Estructura de la canción

Las ideas del compositor son en sí mismas solo la base para la futura composición, una especie de marco sobre el que se colocarán los elementos principales. El trabajo real comienza con el arreglo: convierte un conjunto de ideas musicales en una obra completa que puede cautivar al oyente y guiarlo a través de todas las ideas del autor. Cuanto más interesante y agradable sea este recorrido musical, más probable será que el oyente quiera volver a escuchar esta canción una y otra vez.

Un arreglo puede compararse con un mapa a partir del cual se crea una canción. Este mapa suele incluir soluciones y rutas probadas a lo largo del tiempo que los compositores y arreglistas utilizan una y otra vez. Esto no significa que aborden el tema de forma formulista, sino todo lo contrario: estas estructuras y fórmulas han sido probadas en muchos éxitos y siguen funcionando, ayudando a crear nuevas obras maestras musicales.

Estructura típica de una canción en la música popular

Para comprender cómo funciona la estructura típica de una canción, es importante entender sus partes básicas. Por lo general, una canción consta de los siguientes ocho elementos:

• Introducción/Introducción;
• Estrofa;
• Pre-estribillo/puente;
• Estribillo;
• Post-estribillo/Tag;
• Interludio;
• Pausa;
• Outro.

No todas estas partes están necesariamente presentes en todas las composiciones, y algunas pueden repetirse varias veces dependiendo de la intención del compositor y de la carga semántica que conllevan.

Intro

La introducción de una canción es la parte que llega primero al oyente. Su objetivo principal es preparar al público para la composición y conducirlo suavemente al primer verso. La percepción general de toda la canción depende en gran medida de lo interesante y emocionante que sea la introducción. Si la introducción atrae inmediatamente la atención, la probabilidad de que el oyente escuche la pista hasta el final aumenta significativamente.

A menos que trabajes en los géneros de rock progresivo o math metal, intenta que la introducción no sea demasiado larga, para no cansar al oyente.

En cuanto al contenido, la introducción puede ser variada, todo depende de la creatividad del autor. Puede consistir en uno o dos elementos de la pista principal, como la melodía y la batería o el bajo y los teclados, o repetir la estructura del estribillo. La duración de la introducción también varía en función de la idea del compositor, pero suele durar 2, 4 u 8 compases.

Estrofa

La estrofa es la parte semántica central de cualquier canción, donde se revela el texto principal y se establece el mensaje informativo de la composición. La estrofa no solo transmite la idea principal, sino que también prepara al oyente para las siguientes partes de la canción.

A diferencia del estribillo o el puente, el texto de la estrofa suele cambiar de una a otra, lo que añade variedad y profundidad a la narrativa. Sin embargo, no es necesario cumplir estrictamente esta regla: hay muchas canciones maravillosas en la historia de la música en las que las estrofas son sencillas y repetitivas, pero al mismo tiempo siguen siendo efectivas y memorables.

Un ejemplo de estructura y arreglo de una canción podría ser el siguiente: la composición comienza con una introducción, seguida de dos versos, luego cuatro estribillos repetitivos, seguidos de un solo o interludio instrumental, y la canción termina con una salida. La duración de la pista es de unos 3 minutos y 30 segundos, lo que permite una composición rica y dinámica que mantiene la atención del oyente de principio a fin.

Pre-estribillo/puente

El puente, también conocido como pre-estribillo, sirve de enlace entre la estrofa y el estribillo. Dado que el estribillo suele ser la parte más memorable y emotiva de la canción, el puente ayuda a suavizar la transición de la estrofa al estribillo al reducir el contraste entre ambos.

Si la armonía de la estrofa y el estribillo se basa en los mismos acordes, el puente puede añadir variedad cambiando la progresión de acordes y añadiendo nuevos elementos musicales. Desde la perspectiva del oyente, el pre-estribillo hace que la composición sea más interesante y dinámica, preparando el clímax del estribillo.

