Comment faire de la musique

Jusqu'à récemment, tous ceux qui s'intéressaient à la question de savoir comment faire de la musique devaient comprendre que le processus lui-même nécessite une préparation et une pratique minutieuses. L'absence de plug-ins et de séquenceurs multipistes obligeait à répéter le morceau à plusieurs reprises jusqu'à ce qu'il soit presque automatique. En studio, tout devait être joué à la perfection, en synchronisation et sans aucune erreur.

Cependant, avec l'avènement des programmes informatiques, les musiciens ont acquis la possibilité d'enregistrer plusieurs prises et de modifier les pistes sans effort, en quelques clics de souris. De nos jours, il est facile de produire un tube depuis le confort de son domicile, comme l'ont prouvé de nombreux chanteurs contemporains à travers leurs expériences.

Quelles sont les conditions requises pour créer de la musique ?

Il ne fait aucun doute qu'un studio professionnel haut de gamme présente des avantages considérables en termes d'équipement. Ces studios offrent généralement des salles spacieuses et insonorisées dotées d'une acoustique exceptionnelle, ainsi que des compresseurs et des égaliseurs de haute qualité, un large choix de microphones, une console analogique, une salle de contrôle bien équipée avec plusieurs lignes de monitoring, et bien plus encore.

Cependant, un studio à domicile présente ses propres avantages en termes de budget et d'efficacité. Si vous créez de la musique électronique à l'aide d'un ordinateur et de plug-ins, vous n'aurez pas besoin de salles insonorisées ni d'une multitude de microphones. Après tout, vous n'allez pas enregistrer un orchestre complet, une batterie ou un piano à queue. Il vous suffit de vous concentrer sur l'essentiel et de vous lancer. Alors, de quel équipement avez-vous besoin pour monter un studio de production complet à domicile ?

• Un ordinateur ;
• Séquenceur avec plug-ins ;
• Interface audio ;
• Moniteurs ;
• Casque ;
• Microphone ;
• Clavier MIDI ;
• Guitare, guitare basse (si vous en jouez) ;
• Pièce insonorisée ;
• Racks et câbles.

De nos jours, vous n'avez plus besoin d'installer des gigaoctets de logiciels sur votre ordinateur pour composer votre propre musique. Avec un séquenceur tel qu'Amped Studio, vous pouvez produire de la musique directement dans votre navigateur web, car toutes les fonctionnalités, outils et plug-ins essentiels sont déjà inclus. Vous trouverez dans ce séquenceur en ligne un éditeur audio, un éditeur MIDI, des synthétiseurs, des échantillonneurs et des effets de traitement. Par conséquent, en réalité, un séquenceur en ligne vous permet de travailler sans aucun logiciel supplémentaire.

Quels autres équipements ne sont pas nécessaires pour faire de la musique ? Les moniteurs peuvent être remplacés par des écouteurs de haute qualité, ce qui élimine le besoin d'un traitement acoustique de la pièce. Si vous ne disposez pas d'un clavier MIDI, vous pouvez simplement dessiner des notes avec un crayon dans l'éditeur MIDI. Dans Amped Studio, vous pouvez même dessiner des accords entiers en un seul clic. Si un microphone est utile pour enregistrer des voix, il n'est pas indispensable.

En conséquence, tout ce dont vous avez besoin pour faire de la musique est un ordinateur, un casque, une interface audio et une connexion Internet. Cependant, si vous n'avez pas de moniteurs ni de microphone, vous pouvez également vous passer de l'interface audio. Est-il possible de créer de la musique sans ordinateur ? De nos jours, cela est possible grâce à la production musicale mobile sur smartphone ou tablette.

Quels sont les moyens de créer de la musique sans utiliser d'ordinateur ?

Un séquenceur en ligne fonctionne dans un navigateur web sur un ordinateur, un ordinateur portable, une tablette ou un smartphone, ce qui vous permet d'utiliser n'importe quel appareil mobile connecté à Internet pour composer de la musique. Ces programmes n'ont pas de configuration système particulière et ne nécessitent pas le téléchargement de logiciels, de bibliothèques d'échantillons ou d'instruments virtuels et de plug-ins d'effets.

