Czym jest harmonia w muzyce

Te elementy harmonii są ze sobą ściśle powiązane. Melodia jest postrzegana jako harmonijna, gdy jest tworzona zgodnie z pewnymi zasadami łączenia dźwięków. Aby opanować te zasady, konieczne jest poznanie podstawowych pojęć harmonii, czyli kategorii, które w mniejszym lub większym stopniu są powiązane z pojęciem „harmonii”.

Interwały

Podstawową jednostką harmonii jest interwał, który definiuje się jako różnicę półtonów między dwoma dźwiękami muzycznymi. Pojęcie półtonów poznaliśmy już w poprzednich lekcjach, więc nie należy się spodziewać szczególnych trudności w jego zrozumieniu.

Rodzaje interwałów prostych:

• Prima – 0 półtonów lub unisono;
• Mała sekunda – 1 półton;
• Sekunda wielka – 2 półtony;
• Tercja mała – 3 półtony;
• Tercja wielka – 4 półtony;
• Kwarta czysta – 5 półtonów;
• Kwarta zwiększona – 6 półtonów lub tryton (3 tony);
• Kwinta zmniejszona – 6 półtonów lub tryton (3 tony);
• Kwinta czysta – 7 półtonów;
• Seksta mała – 8 półtonów;
• Seksta wielka – 9 półtonów;
• Septyma mała – 10 półtonów;
• Siódma duża
• Septyma wielka – 11 półtonów;
• Oktawa – 12 półtonów.

Zatem interwały proste oznaczają różnice w brzmieniu nut w obrębie tej samej oktawy. Interwały dłuższe niż oktawa nazywane są interwałami złożonymi.

Rodzaje interwałów złożonych:

• Mała żadna – mała sekunda + oktawa = 13 półtonów;
• Nona wielka – sekunda wielka + oktawa = 14 półtonów;
• Minor decima – tercja mała + oktawa = 15 półtonów;
• Major decima – tercja wielka + oktawa = 16 półtonów;
• Czysta undecima – czysta kwarta + oktawa = 17 półtonów;
• Undecima wzmocniona – kwarta wzmocniona + oktawa = 18 półtonów;
• Dwunastnica zmniejszona – kwinta zmniejszona + oktawa = 18 półtonów;
• Czysta dwunastnica – czysta kwinta + oktawa = 19 półtonów;
• Trzecia mała dziesiętna – szósta mała + oktawa = 20 półtonów;
• Tercidecima durowa – seksta wielka + oktawa = 21 półtonów;
• Kwartadecyma mała – septyma mała + oktawa = 22 półtony;
• Kwartadecyma wielka – septyma wielka + oktawa = 23 półtony;
• Quintdecima – 2 oktawy = 24 półtony.

Pierwsze i najważniejsze pytanie: jak to zapamiętać? To wcale nie jest takie trudne.

Jak i dlaczego zapamiętywać interwały

Nauka i odtwarzanie różnych interwałów, a także ich nazw, jest ważne w edukacji muzycznej. Możesz zacząć od dowolnej tonacji, ponieważ w tym kontekście wybór nuty początkowej nie jest kluczowy. Najważniejsze jest dokładne określenie liczby półtonów między nutami. Na przykład, powtarzanie tej samej tonacji tworzy interwał 0 półtonów, a granie dwóch sąsiednich klawiszy tworzy interwał 1 półtonu i tak dalej. W aplikacji do nauki możesz dostosować liczbę klawiszy na ekranie dla wygody.

Znajomość interwałów jest ważna nie tylko dla wiedzy teoretycznej, ale także dla praktycznego zastosowania. Opanowanie tej umiejętności pozwoli Ci z łatwością dobierać melodie ze słuchu, zarówno do śpiewu, jak i do gry na instrumencie. To główny powód, dla którego wiele osób rozpoczyna naukę gry na instrumentach muzycznych, takich jak gitara, skrzypce, fortepian czy perkusja.