Estribillo (Refrain)

El estribillo es una de las partes culminantes de la canción, que debe ser memorable pero no intrusiva. Lo óptimo es incluir entre 2 y 4 estribillos de diferente duración en la composición. Dado que el estribillo es la parte más repetida de la canción, concentra las principales ideas líricas y musicales, y también contiene el mensaje principal de la canción y el gancho musical que atrae la atención del oyente.

Es importante no sobrecargar la composición con estribillos repetidos. Al fin y al cabo, estamos creando algo único, y no un éxito típico que atrae la atención solo por su intrusión.

Por regla general, el primer estribillo consta de 8 compases, creando una única repetición. El segundo estribillo puede duplicarse, ocupando 16 compases e incluyendo pequeños cambios para mantener el interés. El estribillo final, que aparece al final de la canción, puede variar entre 16 y 32 compases. Sin embargo, por experiencia, es mejor limitarse a un número menor de estribillos al final de la composición para mantener su dinámica e interés para el oyente.

Post-estribillo/Tag

A veces, la última línea de un estribillo puede extenderse más allá de los compases que se le han asignado, lo que puede ser un problema, especialmente si la letra de la siguiente sección de la canción, como una estrofa, comienza con un pickup. Para evitar la superposición de palabras y garantizar una transición fluida entre las secciones de la composición, los compositores y arreglistas suelen añadir un descanso de 2-4 compases. Esto permite al vocalista tomarse un breve descanso antes de continuar la canción y hace que la narrativa musical sea más fluida.

El post-estribillo, al igual que el pre-estribillo, puede adoptar cualquier forma: desde una repetición de elementos del estribillo o una introducción con un simple canto de los coristas hasta un interludio instrumental o una variación de la melodía principal. Todo depende de la intención creativa del arreglista y el compositor, así como de la atmósfera que quieran crear en la canción.

¿Qué es la música popular?

Cuando hablamos de música popular, a menudo hay confusión, y muchos creen que nos referimos exclusivamente a la música pop. Sin embargo, esto es un error. Los términos «música popular» y «música pop» no son sinónimos y se refieren a géneros musicales diferentes.

La música pop se refiere a un género específico que se caracteriza por su facilidad de percepción, melodías sencillas y un enfoque en el público masivo.

Al mismo tiempo, el término «música popular» abarca una amplia gama de estilos musicales que son populares entre un público amplio, pero que no están necesariamente asociados al género pop. Esto incluye rock, fusión, rhythm and blues, industrial, disco, rock and roll, reggae, nu metal, alternativo y muchos otros estilos. Por lo tanto, la música popular es una variedad de estilos dirigidos al público masivo.

Puente (Middle 8)

En la música occidental, el puente hacia el final de una canción se denomina a menudo Middle 8, que se traduce literalmente como «ocho central». A veces, los músicos también llaman al puente Middle 8. Esta parte de la composición suele estar destinada a la sección instrumental: aquí se pueden escuchar solos o partes y melodías alteradas, lo que añade dinamismo y variedad.

El objetivo principal del Middle 8 es crear un clímax en la composición antes del último estribillo o break. A lo largo de la canción, la dinámica y la energía aumentan gradualmente, alcanzando su punto álgido en este puente. Como su nombre indica, su duración suele ser de 8 compases, aunque también hay versiones más largas.

Break

Después de la introducción, a veces se inserta una breve pausa, llamada break (del inglés Break, interrupción, pausa). El break sirve para dar al oyente un breve respiro. La saturación constante de la composición puede resultar agotadora, y el break ayuda a equilibrar la energía de la canción.

La presencia de un break y una intro depende del contexto. Si la composición tiene un solo, entonces es lógico utilizar un break tranquilo para crear un contraste. Sin embargo, nadie prohíbe añadir otra intro instrumental o vocal después del solo o incluso volver a la estrofa.

El break suele ser minimalista y se basa en los mismos acordes y melodía que el estribillo. A veces puede actuar como un pequeño preestribillo antes del estribillo final. La duración del break varía entre 4 y 16 compases.

