Programmation de la batterie

La maîtrise des techniques de programmation de batterie est un élément clé dans le bagage de tout producteur musical. Cette pratique a vu le jour avec l'arrivée des premières boîtes à rythmes dans les années 1980, qui ont rapidement gagné en popularité, remplaçant les batteurs live et élargissant l'utilisation de la batterie dans la production musicale.

Aujourd'hui, la musique moderne étant très dépendante du rythme, la capacité à programmer efficacement la batterie peut faire toute la différence dans la réussite d'un producteur musical. Les gens ressentent instinctivement un bon rythme, sans même s'en rendre compte consciemment. Même sans connaissances musicales, vous reconnaîtrez une chanson avec une programmation de batterie de qualité.

Les programmeurs de batterie professionnels soulignent l'importance du souci du détail. Un motif de batterie conventionnel, tel que le « four to the floor » utilisant des motifs 808 standard, peut sembler banal. Mais en le complétant par des échantillons uniques, des syncopes, des effets et d'autres éléments, vous lui apporterez de la nouveauté et susciterez l'intérêt de l'auditeur.

Rejoignez-nous pour explorer les subtilités de la programmation de batterie et apprendre à appliquer des techniques professionnelles à vos projets. Il convient de noter que la programmation de batterie est différente de la synthèse : elle n'implique pas toujours la création d'échantillons ou de sons à partir de zéro, bien que de nombreux producteurs intègrent la synthèse de batterie dans leur flux de travail. La tâche principale consiste à créer et à manipuler des patterns de batterie, en créant des permutations, des boucles et des variations à partir de ceux-ci.

L'importance d'une excellente programmation de batterie

Il est difficile d'expliquer exactement pourquoi une boucle de batterie nous procure un sentiment de connexion particulier par rapport à une autre, mais le mot qui se rapproche le plus de cette sensation est « groove ». Le groove est nécessaire à la musique, car sans lui, il est difficile d'entrer dans le rythme de la danse et du mouvement.

Le groove est à la base de presque tous les morceaux que vous créez, sauf lorsqu'il s'agit d'œuvres inhabituelles, ambiantes ou expérimentales. Votre objectif est très probablement de faire danser les gens et de les encourager à bouger en écoutant vos morceaux.

Heureusement, il n'y a pas une seule bonne façon de trouver ce groove, et il existe de nombreuses approches différentes, que vous travailliez sur un morceau de hip-hop à 100 BPM ou un morceau de drum and bass à 175 BPM.

Les bases de la programmation de batterie

Pour comprendre comment fonctionne un groove, il est important de commencer par apprendre les bases de la programmation de batterie. En analysant et en décomposant les grooves réussis, vous pouvez obtenir des résultats significatifs. Comme je l'ai déjà mentionné, la batterie est la base de presque toute la musique moderne. Le producteur doit apprendre à créer cette base avant de passer aux aspects plus complexes de la programmation de batterie.

Dans ce contexte, examinons de plus près les différents éléments d'un groove de batterie typique et la manière dont ces composants peuvent interagir pour former la structure rythmique d'un morceau.

Kick

La grosse caisse, ou kick, sert souvent de base à la plupart des grooves de batterie. Dans des genres allant du rock au hip-hop en passant par la house, la grosse caisse est l'élément qui retient notre attention et nous relie au rythme de la composition. J'aime considérer la grosse caisse comme l'élément le plus puissant et le plus percutant d'une batterie.

Lorsque je programme des parties de batterie, j'aime garder la grosse caisse plus strictement dans la grille rythmique que les autres éléments de la batterie. La grosse caisse influence grandement les caractéristiques sonores d'un morceau, y compris son genre et ses caractéristiques stylistiques.

Backbeat

L'un des premiers éléments qu'un producteur ajoute généralement à une boucle de grosse caisse est un backbeat. Le backbeat, également appelé les temps deux et quatre dans un rythme de batterie, est généralement joué à l'aide d'une caisse claire ou d'un clap. Cet élément sert de forme importante de syncope, ajoutant du dynamisme et de l'énergie qui aident à définir le groove du pattern de batterie. Plus tard, nous verrons également comment les backbeats peuvent être manipulés pour leur donner un son plus naturel.

