Qué es el indie rock

El indie rock surgió a principios de la década de 1980 en el Reino Unido, Estados Unidos y Nueva Zelanda. En aquel momento, el término hacía referencia a la música publicada por discográficas independientes, pero pronto pasó a representar una estética más amplia: cruda, experimental y más impulsada por la visión que por fórmulas comerciales.

Una de las primeras bases del género fue el «sonido Dunedin» de Nueva Zelanda, con bandas como The Chills y The Clean. En Estados Unidos, las emisoras de radio universitarias fueron fundamentales para promocionar a artistas como The Smiths y R.E.M., dando tiempo de emisión a música que se sentía fuera de la corriente principal. A mediados de los 80, el indie rock había comenzado a tomar forma como escena propia, impulsado por el recopilatorio británico NME C86 y el auge underground de bandas como Sonic Youth y Dinosaur Jr. en Estados Unidos.

Los años 90 trajeron una ola de nuevos subgéneros:

• el slowcore , con sus tempos melancólicos y prolongados;
• el emo del Medio Oeste , conocido por sus letras sinceras;
• El slacker rock , caracterizado por una interpretación relajada y una estética lo-fi;
• El shoegaze , definido por el uso intensivo de efectos de guitarra y voces introspectivas.

A medida que el grunge y el britpop ganaban impulso, la corriente principal comenzó a adoptar los sonidos indie. Las grandes discográficas se inclinaron por la «imagen indie» como herramienta de marketing, lo que creó una división: algunas bandas se inclinaron por la exposición, otras se esforzaron por mantenerse fuera del radar.

En la década de 2000, el indie rock volvió a saltar a la palestra. Grupos como The Strokes, The Libertines, Arctic Monkeys y The Killers aportaron una energía post-punk revival que conectó con una nueva generación. Ese auge provocó una explosión de bandas con un sonido similar, una ola que la prensa británica bautizó más tarde como «landfill indie».

A pesar de todos los cambios, el indie rock se ha mantenido fiel a sus raíces, centradas en la libertad creativa, el espíritu DIY y el instinto de desafiar lo establecido.

Qué hace que una canción sea indie: sonido, espíritu y estilo

El término «indie» surgió por primera vez a finales de la década de 1970 en Manchester, cuando la banda Buzzcocks lanzó su EP Spiral Scratch sin la ayuda de una gran discográfica. Ese momento marcó el inicio de un nuevo tipo de independencia musical.

El indie no se refiere solo a quién publica la música, sino al control creativo. Los artistas gestionan sus propias grabaciones, dirección y sonido sin la presión de los grandes actores de la industria. Esta libertad da lugar a una música que rompe con las fórmulas y resulta más personal y original.

Estilísticamente, el indie se nutre de todo: punk, grunge, pop, hip-hop, incluso rock psicodélico. Así es como surgen bandas como The White Stripes, que mezclan el rock garajero con el blues, o Young the Giant, que combinan estribillos pegadizos con texturas de guitarra en capas.

The White Stripes

Young the Giant

A pesar de toda esta variedad, la música indie sigue transmitiendo una energía reconocible. Es cruda, honesta y está impulsada por la visión del artista, no por las tendencias o las listas de éxitos comerciales.

Rasgos definitorios del indie rock: sonido, visión y contraste

El indie rock es más que un género: es una mentalidad, una forma de crear y compartir música. La palabra «indie» proviene de «independiente» y originalmente se refería a artistas y bandas que lanzaban música en sellos discográficos pequeños y de bajo presupuesto. Incluso cuando la distribución involucraba a grandes empresas, estos artistas buscaban preservar el control creativo y evitar ser influenciados por las tendencias de la industria.

Esa independencia abrió la puerta a la experimentación —con el sonido, los temas y las emociones— a menudo muy alejada de lo que ofrecía la música mainstream. El indie rock siempre se ha inspirado en una gran variedad de influencias:

• punk y post-punk (Buzzcocks, Wire, Television);
• psicodelia y garage rock de los años 60 (Velvet Underground, The Doors);
• el art rock y la estética lo-fi;
• toques de country y folk.

Según AllMusic, el indie rock incluye a artistas cuyos enfoques musicales a menudo chocan con los gustos mainstream. Abarca desde el grunge con guitarras potentes hasta el folk punk y el rock vanguardista. Lo que lo une todo no es el estilo, sino un impulso compartido por la autonomía y la originalidad.

En su libro, Brent Luvaas destaca cómo el indie rock tiene sus raíces en la nostalgia: por el sonido de los años 60, por el espíritu DIY y por las letras que a menudo tienen profundidad literaria. Esa influencia se puede escuchar en bandas como The Smiths y The Stone Roses, que enfatizaban tanto la atmósfera como la narración.

El musicólogo Matthew Bannister describió una vez el género como «pequeños grupos de chicos blancos con guitarras», inspirados en el punk y el rock de los años 60, pero que se distanciaban deliberadamente de las normas comerciales. La antropóloga Wendy Fonarow identificó dos mentalidades indie principales:

• la «purista», que favorece el minimalismo, la crudeza y la honestidad emocional;
• la «romántica», más expresiva, excéntrica y estilísticamente atrevida.