Znajomość nazw interwałów ułatwi Ci również zrozumienie utworów opartych na określonych akordach, co często zdarza się w muzyce rockowej. Na przykład, wiedząc, że kwinta czysta ma 7 półtonów, możesz łatwo rozpoznawać i grać akordy kwintowe podczas słuchania linii basowych, ponieważ zazwyczaj brzmią one wyraźniej, co jest szczególnie ważne dla początkujących.

Aby rozwinąć słuch muzyczny, ważne jest, aby spróbować określić tonikę podstawową utworu. Można to zrobić za pomocą aplikacji do nauki lub prawdziwego instrumentu, grając nuty w poszukiwaniu unisono z tonacją utworu. Konsekwentne naciskanie klawiszy w obrębie oktawy lub granie nut na gitarze pomoże określić tonikę poprzez unisono.

Dodatkowe metody rozwijania słuchu muzycznego zostaną omówione w kolejnych lekcjach. W tej chwili naszym głównym zadaniem jest zwizualizowanie pojęcia interwału w muzyce. Interwały można również oznaczać stopniami, uwzględniając jedynie główne stopnie gamy, bez krzyżyków i bemoli, co jest szczególnie przydatne dla pianistów ze względu na czytelne rozmieszczenie białych klawiszy. Jednak dla większości innych muzyków wygodniejsze jest liczenie interwałów w półtonach, ponieważ na instrumentach nie ma wizualnego podziału na stopnie gamy.

Nawiasem mówiąc, słowo „harmonia” ma wiele znaczeń i jest bezpośrednio związane z tematem harmonii.

Tryby

Drugim kluczowym elementem harmonii jest modus, którego koncepcja ewoluowała na przestrzeni dziejów teorii muzyki. Różne epoki proponowały własne interpretacje modusu: jako systemu łączenia dźwięków, organizacji ich interakcji lub hierarchii wysokości dźwięków. Współczesne rozumienie definiuje modus jako strukturę relacji muzycznych skupioną wokół konkretnej nuty lub harmonii.

Upraszczając, możemy sobie wyobrazić, że podobnie jak w przypadku relacji w życiu, harmonia w muzyce oznacza harmonijne połączenie dźwięków, podobnie jak niektóre rodziny twierdzą, że żyją w harmonii.

W kontekście użytkowym termin „mode” jest często stosowany do pojęć takich jak moll i dur. „Moll”, wywodzący się z łacińskiego mollis („miękki”, „łagodny”), jest kojarzony z utworami muzycznymi o charakterze lirycznym lub smutnym. Natomiast „dur”, pochodzący z łacińskiego dur („duży”, „ważny”), jest często kojarzony z kompozycjami o bardziej energicznym i optymistycznym charakterze.

Zatem tryby molowe i durowe stanowią główne typy trybów, a cechy każdego z nich można zwizualizować, wyróżniając te kroki (nuty), które odróżniają tryby molowe od durowych:

W potocznym odbiorze często spotyka się prosty podział tonacji molowej na „smutną” i durowej na „radosną”. Jest on jednak dość arbitralny i nie zawsze odpowiada rzeczywistości. Utwór molowy niekoniecznie będzie brzmiał smutno, tak jak utwór durowy nie zawsze oznacza radość. Ta obserwacja jest prawdziwa co najmniej od XVIII wieku. Na przykład „Sonata nr 16 C-dur” Mozarta zawiera momenty niepokoju, a słynna dziecięca piosenka o koniku polnym jest napisana w tonacji molowej.

Zarówno skala molowa, jak i durowa rozpoczynają się toniką, która stanowi podstawę gamy. Po niej następuje naprzemienna zmiana dźwięków stabilnych i niestabilnych, charakterystycznych dla każdego trybu. Można to porównać do procesu budowania muru, gdzie do uzyskania pożądanej wytrzymałości i struktury potrzebne są zarówno cegły, jak i zaprawa.

Później natkniesz się na termin „akord”. Aby uniknąć nieporozumień, warto zauważyć, że stabilne stopnie gamy i podstawowe stopnie akordu to dwa różne pojęcia. Początkującym muzykom zaleca się korzystanie z gotowych palcowań akordowych, których zasady staną się jaśniejsze wraz z nauką technik gry i opanowywaniem prostych melodii.