Cymbales

Les cymbales occupent le registre supérieur de la batterie traditionnelle. L'utilisation de doubles croches ou de patterns asynchrones sur le charleston peut ajouter une énergie supplémentaire à l'ensemble du pattern de batterie, tandis que les cymbales crash et autres types de cymbales permettent de mettre en valeur différentes parties du morceau et d'en renforcer la dynamique.

J'aime inclure d'autres instruments rythmiques à haute fréquence dans cette catégorie, tels que le tambourin et le shaker. Ces instruments à percussion supplémentaires peuvent être utilisés pour ajouter du swing et des nuances texturales aux grooves standard.

Sons de percussion

Outre les shakers et les tambourins, il existe de nombreux autres instruments à percussion qui peuvent ajouter des accents syncopés, créer des couches et ajouter des éléments texturés uniques à vos motifs de batterie. La beauté des percussions dans le contexte de la programmation de batterie réside dans le large éventail de possibilités en matière de sélection et de placement des échantillons.

La gamme d'instruments à percussion est immense : des bongos aux triangles, des wood blocks aux marimbas et bien plus encore. La clé ici est de sélectionner des échantillons de haute qualité qui s'harmonisent entre eux, ajoutent du dynamisme et s'intègrent naturellement dans le groove global.

Envisagez d'utiliser des boucles

Si vous êtes novice en matière de production musicale ou si vous venez de lire cet article, vous avez peut-être rencontré des perceptions négatives concernant l'utilisation de boucles dans la production musicale. Cependant, les boucles échantillonnées peuvent être un outil précieux pour ajouter de la complexité et dynamiser votre programmation de batterie.

Je pense également que les boucles échantillonnées peuvent être particulièrement utiles pour enseigner les combinaisons audio et MIDI. Même si vous ne prévoyez pas de les inclure dans le mixage final, une boucle bien choisie peut inspirer la créativité et accélérer le processus de production musicale.

En évitant d'utiliser des boucles à cause de leur mauvaise réputation injustifiée, vous vous privez d'un outil important dans votre flux de travail et vous vous créez des obstacles inutiles.

Aller au-delà des conventions

Une fois que vous maîtrisez les compétences de base de la programmation de batterie, vous pouvez commencer à maîtriser les aspects plus avancés de cet art. L'introduction de syncopes, de motifs rythmiques uniques et de nuances subtiles peut faire passer votre groove de batterie au niveau supérieur.

Il est certainement utile de commencer par des motifs de batterie classiques, mais avec le temps, vous aurez probablement envie d'explorer des méthodes de programmation de batterie moins conventionnelles. Cela permettra à vos morceaux de se démarquer et de trouver leur place parmi les autres morceaux.

Syncope

La syncope peut vous être très utile lorsque vous étudiez un sujet plus en profondeur. Dans le cadre de cet article, j'aimerais vous donner un bref aperçu de la syncope et de la manière dont elle peut élargir vos horizons créatifs et vous encourager à aborder la musique sous un angle non conventionnel.

La syncope avec des accents sur les deuxième et quatrième temps est devenue populaire au cours du siècle dernier. Ce style est tellement ancré dans la musique moderne qu'il est difficile d'imaginer qu'il n'était pas autrefois à la pointe de la syncope. Dans la syncope, l'accent est généralement mis sur les temps « deux et quatre », par opposition aux temps traditionnels « un et trois ».

En expérimentant avec un backbeat standard, vous pouvez ajouter de la dynamique, de l'amplitude ou toute autre caractéristique nécessaire pour obtenir l'effet atmosphérique souhaité.

La syncope off-beat est utilisée pour accentuer un rythme qui se situe en dehors du schéma normal des temps forts. Les cymbales et autres éléments percussifs sont souvent utilisés pour créer une syncope off-beat. Si vous écoutez la plupart des morceaux house, vous remarquerez une syncope en contretemps dans les charlestons. Ces charlestons sont généralement placés sur le « i » du compte 1-2-3-4, entre 1 et 2, 3 et 4.

