Programación de batería

Dominar las habilidades de programación de batería es un elemento clave en el conjunto de habilidades de cualquier productor musical. La práctica comenzó con la llegada de las primeras cajas de ritmos en la década de 1980, que rápidamente ganaron popularidad, sustituyendo a los bateristas en directo y ampliando el uso de la batería en la producción musical.

Hoy en día, con la música moderna tan dependiente del ritmo, la capacidad de programar la batería de forma eficaz puede marcar la diferencia en el éxito de un productor musical. Las personas sienten instintivamente un buen ritmo, sin siquiera darse cuenta a nivel consciente. Incluso sin conocimientos musicales, se puede reconocer una canción con una programación de batería de calidad.

Los programadores de batería profesionales enfatizan la importancia de prestar atención a los detalles. Un patrón de batería convencional, como el «four to the floor», que utiliza patrones 808 estándar, puede sonar cursi. Pero complementarlo con muestras únicas, síncopas, efectos y otros elementos le aportará novedad y despertará el interés del oyente.

Únete a nosotros para explorar las complejidades de la programación de batería y aprender a aplicar técnicas profesionales a tus proyectos. Cabe señalar que la programación de batería es diferente de la síntesis: no siempre implica crear muestras o sonidos desde cero, aunque muchos productores incorporan la síntesis de batería en su flujo de trabajo. La tarea principal es crear y manipular patrones de batería, creando permutaciones, bucles y variaciones a partir de ellos.

La importancia de una excelente programación de batería

Es difícil explicar exactamente por qué un bucle de batería nos da una sensación de conexión particular sobre otro, pero la palabra más cercana para describir esta sensación es «groove». El groove es necesario para la música, porque sin él es difícil entrar en el ritmo del baile y el movimiento.

Para casi todas las pistas que se crean, el groove es la base, excepto cuando se trata de trabajos inusuales, ambientales o experimentales. Lo más probable es que tu objetivo sea hacer bailar a la gente y animarla a moverse mientras escucha tus pistas.

Por suerte, no hay una única forma correcta de encontrar ese groove, y hay muchos enfoques diferentes, tanto si trabajas en una pista de hip-hop de 100 BPM como en una pista de drum and bass de 175 BPM.

Conceptos básicos de la programación de batería

Para comprender cómo funciona un groove, es importante empezar por aprender los fundamentos de la programación de batería. Analizando y desglosando los grooves exitosos, puedes lograr un éxito significativo. Como ya he mencionado, la batería es la base de casi toda la música moderna. El productor debe aprender a crear esta base antes de pasar a los aspectos más complejos de la programación de batería.

Con ese telón de fondo, echemos un vistazo más de cerca a los diferentes elementos de un groove de batería típico y cómo estos componentes pueden interactuar para formar el marco rítmico de una pista.

Kiсk

El bombo, o kick, suele servir de base para la mayoría de los ritmos de batería. En géneros que van desde el rock al hip-hop y el house, el bombo es el elemento que capta nuestra atención y nos conecta con el ritmo de la composición. Me gusta pensar en el bombo como el elemento más potente e impactante de una batería.

Cuando programo partes de batería, me gusta mantener el bombo más estrictamente dentro de la cuadrícula rítmica que otros elementos de la batería. El bombo influye en gran medida en las características sonoras de una pista, incluyendo su género y características estilísticas.

Contra tiempo

Uno de los primeros elementos que suele añadir un productor a un loop de bombo es un backbeat. El backbeat, también conocido como los tiempos dos y cuatro en un ritmo de batería, se suele interpretar con un tambor repicador o una palmada. Este elemento sirve como una forma importante de síncopa, añadiendo impulso y energía que ayuda a definir el groove del patrón de batería. Más adelante también veremos cómo se pueden manipular los backbeats para darles un sonido más natural.

Platos

Los platillos ocupan el registro superior del conjunto de instrumentos de percusión tradicionales. El uso de semicorcheas o patrones asincrónicos en el hi-hat puede añadir energía extra al patrón de batería en general, mientras que los platillos crash y otros tipos de platillos ayudan a resaltar diferentes partes de la pista y a mejorar su dinámica.

Me gusta incluir otros instrumentos rítmicos de alta frecuencia en esta categoría, como la pandereta y el shaker. Estos instrumentos de percusión adicionales se pueden utilizar para añadir swing y matices texturales a los ritmos estándar.