Również w specjalistycznej literaturze muzycznej można znaleźć odniesienia do takich skal, jak jońska, dorycka, frygijska, lidyjska, miksolidyjska, eolska i lokryjska. Skale te są tworzone na podstawie gamy durowej, gdzie tonikę wybiera się z jednego z jej stopni. Nazywa się je również skalami naturalnymi, diatonicznymi lub greckimi.

Przejdźmy teraz do omówienia pojęć tonacji dur i moll, które są najczęściej używane w praktyce muzycznej. Terminy „tryb dur” i „tryb mol” zazwyczaj oznaczają konkretne tryby w obrębie tonacji harmonicznej. Przyjrzyjmy się definicjom tonalności w ujęciu ogólnym, a tonalności harmonicznej w szczególności.

Tonalność

Czym zatem jest tonalność? Podobnie jak w przypadku wielu terminów muzycznych, istnieje wiele definicji tonalności. Słowo „tonalność” pochodzi od łacińskiego słowa „tonus”, które w kontekście anatomii i fizjologii oznacza długotrwałe napięcie i aktywność układu nerwowego, nieprowadzące do zmęczenia.

Fraza „stay on your toes” jest dobrze znana poza kontekstem muzycznym, a w muzyce znaczenie tego wyrażenia można interpretować podobnie. Melodia i harmonia w całym utworze utrzymane są w pewnym „muzycznym tonie”.

Jak wspomniano, każdy tryb, zarówno molowy, jak i durowy, pochodzi z toniki. Zarówno tryb molowy, jak i durowy można zbudować z dowolnego wybranego dźwięku, który stanowi bazę, czyli tonikę, kompozycji. Względna wysokość progu w stosunku do toniki decyduje o tonalności. Dlatego pojęcie tonalności można opisać prostym wzorem.

Wzór na tonalność:

Klucz = tonika + tryb

Dlatego definicję tonalności często podaje się jako zasadę modusu, którego główną kategorią jest tonika. Podsumujmy teraz.

Główne rodzaje tonów:

• Drobny;
• Główny.

Jak interpretować tę formułę tonalną i jej warianty w rzeczywistości? Wyobraźmy sobie, że słuchamy utworu w tonacji molowej, opartej na dźwięku „A”. Oznacza to, że utwór jest wykonywany w tonacji a-moll (Am). Warto zauważyć, że tonacje molowe oznacza się poprzez dodanie „m” do toniki. Zatem symbol Cm oznacza „c-moll”, Dm oznacza „d-moll”, Em oznacza „e-moll” i tak dalej.

Jeśli w zapisie tonacji poszczególne nuty (C, D, E, F i inne) są reprezentowane wielkimi literami, oznacza to tonację durową. Zatem utwór w tonacjach C, D, E, F będzie odpowiednio w tonacjach C-dur, D-dur, E-dur i F-dur.
Tonacje modyfikowane w stosunku do stopnia podstawowego gamy są oznaczane krzyżykiem i bemolem. Na przykład f♯m lub g♯m oznacza „fis-moll” lub „gis-moll”. Z kolei notacje z bemolem, takie jak a♭m (as-moll) lub b♭m (b-moll), oznaczają tonację obniżoną.

W tonacjach durowych znaki krzyżyka lub bemola umieszcza się obok toniki bez dodatkowych symboli. Przykładami są C♯ (C♯-dur), D♯ (D♯-dur), A♭ (As-dur), B♭ (B-dur). Istnieją również bardziej szczegółowe oznaczenia tonacji, w których używa się określenia dur lub moll, a słowa krzyżyk lub bemol zastępują znaki krzyżyka i bemola.

Inne metody zapisu tonów, rzadziej stosowane w codziennej praktyce, nie będą tutaj omawiane szczegółowo, ale można je przedstawić w formie materiałów ilustracyjnych, dla ułatwienia zapoznania się z nimi.

Oto opcje reprezentacji tonacji molowych i durowych :

Wszystkie wymienione rodzaje tonacji tworzą podstawę harmonii w muzyce, czyli określają tło harmoniczne utworu.