La syncope suspensive peut créer une accentuation notable en prolongeant ou en étirant un élément de la mesure précédente dans la suivante. Ce type de syncope est unique en ce sens qu'il enfreint les idées conventionnelles du rythme, créant un effet en cascade. Cela relie les mesures entre elles et donne à la composition musicale une plus grande flexibilité et fluidité.

Ce type de syncope est l'un de mes préférés, car il met l'accent sur des endroits inattendus. En utilisant la syncope sautée, vous pouvez créer des grooves de batterie inhabituels et originaux qui amènent l'auditeur à s'attendre à des frappes de batterie ou de percussion qui ne viennent pas ou qui viennent légèrement plus tôt que prévu.

Cela est particulièrement perceptible dans la musique trap, où les producteurs placent souvent les grosses caisses à des endroits inattendus, créant ainsi un sentiment d'anticipation ou de tension.

Enveloppes de batterie

L'un des aspects clés mais souvent négligés de la programmation de batterie est le silence entre les coups. Les concepts d'espace et de silence jouent un rôle important dans la musique et doivent être soigneusement pris en compte lors de la création d'œuvres musicales.

Il faut savoir que sans une utilisation efficace de l'égaliseur et de la compression, la plupart des mixages ne sonneront pas harmonieux. De même, la plupart des grooves de batterie n'atteindront pas leur plein potentiel sans un réglage minutieux des enveloppes.

Par exemple, les éléments percussifs longs dans un groove rapide peuvent créer une sensation de lenteur ou de distance. Un échantillon de batterie long dans un morceau à 160 BPM peut sembler lent.

Avec les DAW modernes équipés d'échantillonneurs, les enveloppes ADSR des échantillons peuvent être manipulées pour créer des grooves plus serrés ou plus lâches, offrant ainsi l'espace nécessaire dans les arrangements de batterie.

Dans un morceau rapide, vous pouvez raccourcir la durée de la batterie pour éviter qu'elle ne chevauche d'autres échantillons. Dans un morceau lent, en revanche, vous pouvez augmenter la durée de la grosse caisse pour combler le vide entre les coups principaux.

Cela améliorera non seulement la densité et la confiance de vos grooves, mais créera également plus d'espace pour que différents échantillons puissent s'intégrer sans se chevaucher.

Percussions mélodiques

De nombreux producteurs de batterie ne prêtent pas suffisamment attention aux percussions mélodiques, alors qu'elles peuvent jouer un rôle clé dans la création de hooks mélodiques uniques sans avoir recours à des instruments mélodiques traditionnels tels que les synthétiseurs, les claviers ou les guitares.

L'utilisation d'instruments de percussion mélodiques pour créer un hook mélodique dans une chanson peut ajouter une couche unique et captivante à votre groove. Il existe plusieurs approches que j'utilise souvent dans mes compositions, mais la clé est de trouver des instruments de percussion avec une tonalité distincte.

De nombreux instruments à percussion, tels que les steel drums et les marimbas, ont une tonalité distincte qui permet de les façonner en mélodies. Il est important d'accorder ces percussions mélodiques en fonction de votre morceau afin de pouvoir les utiliser pour créer des mélodies et des riffs simples.

Même si vous n'utilisez pas d'instruments à percussion mélodiques pour créer des mélodies à part entière, ils peuvent être utilisés pour créer des motifs rythmiques réactifs, interagir avec des mélodies ou des phrases spécifiques de votre morceau, ou servir de couches pour les leads tels que les voix ou les mélodies de synthé, améliorant ainsi l'énergie globale des compositions.

Les instruments à percussion sont particulièrement efficaces dans des genres tels que la techno et la house. Dans les styles qui mettent l'accent sur les rythmes dance, les instruments à percussion mélodiques peuvent offrir un moyen plus sophistiqué de créer des mélodies.

Percussions mélodiques

De nombreux producteurs de batterie ne prêtent pas suffisamment attention aux percussions mélodiques, alors qu'elles peuvent jouer un rôle clé dans la création de hooks mélodiques uniques sans avoir recours à des instruments mélodiques traditionnels tels que les synthétiseurs, les claviers ou les guitares.