Le format en ligne simplifie le processus de composition musicale, vous permettant de capturer rapidement vos idées musicales, même lorsque vous n'êtes pas devant votre ordinateur équipé d'un séquenceur. Il vous suffit d'ouvrir le site web sur votre smartphone ou votre tablette et de noter une mélodie, un rythme ou un refrain. Plus tard, lorsque vous serez de retour devant votre ordinateur, vous pourrez facilement finaliser votre projet.

Amped Studio, un séquenceur en ligne, est incroyablement convivial et offre un large éventail de fonctionnalités de composition musicale. Il fonctionne en format multipiste, enregistre l'audio et le MIDI à partir de sources externes et édite les clips audio et MIDI. De plus, il fournit une variété de boucles, d'échantillonneurs et de patterns MIDI et comprend des instruments virtuels et des plug-ins intégrés. Grâce à ces fonctionnalités, il est déjà possible de créer de la musique uniquement à l'aide de ces outils. Voici une liste d'équipements de base :

• Synthétiseur ;
• Échantillonneur ;
• Boîte à rythmes ;
• Compresseur ;
• Égaliseur ;
• Délai ;
• Réverbération ;
• Horus ;
• Distorsion.

De plus, Amped Studio permet de connecter des VST à partir d'un ordinateur, ce qui n'est généralement pas le cas des séquenceurs en ligne. Il offre également une fonctionnalité unique qui convertit une mélodie chantée en une séquence de notes MIDI. Amped Studio permet en outre à plusieurs utilisateurs de collaborer sur le même projet à partir de différents ordinateurs, ce qui est une fonctionnalité peu courante dans les programmes fixes.

Ce logiciel est particulièrement utile pour les beatmakers, les compositeurs et les auteurs-compositeurs qui cherchent à créer de la musique rapidement et efficacement. Il est également excellent pour arranger de la musique, et les chanteurs, guitaristes et claviéristes trouveront la fonction d'enregistrement sonore particulièrement utile. Même les ingénieurs du son peuvent tirer parti des capacités d'Amped Studio pour équilibrer les pistes et leur appliquer des effets.

Faut-il avoir des connaissances en théorie musicale pour créer de la musique ?

Cela peut vous décevoir, mais il est essentiel pour un musicien d'avoir quelques connaissances en théorie musicale. Cependant, la bonne nouvelle est qu'il n'est pas nécessaire de tout mémoriser. En vous immergeant dans le monde musical, vous vous familiariserez naturellement avec ses concepts et ses lois. Même si vous ne connaissez pas la terminologie, cela ne vous empêche pas de créer une mélodie. Certains musiciens ont maîtrisé les techniques et peuvent rapidement trouver des idées intéressantes sans connaître leurs noms techniques.

Lorsque vous composez de la musique, vous devez distinguer les gammes majeures et mineures (et autres modes), les intervalles, les signatures rythmiques, les accords, etc. Vous êtes peut-être capable de différencier les ambiances évoquées par une quarte ou une sixte, même si vous ne connaissez pas leurs noms. Il n'est pas nécessaire de connaître tous les termes. Si vous pouvez indiquer le tempo avec un chiffre, par exemple 120 bpm, pourquoi auriez-vous besoin de vous souvenir de la signification des termes « adagio », « moderato », « allegro », etc. ?

Beaucoup de gens se demandent s'il est possible de faire de la musique sans connaître le solfège. En réalité, il est difficile de trouver un producteur de musique qui utilise le solfège dans son travail et place des points avec des drapeaux sur la portée. La lecture rapide à vue n'est utile que pour les musiciens d'orchestre, mais pas pour les compositeurs et les arrangeurs. Cependant, ces connaissances peuvent rendre votre travail plus facile, plus rapide et plus intéressant.

