Gestion de la musique

Comment devenir manager musical ?

On ne peut pas se lancer dans le métier de manager musical « comme ça », il faut avoir des relations dans l'industrie musicale, une connaissance approfondie de la musique et une bonne compréhension des préférences du public. Si vous n'avez aucune expérience, commencez par travailler avec des artistes émergents : beaucoup d'entre eux engagent leurs amis, leurs connaissances ou des personnes recommandées par d'autres musiciens comme managers. Une autre solution consiste à apprendre auprès de professionnels afin de nouer des relations, d'acquérir les connaissances nécessaires et de faire connaissance avec des artistes, ce qui peut ensuite déboucher sur un emploi à temps plein dans l'industrie.

Comment est structurée l'équipe d'un artiste ?

Le manager personnel de l'artiste est une figure clé qui interagit avec le musicien lui-même et coordonne le travail de toute l'équipe. Qu'il accomplisse lui-même les tâches ou qu'il les délègue à d'autres, son rôle principal est d'être le lien entre l'artiste et tous les autres membres de l'équipe.

Le producteur est responsable du matériel musical. Selon l'importance de l'artiste, il peut y avoir plusieurs producteurs, chacun étant chargé de finaliser les morceaux, les arrangements, le placement des chansons dans l'album et d'autres aspects. En Russie, le producteur est souvent un ingénieur du son qui mixe le matériel.

Le responsable marketing s'occupe de toutes les plateformes numériques : envoi de matériel promotionnel, collaboration avec les médias, organisation d'activités, gestion des réseaux sociaux et interaction avec le public. Sa mission est de promouvoir la musique et d'accroître la popularité de l'artiste.

Le targetologue est responsable de la publicité sur les réseaux sociaux. Il définit le public cible, analyse l'efficacité des campagnes publicitaires et décide de la meilleure façon de promouvoir la musique.

Un directeur de concert organise les spectacles, élabore des stratégies de tournée et veille à la rentabilité des concerts.

L'avocat est un membre indispensable de l'équipe. Il vérifie les contrats avec les labels, aide à rédiger les documents pour les concerts, comprend les questions de droits d'auteur et donne des conseils sur les questions juridiques, ce qui est particulièrement important pour prévenir d'éventuels problèmes.

Un comptable est responsable des impôts et des rapports financiers.

Pourquoi un musicien a-t-il besoin d'un manager ?

La gestion d'un artiste est un processus complexe qui implique différents spécialistes en fonction de leurs fonctions et de leurs rôles. À mesure que les besoins de l'artiste augmentent, de nouvelles personnes sont ajoutées à son équipe afin de répondre à ces besoins. Si un musicien débute sa carrière, son manager personnel peut assumer tous les rôles lui-même, ou l'artiste s'occupe lui-même de sa gestion.

Le manager agit comme intermédiaire entre l'artiste et le monde extérieur, gérant ses ressources musicales, son image et ses concerts.

Les ressources musicales comprennent la création de chansons, l'enregistrement et la production de phonogrammes. Le manager travaille avec ces ressources à toutes les étapes, de l'idée à la copie finale des morceaux.

Les ressources liées à l'image concernent la base de fans, l'image publique de l'artiste et l'intérêt que lui portent les médias. Le manager développe ces ressources, contribuant ainsi à la popularité croissante du musicien.

La ressource liée aux concerts est associée aux performances lors de divers événements, des concerts en solo aux événements promotionnels.

Tous les artistes ont-ils un manager ?

Pas tous. Les artistes en herbe font souvent tout eux-mêmes, car leur tâche principale est d'écrire de la musique et de se produire sur scène. Un manager est nécessaire pour transformer la musique en produit et la commercialiser. C'est la personne qui relie l'artiste au public et au monde de l'industrie musicale. Les musiciens n'ont généralement pas assez de temps pour accomplir toutes ces tâches.

Quelles sont les qualités requises pour être manager ?

Un manager d'artiste doit être polyvalent, capable de s'acquitter de différentes tâches. Il doit être capable de vérifier les contrats, de donner son avis sur le son et d'interagir à la fois avec les marques et les fans. Bien qu'il ne soit pas nécessaire qu'il soit un avocat professionnel, il est important qu'il comprenne les nuances juridiques et supervise le travail des spécialistes.

L'indépendance est une qualité essentielle pour un manager. Un musicien ne sait souvent pas exactement ce que son manager doit faire, c'est pourquoi le manque d'initiative et la passivité sont inacceptables dans ce domaine. De plus, un manager doit bien connaître l'industrie musicale, comprendre les questions de streaming, les droits d'auteur, la promotion et d'autres aspects du travail. S'il délègue des tâches à d'autres spécialistes, il doit les comprendre dans les moindres détails.

Un seul manager ou une équipe ?

