Diseño de sonido en el cine

En el cine (como señaló George Lucas en la cita anterior), donde el sonido desempeña un papel fundamental junto con la imagen y la historia. No olvidemos que la primera película sonora, El cantante de jazz, se estrenó hace 90 años, en 1927, mientras que el primer videojuego con sonido, Pong, no apareció hasta 45 años después, en 1972. Por eso, hoy quiero compartir algunas historias sobre diseños de sonido excepcionales en películas.

Rainbow Spring Slinky ayudó a dar voz al robot Wall-E

Comencemos con una visión general del diseño de sonido en el cine. Uno de mis canales favoritos de YouTube sobre cine, Cinefix, ha publicado una selección de 10 películas con un buen diseño de sonido. En esta lista, han reseñado películas como La guerra de las galaxias, Stalker, Gravity y Wall-E.

Me intrigó especialmente la historia de Ben Burtt, uno de los pioneros de los nuevos sonidos cinematográficos, que acuñó el nombre de su profesión: diseñador de sonido. Ocurrió en 1977, cuando asumió el papel de dar voz a Star Wars. Más adelante hablaré más sobre su trabajo, pero por ahora solo mencionaré que en aquella época Ben no disponía de sintetizadores digitales, por lo que creó y grabó la mayoría de los sonidos a mano. Para crear la voz de R2-D2, fue un paso más allá y grabó su propia voz para luego convertirla utilizando un sintetizador analógico ARP 2600.

Después de trabajar en seis películas de la saga estelar y 29 años dedicados a ella, Ben decidió que ya no quería hacer doblaje para robots. Pero solo una semana después, Pixar lo convenció para que los ayudara con la película animada Wall-E. Era un desafío completamente único: la «voz» de Wally se creó desde cero, sin el uso de actores o fuentes reales, y Wally no pronunció una sola palabra (todas sus emociones debían transmitirse solo a través de sonidos creados artificialmente). Al mismo tiempo, Valli era el verdadero protagonista de la película con su propio personaje. Gracias al diseño de sonido, Ben realmente dio vida a este personaje en la pantalla. Y es curioso que, al crear los sonidos para Valli, utilizara el muelle Slinky, con el que jugábamos de niños, subiendo las escaleras.

La creación de los sonidos de la película original de Star Wars se detalla en el canal de YouTube de Kaptain Kristian.

En 1977, el diseñador de sonido Ben Burt se enfrentó a un problema técnico: los sonidos de ciencia ficción no existían en el mundo real. Por ejemplo, ¿qué sonido elegir para el rayo de un sable láser?

Solo el 15 % de la banda sonora final de la película se grabó en el lugar durante el rodaje, el 85 % restante tuvo que ser creado por el propio Ben. La película contenía muchas escenas que habrían sido incomprensibles sin los sonidos adecuados, especialmente las batallas en el espacio. En aquella época, los cines ni siquiera tenían sonido estéreo, y mucho menos sonido envolvente en los años 70.

Gracias al hábil trabajo de Ben, esta tarea se resolvió de forma brillante. Grabó los sonidos de dos proyectores de cine oscilantes y un tubo de rayos catódicos de televisión para crear el sonido de un sable láser. Este sonido se ha convertido en un canon para toda la saga de Star Wars y se ha convertido en un símbolo de la ciencia ficción. Por cierto, en el vídeo hay una escena de batalla con sables láser sin sonido añadido, que parece ingenua y divertida. Así que, sin la aportación de Ben, Star Wars habría perdido su ambiente épico.

Al crear los sonidos para Godzilla, se decidió prescindir por completo del uso de sonidos de animales vivos: todos los sonidos se crearon y grabaron especialmente para la película.

La última película de Godzilla es como un juego de Lara Croft: el sonido es genial, pero la película en sí deja mucho que desear. Esta entrevista en vídeo de Michael Coleman con los diseñadores de sonido Eric Adahl y Ethan Van der Ryn se centra en el sonido de Godzilla.

Una historia particularmente interesante es la actuación de voz del Godzilla japonés original de 1954. El diseñador de sonido Akira Ifukube viajó por todo Japón grabando muchos sonidos de animales, pero ninguno de ellos encajaba. Al final, para grabar el rugido del Godzilla original, utilizó el sonido de unos guantes de cuero chirriando contra las cuerdas de un contrabajo.

Los diseñadores de sonido de la nueva película de Godzilla no revelan todos sus secretos, pero el vídeo muestra cómo dieron voz al kaiju en la película (recomiendo prestar atención al fragmento que va aproximadamente del minuto 1:50 al 3:50). Así, el chirrido de las zapatillas sobre el tambor y el sonido de las perchas crujiendo se convirtieron en la voz del kaiju volador de la película. Solo hay que verlo y escucharlo.