Esta división fue especialmente visible en la década de 1990. Las bandas británicas se inclinaban por la interpretación y el estilo estético, mientras que muchos grupos estadounidenses adoptaban un sonido lo-fi y sin pulir como marca de autenticidad.

El indie rock también abrió más espacio para las mujeres. El movimiento riot grrrl, liderado por bandas como Bikini Kill, Bratmobile y Team Dresch, desafió las normas no solo subiéndose al escenario, sino también dando forma a las ideas detrás de la música. Sin embargo, como señala Courtney Harding, la misma igualdad no se ha extendido al liderazgo: las mujeres que dirigen sellos discográficos independientes siguen siendo una minoría incluso hoy en día.

Bikini Kill

El indie rock abarca una amplia gama de estilos, desde el indie pop con sintetizadores hasta el post-punk crudo e incluso influencias del hip-hop, pero la mayoría de las bandas indie comparten algunos valores fundamentales en su forma de abordar la música.

• Ética DIY . La mayoría de los artistas independientes operan sin el respaldo financiero de las grandes discográficas. Pagan el tiempo de estudio de su propio bolsillo o graban en casa con el equipo que tienen. Este enfoque práctico mantiene el proceso totalmente independiente, desde la primera demo hasta el lanzamiento final.
• Estética lo-fi . Antes de que software como Pro Tools y Logic se hiciera ampliamente accesible, los músicos indie a menudo no podían permitirse estudios profesionales. Eso dio lugar a un sonido lo-fi reconocible: guitarras ásperas, ruido de fondo y un acabado intencionadamente tosco. Incluso hoy en día, algunos artistas se aferran a esa textura a propósito, utilizando las imperfecciones como parte de su identidad artística.
• Composición interna . A diferencia del pop o el hip-hop mainstream, donde las canciones suelen ser creadas por equipos de productores y compositores, la música indie suele ser escrita por los propios artistas. Esto puede significar cantautores en solitario como Phoebe Bridgers, o bandas completas como Fugazi o Sleater-Kinney, donde la composición es un esfuerzo colectivo, no subcontratado a profesionales.
• Autenticidad por encima del espectáculo . El indie rock no se basa en solos deslumbrantes ni acrobacias vocales. Se inclina por interpretaciones honestas y humanas. Muchas bandas indie pueden reproducir fácilmente su sonido grabado en directo sin necesidad de un equipo de músicos de estudio de respaldo, y esa interpretación cruda y sin filtros es precisamente lo que conecta con los fans. No se trata tanto de la perfección como de la emoción real.

Cómo comenzó la escena del indie rock: de Buzzcocks al Dunedin Sound

El documental de la BBC Music for Misfits: The Story of Indie atribuye el origen del término «indie» al lanzamiento en 1977 de Spiral Scratch, un EP autofinanciado de la banda punk de Manchester Buzzcocks, publicado a través de su propio sello New Hormones. Esta iniciativa desencadenó una ola de actividad DIY: las bandas comenzaron a grabar, imprimir y distribuir su propia música. Grupos como Swell Maps, 'O' Level, Television Personalities y Desperate Bicycles pronto siguieron su ejemplo.

Buzzcocks

La distribución creció con la ayuda de The Cartel, una red de pequeños distribuidores como Red Rhino y Rough Trade Records, que ayudó a que los lanzamientos indie llegaran a las tiendas de discos de todo el Reino Unido. Esta infraestructura dio a la música independiente una presencia física en las tiendas, lo que le permitió competir con los lanzamientos de los grandes sellos discográficos.

Los sellos independientes también causaron sensación fuera del Reino Unido. En Estados Unidos, Beserkley Records lanzó el álbum debut de The Modern Lovers, y Stiff Records publicó New Rose de The Damned, considerado el primer single punk británico. En Australia, The Saints lanzó (I'm) Stranded a través de su propio sello Fatal Records, seguido de The Go-Betweens, que debutó con el single independiente Lee Remick.

Un capítulo clave en el desarrollo del indie se desarrolló en Dunedin, Nueva Zelanda. A principios de los 80, se fundó Flying Nun Records, que se convirtió en el hogar de una generación de artistas que crearon lo que se conoció como el Dunedin Sound. Según Audioculture, una de las primeras bandas de esta escena fue The Enemy, formada por Chris Knox y Alek Bathgate. Aunque tuvo una vida efímera, la banda dejó una huella imborrable en músicos más jóvenes como Shayne Carter, que más tarde formó DoubleHappys y Straitjacket Fits.

Tras la separación de The Enemy, Knox formó Toy Love y, más tarde, Tall Dwarfs, uno de los primeros grupos en adoptar la grabación casera y la estética lo-fi, elementos clave de lo que se convertiría en el sonido indie.