Outro

El outro o final es la parte final de la canción. Puede ser un eco de la introducción o todo lo contrario. El outro puede consistir en varias repeticiones del estribillo con un desvanecimiento gradual (Fade Out) o ser completamente único y diferente al resto de la composición.

Es importante no alargar demasiado el outro: si es demasiado largo, el oyente puede cansarse y empezar a pensar: «¿Cuándo terminará esto?». El outro dependerá de la naturaleza de toda la canción. En temas enérgicos, puede ser apropiado terminar la composición repitiendo los estribillos, y en baladas, se pueden utilizar otros acordes para crear un acento final. En última instancia, la elección del outro recae en el compositor.

La estructura final de una canción en la música popular

La canción se puede visualizar como un gráfico, en el que el movimiento de la música y su dinámica se asemejan a una parábola, con altibajos alternos en la tensión.

A lo largo de la composición, la energía musical aumenta gradualmente, alcanza su punto álgido en el clímax y luego disminuye suavemente hacia el final, creando una conclusión armoniosa. Este gráfico muestra claramente cómo la música lleva al oyente a través de picos y valles emocionales, haciendo que cada parte de la canción sea significativa y esté interconectada.

Parte de la canción	Duración posible
Introducción	2-8 compases
Estrofa	8-32 compases
Pre-estribillo/Puente	2-16 compases
Estribillo	8-16 compases
Post-estribillo/Tag	2-4 compases
Puente	8 compases (a veces 16)
Break	4-16 compases
Outro	2-4 compases

No debes hacer que todas las partes de la futura canción tengan la misma duración, por ejemplo, 32 compases cada una: cada elemento de la composición tiene su propia duración óptima que debe tenerse en cuenta. Cada canción es única y requiere un enfoque individual, por lo que es importante no sobrecargar el arreglo y no intentar incluir todos los elementos posibles en él. Una distribución equilibrada de las partes mantendrá el interés del oyente y creará una estructura armoniosa de la composición.

Estructura típica de las canciones de música electrónica

A diferencia de la música popular, la estructura de las pistas electrónicas tiene sus propias características. Una de las razones de esto es la influencia de los formatos de radio, donde las pistas deben ajustarse a un tiempo de emisión determinado, lo que excluye el uso de mezclas interminables.

Además, el arreglo de la música dance y electrónica debe proporcionar comodidad a los bailarines. Las secciones largas de estas pistas se alternan con otras cortas para dar a los bailarines la oportunidad de descansar. Por lo general, una composición dance consta de siete partes clave:

• Compás introductorio;
• Desglose;
• Aumento;
• Drop;
• Descanso intermedio;
• Segundo drop;
• Golpe final.

Un ejemplo de esta estructura típica es la canción «United We Dance» de Vicetone, que ilustra muy bien cómo se construyen exactamente los elementos en la música electrónica, dance y club.

Se trata de una sección que consta de dieciséis o más compases de batería o percusión. Las características de la introducción en la música electrónica son el minimalismo en el uso de los instrumentos, el énfasis en el ritmo y la aparición gradual y sin prisas de la melodía principal. El objetivo principal del beat de introducción es proporcionar al DJ la oportunidad de mezclar de forma fluida y cuidadosa la nueva pista con la anterior, manteniendo la armonía de la lista de reproducción.

Breakdown

Un breakdown es el momento en el que la composición vuelve a sus elementos principales. En esta sección, la batería suele estar completamente ausente, lo que crea más espacio para otros componentes musicales. El breakdown suele incluir la línea melódica principal de la pista, que se intensifica gradualmente y se ve invadida por instrumentos adicionales, lo que aumenta la densidad del sonido. La duración del breakdown puede variar, desde 16 hasta 32 compases o más.

Build-up

El build-up sirve como preparación para el estribillo, similar al preestribillo en la música popular. Esta sección de la composición crea gradualmente tensión debido a la aceleración de las partes de batería y al uso de risers, sonidos de sintetizador que aumentan suavemente en volumen y tono, convirtiéndose en el elemento central del arreglo.