Sonidos de percusión

Además de las maracas y las panderetas, hay muchos otros instrumentos de percusión que pueden añadir acentos sincopados, crear capas y añadir elementos texturales únicos a tus patrones de batería. La belleza de la percusión en el contexto de la programación de batería es la amplia gama de posibilidades para la selección y colocación de muestras.

La gama de instrumentos de percusión es enorme: desde bongos hasta triángulos, desde bloques de madera hasta marimbas y mucho más. La clave aquí es seleccionar muestras de alta calidad que encajen armoniosamente, añadan dinámica y se adapten de forma natural al groove general.

Considera el uso de loops

Si eres nuevo en la producción musical o simplemente estás leyendo este artículo, es posible que te hayas encontrado con algunas percepciones negativas sobre el uso de loops en la producción musical. Sin embargo, los loops sampleados pueden ser una herramienta valiosa para añadir complejidad y dar vida a tu programación de batería.

También creo que los loops sampleados pueden ser especialmente útiles para enseñar combinaciones de audio y MIDI. Incluso si no tienes pensado incluirlos en la mezcla final, un loop bien elegido puede inspirar la creatividad y acelerar el proceso de producción musical.

Al no utilizar loops debido a su inmerecida mala reputación, te estás privando de una herramienta importante en tu flujo de trabajo y creando obstáculos innecesarios.

Más allá de lo convencional

Una vez que domines las habilidades básicas de la programación de batería, puedes empezar a dominar los aspectos más avanzados de este arte. Introducir síncopas, patrones rítmicos únicos y matices sutiles puede llevar tu groove de batería al siguiente nivel.

Empezar con patrones de batería clásicos es sin duda útil, pero con el tiempo probablemente querrás explorar métodos de programación de batería menos convencionales. Esto ayudará a que tus pistas destaquen y tengan su propio lugar único entre el resto de la música.

Sincopación

La síncopa es algo que puede resultarte muy útil cuando estudias un tema en profundidad. A efectos de este artículo, me gustaría ofrecer una breve descripción general de la síncopa y de cómo puede ampliar tus horizontes creativos y animarte a abordar la música desde una perspectiva poco convencional.

La síncopa con acentos en el segundo y cuarto tiempo se popularizó alrededor del siglo pasado. Este estilo está tan arraigado en la música moderna que es difícil imaginar que en su día no fuera líder en síncopa. En la síncopa, el énfasis suele recaer en los tiempos «dos y cuatro», en contraposición a los tradicionales «uno y tres».

Al experimentar con un backbeat estándar, puedes añadir dinámica, amplitud o cualquier otra característica necesaria para conseguir el efecto atmosférico deseado.

La síncopa fuera de compás se utiliza para enfatizar un ritmo que está fuera del patrón normal del compás fuerte. A menudo se utilizan platillos y otros elementos percusivos para crear síncopa fuera de compás. Si escuchas la mayoría de las pistas de house, notarás cierta síncopa fuera de compás en los hi-hats. Estos hi-hats suelen estar situados en la «i» del compás 1-2-3-4, entre el 1 y el 2, y entre el 3 y el 4.

La síncopa suspensiva puede crear un énfasis notable al arrastrar o prolongar un elemento del compás anterior al siguiente. Este tipo de síncopa es único, ya que viola las ideas convencionales del ritmo, creando un efecto en cascada. Esto une los compases y da a la composición musical una mayor flexibilidad y fluidez.

Este tipo de síncopa es uno de mis favoritos porque pone énfasis en lugares inesperados. Con la síncopa saltada, se pueden crear ritmos de batería inusuales y originales que llevan al oyente a esperar golpes de batería o percusión que o bien no llegan o bien llegan un poco antes de lo esperado.

Esto se nota especialmente en la música trap, donde los productores suelen colocar los bombos en lugares inesperados, creando así una sensación de anticipación o tensión.

Envolventes de batería

Uno de los aspectos clave, pero a menudo pasado por alto, de la programación de la batería son los silencios entre los golpes. Los conceptos de espacio y silencio desempeñan un papel importante en la música y deben tenerse muy en cuenta a la hora de crear obras musicales.

Hay que tener en cuenta que, sin un uso eficaz de la ecualización y la compresión, la mayoría de las mezclas no sonarán armoniosas. Del mismo modo, la mayoría de los ritmos de batería no alcanzarán su máximo potencial sin un ajuste cuidadoso de las envolventes.

