel het belangrijk is om trouw te blijven aan je eigen muziekstijl, kun je inspiratie vinden in het ontdekken van wat resoneert met luisteraars in de huidige markt.
5. Schrijf muziek op een eenvoudige manier . Blijf niet te lang hangen in het arrangeren van muziek. Probeer het snel af te maken en voorkom dat je vastloopt in het proces. Veel muzikanten worstelen met onafgemaakte demo's omdat ze verstrikt raken in het streven naar perfectie. Het is belangrijk om te weten wanneer je prioriteit moet geven aan voltooiing boven perfectionisme.

Het belangrijkste advies is om actie te ondernemen. Wacht niet tot je de muziektheorie perfect begrijpt, dure apparatuur of plug-ins aanschaft. Oefening en ervaring leren je meer dan theoretische kennis of hulpmiddelen.

Als je geen studiomonitors hebt, gebruik dan een koptelefoon. Als je geen software kunt betalen, gebruik dan de gratis sequencer. Tegenwoordig kun je online muziek gaan maken door gewoon je computer aan te zetten. Uiteindelijk zul je de apparatuur aanschaffen die je wilt, maar concentreer je in de tussentijd op het gebruik van wat je hebt om je vaardigheden te ontwikkelen. Wie weet ben je al een geweldige producer tegen de tijd dat je je droomapparatuur hebt. Het is helemaal aan jou.