Drop

Un drop es la culminación de una pista, similar al estribillo en la música popular. Su objetivo es causar una fuerte impresión en el oyente con potentes grooves, un bajo potente, un ritmo denso y un gancho de sintetizador brillante, que es el tema musical principal de toda la pista.

Middle Break

Un middle break es la parte central de la composición, que contiene elementos musicales únicos que no van más allá de la melodía principal. Esta sección se utiliza a menudo para hacer una transición suave al siguiente build-up, que suele ser más corto que el primero. Un middle break puede ser una variación del tema del primer breakdown o drop, pero a menudo difiere de otras partes de la pista, aportando ideas frescas y cambios al sonido.

Esta pista comenzará con un estribillo, que creará el ambiente y la energía desde el principio. A continuación, seguirán dos estrofas diferentes, cada una de las cuales aportará nuevos elementos y variedad a la historia de la canción. En la parte central de la composición, se insertará un solo o un interludio instrumental para añadir dinamismo y profundidad al sonido. La pista terminará con varios tags, interludios cortos que vienen inmediatamente después del estribillo, lo que potenciará el efecto y fijará las ideas musicales clave de la composición en la memoria del oyente.

Segundo drop

El segundo drop suele tener una estructura y una energía similares a las del primero, pero incluye algunos cambios que añaden variedad a la composición. Estas diferencias pueden ser un gancho diferente, una nueva línea de bajo o un ritmo modificado, lo que ayuda a refrescar el sonido y a mantener el interés del oyente.

Ritmo de outro

Al igual que el ritmo de introducción, el ritmo de cierre desempeña un papel importante en la música dance, ya que ayuda al DJ a mezclar suavemente la pista final con la siguiente del set. Por eso, esta parte de la composición suele ser la más larga, ya que proporciona el espacio necesario para la transición.

Estructura de las canciones de outro en la música electrónica

Para adaptarse al formato radiofónico, se editan las versiones originales de las pistas de club, que pueden durar entre 5 y 10 minutos. Como resultado, todas las partes de la composición se acortan para que la pista final no supere los 3-4 minutos. Esto permite una estructura más compacta, similar a la de una canción pop estándar, al tiempo que se mantienen los elementos clave y la energía del original.

Parte de la canción	Duración posible
Introducción Ritmo	de 16 compases
Breakdown	16-32 compases
Aumento	16-32 compases
Caída	16 compases
Pausa intermedia	16-32 compases
Segundo descenso	16-32 compases
Outro Beat	a partir de 16 compases

Formas básicas de estructura de canciones: ABA, AABA, AAA y ABABCB

A la hora de planificar un arreglo, los compositores y arreglistas suelen recurrir a una de estas cuatro formas comunes: ABA, AABA, AAA y ABABCB.

La forma ABA es la estructura musical más popular. Cuando se habla del patrón estándar estrofa-estribillo-estrofa, normalmente se refiere a la forma ABA. Una característica de esta forma es la presencia de dos secciones idénticas (A) y una sección contrastante (B). El contraste en la sección B se crea cambiando la armonía, la tonalidad, el ritmo o el estado de ánimo general de la música. En la forma ABA, las secciones A y B pueden ser cualquier parte de la canción: estrofas, estribillos, puentes o solos.

Estrofa 1 (A)	Estribillo 1 (A)	Estribillo (B)	Interludio (B)	Estrofa 2 (A)	Estribillo 2 (A)

Estribillo 2 (A)	Estrofa 1 (A)	Pausa (B)	Preestribillo (B)	Estribillo 3 (A)	Estrofa 2 (A)

Un buen ejemplo de forma ABA es el clásico del jazz «I Got Rhythm», de George Gershwin. En esta composición, las secciones A se tocan en la tonalidad de si bemol, con dos acordes por compás, lo que le da energía y dinamismo a la música. En la sección B, la tonalidad cambia, el ritmo se ralentiza (un acorde se extiende a lo largo de dos compases) y la música pierde dinamismo, creando un contraste con las secciones A.