El sonido de Dunedin se caracterizaba por guitarras estridentes, voces apagadas y un ambiente melancólico. Ganó un mayor reconocimiento gracias al sencillo Tally-Ho! de The Clean, publicado en 1981, y al recopilatorio Dunedin Double, de 1982, en el que participaban The Chills, Sneaky Feelings, The Verlaines y The Stones. El estilo pronto se extendió más allá de Dunedin a ciudades como Christchurch y Auckland, contribuyendo a configurar el indie rock como un movimiento cultural diferenciado.

Mientras tanto, en Estados Unidos, las emisoras de radio universitarias se convirtieron en un elemento crucial para la música independiente emergente en la década de 1980. Emitían rock alternativo, post-punk, post-hardcore y new wave, sonidos que rara vez se escuchaban en la radio comercial. A estas bandas se las denominaba colectivamente «rock universitario», un término más vinculado a la plataforma que a un género concreto.

Artistas como R.E.M. y The Smiths fueron especialmente influyentes. El musicólogo Matthew Bannister los considera algunas de las primeras bandas indie auténticas. Su influencia se puede apreciar en grupos como Let's Active, The Housemartins y The La's. Por esa época, el término «rock indie» comenzó a aplicarse no solo a los sellos discográficos, sino también a los artistas que lanzaban música de forma independiente.

El periodista Steve Taylor también señaló la escena Paisley Underground como una de las primeras etapas de la historia del indie. El género se volvió más oscuro y atmosférico en manos de artistas como The Jesus and Mary Chain y Jean-Paul Sartre Experience, ambos asociados con Flying Nun.

Finalmente, tras los esfuerzos de presión de NPR, que llevaron a una reducción del número de emisoras de radio universitarias, el término «rock universitario» comenzó a desaparecer. En su lugar, se impuso una etiqueta más flexible y duradera, «indie», que definiría a una generación musical que priorizaba la creatividad, la independencia y la autodirección.

Jesus and Mary Chain

La evolución del indie rock: de C86 a Grebo y Shoegaze

En el Reino Unido, un punto de inflexión clave para la escena indie llegó con el lanzamiento de C86, un casete recopilatorio elaborado por NME en 1986. Incluía temas de Primal Scream, The Pastels, The Wedding Present y otros que mezclaban jangle pop, post-punk y la producción «Wall of Sound» al estilo de Phil Spector. Más tarde, el crítico Bob Stanley lo calificó como «el comienzo de la música indie». El término C86 rápidamente traspasó los límites del casete y se convirtió en sinónimo de toda una ola de bandas con sonidos frescos y lo-fi, a menudo etiquetadas como anorak pop o shambling indie. Mientras que algunos grupos como Soup Dragons, Primal Scream y The Wedding Present alcanzaron el éxito en las listas, muchos otros cayeron en el olvido.

En Estados Unidos, el auge de R.E.M. supuso una alternativa a la intensidad del hardcore y abrió la puerta a nuevos músicos, en particular a aquellos que darían forma a la escena post-hardcore, como Minutemen. Las grandes discográficas se fijaron en ellos y ficharon brevemente a bandas como Hüsker Dü y The Replacements, aunque sus lanzamientos no igualaron el éxito comercial de R.E.M. Aun así, su influencia fue duradera. A finales de los 80, grupos como Sonic Youth, Dinosaur Jr. y Unrest lanzaban su música a través de discográficas independientes, y al final de la década, Sonic Youth y Pixies habían firmado con grandes discográficas.

Por esa época, el shoegaze surgió como un subgénero del indie rock, ampliando el estilo «wall of sound» (muro de sonido) iniciado por The Jesus and Mary Chain. El shoegaze fusionó esa textura con elementos de Dinosaur Jr. y Cocteau Twins, creando una atmósfera oscura y nebulosa en la que los instrumentos a menudo se difuminaban entre sí. My Bloody Valentine fueron pioneros con sus EP y su álbum debut Isn't Anything, inspirando una nueva ola de bandas de Londres y el valle del Támesis como Chapterhouse, Moose y Lush. En 1990, Steve Sutherland, de Melody Maker, bautizó esta escena con el famoso nombre de «la escena que se celebra a sí misma».

Mientras tanto, Madchester surgió como un híbrido entre el indie rock al estilo C86, la música dance y la cultura rave hedonista, con un uso intensivo de psicodélicos. Con sede en Manchester y centrado en la discoteca Haçienda, inaugurada en 1982 por Factory Records, el movimiento se nutrió de grupos como New Order, Cabaret Voltaire y The Smiths. En 1989, Bummed de Happy Mondays y el debut de The Stone Roses habían definido la escena. Actuaciones como The Charlatans, 808 State e Inspiral Carpets pronto les siguieron.

El sonido Madchester, una mezcla de indie con guitarras y ritmos bailables, se conoció como indie dance o, más concretamente, como el subgénero baggy. Uno de los momentos decisivos del movimiento fue el concierto de The Stone Roses en Spike Island el 27 de mayo de 1990. Con 28 000 fans y una duración de 12 horas, fue el primer gran evento de este tipo organizado por una banda independiente.