La plupart des artistes débutants ont un seul manager qui assume toutes les responsabilités. À mesure que la popularité du musicien grandit, il peut se doter d'une équipe dont chaque membre a son propre rôle. Par exemple, les artistes à succès qui ont déjà un large public ont souvent un tour manager distinct. Dans le cas des artistes signés par une grande maison de disques, on utilise généralement une option de gestion hybride, où la maison de disques et un manager personnel travaillent ensemble.

Pourquoi est-il important de définir le positionnement de l'artiste ?

Un positionnement clair de l'artiste est la base de son succès. L'artiste doit comprendre à quel public il s'adresse et transmettre un message clair. Le positionnement doit correspondre à son caractère : on ne peut pas essayer de transformer une personne modeste en une rock star audacieuse, cela paraîtrait artificiel.

Il en va de même pour les sorties. Le manager doit évaluer l'ambiance du single ou de l'album à venir, comprendre ce que l'artiste veut transmettre aux auditeurs et vérifier dans quelle mesure la composante visuelle correspond à la musique. Dans un contexte où la quantité de nouvelles musiques est énorme, il est important de rendre le produit compétitif. Le manager doit trouver des moyens de faire sortir l'artiste du lot, que ce soit par un positionnement inhabituel, des solutions créatives sur les réseaux sociaux ou une image éclatante qui attirera l'attention. Un positionnement bien développé aide le musicien à trouver sa niche et à retenir l'attention du public, malgré la forte concurrence dans l'industrie musicale.

Comment savoir si vous pouvez gagner de l'argent avec la musique d'un artiste ?

C'est difficile. Bien sûr, certains managers sont capables de déterminer à partir d'un seul morceau si un artiste peut connaître un succès commercial, mais cela nécessite beaucoup d'expérience, ainsi qu'une bonne compréhension du marché et du public. Dans la plupart des cas, cette compréhension vient au cours du processus de travail. Pendant cette période, elle conseille d'observer la dynamique de croissance du public, les cachets proposés à l'artiste pour ses prestations, le nombre de billets vendus pour les concerts et l'intérêt des annonceurs. Si le public ne s'élargit pas, si les annonceurs sont réticents et si les billets ne se vendent pas bien, il faut soit revoir la stratégie de promotion, soit se séparer de l'artiste.

Comment un manager doit-il travailler avec une ressource musicale ?

De nombreux artistes travaillent de manière indépendante avec une ressource musicale et ne souhaitent pas qu'un manager participe à ce processus. Parfois, le rôle du manager se limite à réserver un studio ou à acheter un beat pour une chanson, mais il arrive que le manager s'implique plus activement dans le processus créatif : par exemple, il s'occupe entièrement de l'organisation du temps de l'artiste, contrôle les délais, crée des conditions confortables pour lui et cherche un équilibre entre encouragement et critique raisonnable. Lorsqu'il travaille avec les ressources musicales de l'artiste, il est important que le manager comprenne à quel point son client est indépendant et de quel type d'aide il a besoin. Le travail personnel avec l'artiste ressemble parfois à celui d'un psychologue : l'écriture musicale est le processus numéro un dans lequel il est important de maintenir une éthique de travail. Lorsqu'il travaille sur son matériel, l'artiste est dans un état de vulnérabilité maximale. Vous devez inspirer le musicien et l'aider. Il est très important de créer un environnement confortable pour l'artiste. N'oubliez pas que vous êtes toujours de son côté : même s'il a complètement tort, les conversations doivent commencer par un soutien. Dans le même temps, il est important d'éviter votre propre épuisement : le manager doit mettre en place un calendrier de travail et des règles d'interaction.

Ok, alors combien pouvez-vous gagner ?

Si un artiste a un seul manager, celui-ci travaille généralement pour un pourcentage des honoraires du musicien, généralement 10 à 20 %. Si l'artiste a une équipe, le système de rémunération peut être plus compliqué. Dans certains cas, les cachets de l'artiste, quel que soit leur montant, sont répartis entre tous les membres de l'équipe du musicien. Dans d'autres cas, certains employés reçoivent un salaire fixe, tandis que d'autres reçoivent un pourcentage des revenus. Par exemple, un tour manager recevra une partie des revenus des concerts, tandis qu'un attaché de presse (c'est-à-dire une personne chargée de communiquer avec les médias et les annonceurs) recevra un salaire.

Bon, par où commencer ?

L'une des premières tâches d'un manager est de diffuser la musique de l'artiste sur autant de plateformes que possible : réseaux sociaux, médias et, bien sûr, services de streaming. Il peut promouvoir la musique de l'artiste grâce à son système de recommandation, l'inclure dans les principales playlists, ce qui aidera le musicien à toucher un nouveau public. Conclure des accords de coopération avec des partenaires de streaming et leur expliquer pourquoi c'est votre artiste qui doit être promu, c'est précisément le travail du manager.

Comment organiser le travail sur les sorties promotionnelles

La préparation de la promotion d'une sortie à venir doit commencer bien avant la date de sortie. Cela donne aux médias le temps de se familiariser avec le matériel, et au manager la possibilité d'établir des contacts avec les services musicaux et de préparer toutes les informations nécessaires pour les différentes plateformes. Chaque distributeur a ses propres exigences en matière de demandes de promotion, et il est important de s'y familiariser à l'avance pour éviter tout retard. Dans le cadre des campagnes promotionnelles, des outils tels que la publicité ciblée et le seeding publicitaire sont utilisés pour atteindre le public cible.