La forma AABA es una evolución del esquema ABA. En esta estructura, la sección A se repite dos veces, luego hay una transición a una sección B contrastante, después de lo cual la composición vuelve a la sección A. Este enfoque permite crear una composición con un tema principal claramente expresado y un centro contrastante. La estructura de una canción según el esquema AABA podría ser así: A (introducción) - A (repetición) - B (contraste) - A (regreso al tema principal).

Verso 1 (A)	Estribillo 1 (A)	Verso 2 (A)	Estribillo 2 (A)	Estribillo (B)	Puente (B)	Verso 3 (A)	Estribillo 3 (A)

Estribillo 2 (A)	Verso 1 (A)	Estribillo 3 (A)	Verso 2 (A)	Break (B)	Preestribillo (B)	Estribillo 3 (A)	Verso 3 (A)

Aunque la forma AABA comienza con dos secciones A idénticas, esto no significa que tengan que ser idénticas. Los compositores y arreglistas suelen introducir ligeros cambios en la armonía, la melodía o la instrumentación a medida que avanza la sección para mantener el interés del oyente. A veces, los cambios se limitan a partes individuales de la melodía, lo que las hace más expresivas. También es habitual ver una combinación de las formas ABA y AABA, en las que se entrelazan elementos de ambas estructuras para crear variedad en la composición.

La forma AAA implica el uso de tres secciones idénticas, ya sean estrofas o estribillos, con pequeñas variaciones armónicas o melódicas. Esto permite una composición cohesionada con cambios mínimos, al tiempo que se mantiene el interés del oyente.

La forma ABABCB ofrece una estructura más compleja. El compositor comienza con un patrón estándar de estrofa-estribillo-estrofa-estribillo, y luego añade una sección C, que puede ser un puente, un solo o un interludio. A continuación, la composición vuelve al estribillo, creando una combinación equilibrada de repetición y novedad.

Estructura de la canción de The Beatles «Back in the U.S.S.R.».

La canción «Back in the U.S.S.R.» de The Beatles fue escrita como una especie de respuesta al éxito de Chuck Berry «Back in the USA». Creada en 1968, esta composición sigue sonando relevante y moderna hoy en día. La canción apareció durante el periodo en el que el primer ministro británico Harold Wilson lanzó una campaña política bajo el lema «I'm backing Britain» (Apoyo a Gran Bretaña). Este eslogan se colocó ampliamente en carteles de campaña por todo el país. Paul McCartney, inspirado por esta campaña, ideó la frase «I'm backing (back in) the U.S.S.R.» (Apoyo a la URSS), que se convirtió en una especie de respuesta satírica a las ideas políticas que dominaban la sociedad inglesa en ese momento. El público británico apreció la ironía de McCartney, pero la broma resultó incomprensible para muchos oyentes en Estados Unidos. La composición fue escrita por Paul McCartney en colaboración con John Lennon y abre el famoso álbum sin título de dos discos de The Beatles de 1968, también conocido como «The White Album».

La peculiaridad de «Back in the U.S.S.R.» es su arreglo clásico para la música pop y rock. La canción se interpreta en clave de do menor, con un tempo de 120 pulsaciones por minuto y un compás de 4/4.

Dado que YouTube suele tener problemas para publicar canciones de The Beatles, en lugar de la versión de estudio, sugerimos ver una interpretación en directo de la composición por Paul McCartney en Moscú en 2002. Sin embargo, en el siguiente análisis hablaremos de la grabación de estudio.

0:00. Introducción

La canción comienza con el característico sonido de un avión aterrizando, seguido de una introducción de 4 compases en el acorde E7. Después de estos cuatro compases, el acorde A suena en el tiempo fuerte, pasando suavemente al primer verso.

0:15. Estrofa 1

Cuando Paul McCartney comienza a cantar sobre una noche de insomnio y un vuelo desde Miami, la canción acelera el ritmo. La primera estrofa consta de 8 compases, divididos en dos bloques de 4 compases, construidos sobre los acordes A, D, C, D.