Certaines personnes font de la musique au hasard, en choisissant les notes à l'oreille. C'est aussi une méthode, mais ceux qui connaissent bien le cycle des quintes et des quartes, les intervalles, les frettes, la disposition des dièses et des bémols dans différentes tonalités, peuvent facilement imaginer toutes les notes dans leur tête et les trouver rapidement sur le clavier ou le manche. Lorsqu'un musicien manque d'inspiration, il peut s'appuyer sur la logique et ses connaissances, mais cela ne doit jamais le ralentir. La pratique doit toujours passer en premier.

Quels sont les éléments constitutifs d'une chanson ?

La plupart des chansons contemporaines destinées à un large public sont construites à partir de structures répétitives. Il n'est pas nécessaire de concevoir des arrangements compliqués et des intrigues alambiquées comme dans les romans policiers pour créer de la musique pour des chansons, sauf dans le cas d'opéras ou d'œuvres classiques. Voici les principaux éléments d'une chanson type :

• Introduction (Intro) ;
• Couplet (Verse) ;
• Entrée du refrain (pré-refrain) ;
• Refrain ;
• Pont ;
• Culmination (milieu, montée en puissance) ;
• Interchange (Drop, Solo) ;
• Conclusion (Outro, Coda).

La composition musicale ne suit pas toujours un code ou une formule stricte. Toutes les pièces ne doivent pas nécessairement comporter un point culminant ou suivre une structure particulière. Certaines chansons peuvent se terminer par un solo ou un refrain, tandis que d'autres ne font que répéter un couplet et un refrain accompagnés d'un arpège en boucle continue. Même l'entrée du refrain n'est pas toujours obligatoire. Malgré cela, il est important d'accorder une attention particulière à tous les éléments de la composition.

Introduction. Pour composer de la musique, il n'y a pas de règle stricte à suivre. Certaines chansons populaires commencent par un couplet, tandis que d'autres commencent par un refrain. La structure standard d'une chanson comprend généralement une intro, un pont et une coda. L'intro peut répéter la mélodie du refrain, un air spécifique ou l'un des hooks, mais elle peut aussi être entièrement unique.

Partie principale. L'approche conventionnelle de la composition musicale consiste simplement à alterner les couplets et les refrains, en répétant généralement chaque section deux ou trois fois. Cependant, il est important d'incorporer des éléments dynamiques et dramatiques. Les couplets doivent être plus sobres, narratifs et directs, souvent chantés dans un registre plus grave afin de préparer le terrain pour l'événement principal. Le moment fort est le refrain, qui doit être plus dynamique, vibrant, puissant, mélodique et richement arrangé avec des notes plus aiguës. En substance, toute la chanson mène au refrain.

Pré-refrain. Le pré-refrain est un élément souvent négligé lors de la création musicale. Cependant, l'incorporation d'un pré-refrain peut renforcer le caractère dramatique et rendre la musique plus intrigante. Le pré-refrain modifie l'ambiance du couplet et crée une atmosphère plus intense. Il sert de pont entre la partie paisible et la partie explosive de la chanson, préparant l'auditeur au changement. Il est similaire à un feu de signalisation orange, indiquant que quelque chose d'excitant est sur le point de se produire.

Montée en puissance. Cette méthode peut renforcer le développement dramatique d'un morceau de musique. Elle crée un moment de calme, un ralentissement et un changement d'ambiance. Dans certains cas, la partie batterie peut être omise, tandis que la mélodie vocale subit généralement un changement. Il existe différentes possibilités pour cette section, notamment passer du mineur au majeur, modifier le rythme, créer un break ou passer à une autre tonalité. Cependant, il est également possible de renoncer complètement à cette partie.

Solo ou drop. Lorsque vous composez de la musique avec une guitare, il est important d'éviter les solos interminables. Gardez à l'esprit qu'il y a un endroit précis où la guitare solo peut briller. Les styles électroniques ne comportent généralement pas de solos, mais ils ont des drops où la musique passe d'une section calme ou lente à un rythme de danse puissant avec des synthétiseurs lourds. À ce stade, il peut y avoir un rap ou simplement une répétition du couplet.

