Czym jest harmonia w muzyce

Te elementy harmonii pozostają ze sobą w ścisłej interakcji. Melodia jest postrzegana jako harmonijna, gdy jest tworzona zgodnie z pewnymi zasadami łączenia dźwięków. Aby opanować te zasady, konieczne jest zapoznanie się z podstawowymi pojęciami harmonii, czyli kategoriami, które w mniejszym lub większym stopniu są powiązane z pojęciem „harmonii”.

Interwały

Podstawową jednostką harmonii jest interwał, który definiuje się jako różnicę półtonów pomiędzy dwoma nutami. Z koncepcją półtonów spotkaliśmy się już na poprzednich lekcjach, więc nie spodziewamy się żadnych szczególnych trudności w zrozumieniu.

Odmiany prostych interwałów:

• Prima – 0 półtonów lub unisono;
• Sekunda mała – 1 półton;
• Sekunda wielka – 2 półtony;
• Tercja mała – 3 półtony;
• Tercja wielka – 4 półtony;
• Kwarta doskonała – 5 półtonów;
• Kwarta rozszerzona – 6 półtonów lub tryton (3 tony);
• Kwinta zmniejszona – 6 półtonów lub tryton (3 tony);
• Kwinta doskonała – 7 półtonów;
• Seksta mała – 8 półtonów;
• Seksta wielka – 9 półtonów;
• septyma mała – 10 półtonów;
• Major siódmy
• septyma wielka – 11 półtonów;
• Oktawa – 12 półtonów.

Zatem proste interwały oznaczają różnice w brzmieniu nut znajdujących się w tej samej oktawie. Interwały większe niż oktawa nazywane są interwałami złożonymi.

Rodzaje przedziałów złożonych:

• Minor none – sekunda mała + oktawa = 13 półtonów;
• Major none – sekunda wielka + oktawa = 14 półtonów;
• Minor decima – tercja mała + oktawa = 15 półtonów;
• Major decima – tercja wielka + oktawa = 16 półtonów;
• Czysta undecima – czysta kwarta + oktawa = 17 półtonów;
• Undecima wzmocniona – kwarta wzmocniona + oktawa = 18 półtonów;
• Dwunastnica zmniejszona – kwinta zmniejszona + oktawa = 18 półtonów;
• Czysta dwunastnica – czysta kwinta + oktawa = 19 półtonów;
• Trzecia mała dziesiętna – szósta mała + oktawa = 20 półtonów;
• Tercidecima durowa – seksta wielka + oktawa = 21 półtonów;
• Minor quartdecima – septyma mała + oktawa = 22 półtony;
• Major quartdecima – septyma wielka + oktawa = 23 półtony;
• Quintdecima – 2 oktawy = 24 półtony.

Pytanie pierwsze i główne: jak o tym pamiętać? To właściwie nie jest takie trudne.

Jak i dlaczego pamiętać o interwałach

Nauka i odtwarzanie różnych interwałów, a także ich nazw jest ważne w edukacji muzycznej. Możesz zacząć od dowolnego klawisza, ponieważ w tym kontekście wybór nuty początkowej nie jest krytyczny. Najważniejsze jest dokładne określenie liczby półtonów między nutami. Na przykład powtórzenie tego samego klawisza tworzy interwał wynoszący 0 półtonów, podczas gdy naciśnięcie dwóch sąsiadujących klawiszy tworzy interwał wynoszący 1 półton i tak dalej. W aplikacji edukacyjnej możesz dla wygody dostosować liczbę klawiszy na ekranie.

Znajomość interwałów jest ważna nie tylko dla wiedzy teoretycznej, ale także dla praktycznego zastosowania. Opanowanie tej umiejętności pozwoli Ci z łatwością wybierać melodie ze słuchu, zarówno do gry głosowej, jak i instrumentalnej. Jest to główny powód, dla którego wiele osób rozpoczyna naukę gry na instrumentach muzycznych, takich jak gitara, skrzypce, pianino czy perkusja.