0:28. Estribillo 1

El estribillo consta de seis compases, lo cual es inusual en la música pop. Los tres primeros compases se basan en los mismos acordes que la estrofa (A, C, D), y aquí aparece el gancho vocal con la frase «Back in the USSR!». Los tres compases siguientes conducen suavemente al oyente a la segunda estrofa, que repite la estructura y la armonía de la primera.

0:52. Estribillo 2

Después de la segunda estrofa, la canción vuelve al estribillo, que es estructural y armónicamente idéntico al primero. Aquí se repiten el mismo gancho vocal y el riff principal de guitarra. Sin embargo, la duración del segundo estribillo es ligeramente diferente: consta de 7,5 compases: 7 compases en 4/4 y 1 compás en 2/4.

1:04. Post-estribillo y break

En el minuto 1:04 comienza el post-estribillo, que es una nueva sección de la canción. Esta parte se basa en armonías y coros al estilo de The Beach Boys e incluye la progresión de acordes D, A, D, Bm7, E7, D7, A, A. El post-estribillo consta de ocho compases, seguidos de un break de dos compases en los acordes A y E, que prepara la transición al solo de guitarra.

1:21. Solo de guitarra

El solo de guitarra sigue la melodía vocal y está respaldado por los acordes de las estrofas. Esta sección es similar a las estrofas y estribillos anteriores: los 8 compases de la estrofa pasan suavemente a un estribillo de seis compases y terminan con otro post-estribillo de 10 compases.

2:01. Estrofa 3

La última estrofa es idéntica a las anteriores, pero con la adición de una parte de guitarra solista que toca sobre el acorde A. La tercera estrofa da paso a otro estribillo de seis compases.

2:25. Outro

El final de «Back in the U.S.S.R.» se basa en un riff blues con un acorde de La y armonías vocales de fondo con un canto repetido de «Woo-ooo-oo». La última sección consta de 6 compases y se repite hasta que aparece el sonido de un avión aterrizando en el minuto 2:40, poniendo fin a la composición.

Estructura final de la canción The Beatles – Back in the U.S.S.R.

Parte de la canción	Duración
Introducción	4 compases
Estrofa 1	8 compases
Estribillo 1	6 compases
Estrofa 2	8 compases
Estribillo 2	7,5 compases
Post-estribillo	8 compases
Pausa	2 compases
Solo de guitarra	24 compases
Estrofa 3	8 compases
Estribillo 3	6 compases
Outro	6 compases

Estructura de la canción 2Pac feat. Dr. Dre – California Love

Dr. Dre es uno de los productores musicales más influyentes de nuestro tiempo. Su talento único y su enfoque de los arreglos convirtieron al grupo de hip-hop N.W.A. en auténticos ídolos para millones de personas. Gracias a Dre, quedó claro que la música creada por artistas negros no solo puede ser popular, sino también tener éxito comercial entre un público amplio.

Los músicos que han trabajado con Dr. Dre suelen destacar su perfeccionismo. No lanza una canción hasta que está absolutamente seguro de su calidad. A veces, el trabajo en una composición puede llevar meses o incluso años, pero el resultado final siempre cumple con las expectativas, creando auténticos éxitos.

Sin embargo, la famosa canción «California Love» fue creada por Dre en 1995 en solo unas semanas. Inicialmente, esta canción se preparó para su álbum en solitario «The Chronic II: A New World Odor (Poppa's Got A Brand New Funk)», pero por varias razones el álbum nunca se completó. Al mismo tiempo, en 1995, Tupac Shakur, un amigo íntimo de Dre, salió de prisión. Con ganas de celebrar este acontecimiento y apoyar a Tupac, Dre decidió utilizar una pista de acompañamiento ya consolidada y, junto con Roger Troutman, comenzó a trabajar en una canción que pronto se convertiría en la legendaria «California Love».

La canción se publicó en octubre de 1995 en el primer álbum de Tupac, «All Eyez on Me». El single alcanzó instantáneamente el primer puesto de todas las listas estadounidenses y se mantuvo en cabeza durante unas dos semanas. Posteriormente, la canción fue nominada a varios premios Grammy y se convirtió en uno de los mejores discos de G-Funk.