Al mismo tiempo, en Stourbridge estaba surgiendo una escena distinta, conocida como grebo. Las bandas mezclaban influencias punk, electrónicas, folk e incluso hip-hop, creando un sonido más pesado y sucio. Liderado por Pop Will Eat Itself, The Wonder Stuff y Ned's Atomic Dustbin, el movimiento no era tanto un género como un momento cultural localizado. Sus singles entraron en las listas de éxitos —Wise Up! Sucker y Can U Dig It? de Pop Will Eat Itself llegaron al Top 40 del Reino Unido— y Stourbridge se convirtió brevemente en un lugar de peregrinación para los fans del indie.

Entre 1989 y 1993 se publicaron álbumes fundamentales de la escena grebo: Hup y Never Loved Elvis de The Wonder Stuff; God Fodder y Are You Normal? de Ned's Atomic Dustbin; y This Is the Day... This Is the Hour... This Is This! y The Looks or the Lifestyle? de Pop Will Eat Itself. Estas bandas se convirtieron en habituales de los festivales de Reading, vendieron millones de discos y aparecieron en las portadas de NME y Melody Maker.

Lo que diferenciaba al grebo no era solo sus influencias eclécticas, sino su rechazo al ambiente pulido o melancólico que definía gran parte del indie rock. Abrazaba la distorsión, la arrogancia y un toque más duro. Bandas similares de la cercana Leicester —Bomb Party, Gaye Bykers on Acid, Crazyhead, Hunters Club y Scum Pups— pronto se unieron al movimiento, consolidando el breve pero ruidoso lugar del grebo en la historia del indie.

La división entre lo mainstream y lo underground en el indie rock: los años 90

A principios de la década de 1990, la escena grunge de Seattle irrumpió con fuerza en la corriente dominante. Bandas como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden y Alice in Chains se convirtieron en nombres muy conocidos, y el éxito arrollador de Nirvana atrajo una enorme atención hacia el indie rock. Como resultado, el término indie rock comenzó a dar paso al rock alternativo, una etiqueta que, con el tiempo, perdió su significado contracultural original. Lo que antes se asociaba con la independencia y el estatus de outsider se convirtió en sinónimo de una versión más comercial y agradable del rock guitarrero que ahora encabezaba las listas de éxitos.

Carl Swanson, en un artículo para la revista New York Magazine, argumentó que incluso el término «vendido» comenzó a perder significado en este nuevo panorama, ya que el grunge demostró que incluso los movimientos más minoritarios o radicales podían ser absorbidos por la corriente dominante. Lo que surgió fue una cultura fracturada e individualista que seguía funcionando bajo la influencia de las grandes discográficas y los medios de comunicación.

El experto en medios de comunicación Roy Shuker, en su libro Popular Music: The Key Concepts, señaló que el grunge se convirtió esencialmente en la versión mainstream de la estética indie rock norteamericana de los años 80. Sugirió que, para entonces, ser «independiente» se había convertido en una herramienta de marketing como cualquier otro rasgo sonoro reconocible. Este cambio provocó una clara división en el mundo del indie rock: algunas bandas se inclinaron por la accesibilidad de la radio de rock alternativo, mientras que otras redoblaron su apuesta por la experimentación y se mantuvieron firmemente en el underground. Según AllMusic, fue durante este periodo cuando el indie rock pasó a definirse de forma más restrictiva, refiriéndose específicamente a los grupos underground, mientras que sus homólogos con más éxito comercial pasaron a denominarse alternativos.

Una de las respuestas musicales más claras a este cambio fue el slowcore, que se desarrolló en Estados Unidos como contrapunto directo al dominio creciente del grunge. Aunque los límites del slowcore son difusos, suele caracterizarse por tempos lentos, instrumentación escasa y letras melancólicas. Galaxie 500, en particular su álbum On Fire de 1989, tuvo un gran impacto en el género. Como escribió Robert Rubsam para Bandcamp Daily, fueron «el punto de origen de todo lo que vino después». La primera ola de bandas de slowcore incluyó a Red House Painters, Codeine, Bedhead, Ida y Low. El género no estaba vinculado a ninguna ciudad o escena en particular, y muchos de sus artistas se desarrollaron en relativo aislamiento unos de otros.

Alrededor de 1991, comenzó a surgir una rama más joven y más cruda del movimiento grebo. A estas bandas se les denominó fraggle, un nombre aplicado con cierto tono irónico a grupos que se inspiraban en gran medida en el punk, Bleach de Nirvana, y que a menudo utilizaban cajas de ritmos. Stephen Klain, de Gigwise, describió el sonido como «guitarras sucias, pelo aún más sucio y camisetas que solo una madre lavaría». Entre las bandas fraggle más destacadas se encontraban Senseless Things, Mega City Four y Carter the Unstoppable Sex Machine. Llevaban consigo el espíritu indie, pero con una energía más caótica y un estilo visual desafiantemente sin pulir.