Znajomość nazw interwałów ułatwi także zrozumienie utworów muzycznych opartych na określonych akordach, co często ma miejsce w muzyce rockowej. Na przykład, wiedząc, że doskonała kwinta ma 7 półtonów, możesz łatwo zidentyfikować i zagrać akordy kwintowe podczas słuchania linii basu, ponieważ zwykle brzmią one wyraźniej, co jest szczególnie ważne dla początkujących.

Aby rozwinąć słuch muzyczny, ważne jest, aby spróbować określić podstawowy ton (tonikę) utworu muzycznego. Możesz to zrobić za pomocą aplikacji do nauki lub prawdziwego instrumentu, grając nuty w poszukiwaniu harmonii z prymą kompozycji. Konsekwentne naciskanie klawiszy w obrębie oktawy lub granie nut na gitarze pomoże określić tonikę unisono.

Dodatkowe metody rozwijania słuchu muzycznego zostaną omówione na kolejnych lekcjach. W tej chwili naszym głównym zadaniem jest zwizualizowanie Państwu koncepcji interwału w muzyce. Interwały można również oznaczać w stopniach, gdzie uwzględniane są tylko główne stopnie skali, nie uwzględniając krzyżyków i bemolów, co jest szczególnie przydatne dla pianistów ze względu na przejrzystość rozmieszczenia białych klawiszy. Jednak dla większości innych muzyków wygodniej jest liczyć interwały w półtonach, ponieważ nie ma wizualnego oddzielenia stopni skali na instrumentach.

Nawiasem mówiąc, słowo „harmonia” ma wiele znaczeń i jest bezpośrednio związane z tematem harmonii.

Tryby

Drugim kluczowym elementem harmonii jest tryb, którego koncepcja ewoluowała na przestrzeni historii teorii muzyki. Różne epoki oferowały własne interpretacje tego trybu: jako system łączenia nut, organizowania ich interakcji lub hierarchia wysokości dźwięków. Współczesne rozumienie ma tendencję do definiowania trybu jako struktury relacji muzycznych skupionych wokół określonej nuty lub harmonii.

W uproszczeniu możemy, podobnie jak relacje w życiu, wyobrazić sobie, że harmonia w muzyce oznacza harmonijne połączenie dźwięków, tak jak niektóre rodziny mówią, że żyją w harmonii.

W kontekście użycia termin „tryb” jest często stosowany do pojęć takich jak mniejsze i większe. „Minor”, ​​pochodzące od łacińskiego mollis („miękki”, „łagodny”), kojarzy się z lirycznymi lub smutnymi utworami muzycznymi. Choć „dur”, wywodzący się z języka łacińskiego „dur” („duży”, „ważny”), często kojarzy się z kompozycjami bardziej energicznymi i optymistycznymi.

Zatem tryby mniejsze i większe są głównymi typami trybów, a cechy każdego z nich można zwizualizować, podkreślając te kroki (notatki), które odróżniają tryby mniejsze od głównych:

W codziennym odbiorze często spotyka się prosty podział mniejszego na „smutny” i większego na „radosny”. Jest to jednak dość arbitralne i nie zawsze odpowiada rzeczywistości. Drobna kompozycja niekoniecznie będzie brzmieć smutno, tak jak większa kompozycja nie zawsze oznacza radość. Obserwacja ta jest aktualna co najmniej od XVIII wieku. Na przykład „Sonata nr 16 C-dur” Mozarta ma momenty niepokoju, podczas gdy słynna piosenka dla dzieci o koniku polnym napisana jest w tonacji molowej.

Zarówno moll, jak i major zaczynają się od toniki, która stanowi podstawę skali. Następnie następuje naprzemienność dźwięków stabilnych i niestabilnych, charakterystycznych dla każdego trybu. Można to porównać do procesu wznoszenia muru, gdzie do uzyskania pożądanej wytrzymałości i struktury potrzebne są zarówno cegły, jak i zaprawa.

Później natkniesz się na termin „akord”. Aby uniknąć nieporozumień, warto zauważyć, że stopnie skali stabilnej i stopnie akordu podstawowego to różne pojęcia. Początkującym muzykom zaleca się stosowanie gotowych palcowań akordów, których zasady staną się jaśniejsze w miarę poznawania technik gry i opanowywania prostych melodii.