Coda. En général, la partie finale de la composition musicale est souvent négligée. À ce stade, vous pouvez soit réintroduire le pont, soit amener le solo à son apogée, soit répéter le refrain pour créer une conclusion à la chanson. Le choix vous appartient. Vous avez la possibilité de créer une fin mémorable en élaborant une section finale unique et créative.

Ponts et coupures. Il peut être difficile de créer une musique qui passe de manière fluide d'une partie à l'autre, et tous les auditeurs ne l'apprécieront pas forcément. Il peut être efficace d'inclure une brève pause ou un interlude après un refrain puissant, comme une progression d'accords ou un solo dans le pont. Des roulements de batterie, des hooks ou de petits changements harmoniques sont souvent ajoutés dans chaque section pour rendre la chanson plus intéressante et captivante.

Le développement est l'un des principes de base de la création musicale. Il est vrai que de nombreuses chansons comportent des parties répétitives, mais cela ne signifie pas qu'elles doivent être monotones. Chaque partie, y compris le deuxième couplet et le refrain, doit présenter une certaine évolution ou variation par rapport à la précédente afin de maintenir l'intérêt. Pour ce faire, vous pouvez ajouter de nouveaux éléments ou apporter des changements. En fait, l'idéal est d'introduire quelque chose de nouveau à chaque mesure afin de maintenir l'intérêt de l'auditeur.

Comment créer de la variété dans votre musique en ce qui concerne les couplets ? Vous pouvez ajouter un instrument mélodique avec un contrepoint au deuxième couplet, inclure des percussions, des chœurs ou une deuxième guitare, épaissir la basse, ajuster légèrement le charleston, changer l'arpège de la guitare, insérer un fill pad ou faire jouer des fills supplémentaires à la basse. Ces techniques peuvent également être appliquées au refrain.

Vous n'avez pas besoin d'utiliser toutes ces astuces à la fois. Il existe une infinité de possibilités pour créer une musique intéressante, et inventer quelque chose de nouveau est l'essence même de la créativité. Plus vos idées sont originales et innovantes, mieux c'est. Cependant, la répétition est également essentielle pour que votre chanson reste dans l'esprit de l'auditeur.

Le processus de création musicale nécessite un équilibre entre l'utilisation de techniques éprouvées et l'expérimentation de nouvelles techniques. Il s'agit de créer des attentes, puis de les renverser pour maintenir l'intérêt de l'auditeur. La répétition crée un effet hypnotique qui captive l'auditeur, mais rompre avec ce schéma peut le surprendre et l'enthousiasmer. En fin de compte, il s'agit de contrôler l'expérience de l'auditeur grâce à une utilisation judicieuse de la répétition et de la variation.

Instrumentation et arrangement. D'un point de vue dynamique, nous avons exploré la manière de créer de la musique en considérant les instruments et les groupes d'instruments dans une perspective synchrone. Chaque chanson comporte un ensemble unique d'instruments qui jouent tout au long de la composition, et le cœur de la chanson ne doit pas être modifié, sinon elle semblera décousue. Alors, en quoi consiste ce cœur ?

L'instrumentation d'une chanson peut être décomposée en plusieurs éléments clés, notamment

• L'instrument principal, qui peut être soit le chant, soit un synthétiseur principal, et qui sert de point central à la chanson ;
• La section rythmique, composée de la batterie et de la basse, qui fournit le groove et le rythme fondamentaux de la musique ;
• Les instruments d'accompagnement, qui peuvent inclure la guitare rythmique, le piano, l'orgue ou d'autres instruments qui fournissent un soutien harmonique et rythmique ;
• Le deuxième instrument solo, qui peut être une guitare solo, un synthé solo qui interagit avec l'instrument principal, ou un autre instrument mélodique utilisé pour le drop ou d'autres sections ;
• Les remplissages, qui comprennent les pads, les effets, les percussions et d'autres éléments qui ajoutent de la texture et de l'atmosphère à la musique.