Senseless Things

El escritor de Spin Charles Aaron describió a Pavement y Guided by Voices como «las dos bandas que definieron el indie rock durante esta época y que, para muchos, siguen encarnando lo que significa el término». Ambos grupos adoptaron estilos de producción lo-fi que reflejaban y romantizaban su espíritu DIY. El álbum Slanted and Enchanted de Pavement, publicado en 1992, se convirtió en una piedra angular del subgénero slacker rock. Rolling Stone lo calificó como «el álbum indie rock por excelencia» y lo incluyó en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

En el Research Triangle de Carolina del Norte, la escena indie estaba liderada por bandas fichadas por Merge Records, entre ellas Superchunk, Archers of Loaf y Polvo. Estas bandas dieron forma a un movimiento regional influenciado tanto por el punk hardcore como por el post-punk. Por aquella época, medios como Entertainment Weekly llamaban a Chapel Hill «la nueva Seattle». El single Slack Motherfucker de Superchunk también fue destacado por la revista Columbia Magazine como un himno definitorio del indie rock de los 90 y un símbolo del estereotipo slacker.

Mientras tanto, en el Reino Unido, el auge del britpop relegó a un segundo plano a muchas de las primeras bandas de indie rock. Lideradas por Blur, Oasis, Pulp y Suede, las bandas de britpop se posicionaron inicialmente como alternativas underground, en respuesta al dominio de la escena grunge estadounidense. Aunque el britpop debía gran parte de su estilo al indie rock y comenzó como parte de ese linaje, muchas bandas rechazaron el espíritu antisistema inicial del género. En cambio, llevaron el indie a la corriente principal, con grupos como Blur y Pulp firmando con grandes discográficas.

En su ensayo Labouring the Point? The Politics of Britain in «New Britain», la académica y política Rupa Huq argumentó que el britpop «comenzó como una ramificación de la escena musical independiente británica, pero puede que finalmente la haya acabado, al converger el indie y la corriente principal, borrando el elemento de protesta que una vez definió la música indie británica». El periodista musical John Harris situó los orígenes del britpop en la primavera de 1992, cuando se publicaron casi simultáneamente el cuarto sencillo de Blur, Popscene, y el sencillo debut de Suede, The Drowners. «Si el britpop comenzó en algún lugar», escribió, «fue en la ola de aclamación que recibió los primeros sencillos de Suede: audaces, triunfantes e inconfundiblemente británicos». Suede fue la primera de una nueva ola de bandas impulsadas por la guitarra que la prensa musical británica acogió como la respuesta británica al grunge de Seattle. Su álbum debut homónimo se convirtió en el debut más vendido en la historia del Reino Unido en ese momento.

El álbum debut de Sunny Day Real Estate, Diary (1994), contribuyó a dar paso a una nueva ola de emo al fusionar temas emocionales con la estética del indie rock. Junto con bandas como Piebald, The Promise Ring y Cap'n Jazz, la segunda ola del emo se distanció de sus raíces hardcore y evolucionó hacia un género más melódico y refinado en su estructura.

Esta nueva versión del emo irrumpió en la corriente principal a principios de la década de 2000 con álbumes que alcanzaron el disco de platino, como Bleed American (2001) de Jimmy Eat World y The Places You Have Come to Fear the Most (2001) de Dashboard Confessional. Una parte especialmente influyente de este movimiento surgió en el Medio Oeste, donde bandas como American Football mezclaron brillantes tonos de guitarra y elementos de math rock para crear un sonido distintivo. La creciente popularidad del emo también contribuyó a aumentar la visibilidad de grupos «intermedios» como Death Cab for Cutie, Modest Mouse y Karate, bandas que no encajaban directamente en el emo o el indie, sino que prosperaban en algún punto entre ambos.

Mientras tanto, el colectivo Elephant 6, formado por Apples in Stereo, Beulah, Circulatory System, Elf Power, The Minders, Neutral Milk Hotel y The Olivia Tremor Control, aportó un toque psicodélico al indie rock. En Gimme Indie Rock, el autor Andrew Earles atribuyó al colectivo —en particular a On Avery Island (1996) de Neutral Milk Hotel— el mérito de mantener la relevancia artística del indie durante un periodo en el que otros movimientos underground comenzaban a desvanecerse o a convertirse en mainstream.

La indietrónica (o electrónica indie) surgió como otro punto de fusión, mezclando las estructuras del indie rock con la producción electrónica: samplers, sintetizadores, cajas de ritmos y software. Más que un género específico, la indietrónica describía un movimiento más amplio a principios de los 90 que se inspiraba en el krautrock, el synth-pop y tradiciones experimentales como el BBC Radiophonic Workshop. Entre los grupos fundamentales se encontraban los británicos Disco Inferno, Stereolab y Space, y la mayoría de los artistas estaban vinculados a sellos como Warp, Morr Music, Sub Pop o Ghostly International.