L'utilisation d'instruments à percussion mélodiques pour créer un hook mélodique dans une chanson peut ajouter une couche unique et captivante à votre groove. Il existe plusieurs approches que j'utilise souvent dans mes compositions, mais la clé est de trouver des instruments à percussion avec une tonalité distincte.

De nombreux instruments à percussion, tels que les steel drums et les marimbas, ont une tonalité distincte qui permet de les façonner en mélodies. Il est important d'accorder ces percussions mélodiques en fonction de votre morceau afin de pouvoir les utiliser pour créer des mélodies et des riffs simples.

Même si vous n'utilisez pas d'instruments à percussion mélodiques pour créer des mélodies à part entière, ils peuvent être utilisés pour créer des motifs rythmiques réactifs, interagir avec des mélodies ou des phrases spécifiques de votre morceau, ou servir de couches pour les leads tels que les voix ou les mélodies de synthé, améliorant ainsi l'énergie globale des compositions.

Les instruments à percussion sont particulièrement efficaces dans des genres tels que la techno et la house. Dans les styles qui mettent l'accent sur les rythmes dance, les instruments à percussion mélodiques peuvent offrir un moyen plus sophistiqué de créer des mélodies.

Devenez batteur

L'un des principes clés, mais simples, de la programmation de batteries réalistes est de penser comme un vrai batteur. Bien qu'il puisse être amusant d'expérimenter des rythmes inhabituels et extravagants, pour obtenir un résultat réaliste, vous devez vous assurer que vos parties de batterie et de percussion peuvent être jouées par un batteur en direct.

Programmer des parties de batterie qui dépassent les capacités humaines peut involontairement révéler l'utilisation du logiciel. Par exemple, peu de batteurs réels seront capables d'exécuter un groove de 64 notes sur un charleston à 150 BPM, alors qu'un simple rythme quatre-quatre au même tempo est parfaitement réalisable.

Pour mieux comprendre ce qu'un batteur réel peut et ne peut pas jouer, il est utile d'écouter des performances live. Écoutez attentivement quelques-uns de vos morceaux préférés, en prêtant attention aux rythmes de batterie utilisés, afin de vous faire une idée de ce qui est considéré comme réaliste en matière de batterie.

Utilisation d'un instrument MIDI

Lorsque l'on programme des percussions qui sonnent au même volume et sont parfaitement synchronisées, il devient évident qu'un logiciel a été utilisé. Une façon de rendre le son plus réaliste consiste à utiliser des instruments MIDI. Vous n'avez peut-être pas accès à des enregistrements de percussions en direct, mais vous pouvez utiliser une batterie électronique connectée au programme pour jouer des percussions en temps réel.

Je préfère souvent cette approche lorsque je travaille avec Addictive Drums 2, car elle offre un réalisme sans avoir à se plonger dans des réglages complexes. Si vous n'êtes pas batteur, vous pouvez utiliser un clavier MIDI ou un pad de batterie.

Quel que soit le matériel que vous utilisez, la création de patterns de batterie à l'aide du MIDI rendra votre morceau beaucoup plus réaliste grâce à la variabilité du timing et de la dynamique. Cependant, même sans instruments MIDI, il est possible d'obtenir des résultats similaires, bien que cela puisse demander plus de temps et d'efforts.

N'abusez pas de la quantification

Tout batteur expérimenté vous dira que la clé du jeu de batterie réside dans le contrôle du tempo. Mais même les meilleurs batteurs ne sont pas parfaits, et lorsque vous enregistrez une batterie en direct, vous remarquerez que certains battements s'écartent légèrement de la grille rythmique de votre DAW. C'est cette légère fluctuation du tempo qui donne au rythme son réalisme.

La plupart des DAW modernes offrent la possibilité de quantifier les notes MIDI, en les verrouillant dans une grille rythmique. La quantification vous permet de corriger les imprécisions de tempo en liant les notes à une grille.