Pour écrire une musique agréable et cohérente, toutes les parties doivent être construites dans la même tonalité et les dissonances doivent être évitées. Si deux instruments jouent simultanément des intervalles dissonants tels que des tritons ou des septièmes, cela peut être désagréable à l'oreille. Cependant, s'ils sont joués par un seul instrument dans un style et un contexte spécifiques, ces intervalles peuvent sonner très bien. De plus, il faut éviter toute confusion rythmique.

Composer de la musique consiste à tisser des lignes instrumentales, limitées uniquement par l'imagination du compositeur. Le dialogue et la mélodie commune entre les instruments, ainsi que le jeu à l'unisson, sont des techniques courantes, en particulier entre la guitare et la basse. Pour créer un rythme clair, tous les éléments doivent être ajustés pour correspondre au rythme, la guitare basse répétant souvent partiellement la mélodie vocale et la batterie entraînant le rythme.

Il est important de respecter les normes stylistiques lors de la composition musicale, mais il y a toujours place pour l'expérimentation. Par exemple, la basse funk est connue pour utiliser la syncope, et dans le métal, un riff répétitif forme le motif de la chanson au lieu des accords.

La compréhension de la théorie musicale est essentielle pour une composition efficace, mais il est important de l'apprendre dans le contexte de son utilisation pratique. Des termes techniques tels que « syncope », « temps faible », « septima » et « contrepoint » peuvent nécessiter des éclaircissements, mais leur maîtrise grâce à une pratique délibérée est la clé pour retenir ces connaissances.

Comment la chanson est-elle créée ?

Même aujourd'hui, écrire de la musique reste une tâche difficile. Pour le grand public, l'aspect le plus magique, le plus complexe et le plus crucial du processus est la composition elle-même. Cela peut être vrai pour les auteurs qui ne produisent pas leur musique de manière indépendante. Cependant, en réalité, avant qu'une chanson ne soit diffusée à un large public, elle passe par plusieurs étapes de perfectionnement. Plusieurs étapes sont nécessaires pour affiner une idée brute :

• Écriture de la chanson ;
• Arrangement ;
• Enregistrement sonore ;
• Montage ;
• Mixage ;
• Mastering.

Dans un scénario idéal, différents rôles interviennent dans le processus de création musicale : l'auteur compose la musique, l'arrangeur s'occupe de l'arrangement, l'ingénieur du son gère l'enregistrement, l'assistant ingénieur du son s'occupe du montage, l'ingénieur du mixage s'occupe du mixage et enfin, l'ingénieur du mastering apporte la touche finale. Cependant, dans la réalité, l'auteur arrange souvent ses propres chansons et un seul ingénieur du son peut être responsable de l'enregistrement, du montage et du mixage.

Composition. La personne qui crée la composition musicale est appelée l'auteur. L'auteur est chargé de créer la mélodie vocale et de composer un accompagnement de base au piano ou à la guitare. À ce stade, une autre personne peut se charger d'écrire les paroles. Une fois la base de la chanson établie, l'auteur envoie généralement le brouillon à un arrangeur expérimenté pour qu'il le peaufine.

Arrangement. En réalité, la partie la plus magique de la création musicale se produit pendant la phase d'arrangement. L'arrangeur est chargé de sélectionner les instruments, de finaliser les harmonies, de développer des idées musicales, de créer des transitions et des refrains. Ce n'est qu'une fois l'arrangement terminé que la musique prend véritablement vie dans toute sa splendeur.

Enregistrement sonore. Une fois l'arrangement terminé, il faut au minimum enregistrer les voix. Si vous avez composé de la musique avec des instruments live, vous devez également enregistrer la batterie, les guitares, les violons, les trompettes, le piano à queue et tous les autres instruments que l'arrangeur a inclus dans la chanson. Cela nécessite à la fois des musiciens et un studio d'enregistrement.

Montage. La quantification des parties MIDI est un processus simple, mais le traitement des pistes microphoniques peut s'avérer difficile. Même si vous ne travaillez qu'avec des enregistrements vocaux, vous devez sélectionner soigneusement les prises, ajuster leur timing et leur volume, corriger les problèmes de hauteur tonale et supprimer les bruits indésirables tels que les clics, les pops et les bruits de fond.

