Melodía y armonía: similitudes y diferencias

El arte musical incluye tres componentes clave: líneas melódicas, acompañamiento armónico y estructura rítmica. En el caso de las composiciones vocales, se les añade otro elemento: el contenido lírico. La melodía y la armonía se crean a través de diferentes combinaciones de tonos musicales. A pesar de la estrecha interacción entre melodía y armonía, es importante no confundir estos conceptos, porque cada uno de ellos juega un papel único en una pieza musical.

¿Qué es una melodía?

Una melodía es una secuencia de sonidos musicales combinados en un todo armonioso. Muchas piezas musicales se basan en una combinación de diferentes melodías que interactúan entre sí. En una banda de rock, cada miembro, ya sea vocalista, guitarrista, teclista o bajista, contribuye al sonido melódico general tocando melodías en sus instrumentos. Incluso los instrumentos de percusión detrás de los cuales se sienta el baterista tienen una función melódica.

La melodía de una pieza musical consta de dos componentes principales:

Paso

Esto se refiere a las ondas acústicas reales generadas por el instrumento musical. Estas frecuencias de audio están dispuestas en una serie, designadas con nombres como C4 o D#5.

Duración

La descripción de la melodía también cubre la duración del sonido de cada uno de los componentes del tono. Estos intervalos de tiempo se clasifican en diferentes duraciones, incluyendo notas enteras, blancas y negras, así como tresillos y otros.

¿Qué es la armonía?

La armonía surge del sonido combinado de varias líneas musicales, formando un cuadro audiovisual holístico. Tomemos como ejemplo una orquesta: un flautista puede producir un sonido de un tono, un violinista de otro y un trombonista de un tercero. Su sonido crea por separado líneas melódicas separadas, pero en el momento de su interpretación simultánea nace la armonía.

Las combinaciones armónicas suelen ser una secuencia de acordes. En nuestra orquesta convencional, digamos que el flautista toca la nota G aguda, el violinista toca la nota B y el trombonista introduce la nota E en la composición. Juntas, estas notas forman un acorde de mi menor. Así, aunque cada músico produce sólo una nota, juntos crean el sonido armónico del acorde de mi menor.

Melodía y armonía: ¿cuál es la diferencia?

A pesar de su estrecha colaboración, la melodía y la armonía tienen claras diferencias. En la tradición de la música occidental, tanto la melodía como la armonía se desarrollan a partir de un conjunto común de 12 tonos. La gran mayoría de la música, desde los clásicos hasta los éxitos modernos, se crea en determinadas tonalidades musicales, utilizando sólo siete de estos doce sonidos.

Tomemos como ejemplo la tonalidad de Do mayor:

Incluye los sonidos C, D, E, F, G, A y B.

Así, cualquier melodía en clave de do mayor estará compuesta exclusivamente por estas notas.

La armonía en clave de do mayor se forma sobre la base de acordes que se ensamblan a partir de notas de la escala de do mayor. Por ejemplo, una armonía de do mayor puede contener un acorde de re menor porque todos sus componentes (DFA) están dentro de la escala de do mayor. Al mismo tiempo, no hay lugar para el acorde de re mayor en él, ya que consta de DF#-A, y F# no está incluido en el rango de la escala de do mayor.

Consonancia y disonancia

¿Las composiciones en do mayor utilizan exclusivamente notas de la escala de do mayor? La respuesta parece negativa. A menudo en la música hay elementos que van más allá de la escala básica, llevándonos a los conceptos de consonancia y disonancia, que están activamente presentes en la música moderna.

Las melodías y armonías consonánticas se construyen directamente sobre la base de escalas, mientras que los momentos disonantes incluyen sonidos que van más allá de la tonalidad principal.

Tomemos, por ejemplo, la canción "Be My Baby" de las Ronettes.

Su verso tiene 16 compases, donde la primera mitad es completamente consonántica, con melodías y armonías basadas en las notas de la escala principal de la canción (mi mayor), y consta de tres acordes (mi mayor, fa menor, si mayor) de esta escala. Sin embargo, los compases siguientes introducen acordes de Sol# mayor, Do# mayor y Fa#7, todos los cuales contienen notas que no pertenecen a la escala de Mi mayor.

Por tanto, la segunda mitad del verso es moderadamente disonante. Los acordes Sol# mayor, Do# mayor y Fa#7 contribuyen sólo con una nota cada uno fuera de la escala de Mi mayor, lo que hace que la disonancia sea tolerable para el oyente.

Un ejemplo de disonancia menor en una canción son los acordes que, aunque ligeramente disonantes, incluyen melodías que corresponden a los sonidos de esos acordes. Por ejemplo, un acorde de Sol# mayor incluye una nota de Si# que no pertenece a la escala de Mi mayor. La línea vocal de la canción utiliza esta nota B# junto con el acorde, enfatizando y profundizando así la disonancia.