Si la quantification peut aider à améliorer le groove, une utilisation excessive peut donner aux morceaux un son artificiel et mécanique. Lorsque vous programmez manuellement, il est préférable de laisser certaines notes légèrement décalées par rapport à la grille afin qu'elles sonnent plus naturellement. Vous pouvez commencer par quantifier l'ensemble du pattern de batterie pour fixer sa position, puis ajuster manuellement les notes afin qu'elles soient légèrement en avance ou en retard par rapport au rythme.

La décision de placer les battements avant ou après le compte dépend de la nature du morceau. Pour un son plus dynamique, vous pouvez placer les charlestons légèrement en avant de la grille, ou pour un son plus détendu, les placer légèrement en arrière.

De nombreux DAW offrent différents niveaux de quantification, permettant aux producteurs de choisir le degré de verrouillage des notes sur la grille. Des niveaux de quantification plus faibles rendent les grooves plus naturels, tandis que des niveaux de quantification plus élevés verrouillent fermement les éléments dans la grille rythmique.

Réglage de la vitesse

Un autre élément clé pour rendre les parties de batterie plus réalistes consiste à ajuster la vitesse du rythme. La vélocité des notes MIDI détermine le volume auquel l'échantillon est déclenché. Une note jouée à une vitesse élevée sera plus forte et plus énergique, tandis qu'une note jouée à une vitesse faible sera plus douce et plus calme.

Vous pouvez mettre en valeur certains temps dans vos grooves en variant la vitesse des notes. Cette approche est similaire à celle d'un batteur qui met en valeur les coups les plus importants en les jouant plus fort. Par exemple, dans un groove punk rock standard, l'accent est souvent mis sur le deuxième et le quatrième temps de chaque mesure, tandis que dans un groove reggae à un temps, l'accent est généralement mis sur le premier temps.

Lorsque vous ajustez la vitesse des notes, il est utile de réfléchir à la façon dont vous joueriez le groove dans la réalité. Il peut être utile de vous enregistrer en train de taper un rythme pour voir quels temps vous accentuez intuitivement. Vous pouvez ensuite ajuster la vitesse de votre groove MIDI en conséquence, en fonction des caractéristiques que vous remarquez dans votre enregistrement.

Humanisation

De nombreux DAW sont équipés de fonctions d'« humanisation » qui permettent d'ajuster subtilement le timing et la vitesse des notes. Cette fonction « humanité » peut être très efficace pour rendre les grooves MIDI plus naturels sans qu'ils ne semblent robotiques.

Cependant, vous devez être prudent lorsque vous utilisez la fonction d'humanisation, car la manière la plus précise de déterminer les notes accentuées est l'intuition. Il peut être difficile pour un ordinateur de détecter avec précision les changements de vitesse et de timing basés sur le feeling, et l'application accidentelle de ces nuances subtiles peut rendre votre batterie MIDI moins convaincante.

Utilisez de vraies boucles

Un moyen simple et efficace d'ajouter plus de réalisme à vos percussions MIDI consiste à utiliser des boucles préenregistrées. Je trouve souvent que la combinaison de percussions MIDI programmées et de boucles live offre un excellent équilibre entre contrôle et réalisme.

En utilisant des instruments de batterie virtuels tels que Addictive Drums 2 ou Steven Slate Drums, qui offrent des grooves MIDI intégrés, vous pouvez commencer par utiliser ces boucles MIDI prêtes à l'emploi comme base pour vos grooves. Ces grooves MIDI ont été enregistrés par de vrais batteurs, ce qui garantit que le tempo et la vitesse sont déjà parfaitement réglés.

Vous pouvez ensuite utiliser des patterns individuels issus de ces boucles MIDI préenregistrées dans d'autres projets, en les appliquant à différents instruments. Par exemple, un pattern de batterie issu d'une piste MIDI peut être utilisé pour déclencher d'autres samples, tels que le son d'un cerceau ou d'un clap.

Il est également possible de combiner vos notes MIDI avec des échantillons live pour créer une couche unique dans votre groove de batterie. Il est souvent difficile de programmer des charlestons réalistes, et c'est là que l'utilisation d'échantillons live peut être particulièrement utile.