Por ejemplo, los elementos percusivos largos en un groove rápido pueden crear una sensación de lentitud o distancia. Una muestra de batería larga en una pista de 160 BPM puede parecer lenta.

Con los modernos DAW equipados con samplers, las envolventes ADSR de las muestras se pueden manipular para crear ritmos más ajustados o más sueltos, lo que proporciona un espacio muy necesario en los arreglos de batería.

En una pista rápida, puedes acortar la duración de la batería para evitar que se superponga con otras muestras. En una pista lenta, por otro lado, puedes aumentar la duración del bombo para llenar el vacío entre los golpes principales.

Esto no solo mejorará la densidad y la confianza de tus ritmos, sino que también creará más espacio para que quepan diferentes muestras sin que se superpongan entre sí.

Percusión melódica

Muchos productores de batería no prestan suficiente atención a la percusión melódica, a pesar de que puede desempeñar un papel clave en la creación de ganchos melódicos únicos sin depender de instrumentos melódicos tradicionales como sintetizadores, teclados o guitarras.

El uso de instrumentos de percusión melódica para crear un gancho melódico en una canción puede añadir una capa única y atractiva a tu groove. Hay varios enfoques que suelo utilizar en mis composiciones, pero la clave es encontrar instrumentos de percusión con una tonalidad distintiva.

Numerosos instrumentos de percusión, como los tambores metálicos y las marimbas, tienen una tonalidad distintiva que permite darles forma de melodías. Es importante afinar estos tambores melódicos para que se adapten a tu pista, de modo que puedas utilizarlos para crear melodías y riffs sencillos.

Incluso si no utilizas instrumentos de percusión melódicos para crear melodías por sí solos, pueden utilizarse para crear patrones rítmicos receptivos, interactuando con melodías o frases específicas de tu pista, o servir como capas para leads como voces o melodías de sintetizador, mejorando la energía general de las composiciones.

Los instrumentos de percusión son especialmente eficaces en géneros como el techno y el house. En estilos que se centran en ritmos de baile, los instrumentos de percusión melódica pueden ofrecer una forma más sofisticada de crear melodías.

Percusión melódica

Muchos productores de batería no prestan suficiente atención a la percusión melódica, a pesar de que puede desempeñar un papel clave en la creación de ganchos melódicos únicos sin depender de instrumentos melódicos tradicionales como sintetizadores, teclados o guitarras.

El uso de instrumentos de percusión melódica para crear un gancho melódico en una canción puede añadir una capa única y atractiva a tu groove. Hay varios enfoques que utilizo a menudo en mis composiciones, pero la clave es encontrar instrumentos de percusión con una tonalidad distintiva.

Numerosos instrumentos de percusión, como los tambores metálicos y las marimbas, tienen una tonalidad distintiva que permite darles forma de melodías. Es importante afinar estos tambores melódicos para que se adapten a tu pista, de modo que puedas utilizarlos para crear melodías y riffs sencillos.

Incluso si no utilizas instrumentos de percusión melódicos para crear melodías por sí solos, pueden utilizarse para crear patrones rítmicos receptivos, interactuando con melodías o frases específicas de tu pista, o servir como capas para leads como voces o melodías de sintetizador, mejorando la energía general de las composiciones.

Los instrumentos de percusión son especialmente eficaces en géneros como el techno y el house. En estilos que se centran en ritmos de baile, los instrumentos de percusión melódicos pueden ofrecer una forma más sofisticada de crear melodías.

Sé un baterista

Uno de los principios clave, pero sencillos, para programar baterías realistas es pensar como un baterista real. Aunque puede ser divertido experimentar con ritmos inusuales y extravagantes, para lograr el realismo debes asegurarte de que tus partes de batería y percusión puedan ser interpretadas por un baterista en directo.

Programar partes de batería que superan las capacidades humanas puede revelar inadvertidamente el uso del software. Por ejemplo, pocos bateristas reales serán capaces de tocar un groove de 64 notas en un hi-hat a 150 BPM, mientras que un simple ritmo four-on-the-floor al mismo tempo es perfectamente factible.

Para comprender mejor lo que un baterista real puede y no puede tocar, es útil escuchar actuaciones en directo. Escucha atentamente algunas de tus canciones favoritas, prestando atención a los ritmos de batería utilizados, para hacerte una idea de lo que se considera realista en la batería.