Mixage. Une fois que toutes les pistes ont été peaufinées à la perfection, l'ingénieur du son commence à travailler dessus. Il ajuste les niveaux de volume, utilise des égaliseurs, des compresseurs, des saturateurs et des réverbérations pour traiter les pistes. Il s'agit également d'un processus qui prend du temps, et parfois, le mixage peut être tout aussi difficile que la composition de la musique.

Mastering. Lorsque l'ingénieur du son a terminé son travail sur les différentes pistes, l'ingénieur de mastering reçoit un seul fichier : le mixage final. Sa tâche consiste à perfectionner le son à l'aide de moniteurs haut de gamme, d'équipements de haute qualité et d'une salle à l'acoustique idéale.

Promotion. Bien que cette étape n'implique pas le processus d'écriture de la musique en lui-même, elle est tout aussi cruciale. Il est essentiel d'allouer un certain budget à la publicité, aux campagnes promotionnelles et à la diffusion de la chanson sur les plateformes de streaming. Sans une promotion adéquate, même un super tube potentiel peut passer inaperçu. Il est donc essentiel de garder cela à l'esprit lorsque l'on travaille sur de la musique.

Quelques conseils à retenir

1. Ne laissez pas la théorie vous freiner . Il est facile de commencer à composer de la musique si vous ne vous laissez pas bloquer par l'idée que vous n'en savez pas assez ou que vous ne possédez pas les compétences nécessaires. N'utilisez la théorie que lorsque cela est nécessaire et référez-vous-y lorsque vous sentez que vous avez besoin de plus de connaissances.
2. Analysez vos chansons préférées . Un excellent moyen d'améliorer vos compétences en composition musicale consiste à analyser les tubes. En comprenant la logique qui se cache derrière les chansons à succès, vous pouvez apprendre à composer comme un pro. Décomposez les morceaux populaires et essayez de les reproduire, en prenant note des solutions intéressantes. Il peut également être utile de se référer à des chansons à succès lorsque vous travaillez sur votre propre matériel ;
3. Recherchez l'originalité . Beaucoup de gens pensent que les créateurs de musique à succès suivent certaines règles universelles. Cependant, si vous examinez quelques tubes intemporels, vous découvrirez que chacun d'entre eux a sa propre saveur. N'ayez donc pas peur d'expérimenter et d'essayer de trouver quelque chose qui captivera le public par son originalité.
4. Soyez attentif aux tendances . Envisagez d'explorer les préférences du public actuel afin de créer une musique qui sera populaire. S'il est important de rester fidèle à votre propre style musical, vous trouverez peut-être l'inspiration en découvrant ce qui résonne auprès des auditeurs sur le marché actuel.
5. Composez facilement . Ne vous enlisez pas trop longtemps dans l'arrangement musical. Essayez de le terminer rapidement et évitez de vous enliser dans le processus. De nombreux musiciens peinent à terminer leurs démos parce qu'ils s'efforcent de les rendre parfaites. Il est important de savoir quand privilégier l'achèvement plutôt que le perfectionnisme.

Le conseil le plus important est de passer à l'action. N'attendez pas d'avoir une compréhension parfaite de la théorie musicale, d'acquérir du matériel ou des plugins coûteux. La pratique et l'expérience vous apprendront plus que n'importe quelle connaissance théorique ou n'importe quel outil.

Si vous n'avez pas d'enceintes de studio, utilisez un casque. Si vous n'avez pas les moyens d'acheter un logiciel, utilisez le séquenceur gratuit. Aujourd'hui, vous pouvez commencer à faire de la musique en ligne simplement en allumant votre ordinateur. Vous finirez par acquérir l'équipement que vous désirez, mais en attendant, concentrez-vous sur l'utilisation de ce que vous avez pour développer vos compétences. Qui sait, vous serez peut-être déjà un excellent producteur lorsque vous aurez enfin l'équipement de vos rêves. Tout dépend de vous.