Utilisez votre propre réverbération

De nombreux programmes professionnels de programmation de batterie sont équipés d'une fonction de réverbération. Bien que l'application d'une réverbération puisse être efficace en soi, j'ai constaté que l'utilisation simultanée de plusieurs réverbérations provenant de différents programmes de batterie peut donner lieu à des sons incohérents. Je désactive donc généralement la réverbération intégrée, préférant utiliser une seule réverbération pour l'ensemble du mixage.

Après avoir programmé l'ensemble du groove de batterie, j'achemine chaque élément vers cette réverbération unique à des degrés divers. L'objectif est de donner l'impression que tous les éléments ont été enregistrés dans la même pièce.

Vous pouvez ensuite ajuster divers paramètres de cette réverbération de pièce pour vous assurer qu'elle s'intègre harmonieusement au reste du mixage, notamment la taille, le style, l'égalisation et d'autres réglages.

Ajouter de la saturation

Lors de la programmation de sons de batterie dans un VST, il est parfois utile d'ajouter un effet de saturation pour éviter que le son ne soit trop « propre ». La saturation est l'un de mes effets préférés, car elle ajoute au son des artefacts naturels typiques d'un enregistrement live.

Bien qu'il soit possible d'appliquer simplement un plugin de saturation, tel qu'un émulateur de bande, directement à une section de batterie, j'ai constaté que la saturation parallèle offre plus de contrôle et permet de doser précisément la quantité de distorsion nécessaire pour que la batterie se démarque efficacement dans le mixage.

Pour ce faire, envoyez le groupe de batterie vers une piste auxiliaire avec un plugin de saturation. Écoutez les sons de batterie tout en augmentant progressivement le niveau de saturation du plugin. L'avantage de la saturation parallèle est que vous pouvez rendre la piste auxiliaire de saturation aussi sale que nécessaire, car l'objectif principal est d'améliorer légèrement le son du groupe de batterie principal.

Déterminez ce qui manque à votre batterie et envisagez d'utiliser la saturation pour améliorer le son. Vos percussions ont-elles un son trop faible ? Vous pouvez alors augmenter la saturation dans les basses et moyennes fréquences. Ou peut-être que le son est trop sombre ? Dans ce cas, augmenter les hautes fréquences vous aidera à obtenir un son plus clair et plus net.

Après avoir sélectionné la tonalité appropriée, baissez le niveau de la piste auxiliaire au minimum et augmentez-le lentement jusqu'à obtenir la combinaison optimale entre un son clair et un son sale.

Ajouter des fills

Une fois que vous avez un groove correct qui traverse les différentes parties de la chanson (couplets, ponts, refrains, etc.), il vaut la peine d'envisager d'ajouter des fills pour relier ces sections entre elles. J'aime souvent insérer des fills toutes les huit mesures environ pour varier le motif rythmique du groove de batterie et rompre les longues sections ou faire la transition vers la partie suivante de la chanson.

Il n'est généralement pas difficile de programmer des fills simples dans un groove. Si vous travaillez avec des batteries VST, vous trouverez probablement une bibliothèque de fills pré-enregistrés avec une variété de motifs parmi lesquels choisir.

Pour qu'un fill s'intègre harmonieusement dans un motif existant, il est important de s'assurer qu'il n'entre pas en conflit avec les éléments du groove principal. Par exemple, si vous ajoutez un fill avec une caisse claire, vous pouvez supprimer la caisse claire du motif principal pour faire de la place au fill. En même temps, conserver d'autres éléments, tels que les shakers ou les charlestons, peut aider à créer un son plus cohérent et homogène.

Une fois le fill placé au bon endroit, vous devez l'intégrer correctement dans le mixage, en veillant particulièrement à faire correspondre la vitesse de ses éléments à celle du motif principal. Il est important que le fill ne soit pas trop fort ou trop intense par rapport au groove principal.

Enfin, appliquez la quantification ou ajustez le timing des éléments du fill pour qu'ils correspondent au groove global de la batterie. Par exemple, si le groove principal a un swing, les éléments du fill peuvent être déplacés de manière à être légèrement en retard par rapport à la grille, tout en conservant le rythme global.