Tak więc tonalność harmoniczna jest systemem bazującym na zasadach harmonii tonalnej dur i mol.

Istnieją również inne formy tonalności. Przyjrzyjmy się im bliżej:

• Tonacje o tej samej nazwie oparte są na tej samej tonice, ale należą do różnych trybów, na przykład „f-moll” i „F-dur”;
• Tonacje równoległe różnią się odstępem tercji małej (3 półtony) między tonikami molowymi i durowymi, np. „a-moll” i „C-dur”, „gis-moll” i „B-dur”;
• Tonacje jedno-trzeciowe mają wspólną tercję i różnią się małą sekundą (1 półton), na przykład „C-dur” i „cis-moll” mają wspólną tercję „E”.

Waga

Aby łatwo opanować koncepcję skali, musisz dobrze rozumieć, czym jest tryb i tonalność. Bardziej szczegółową analizę tych zagadnień znajdziesz we wcześniejszych artykułach, które polecamy przeczytać dla lepszego zrozumienia :))

Pomoże Ci w tym pięć krótkich i jasnych artykułów.

Krótko o trybach i klawiszach:

• Skala to metoda porządkowania nut. Istnieje wiele takich metod (modów), ale przez ostatnie 400 lat najpopularniejsze były skale dur i moll, zorganizowane wokół tonu podstawowego. Obie modu mają 7 stopni (nut o różnej wysokości);
• Gamma powstaje, gdy dźwięki gamy durowej lub molowej są ułożone w kolejności rosnącej lub malejącej od toniki do toniki w obrębie jednej lub kilku oktaw. Zatem gama to sekwencja wszystkich dźwięków gamy. Innymi słowy, są to dźwięki gamy grane sekwencyjnie w górę i w dół w dowolnej liczbie oktaw;
• Tonalność decyduje o tym, czy tonacja jest durowa, czy molowa. Oznacza to wybór konkretnego dźwięku dla pierwszego stopnia, z którego następnie budowane są pozostałe stopnie durowe lub molowe. Na przykład nazwa „G-dur” oznacza tonację, w której tonacja durowa zaczyna się od toniki na nucie G. Bardziej szczegółowe informacje na ten temat znajdują się w osobnym artykule, więc nie będziemy się tu zagłębiać.

Czym różni się skala od skali?

Gama to seria dźwięków uporządkowanych według wysokości, rosnąco lub malejąco. Gamma to specyficzny rodzaj gamy, zbudowany w ramach określonego modusu, w przeciwieństwie do prostej listy dźwięków uporządkowanych według wysokości. Dlatego, choć te terminy wydają się podobne, istnieją między nimi różnice. Gamę można wykonać w dowolnej kolejności i zawiera ona dowolną liczbę dźwięków – od trzech lub więcej. Podczas gdy wykonanie gamy obejmuje obecność tylko dźwięków należących do określonego modusu, a wykonuje się ją od toniki początkowej do końcowej, obejmując co najmniej 8 kroków.

Ćwicz grę na różnych przykładach gam i skal, aby odkryć podobieństwa i różnice między nimi.

Dlaczego warto grać gamy?

• Po pierwsze, regularne ćwiczenie gam przyczynia się do rozwoju techniki gry, poprawia elastyczność i szybkość ruchów palców. Gamy i pasaże gamowe często występują w utworach muzycznych, zwłaszcza gdy trzeba wykonać szybkie pasaże obejmujące sekwencję dźwięków gamy. Opanowanie gam znacznie ułatwia naukę takich fragmentów muzycznych, skracając czas potrzebny na ich opanowanie;
• Po drugie, ćwiczenie gam poprawia umiejętność muzyka poruszania się w różnych tonacjach i szybkiego znajdowania odpowiednich dźwięków. Niewiele utworów ogranicza się do używania wyłącznie białych tonacji, jak w przypadku tonacji C-dur. W rzeczywistości większość kompozycji zawiera wiele innych tonacji, które wymagają dobrego opanowania zarówno białych, jak i czarnych tonacji.