Melodia i harmonia: podobieństwa i różnice

Sztuka muzyczna obejmuje trzy kluczowe elementy: linie melodyczne, akompaniament harmoniczny i strukturę rytmiczną. W przypadku kompozycji wokalnych dodawany jest do nich jeszcze jeden element – ​​treść liryczna. Melodia i harmonia powstają poprzez różne kombinacje tonów muzycznych. Pomimo ścisłego współdziałania melodii i harmonii, ważne jest, aby nie mylić tych pojęć, ponieważ każde z nich odgrywa w utworze muzycznym wyjątkową rolę.

Co to jest melodia?

Melodia to ciąg dźwięków muzycznych połączonych w harmonijną całość. Wiele utworów muzycznych opiera się na kombinacji różnych melodii, które wzajemnie na siebie oddziałują. W zespole rockowym każdy członek – czy to wokalista, gitarzysta, klawiszowiec czy basista – przyczynia się do ogólnego brzmienia melodycznego, grając melodie na swoich instrumentach. Nawet instrumenty perkusyjne, za którymi siedzi perkusista, pełnią funkcję melodyczną.

Melodia utworu muzycznego składa się z dwóch głównych elementów:

Krok

Odnosi się to do rzeczywistych fal akustycznych generowanych przez instrument muzyczny. Te częstotliwości audio są ułożone w szereg i oznaczone nazwami takimi jak C4 lub D#5.

Czas trwania

W opisie melodii uwzględnia się także czas trwania dźwięku poszczególnych składników wysokości dźwięku. Przedziały te są podzielone na różne długości, obejmujące całe, półnuty i ćwierćnuty, a także triole i inne.

Czym jest harmonia?

Harmonia powstaje z połączenia brzmień różnych linii muzycznych, tworząc całościowy obraz audiowizualny. Weźmy za przykład orkiestrę: flecista może wydawać dźwięk o jednej wysokości, skrzypek o innej, a puzonista o trzeciej. Ich brzmienie osobno tworzy odrębne linie melodyczne, ale w momencie ich jednoczesnego wykonania rodzi się harmonia.

Kombinacje harmoniczne są często sekwencją akordów. Załóżmy, że w naszej konwencjonalnej orkiestrze flecista gra wysoki dźwięk G, skrzypek gra dźwięk B, a puzonista wprowadza do kompozycji nutę E. Razem te nuty tworzą akord e-moll. Tak więc, choć każdy muzyk produkuje tylko jedną nutę, wspólnie tworzą harmonijne brzmienie akordu e-moll.

Melodia i harmonia: jaka jest różnica?

Pomimo bliskiej współpracy melodia i harmonia wyraźnie się różnią. W tradycji muzyki zachodniej zarówno melodia, jak i harmonia rozwijają się ze wspólnego zestawu 12 tonów. Zdecydowana większość muzyki, od klasyki po współczesne hity, tworzona jest w określonych tonacjach muzycznych, wykorzystując tylko siedem z tych dwunastu dźwięków.

Weźmy jako przykład tonację C-dur:

Zawiera dźwięki C, D, E, F, G, A i B.

Zatem każda melodia w tonacji C-dur będzie składać się wyłącznie z tych nut.

Harmonia w tonacji C-dur powstaje w oparciu o akordy złożone z nut skali C-dur. Na przykład harmonia C-dur może zawierać akord d-moll, ponieważ wszystkie jej składniki (DFA) mieszczą się w skali C-dur. Jednocześnie nie ma w nim miejsca na akord D-dur, gdyż składa się on z DF#-A, a F# nie mieści się w zakresie skali C-dur.

Konsonans i dysonans

Czy w utworach C-dur wykorzystywane są wyłącznie nuty ze skali C-dur? Odpowiedź brzmi jak negatywna. Często w muzyce pojawiają się elementy wykraczające poza skalę podstawową, prowadzące nas do koncepcji współbrzmienia i dysonansu, które są aktywnie obecne w muzyce współczesnej.

Melodie i harmonie spółgłoskowe budowane są bezpośrednio w oparciu o skale, natomiast momenty dysonansowe obejmują dźwięki wykraczające poza tonację główną.

Weźmy na przykład piosenkę „Be My Baby” zespołu Ronettes.

Jej zwrotka liczy 16 taktów, gdzie pierwsza połowa jest całkowicie spółgłoskowa, z melodiami i harmoniami opartymi na nutach głównej skali pieśni (E-dur) i składa się z trzech akordów (E-dur, F-moll, H-dur) z tę skalę. Jednak kolejne takty wprowadzają akordy G#-dur, C#-dur i F#7, z których wszystkie zawierają nuty nie należące do gamy E-dur.

Zatem druga połowa wersetu jest umiarkowanie dysonansowa. Akordy G#-dur, C#-dur i F#7 wnoszą tylko jedną nutę poza skalą E-dur, dzięki czemu dysonans jest tolerowany przez słuchacza.

Przykładem drobnego dysonansu w piosence są akordy, które choć są nieco dysonansowe, zawierają melodie odpowiadające dźwiękom tych akordów. Na przykład akord durowy G# zawiera nutę B#, która nie należy do gamy E-dur. Linia wokalna utworu wykorzystuje tę nutę B w połączeniu z akordem, podkreślając w ten sposób i pogłębiając dysonans.

PORADY DLA KOMPOZYTORÓW. Tworząc melodie, staraj się, aby podkreślały one harmonię głównych akordów, ponieważ jest to ważniejsze dla wzmocnienia ogólnej harmonii utworu.