La base de «California Love» fue una muestra de teclado reelaborada de una canción poco conocida de Joe Cocker, «Woman To Woman». La composición está escrita en clave de si bemol mayor, con un solo acorde, el tamaño es 4/4 y el tempo es de 92 pulsaciones por minuto.

0:00. Introducción

La canción comienza con Roger Troutman cantando la frase «California Love» sobre un talkbox. En 0:03, entra el ritmo y, durante los siguientes cuatro compases, aparecen la batería, el bajo, los teclados y la sección de metales, que tocan el tema musical principal de la canción. Estos cuatro compases preparan el escenario para el resto de la canción, con el tema del teclado permaneciendo constante a lo largo de la pista y los demás elementos musicales entrando y saliendo del arreglo.

0:13. Estribillo 1

Tras cuatro compases de introducción, la sección de metales se desvanece, dando paso a voces procesadas que llevan el estribillo durante los siguientes 12 compases. Una de las características clave del estribillo son los brillantes sintetizadores que suenan al comienzo de cada compás, acentuando el acorde principal de la pista (si bemol mayor) y enfatizando su tonalidad. El estribillo da paso suavemente al primer verso, que comienza con un movimiento ascendente de los instrumentos de metal.

0:45. Estrofa 1

La primera estrofa dura 16 compases, durante los cuales Dr. Dre rapea su letra. Se añaden silbidos al arreglo, y los primeros ocho compases conservan los elementos presentes en la introducción. Los segundos ocho compases se complementan con nuevas partes de sintetizador y un canto vocal, creando un sonido más rico.

1:27. Estribillo 2

El segundo estribillo es similar al primero, pero con una serie de cambios: aparecen frases vocales adicionales y coros femeninos. La transición a la siguiente parte de la composición vuelve a estar marcada por los instrumentos de metal.

1:58. Puente

Después del segundo estribillo, comienza el puente en lugar del verso esperado. En las palabras «Shake, shake it, baby» se escucha un riff de teclado y un ritmo, complementados por los sonidos de truenos en cada compás. Este puente dura ocho compases, creando un contraste con las partes anteriores de la composición.

2:19. Estrofa 2

El segundo verso es idéntico al primero tanto en duración como en instrumentación, pero la letra es cantada por 2Pac, lo que aporta nueva energía y dinamismo a la pista.

3:01. Estribillo 3

El tercer estribillo coincide con los anteriores y da paso suavemente a otro interludio, similar al que sonó después del segundo estribillo.

3:54. Outro

A partir del minuto 3:54, la canción comienza a acercarse a su final. El sonido de los instrumentos se va desvaneciendo gradualmente y el arreglo se vuelve menos saturado. El outro es un bucle de 20 compases que consta de elementos del verso y el estribillo, con una repetición constante de la línea principal de la canción, que lleva gradualmente al oyente al final de la composición.

Estructura final de la canción 2Pac feat. Dr. Dre — California Love

Parte de la canción	Duración
Intro	Compás + 4 compases
Estribillo 1	12 compases
Estrofa 1	16 compases
Estribillo 2	12 compases
Puente 1	8 compases
Estrofa 2	16 compases
Estribillo 3	12 compases
Puente 2	8 compases
Outro	8 compases

El arreglo de «California Love» está hecho de tal manera que es difícil separar las partes individuales de la canción entre sí: su sonido es monolítico y un poco monótono, creando una sensación de fluidez y continuidad sin límites estructurales evidentes.

Además, «California Love» destaca por su estructura inusual. En lugar del esquema estándar «Introducción-estrofa-estribillo-estrofa-estribillo», aquí se utiliza un enfoque más original: «Introducción-estribillo-estrofa-estribillo-puente». Esta estructura aleatoria añade dinamismo y originalidad a la composición, haciéndola única en comparación con las construcciones musicales tradicionales.