Również w specjalistycznej literaturze muzycznej można znaleźć odniesienia do modów takich jak joński, dorycki, frygijski, lidyjski, miksolidyjski, eolski i lokryjski. Mody te tworzone są na podstawie gamy durowej, gdzie tonikę wybiera się z jednego z jej stopni. Nazywa się je również modami naturalnymi, diatonicznymi lub greckimi.

Przejdźmy teraz do omówienia pojęć dur i moll, które są najczęściej używane w praktyce muzycznej. Terminy „tryb główny” i „tryb poboczny” zwykle wskazują określone tryby w tonacji harmonicznej. Przyjrzyjmy się definicjom tonalności w sensie ogólnym, a tonalności harmonicznej w szczególności.

Tonalność

Jaka jest zatem koncepcja tonalności? Podobnie jak w przypadku wielu terminów muzycznych, istnieje wiele definicji tonalności. Słowo „tonalność” pochodzi od łacińskiego „tonus”, co w kontekście anatomii i fizjologii oznacza długotrwałe napięcie i aktywność układu nerwowego, nie prowadzące do zmęczenia.

Wyrażenie „pozostań na palcach” jest dobrze znane poza kontekstem muzycznym i w muzyce znaczenie tego wyrażenia można interpretować podobnie. Melodia i harmonia utrzymane są przez cały utwór w pewnym „dźwięku muzycznym”.

Jak wspomniano, każdy tryb, czy to mniejszy, czy większy, pochodzi z toniki. Z dowolnej nuty, która służy jako baza lub tonik dla kompozycji, można zbudować zarówno modę molową, jak i durową. Względna wysokość progu w stosunku do jego toniki określa tonację. Dlatego pojęcie tonalności można opisać prostym wzorem.

Wzór tonalny:

Klawisz = tonik + tryb

Dlatego często podaje się definicję tonalności jako zasadę trybu, której główną kategorią jest tonika. Podsumujmy teraz.

Główne rodzaje tonów:

• Drobny;
• Główny.

Jak interpretować tę formułę tonalną i jej wariacje w rzeczywistości? Wyobraźmy sobie, że słuchamy utworu muzycznego w tonacji molowej, opartego na nucie „A”. Oznacza to, że utwór wykonywany jest w tonacji a-moll (Am). Należy zauważyć, że tonacje molowe są oznaczone literą „m” do toniki. Zatem symbol Cm oznacza „c-moll”, Dm oznacza „d-moll”, Em oznacza „e-moll” i tak dalej.

Kiedy w zapisie klawiszowym wielkie litery oznaczają poszczególne nuty – C, D, E, F i inne – oznacza to tonację durową.
Zatem utwór w C, D, E, F będzie w tonacji odpowiednio C-dur, D-dur, E-dur, F-dur. Tonacje modyfikowane w stosunku do stopnia podstawowego skali oznaczane są za pomocą ostrych i płaskich znaków. Zatem F♯m lub G♯m oznacza „fis-moll” lub „gis-moll”. Z drugiej strony oznaczenia z bemolem, takie jak A♭m (A-moll) lub B♭m (B-moll), wskazują na obniżone tonacje.

W tonacjach durowych obok toniki umieszcza się znaki ostre lub płaskie, bez dodatkowych symboli. Przykłady obejmują C ♯ (Cs-dur), D ♯ (D-dur), A ♭ (As-dur), B ♭ (B-dur). Istnieją również bardziej szczegółowe oznaczenia klawiszy, w których używane jest oznaczenie większy lub mniejszy, a słowa ostry lub płaski zastępują znaki ostre i płaskie.

Inne metody rejestracji tonów, rzadziej stosowane w codziennej praktyce, nie będą tutaj szczegółowo omawiane, ale można je przedstawić w formie materiałów ilustracyjnych.

Oto opcje reprezentowania kluczy pomocniczych i głównych :

Wszystkie wymienione rodzaje tonacji stanowią podstawę harmonii w muzyce, czyli wyznaczają tło harmoniczne dzieła.