Trouver les meilleurs échantillons de batterie

Même si vous avez programmé de manière magistrale vos grooves de batterie et soigneusement réglé vos paramètres VST de batterie, l'utilisation de mauvais samples peut rendre vos mixages plats. Trouver des samples de qualité à utiliser dans vos morceaux est un aspect essentiel à prendre en compte.

Il existe aujourd'hui de nombreux échantillons et kits de grande qualité qui sonnent très bien seuls. Mais même si un échantillon sonne parfaitement seul, cela ne garantit pas qu'il sera efficace dans le contexte de votre mixage, surtout lorsqu'il est combiné avec d'autres sons. Si des outils de mixage tels que l'égalisation, la compression et le modelage d'enveloppe peuvent aider à corriger les échantillons imparfaits, leurs capacités sont toutefois limitées.

Essayer de mixer des échantillons incompatibles peut ajouter du travail supplémentaire et causer des complications. Il est important que vos boucles de batterie et vos échantillons semblent avoir été conçus l'un pour l'autre dès le départ. La continuité et l'harmonie du son sont extrêmement importantes pour maintenir l'attention de l'auditeur.

Même s'il peut être tentant de choisir le premier échantillon venu, prendre le temps de trouver les sons parfaits s'avérera inestimable dans le processus de mixage et de mastering de vos morceaux.

Accordage de la batterie

Techniquement, les percussions sont des instruments inharmoniques, ce qui signifie que leurs harmoniques ne suivent pas une tonalité musicale spécifique. Cependant, la plupart des percussions ont une tonalité fondamentale qui produit ces harmoniques inharmoniques.

Il est intéressant de noter qu'il n'existe pas de règles clairement définies pour l'accordage des échantillons de batterie, ce qui laisse place à l'expérimentation. Cependant, on remarque souvent que l'accordage d'un échantillon ne correspond pas au reste du groove de la batterie.

L'élément clé à accorder est la grosse caisse, car une grosse caisse mal accordée peut entrer en conflit avec la basse et d'autres éléments à basse fréquence, provoquant une disharmonie dans le mixage. Cela est particulièrement important dans des genres tels que le trap et le hip-hop, où les morceaux s'appuient souvent sur une basse 808. Dans les genres où les kicks sont plus courts, il peut être plus difficile de déterminer la tonalité spécifique de la grosse caisse.

Si vous avez des difficultés à déterminer la tonalité fondamentale d'une batterie, vous pouvez utiliser un analyseur de spectre. En plus de maintenir la tonalité, l'accordage des batteries peut modifier l'impression générale du son. Par exemple, abaisser la hauteur d'une batterie peut la rendre plus sombre et plus douce, tandis que l'augmenter la rendra plus brillante et plus énergique.

Expérimentez l'accordage et la transposition de vos percussions pour voir comment elles s'intègrent dans le contexte global de vos compositions.

Au-delà des genres

L'utilisation d'échantillons provenant de sets atypiques peut ajouter un contraste unique à vos grooves. Par exemple, des échantillons doux et délicats sans attaques brutales peuvent ajouter de la texture et de la légèreté aux percussions lourdes du dubstep.

Vous pouvez également utiliser un charleston live dans un groove techno pour lui donner un aspect naturel, ou ajouter une grosse caisse numérique sur un groove de batterie live pour un effet plus puissant.

Souvent, des samples inattendus qui n'appartiennent pas à un genre spécifique peuvent rendre les percussions programmées plus intéressantes. Même si vous travaillez sur un morceau de rock, n'hésitez pas à expérimenter avec des samples de caisse claire agressifs issus des kits de musique bass music du futur.

Arrangement

Organisez les éléments de batterie dans votre morceau de manière à ce que l'énergie monte progressivement du début à la fin. S'il est possible de réunir 20 éléments de batterie différents pour créer un groove puissant dans un hook, il n'est pas nécessaire d'utiliser le même ensemble complet d'éléments dans chaque hook d'une chanson.

Vous devriez plutôt viser une montée progressive, en ajoutant ou en introduisant de nouveaux éléments dans chaque section afin d'atteindre une énergie maximale dans le hook, le refrain ou le drop final. Par exemple, vous pouvez garder un shaker énergique pour l'utiliser dans le tout dernier refrain, afin de souligner son apogée.