Uso de un instrumento MIDI

Al programar baterías que suenan al mismo volumen y están perfectamente sincronizadas, queda claro que se ha utilizado un software. Una forma de hacer que el sonido sea más realista es utilizar instrumentos MIDI. Es posible que no tengas acceso a grabaciones de batería en directo, pero puedes utilizar una batería electrónica conectada al programa para tocar la batería en tiempo real.

A menudo prefiero este enfoque cuando trabajo con Addictive Drums 2, ya que proporciona realismo sin tener que entrar en configuraciones complejas. Si no eres baterista, puedes utilizar un teclado MIDI o un pad de batería.

Independientemente del hardware que utilices, crear patrones de batería con MIDI ayudará a que tu pista suene mucho más realista debido a la variabilidad del tiempo y la dinámica. Sin embargo, incluso sin instrumentos MIDI, se pueden conseguir resultados similares, aunque puede requerir más tiempo y esfuerzo.

No te vuelvas loco con la cuantización

Cualquier baterista experimentado te dirá que la clave para tocar la batería es el control del tempo. Pero incluso los mejores bateristas no son perfectos, y al grabar batería en directo, notarás que algunos golpes se desvían ligeramente de la cuadrícula rítmica de tu DAW. Esta ligera fluctuación en el tempo es lo que le da realismo al ritmo.

La mayoría de los DAW modernos ofrecen la posibilidad de cuantizar las notas MIDI, fijándolas en una cuadrícula rítmica. La cuantización permite corregir las imprecisiones en el tempo al vincular las notas a una cuadrícula.

Aunque la cuantización puede ayudar a mejorar el groove, su uso excesivo puede dar a las pistas un sonido artificial y mecánico. Cuando se programa manualmente, es mejor dejar algunas notas ligeramente desplazadas de la cuadrícula para que suenen más naturales. Puedes empezar cuantizando todo el patrón de batería para fijar su posición y, a continuación, ajustar manualmente las notas para que estén ligeramente adelantadas o atrasadas con respecto al compás.

La decisión de si los tiempos deben colocarse antes o después del compás depende de la naturaleza de la pista. Para obtener un sonido más dinámico, puedes colocar los hi-hats ligeramente por delante de la cuadrícula, o para un sonido más relajado, colócalos ligeramente por detrás.

Muchos DAW ofrecen diferentes niveles de cuantización, lo que permite a los productores elegir el grado en que las notas se fijan a la cuadrícula. Los niveles de cuantización más bajos hacen que los grooves sean más naturales, mientras que los niveles de cuantización más altos fijan los elementos firmemente a la cuadrícula rítmica.

Ajuste de la velocidad

Otro elemento clave para que las partes de batería suenen más realistas es ajustar la velocidad del ritmo. La velocidad de la nota MIDI determina el volumen al que se activa la muestra. Una nota tocada a alta velocidad sonará más fuerte y enérgica, mientras que una nota tocada a baja velocidad sonará más suave y silenciosa.

Puedes enfatizar ciertos ritmos en tus grooves variando la velocidad de las notas. Esto es similar al enfoque de un baterista que enfatiza los golpes más significativos tocándolos con más fuerza. Por ejemplo, en un groove punk rock estándar, el énfasis suele estar en el segundo y cuarto tiempo de cada compás, mientras que en un groove reggae de un solo tiempo, el énfasis suele estar en el primer tiempo.

Al ajustar la velocidad de las notas, vale la pena pensar en cómo tocarías el groove en la vida real. Puede ser útil grabarte a ti mismo tocando un ritmo para ver qué tiempos enfatizas intuitivamente. A continuación, puedes ajustar la velocidad de tu groove MIDI en consecuencia, basándote en las características que observes en tu grabación.

Humanización

Muchos DAW vienen equipados con funciones de «humanización» que realizan ajustes sutiles en el tiempo y la velocidad de las notas. Esta función de «humanidad» puede ser muy eficaz para que los ritmos MIDI suenen más naturales y menos robóticos.

Sin embargo, debes tener cuidado al utilizar la función de humanización, ya que la forma más precisa de determinar las notas acentuadas es a través de la intuición. Puede resultar difícil para un ordenador detectar con precisión los cambios de velocidad y sincronización basándose en la sensación, y aplicar accidentalmente estos matices sutiles puede hacer que tus baterías MIDI suenen menos convincentes.