Zatem tonacja harmoniczna jest systemem opartym na głównych i mniejszych zasadach harmonii tonalnej.

Ponadto istnieją inne formy tonalności. Przyjrzyjmy się im bliżej:

• Klawisze o tej samej nazwie oparte są na tej samej tonice, ale należą do różnych trybów, na przykład „f-moll” i „F-dur”;
• Klawisze równoległe różnią się odstępem tercji małej (3 półtony) pomiędzy tonikami mollowymi i durowymi, na przykład „A-moll” i „C-dur”, „Gis-moll” i „B-dur”;
• Klawisze jednej trzeciej mają wspólną tercję i różnią się sekundą małą (1 półton), na przykład „C-dur” i „Cs-moll” ze wspólną tercją „E”.

Waga

Aby łatwo opanować koncepcję skali, musisz dobrze zrozumieć, czym jest tryb i tonacja. O bardziej szczegółowej analizie tych tematów można dowiedzieć się z poprzednich artykułów, z którymi warto się zapoznać dla lepszego zrozumienia :))

Pomoże Ci w tym pięć krótkich i jasnych artykułów.

Krótko o trybach i klawiszach:

• Skala to sposób porządkowania notatek. Metod tego typu (trybów) jest wiele, ale od 400 lat najbardziej popularne są tony durowe i molowe, zorganizowane wokół nuty prymy. Obydwa tryby mają 7 kroków (nuty o różnej wysokości);
• Gamma powstaje, gdy nuty gamy durowej lub molowej są ułożone w kolejności rosnącej lub malejącej od toniki do toniki w obrębie jednej lub więcej oktaw. Zatem skala jest sekwencją wszystkich nut skali. Innymi słowy, są to nuty skali granej sekwencyjnie w górę i w dół przez dowolną liczbę oktaw;
• Tonacja określa, czy tonacja durowa czy molowa jest tonowana. Oznacza to wybranie konkretnej nuty dla pierwszego stopnia, z której następnie budowane są pozostałe stopnie durowe lub molowe. Przykładowo nazwa „G-dur” oznacza tonację, w której dur zaczyna się od toniki na nucie G. Bardziej szczegółowe informacje na ten temat znajdują się w osobnym artykule, więc nie będziemy się tutaj zagłębiać.

Czym różni się skala od skali?

Skala to seria dźwięków uporządkowanych według wysokości, rosnącej lub malejącej. Gamma to specyficzny rodzaj skali, która budowana jest w ramach pewnego trybu, a nie prostej listy dźwięków ułożonych wysokościowo. Dlatego chociaż terminy te wydają się podobne, istnieją między nimi różnice. Skala może być wykonana w dowolnej kolejności i zawierać dowolną liczbę nut – od trzech lub więcej. Wykonanie gamy polega natomiast na obecności tylko tych dźwięków, które należą do określonego trybu i wykonywane jest od toniki początkowej do końcowej, obejmującej minimum 8 kroków.

Poćwicz odgrywanie różnych przykładów skal i skal, aby samemu odkryć podobieństwa i różnice między skalami i skalami.

Po co grać gamami?

• Po pierwsze, regularna praktyka gam przyczynia się do rozwoju techniki gry, poprawia elastyczność i szybkość ruchu palców. Skale i fragmenty przypominające skalę często można znaleźć w utworach muzycznych, zwłaszcza gdy trzeba wykonać szybkie fragmenty, które przebiegają przez sekwencję nut w skali. Opanowanie gam znacznie ułatwia naukę takich fragmentów muzycznych, skracając czas potrzebny na ich opanowanie;
• Po drugie, ćwiczenie gam poprawia zdolność muzyka do poruszania się po różnych tonacjach i szybkiego znajdowania odpowiednich nut. Niewiele utworów muzycznych ogranicza się wyłącznie do użycia białych klawiszy, jak ma to miejsce w przypadku C-dur. Tak naprawdę większość kompozycji zawiera wiele innych tonacji, które wymagają silnego opanowania zarówno białych, jak i czarnych klawiszy.