Estructura de la canción Martin Garrix – Animals

Animals, de Martin Garrix, lanzada en 2014, se convirtió instantáneamente en un éxito y se aseguró un lugar en lo más alto de las listas mundiales. A pesar de su popularidad, la canción tiene un arreglo típico del género: el énfasis principal está en un potente ritmo 4/4 y un riff de percusión pegadizo que anima cualquier pista de baile.

La canción está escrita en la tonalidad de fa menor, con un tempo de 128 pulsaciones por minuto, que es el estándar para muchas pistas de baile.

Puede resultar difícil encontrar la mezcla original de 5:04 en YouTube, por lo que se adjunta al material un videoclip con una versión radiofónica de la canción. Tenga en cuenta que los tiempos pueden no coincidir con la versión original. Si alguien tiene un enlace a la versión completa de la composición, le agradeceríamos que lo compartiera en los comentarios.

0:00. Introducción

La composición comienza con una intro minimalista, en la que los primeros 16 compases están dominados por el bombo y el ride, que recuerdan a un metrónomo. Junto con el ritmo, suena un sintetizador arpegiado, cuyo sonido está abundantemente procesado con reverberación. Un aumento gradual de la fuerza y la potencia del sintetizador lleva suavemente al oyente al siguiente segmento de la composición.

0:30. Introducción del bajo

En esta fase, entra un bajo grave, basado en los golpes rítmicos del bombo. El sintetizador arpegiado se desvanece en el fondo y aparece un nuevo sintetizador en la mezcla, que va reforzando gradualmente su sonido. Hacia el final de esta introducción, se puede escuchar un golpe invertido en el platillo, que añade dramatismo antes de la transición.

1:00. Mini pausa

Este breve break de cuatro compases sirve como una especie de pausa, durante la cual el arreglo se congela casi por completo. Los únicos sonidos son el tictac de un reloj, una línea de bajo que se desvanece gradualmente y un golpe de platillo. Este momento prepara al oyente para la aparición de la línea melódica principal.

1:08. Desglose 1

El tictac de un reloj se transforma gradualmente en una parte de percusión. Después de ocho compases de melodía suave, un sintetizador agresivo entra en la composición, repitiendo el tema principal con acordes potentes. Estos sintetizadores están respaldados por golpes de caja y palmas, que acentúan cada tiempo del compás.

1:37. Aumento

La acumulación de ocho compases alcanza un punto álgido de tensión, preparando la composición para el drop. Los golpes acelerados de la caja, un riff de sintetizador y ráfagas de sonidos láser conducen a un clímax, que termina con una muestra vocal.

1:53. Drop 1

El primer drop ofrece una solución interesante: en lugar de utilizar la línea melódica principal, Garrix introduce un nuevo riff, que se apoya en un potente ritmo y referencias al tema principal de la composición.

2:30. Descomposición 2

Tras otro mini-break de cuatro compases, el sintetizador vuelve a la mezcla, tocando el tema principal de la pista. Como antes, el breakdown da paso suavemente a otra acumulación.

3:15. Drop 2

El segundo drop es casi idéntico al primero, pero su duración se incrementa en 16 compases. Tras los primeros ocho compases, vuelve a sonar la muestra vocal, a la que se añaden acordes de sintetizador.

3:58. Outro

Tras una breve inserción con el tictac de un reloj, el arreglo vuelve a los elementos de la introducción. A medida que se acerca el final, el sonido de la composición se vuelve más suave y sutil. En los momentos finales de la pista, el sintetizador arpegiado vuelve a pasar a primer plano, creando un contraste entre el principio y el final.

Estructura final de la canción Martin Garrix — Animals

Sección de la canción	Duración
Introducción	Compás + 4 compases
Introducción del bajo	12 compases
Mini pausa 1	4 compases
Desglose 1	12 compases
Aumento 1	8 compases
Caída 1	16 compases
Mini pausa 2	4 compases
Desglose 2	8 compases
Aumento 2	8 compases
Caída 2	32 compases
Outro	32 compases