Utiliza bucles reales

Una forma sencilla y eficaz de añadir más realismo a tus baterías MIDI es utilizar loops prefabricados. A menudo encuentro que combinar baterías MIDI programadas con loops en directo ofrece un gran equilibrio entre control y realismo.

Utilizando instrumentos de batería virtuales como Addictive Drums 2 o Steven Slate Drums, que ofrecen grooves MIDI incorporados, puedes empezar con estos loops MIDI prefabricados como base para tus grooves. Estos grooves MIDI han sido grabados por bateristas reales, lo que garantiza que el tempo y las características de velocidad perfectas ya estén ajustadas.

A continuación, puedes utilizar patrones individuales de estos bucles MIDI prefabricados en otros proyectos, aplicándolos a diferentes instrumentos. Por ejemplo, un patrón de batería de una pista MIDI se puede utilizar para activar otras muestras, como el sonido de un aro o una palmada.

También es posible combinar tus notas MIDI con muestras en directo para crear una capa única en tu groove de batería. A menudo puede resultar difícil programar hi-hats realistas, y aquí es donde el uso de muestras en directo puede resultar especialmente útil.

Utiliza tu propia reverberación

Muchos programas profesionales de programación de batería incluyen una función de reverberación. Aunque aplicar reverberación puede ser eficaz por sí solo, he descubierto que utilizar varias reverberaciones de diferentes programas de batería al mismo tiempo puede dar lugar a sonidos inconsistentes. Por eso, suelo desactivar la reverberación integrada y prefiero utilizar una sola reverberación para toda la mezcla.

Después de programar todo el groove de batería, dirijo cada elemento hacia esta única reverberación en distintos grados. El objetivo es que parezca que todos los elementos se han grabado en la misma sala.

A continuación, puedes ajustar varios parámetros de esta reverberación de sala para garantizar que encaja armoniosamente con el resto de la mezcla, incluyendo el tamaño, el estilo, la ecualización y otros ajustes.

Añadir saturación

Al programar sonidos de batería en un VST, a veces es útil añadir un efecto de saturación para evitar que el sonido resulte demasiado «limpio». La saturación es uno de mis efectos favoritos, ya que añade al sonido artefactos naturales típicos de una grabación en directo.

Aunque es posible aplicar simplemente un plugin de saturación, como un emulador de cinta, directamente a una sección de batería, he descubierto que la saturación paralela proporciona más control y permite dosificar con precisión la cantidad adecuada de suciedad para que la batería destaque eficazmente en la mezcla.

Para ello, envía el grupo de batería a una pista auxiliar con un plugin de saturación. Escucha los sonidos de la batería mientras aumentas gradualmente el nivel de saturación del plugin. La ventaja de la saturación paralela es que puedes hacer que la pista auxiliar de saturación sea tan sucia como sea necesario, ya que el objetivo principal es mejorar ligeramente el sonido del grupo de batería principal.

Determina qué le falta a tu batería y considera la posibilidad de utilizar la saturación para mejorar el sonido. ¿Tu batería suena demasiado débil? Entonces puedes aumentar la saturación en las frecuencias bajas y medias. ¿O tal vez el sonido es demasiado oscuro? En este caso, aumentar las frecuencias altas ayudará a conseguir un sonido más brillante y claro.

Después de seleccionar el tono adecuado, baja el nivel de la pista auxiliar al mínimo y auméntalo lentamente hasta conseguir la combinación óptima de sonido limpio y sucio.

Añadir rellenos

Una vez que tengas un groove decente que recorra las diferentes partes de la canción (versos, puentes, estribillos, etc.), vale la pena considerar la posibilidad de añadir fills para unir esas secciones. A menudo me gusta insertar fills cada ocho compases aproximadamente para variar el patrón rítmico del groove de la batería y romper secciones largas o hacer la transición a la siguiente parte de la canción.

Programar fills sencillos en un groove no suele ser difícil. Si trabajas con baterías VST, probablemente encontrarás una biblioteca de fills prefabricados con una variedad de patrones entre los que elegir.

Para que un relleno encaje armoniosamente en un patrón existente, es importante asegurarse de que no entre en conflicto con los elementos del groove principal. Por ejemplo, si añades un relleno con una caja, es posible que quieras eliminar la caja del patrón principal para dejar espacio al relleno. Al mismo tiempo, mantener otros elementos, como los shakers o los hi-hats, puede ayudar a crear un sonido más cohesionado y coherente.