CONSEJOS PARA COMPOSITORES. Al crear melodías, trate de asegurarse de que enfaticen la armonía de los acordes principales, ya que esto es más importante para fortalecer la armonía general de la pieza.

Ejemplos de melodía en la música.

Las líneas melódicas en la música pueden adoptar dos formas principales: interpretaciones vocales y fragmentos instrumentales. Los siguientes son ejemplos de su manifestación en obras musicales:

Voces principales

En el centro de la composición musical se encuentra la línea melódica principal, interpretada por el cantante principal. Podría ser un aria interpretada por una soprano de ópera de las obras de Mozart, o la voz fuerte de una pista de heavy metal interpretada por un vocalista de rock. En ambos casos su papel es similar.

Coros

Los coristas suelen realzar la riqueza melódica de una composición añadiéndole armonías. Por ejemplo, si el vocalista principal toca la nota A (como tercer elemento de un acorde de fa mayor), el corista podría agregar una nota C (como quinto elemento del mismo acorde), haciéndolo con una entonación más suave.

Así, el corista no sólo enfatiza la armonía en fa mayor, sino que también contribuye a la melodía, con su línea diseñada para complementar principalmente la parte del vocalista principal.

Riffs instrumentales

Los instrumentos musicales también crean melodías. Podría ser Jimmy Page interpretando magistralmente la sección inicial de “The Immigrant Song” con una guitarra Les Paul, o Glen Gould tocando magistralmente un preludio de Bach en un piano Steinway Grand. Las melodías instrumentales son tan importantes para la música como las líneas vocales.

Solo

¿Qué es un solo de guitarra o de saxofón sino una línea melódica? Cuando John Coltrane toca una secuencia predeterminada de notas al comienzo de “Giant Steps”, crea una melodía. Y cuando despliega un torrente de notas a lo largo de su extenso solo, también es una melodía. Es importante darse cuenta de que no siempre es necesario escribir estrictamente las melodías. Pueden surgir en el proceso de improvisación de la misma forma.

Ejemplos de armonía en la música.

Al igual que las melodías, las armonías aparecen en la música en una variedad de formas. Éstas incluyen:

acordes estáticos

Cuando un pianista mantiene acordes basados ​​en cuartas, o cuando un guitarrista mantiene el sonido de un acorde durante uno o dos compases, se denominan acordes estáticos; permanecen sin cambios, sin líneas melódicas añadidas encima, al menos por dicho pianista o guitarrista. Este enfoque representa una de las formas más básicas de armonía, común a todos los estilos musicales.

Acordes intercalados con líneas melódicas.

No existe ninguna ley que establezca que la armonía y la melodía deben estar estrictamente separadas y no pueden entrelazarse. Muchos intérpretes, especialmente aquellos con un alto nivel de arte escénico, son capaces de pasar sin problemas de la armonía a la melodía y viceversa, a veces incluso dentro de la misma pieza musical.

Jimi Hendrix ejemplifica el dominio en este campo. Tenga en cuenta su capacidad para cambiar sin esfuerzo entre acordes y notas individuales en canciones como “Castles Made of Sand” y “Little Wing”. El piano, debido a su habilidad natural para la polifonía, también es excelente para tocar elementos melódicos y armónicos simultáneamente.

Líneas de bajo

Las líneas de bajo a menudo se caracterizan por tocarse una sola nota a la vez; sin embargo, estos sonidos individuales pueden representar acordes completos. Por ejemplo, cuando un bajo armoniza en el rango de re menor usando siete notas de la escala de re menor correspondiente y el bajista toca la nota fa, el oyente automáticamente la asocia con un acorde de fa mayor. Esto se debe a que el acorde de fa mayor es un elemento de la escala de re menor, a diferencia del acorde de fa menor.

Extractos corales

El coro es un grupo de intérpretes únicos unidos por el uso de instrumentos similares. Por ejemplo, un coro vocal consta de una variedad de voces, desde sopranos agudos hasta bajos profundos, con algunos intérpretes cuyas voces suenan en tonos intermedios.

Al dividir las partes musicales entre las distintas voces de un coro, los compositores pueden crear armonías complejas. El compositor puede especificar Mib para bajos, Reb para tenores, Sib para altos y Solb para sopranos. Estos sonidos juntos forman un acorde de Mib menor, y la melodía lleva la tercera nota (Sol). Cabe destacar que el coro puede estar formado por cualquier grupo de instrumentos, ya sean cuerdas, saxofones, guitarras, etc.

Contrapunto

Los elementos de un acorde no tienen por qué sonar simultáneamente en la misma parte del compás. Muchos autores musicales desarrollan líneas melódicas independientes que pueden cruzarse sin necesariamente coincidir en el tiempo. Esta interacción de notas crea acordes que no se presentan como una sola unidad, sino que el público los reconoce intuitivamente.

Este método, llamado contrapunto y demostrado más claramente en las fugas de Johann Sebastian Bach, es una de las formas más complejas y refinadas de creatividad musical.