Przykłady melodii w muzyce

Linie melodyczne w muzyce mogą przybierać dwie główne formy: wykonania wokalne i fragmenty instrumentalne. Oto przykłady ich przejawów w dziełach muzycznych:

Główny wokal

W centrum kompozycji muzycznej znajduje się główna linia melodyczna, wykonywana przez głównego wokalistę. Może to być aria w wykonaniu sopranisty operowego z dzieł Mozarta lub donośny wokal heavy metalowego utworu w wykonaniu rockowego wokalisty. W obu przypadkach ich rola jest podobna.

Chórki

Wokaliści wspierający zwykle zwiększają bogactwo melodyczne kompozycji, dodając do niej harmonie. Na przykład, jeśli główny wokalista zagra nutę A (jako trzeci element akordu F-dur), wokalista wspierający może dodać nutę C (jako piąty element tego samego akordu), robiąc to z delikatniejszą intonacją.

W ten sposób wokalista wspierający nie tylko podkreśla harmonię w F-dur, ale także współtworzy melodię, a jego linia ma przede wszystkim uzupełniać partię głównego wokalisty.

Instrumentalne riffy

Instrumenty muzyczne również tworzą melodie. Może to być Jimmy Page po mistrzowsku wykonujący sekcję otwierającą „The Immigrant Song” na gitarze Les Paul lub Glen Gould po mistrzowsku grający preludium Bacha na fortepianie Steinway. Melodie instrumentalne są w muzyce tak samo ważne jak linie wokalne.

Solo

Czym jest solo na gitarze lub saksofonie, jeśli nie linią melodyczną? Kiedy John Coltrane gra z góry ustaloną sekwencję nut na początku „Giant Steps”, tworzy melodię. A kiedy w trakcie swojej ekspansywnej solówki rozwija strumień nut, jest to także melodia. Ważne jest, aby zdać sobie sprawę, że melodie nie zawsze muszą być ściśle zapisane. W ten sam sposób mogą pojawić się w procesie improwizacji.

Przykłady harmonii w muzyce

Podobnie jak melodie, harmonie pojawiają się w muzyce w różnych formach. Obejmują one:

Akordy statyczne

Kiedy pianista trzyma akordy oparte na kwartach lub gdy gitarzysta utrzymuje brzmienie akordu przez jeden lub dwa takty, nazywa się to akordami statycznymi; pozostają niezmienione, bez dodanych linii melodycznych – przynajmniej przez wspomnianego pianistę lub gitarzystę. Podejście to reprezentuje jedną z najbardziej podstawowych form harmonii, wspólną dla wszystkich stylów muzycznych.

Akordy przeplatane liniami melodycznymi

Nie ma prawa mówiącego, że harmonia i melodia muszą być ściśle oddzielone i nie mogą być ze sobą powiązane. Wielu wykonawców, zwłaszcza tych na wysokim poziomie sztuki performance, potrafi płynnie przechodzić od harmonii do melodii i z powrotem, czasem nawet w ramach tego samego utworu muzycznego.

Jimi Hendrix jest przykładem mistrzostwa w tej dziedzinie. Zwróć uwagę na jego umiejętność łatwego przełączania się między akordami i pojedynczymi nutami w utworach takich jak „Castles Made of Sand” i „Little Wing”. Fortepian dzięki swojej naturalnej zdolności do polifonii doskonale nadaje się także do jednoczesnego grania elementów melodycznych i harmonicznych.

Linie basu

Linie basu często charakteryzują się graniem jednej nuty na raz, jednak te pojedyncze dźwięki mogą reprezentować całe akordy. Na przykład, gdy bas harmonizuje w zakresie d-moll za pomocą siedmiu nut z odpowiedniej skali d-moll, a basista gra nutę F, słuchacz automatycznie kojarzy to z akordem F-dur. Dzieje się tak dlatego, że akord F-dur jest elementem skali d-moll, w przeciwieństwie do akordu F-moll.

Fragmenty chóralne

Chór to grupa wyjątkowych wykonawców, których łączy wykorzystanie podobnych instrumentów. Na przykład chór wokalny składa się z różnych głosów, od wysokich sopranów po głębokie basy, a niektórzy wykonawcy mają głosy o średniej wysokości.

Dzieląc partie muzyczne pomiędzy różne głosy chóru, kompozytorzy mogą tworzyć złożone harmonie. Kompozytor może określić Eb dla basów, Db dla tenorów, Bb dla altów i Gb dla sopranów. Dźwięki te razem tworzą akord Eb-moll, którego melodia niesie ze sobą trzecią nutę (Gb). Warto dodać, że chór można utworzyć z dowolnej grupy instrumentów, czy to smyczków, saksofonów, gitar itp.

Kontrapunkt

Elementy akordu nie muszą brzmieć jednocześnie w tej samej części taktu. Wielu autorów muzycznych tworzy niezależne linie melodyczne, które mogą się przecinać, niekoniecznie zbiegając się w czasie. Ta interakcja nut tworzy akordy, które nie są prezentowane jako pojedyncza całość, ale są intuicyjnie rozpoznawane przez publiczność.

Metoda ta, zwana kontrapunktem i najwyraźniej ukazana w fugach Jana Sebastiana Bacha, jest jedną z najbardziej złożonych i wyrafinowanych form twórczości muzycznej.