Una vez que el relleno está colocado en el lugar adecuado, hay que encajarlo correctamente en la mezcla, prestando especial atención a que la velocidad de sus elementos coincida con la velocidad del patrón principal. Es importante que el relleno no suene demasiado fuerte o intenso en comparación con el groove principal.

Por último, aplica la cuantización o ajusta la sincronización de los elementos del relleno para que coincidan con el groove general de la batería. Por ejemplo, si el groove principal tiene un swing, los elementos del relleno se pueden mover para que queden ligeramente por detrás de la cuadrícula, manteniendo el ritmo general.

Encontrar las mejores muestras de batería

Incluso si has programado magistralmente tus ritmos de batería y has configurado cuidadosamente los parámetros VST de la batería, el uso de muestras incorrectas puede hacer que tus mezclas resulten planas. Encontrar muestras de calidad para utilizar en tus pistas es un aspecto fundamental a tener en cuenta.

Hoy en día hay muchos samples y kits excelentes que suenan muy bien por sí solos. Pero incluso si un sample suena perfecto por sí solo, eso no garantiza que vaya a sonar bien en el contexto de tu mezcla, especialmente cuando se combina con otros sonidos. Aunque las herramientas de mezcla como el ecualizador, la compresión y el modelado de envolventes pueden ayudar con los samples imperfectos, sus capacidades son limitadas.

Intentar mezclar muestras incompatibles puede suponer un trabajo adicional y causar complicaciones. Es importante que tus loops de batería y muestras suenen como si estuvieran hechos el uno para el otro desde el principio. La continuidad y la armonía del sonido son extremadamente importantes para mantener la atención del oyente.

Aunque puede resultar tentador elegir la primera muestra que se encuentre, dedicar tiempo a encontrar los sonidos perfectos resultará muy valioso en el proceso de mezcla y masterización de tus pistas.

Afinación de la batería

Técnicamente, los tambores son instrumentos inarmónicos, lo que significa que sus armónicos no siguen una clave musical específica. Sin embargo, la mayoría de los tambores tienen un tono fundamental que produce estos armónicos inarmónicos.

Curiosamente, no hay reglas claramente definidas en el proceso de afinación de las muestras de batería, lo que lo hace abierto a la experimentación. Sin embargo, a menudo se puede notar si la afinación de la muestra no encaja con el resto del groove de la batería.

El elemento clave para afinar es el bombo, ya que un bombo mal afinado puede entrar en conflicto con el bajo y otros elementos de baja frecuencia, causando desarmonía en la mezcla. Esto es especialmente importante en géneros como el trap y el hip-hop, donde las pistas suelen basarse en el bajo 808. En géneros con bombos más cortos, puede ser más difícil determinar el tono específico del bombo.

Si tienes dificultades para determinar el tono fundamental de un tambor, puedes utilizar un analizador de espectro. Además de mantener la tonalidad, afinar los tambores puede cambiar la sensación general del sonido. Por ejemplo, bajar el tono de un tambor puede hacer que suene más oscuro y suave, mientras que subirlo hará que suene más brillante y enérgico.

Experimenta con la afinación y la transposición de tus tambores para ver cómo encajan en el contexto general de tus composiciones.

Más allá del género

El uso de muestras de conjuntos atípicos puede añadir un contraste único a tus ritmos. Por ejemplo, las muestras suaves y delicadas sin ataques bruscos pueden añadir textura y ligereza a los tambores pesados del dubstep.

También puedes utilizar un hi-hat en directo en un groove techno para darle un toque natural, o añadir un kick digital sobre un groove de batería en directo para conseguir un efecto más potente.

A menudo, las muestras inesperadas que no pertenecen a un género específico pueden hacer que la batería programada sea más interesante. Incluso si estás trabajando en una pieza de rock, no dudes en experimentar con muestras agresivas de caja de los kits de música bass del futuro.

Arreglo

Organiza los elementos de batería de tu pista para que la energía vaya aumentando gradualmente desde el principio hasta el final. Aunque es posible combinar 20 elementos de batería diferentes para crear un groove potente en un hook, no es necesario utilizar el mismo conjunto completo de elementos en todos los hooks de una canción.

En su lugar, debes aspirar a una acumulación gradual, añadiendo o introduciendo nuevos elementos en cada sección para lograr la máxima energía en el gancho final, el estribillo o el drop. Por ejemplo, se puede guardar un shaker enérgico para utilizarlo en el último estribillo, enfatizando así su clímax.