El space rock, otra rama del indie, se inspiró en el rock psicodélico, las texturas ambientales y los estilos cósmicos de Pink Floyd y Hawkwind. Comenzando con Spacemen 3 en los años 80, el estilo se expandió a través de bandas como Spiritualized, Flying Saucer Attack, Godspeed You! Black Emperor y Quickspace, combinando drones, atmósferas y estructuras indie.
 A medida que el britpop se desvaneció a finales de los 90, el post-britpop se labró su propio espacio dentro del indie rock británico. Alrededor de 1997, creció la desilusión con Cool Britannia y las bandas comenzaron a distanciarse de la etiqueta britpop, aunque mantuvieron conexiones estilísticas. Con el declive del britpop, nuevas bandas obtuvieron un mayor reconocimiento por parte de la crítica y el público. Urban Hymns (1997) de The Verve fue un éxito mundial y marcó su apogeo comercial antes de separarse en 1999. Radiohead, por su parte, tuvo un éxito modesto con The Bends (1995), pero alcanzó el éxito con OK Computer (1997), seguido de Kid A (2000) y Amnesiac (2001), que desafiaron los géneros y obtuvieron una gran aclamación.

Stereophonics mezcló influencias post-grunge y hardcore en álbumes como Word Gets Around (1997) y Performance and Cocktails (1999), antes de pasar a una composición más melódica en Just Enough Education to Perform (2001) y en sus lanzamientos posteriores.

Feeder, con raíces en el post-grunge estadounidense, encontró un sonido más pesado y más radiofónico en su single revelación Buck Rogers y en el álbum Echo Park (2001). Tras la muerte del batería Jon Lee, la banda tomó una dirección más introspectiva con Comfort in Sound (2002), que se convirtió en su lanzamiento indie rock más exitoso comercialmente, generando una serie de singles de éxito.

La banda de indie rock más dominante comercialmente del nuevo milenio fue Coldplay, cuyos dos primeros álbumes, Parachutes (2000) y A Rush of Blood to the Head (2002), fueron multiplatino, consolidando su lugar como superestrellas mundiales cuando salió X&Y en 2005. Por su parte, Chasing Cars de Snow Patrol (de su álbum Eyes Open de 2006) se convirtió en la canción más reproducida en la radio británica en el siglo XXI.

El auge del indie rock en la corriente principal: la década de 2000

El auge del indie rock en la década de 2000 comenzó con The Strokes y su álbum debut de 2001, Is This It. Canalizando el espíritu de bandas de los años 60 y 70 como The Velvet Underground y The Ramones, el grupo pretendía sonar, en sus propias palabras, como «un grupo del pasado que viajó al futuro para grabar un disco». Aunque el álbum alcanzó el puesto 33 en Estados Unidos, se mantuvo en las listas durante dos años y debutó en el número 2 en el Reino Unido. En aquella época, el rock mainstream estaba dominado por el post-grunge, el nu-metal y el rap-rock, lo que hacía que el revival del rock garajero y crudo de The Strokes resultara un contraste marcado y un soplo de aire fresco.

El éxito de la banda ayudó a poner el foco en otros grupos neoyorquinos con influencias vintage, como Yeah Yeah Yeahs, Interpol y TV on the Radio. Esta ola inspirada en el rock de garaje también incluyó a The White Stripes, The Vines y The Hives, que rápidamente fueron bautizados como «las» bandas por los medios de comunicación. Rolling Stone capturó el momento con su portada de septiembre de 2002, en la que declaraba: «¡El rock ha vuelto!».

El impulso de The Strokes también provocó un renacimiento del underground post-britpop, que estaba en declive en el Reino Unido. Inspiradas por su sonido, una oleada de bandas británicas comenzó a replantearse su enfoque. Entre las primeras que destacaron se encontraban Franz Ferdinand, Kasabian, Maximo Park, The Cribs, Bloc Party, Kaiser Chiefs y The Others. Pero The Libertines, formada en 1997, fue considerada la respuesta directa del Reino Unido a The Strokes. AllMusic los describió como «una de las bandas británicas más influyentes del siglo XXI», mientras que The Independent señaló: «The Libertines se propuso ser una importante banda de indie rock, pero no podía prever hasta qué punto marcaría la escena».

Combinando influencias de The Clash, The Kinks, The Smiths y The Jam, The Libertines crearon un sonido de guitarras metálicas y agudas y letras sobre la vida británica, cantadas con un acento inglés inconfundible. Su estilo se extendió rápidamente a bandas como The Fratellis, The Kooks y The View, todas ellas con un gran éxito comercial. Pero ningún grupo tuvo un impacto mayor que Arctic Monkeys, de Sheffield, una de las primeras bandas en aprovechar el poder de las redes sociales para crear una base de fans. Su álbum debut de 2006, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, se convirtió en el álbum debut más vendido en la historia de las listas británicas, tras dos singles número uno.