Las películas actuales de Marvel carecen sin duda de composiciones musicales pegadizas

Tony Zhou, en su vídeo ensayo, analizó cuidadosamente las bandas sonoras de las películas de Marvel Studios. Hagamos un pequeño experimento: intenta recordar cualquier melodía de Star Wars. Siéntete libre de tararearla en voz alta. Seguro que te viene fácilmente a la mente la marcha imperial o el himno de la resistencia. Ahora pasemos a la segunda parte del experimento: intenta recordar cualquier melodía de las películas de Marvel. Es prácticamente imposible, ¿verdad? Yo también me encontré con la misma dificultad (y he visto todas las películas, incluida la «estúpida» Thor). Quizás Los Vengadores tenga algún tema impresionante, pero no es memorable.

Tony tiene una teoría interesante sobre las razones de esta situación. En primer lugar, el cine moderno se esfuerza por garantizar que la música pase desapercibida y simplemente enfatice las emociones en la pantalla. Sin duda funciona, pero hace que las películas sean monótonas y aburridas.

En segundo lugar, esto se debe a la nueva tendencia de utilizar música temporal (música temp) en el proceso de edición. Con la llegada de la tecnología de edición digital, se ha vuelto fácil tomar una pista existente y utilizarla como música temporal para material nuevo. Los cineastas están utilizando masivamente efectos de sonido de películas exitosas anteriores como música temporal. Luego piden a los compositores que escriban algo muy similar como banda sonora original. ¿Por qué ocurre esto? Por ejemplo, una escena puede editarse con música de un tempo determinado y acentos en momentos concretos, y sin esa banda sonora, la escena simplemente puede no funcionar.

Es difícil de explicar con palabras, pero en el vídeo, Tony da ejemplos concretos de escenas de diferentes películas en las que las melodías son casi idénticas. Me sorprendió especialmente que mi película favorita de la década, Mad Max: Fury Road, utilizara el tema de Capitán América: Civil War casi literalmente. Pero en «Mad Max» este tema se hizo más memorable, porque el compositor Junkie XL lo hizo más agresivo, dinámico y llamativo. Además, toda la banda sonora de Mad Max se creó expresamente con sonidos ásperos y crudos, lo que la hace más memorable (¡y es genial!).

Baby Driver, de Edgar Wright, es una de mis películas favoritas de este verano.

En su análisis en vídeo de la escena inicial de la película (recomiendo verlo en su totalidad), Thomas Flyte la desglosa poco a poco y explica por qué tiene tanto éxito. El director Edgar Wright incorpora muchas técnicas diferentes, pero una de ellas es la base de toda la película: el protagonista, Baby, huye de la persecución policial en su coche, y cada una de esas huidas está cuidadosamente coordinada con una canción específica. Wright monta esta persecución con la música elegida, lo que da como resultado una escena que se mezcla armoniosamente con el acompañamiento musical, recordando al videoclip de la canción. Esta técnica hace que la música sea memorable e impresionante. Wright selecciona conscientemente temas increíbles y los incorpora a la película en varios niveles.

La película «Dunkerque» fue la que más me impactó emocionalmente este verano.

Christopher Nolan transmite magistralmente la sensación de amenaza y tensión en Dunkerque. Cada segundo crea la impresión de que los personajes se encuentran en una situación cada vez más desesperada. En una reseña en el canal Vox, Christoph Haubursin explica cómo el sonido de la película contribuye a este efecto.

El compositor Hans Zimmer utiliza dos técnicas para lograr este objetivo. En primer lugar, el sonido de un reloj que hace tictac sirve de base para la melodía, lo que atrae la atención del espectador hacia el concepto del tiempo, que se ha convertido en el principal enemigo de los militares, atrapados en la playa de Dunkerque. En segundo lugar, Zimmer crea la ilusión de un tono musical que aumenta infinitamente, simbolizando el peligro creciente. La tonalidad de la música aumenta constantemente, como si el peligro fuera cada vez mayor, sin límite.

Para crear esta ilusión, Zimmer utiliza el efecto Shepard. Combina tres pistas de audio con notas ascendentes (cada pista una octava más alta que la anterior). Poco a poco, el compositor silencia la pista más alta y, al mismo tiempo, sube el volumen de la pista más baja. Esto crea la impresión de que el tono de la melodía aumenta constantemente, y este efecto afecta significativamente a la percepción emocional. Anteriormente, Shigeru Miyamoto utilizó una técnica similar en un juego de Mario para crear la ilusión de una escalera sin fin.