Esta ola de popularidad ayudó a que grupos tradicionalmente underground se introdujeran en la corriente principal. Good News for People Who Love Bad News (2004), de Modest Mouse, entró en el top 40 de Estados Unidos y obtuvo una nominación a los Grammy. Bright Eyes consiguió dos singles número uno en la lista Billboard Hot 100 Single Sales en 2004. Plans (2005), de Death Cab for Cutie, debutó en el número 4 en Estados Unidos, permaneció en la lista Billboard durante casi un año, fue disco de platino y también obtuvo una nominación a los Grammy. Con el «indie» repentinamente en todas partes, desde la música hasta la moda y el cine, algunos críticos comenzaron a argumentar que el término había perdido por completo su significado.

Mientras tanto, Estados Unidos vivió una segunda ola de bandas indie que alcanzaron reconocimiento mundial. Grupos como The Black Keys, Kings of Leon, The Shins, The Bravery, Spoon, The Hold Steady y The National obtuvieron éxito tanto de crítica como comercial. El mayor éxito del grupo fue The Killers, formado en Las Vegas en 2001. Después de escuchar Is This It, descartaron gran parte de su material inicial y lo reescribieron teniendo en cuenta la influencia de The Strokes.

Su primer sencillo, Mr. Brightside, se convirtió en un fenómeno. En abril de 2021, la canción llevaba 260 semanas (cinco años) en la lista de singles del Reino Unido, más que ninguna otra canción. En 2017, había aparecido en la lista 11 de los 13 años anteriores, incluyendo una racha de 35 semanas en la que alcanzó el puesto 49 durante 2016-2017. Hasta finales de 2018, era la canción de indie rock más reproducida en streaming de la historia del Reino Unido y todavía se descargaba cientos de veces por semana en 2017. En marzo de 2018, Mr. Brightside alcanzó otro hito: 200 semanas acumuladas en el Top 100 del Reino Unido.

El éxito de bandas como The Strokes, The Libertines y Bloc Party despertó el interés de las grandes discográficas por la escena indie rock, una tendencia que no hizo más que intensificarse tras el éxito de Arctic Monkeys. En los años posteriores al lanzamiento de Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, surgieron multitud de nuevas bandas, entre ellas The Rifles, The Pigeon Detectives y Milburn. Muchos de estos grupos ofrecían una versión más formulista y diluida del sonido de sus predecesores.

A finales de la década, los críticos comenzaron a referirse a esta ola como «landfill indie» (indie basura), un término acuñado por Andrew Harrison, de la revista Word Magazine, para describir la saturación de bandas de guitarras indistinguibles que inundaban la corriente principal. En un artículo de Vice de 2020, el líder de Razorlight, Johnny Borrell, fue apodado «el hombre que definió, encarnó y vivió el landfill indie». A pesar de rozar la energía cruda y el mítico caos de amor-odio de The Libertines, Razorlight fue considerada como el emblema de una banda que encarnaba la superficie, pero no el alma, del movimiento: «impresionantemente mediocre», como decía el artículo.
 En una columna de The Guardian de 2009, el periodista Peter Robinson declaró oficialmente muerta la era del indie basura. Señaló a The Wombats, Scouting for Girls y Joe Lean & the Jing Jang Jong como los últimos clavos en el ataúd. «Si el indie basura fuera un juego de Buckaroo», escribió, «estos tres habrían enviado por los aires toda la monotonía radiofónica».

El indie comercial se convirtió en última instancia en un símbolo de cómo el indie rock, que en su día fue una alternativa rebelde a la corriente dominante, se había saturado, mercantilizado y despojado de su carácter transgresor.

El éxito continuado del indie rock: de la década de 2010 hasta la actualidad

El éxito comercial del indie rock se prolongó hasta la década de 2010 con lanzamientos importantes como The Suburbs (2010) de Arcade Fire, Turn Blue (2014) de The Black Keys, Walls (2016) de Kings of Leon y Wonderful Wonderful (2017) de The Killers, que encabezaron tanto la lista Billboard 200 en Estados Unidos como la Official Albums Chart en el Reino Unido. The Suburbs incluso se llevó a casa el Grammy al Álbum del Año en 2011. Otros artistas indie —Florence and the Machine, The Decemberists y LCD Soundsystem— consiguieron singles número uno en Estados Unidos durante la década, mientras que bandas como Vampire Weekend, Bon Iver, Death Cab for Cutie, The Postal Service y Arctic Monkeys lograron ventas de platino.

El tercer álbum de Vampire Weekend, Modern Vampires of the City (2013), ganó el Grammy al Mejor Álbum de Música Alternativa en 2014, y en 2019, el escritor de Consequence Tyler Clark lo describió como «el abanderado del indie rock en el mundo de la música en general». AM (2013) de Arctic Monkeys se convirtió en uno de los álbumes de indie rock más importantes de la década: debutó en el número 1 en el Reino Unido, vendió 157 329 copias en su primera semana y se convirtió en el segundo álbum más vendido del año. Con AM, la banda se convirtió en el primer grupo de un sello independiente en debutar en el número 1 en el Reino Unido con sus cinco primeros álbumes. En junio de 2019, AM llevaba 300 semanas en el Top 100 de la lista de álbumes del Reino Unido. El álbum también alcanzó el número 1 en Australia, Bélgica (Flandes), Croacia, Eslovenia, Dinamarca, Irlanda, Países Bajos, Nueva Zelanda y Portugal, y entró en el Top 10 de varios otros países.

En Estados Unidos, AM vendió 42 000 copias en su primera semana y debutó en el número 6 de la lista Billboard 200, convirtiéndose en el lanzamiento de Arctic Monkeys que alcanzó una posición más alta en las listas estadounidenses. En agosto de 2017, el álbum fue certificado como disco de platino por la RIAA, con más de un millón de unidades vendidas en Estados Unidos. A fecha de 14 de abril de 2023, todas las canciones del álbum habían sido certificadas como disco de plata o superior por la BPI, siendo «Mad Sounds» la última en alcanzar ese hito.

Arcade Fire

A principios de la década de 2010, The 1975 comenzó a fusionar el indie rock con la sensibilidad pop, una decisión que inicialmente polarizó a la crítica. Fueron nombrados «Peor banda» en los premios NME de 2014, pero en 2017 se llevaron a casa el premio a la «Mejor banda en directo». Yasmine Summan, de Alternative Press, escribió que si se pudiera resumir 2013 y 2014 en un solo álbum para los fans de la música indie y alternativa, sería el álbum debut homónimo de The 1975. En The Guardian, el periodista Mark Beaumont atribuyó a la banda el mérito de «introducir el indie rock en la corriente principal», comparando la influencia del líder Matty Healy con la de Pete Doherty, de The Libertines. Pitchfork también incluyó a The 1975 en la lista de los artistas más influyentes de la música desde 1995.

El éxito de la banda contribuyó a desencadenar una ola de grupos de indie pop de estilo similar, un movimiento que algunos críticos denominaron «Healywave». Entre los nombres más destacados se encontraban Pale Waves, The Aces, Joan, Fickle Friends y No Rome. De entre ellos, Pale Waves destacó comercialmente. Su álbum debut, My Mind Makes Noises, alcanzó el número 8 en las listas del Reino Unido, Who Am I? (2021) llegó al número 3 y Unwanted (2022) alcanzó el número 4.

Por esa misma época, Wolf Alice emergió como una fuerza importante en la escena. Su segundo álbum, Visions of a Life (2017), ganó el prestigioso premio Mercury en 2018, y su tercero, Blue Weekend (2021), fue nominado. En un artículo para Dork en 2021, Martin Young señaló: «Es imposible exagerar la importancia de Wolf Alice. Han sido el catalizador de casi todas las bandas brillantes sobre las que has leído en Dork en los últimos cinco años».

Álbumes y canciones icónicos del indie rock

Cuando Buzzcocks lanzó Spiral Scratch en 1977, se convirtió en el primer álbum indie en el sentido moderno. Inicialmente se editó una modesta tirada de solo 1000 copias, pero la banda y la industria se sorprendieron cuando la demanda les obligó a imprimir 15 000 más. El éxito del EP marcó el comienzo de una creciente comunidad de artistas comprometidos con la independencia del sistema de las grandes discográficas.

Otro álbum indie emblemático fue Ten, de Pearl Jam. Aunque se asocia más comúnmente con el grunge, Ten desempeñó un papel importante en la definición del sonido de la escena de Seattle de los años 90 y contribuyó a popularizar el término «grunge». Al igual que muchos lanzamientos indie y alternativos de la época, el álbum tardó en ganar popularidad, y tardó aproximadamente un año en entrar en las listas de Billboard.

En cuanto a las letras, el indie rock siempre se ha inclinado por la narración de historias, a menudo muy personales y emotivas. Smells Like Teen
Spirit, de Nirvana, capturó la angustia y la confusión de la juventud bajo presión.

Say It Ain't So, de Weezer, contaba la historia de una familia fracturada por el alcohol, inspirada en la infancia del líder del grupo, Rivers Cuomo. Mr.
Brightside, de The Killers, pintaba un vívido cuadro de celos y desamor: un hombre atormentado por la idea de perder a la persona que ama a manos de otra persona.

Estas canciones, con su emoción cruda y su experimentación sonora, ayudaron a dar forma al núcleo del indie rock y siguen inspirando a nuevas generaciones de músicos.

El futuro del indie rock

A medida que la música indie se vuelve más accesible y mainstream, muchos creen que el futuro de la industria musical puede estar en manos de los artistas independientes. Con menos guardianes, los músicos indie son libres de traspasar los límites, explorar nuevos sonidos y desarrollar su propia identidad según sus propios términos.

La nueva ola de artistas de hoy en día se describe a menudo como «género fluido», difuminando las líneas entre el rock, el pop, el hip-hop y otros estilos. Artistas como Dominic Fike y Declan McKenna representan este cambio, creando música que desafía cualquier clasificación fácil. A medida que la industria musical y sus oyentes se vuelven más diversos y abiertos, el indie rock, en todas sus formas evolutivas, está preparado para seguir creciendo, dando forma y redefiniendo lo que puede ser la música moderna.