Bien que l'influence des médias traditionnels sur les auditeurs ne soit plus aussi importante qu'auparavant, il ne faut pas négliger la presse, les blogs, les chaînes de télévision et la radio. Par exemple, les stations de radio peuvent augmenter considérablement le nombre de Shazams, en particulier pour les morceaux de musique dance ou pop. Chaque ressource peut offrir ses propres avantages, et il est important de les exploiter au maximum. De plus, les médias peuvent créer une image de l'artiste, ce qui est difficile à faire pour lui seul.

L'artiste doit disposer d'un plan de contenu couvrant toutes les plateformes, d'Instagram et TikTok à YouTube. Il est également important d'organiser des activités pour les fans sur les réseaux sociaux, telles que des concours de reprises, afin de maintenir l'intérêt du public. Sans interaction constante avec les fans, ceux-ci peuvent progressivement se désintéresser. Plus l'artiste est célèbre, plus il a de possibilités de créativité. Bien que les stars mondiales puissent se permettre des promotions à grande échelle et des projets spéciaux, les musiciens en herbe devraient également se développer dans cette direction. Même sans grande renommée, vous pouvez participer à des projets spéciaux de niche, enregistrer des compilations thématiques, créer des versions live ou des remixes avec des DJ intéressants.

Comment organiser des concerts ?

Il est important pour le manager d'un artiste en herbe de maîtriser les compétences nécessaires à l'organisation indépendante de concerts. Ce processus comprend quatre étapes principales :

1. Définir l'objectif et le public de l'événement. Comprendre qui est votre public potentiel vous aidera à mieux vous préparer et à choisir les bonnes stratégies de promotion ;
2. Choisir un lieu. Le lieu doit correspondre à l'ampleur de l'événement et aux attentes du public ;
3. Calculer le budget prévisionnel et déterminer le prix des billets. Cette étape comprend le calcul de tous les coûts et la fixation d'un prix des billets qui sera avantageux tant pour l'artiste que pour le public ;
4. Mener une campagne promotionnelle. Cela comprend les annonces sur les réseaux sociaux, les actualités dans les médias, l'impression d'affiches et de flyers.

Que faut-il prendre en compte lors de l'organisation d'un concert ?

À l'ère du streaming, l'industrie des concerts a beaucoup changé. La musique est facilement accessible et la promotion est presque instantanée, mais cela ne garantit pas le succès des concerts. Par exemple, un morceau peut devenir viral, mais cela ne signifie pas que l'artiste sera en mesure de rassembler un large public lors d'un concert. Au contraire, un groupe de rock peu populaire en streaming peut attirer de grandes salles, tandis que les auteurs de tubes dance et rap avec des millions de vues ne peuvent rassembler qu'un public restreint lors de concerts.

La publicité pour les concerts repose sur les mêmes principes que la publicité pour les sorties. Il est important pour le manager de trouver un prestataire fiable qui mettra en place des campagnes publicitaires efficaces et assurera la vente des billets. Les concerts offrent également une excellente occasion de vendre des produits dérivés, et le manager doit organiser à l'avance leur livraison et leur vente sur place. Lors de la planification d'une tournée, un manager doit prendre en compte tous les détails : réfléchir à la logistique, créer un calendrier de tournée, rédiger soigneusement les riders techniques et domestiques, maintenir un équilibre entre le confort de l'artiste et les coûts, mais aussi étudier les systèmes de billetterie et établir un processus de vente des billets.

Les concerts et la distribution de disques, est-ce tout ?

Bien sûr que non. Le travail d'un manager musical ne se limite pas à l'organisation de concerts et à la distribution de disques. Une partie importante de son activité consiste à coopérer avec des marques, à participer à des projets de parrainage et à des collaborations. Aujourd'hui, les marques recherchent activement des artistes avec lesquels coopérer, leur proposant de devenir ambassadeurs, de participer à des festivals ou à des projets spéciaux sur diverses plateformes. Une autre façon de gagner de l'argent consiste à octroyer des licences musicales, ce qui inclut la vente de morceaux destinés à être utilisés dans des films, à la télévision ou dans des publicités. Dans ce cas, le manager doit être capable de travailler efficacement avec les éditeurs de musique et les avocats.

Comment communiquer avec les artistes ?

La communication avec les artistes doit être basée sur les principes du professionnalisme. Il est important de séparer clairement les relations personnelles et professionnelles, ainsi que de définir en détail les responsabilités afin d'éviter d'éventuels conflits. Les artistes sont des personnes très sensibles sur le plan émotionnel, et il peut être difficile de travailler avec eux. Comme le disent de nombreux managers professionnels, « un bon artiste est une usine à émotions », et l'interaction avec eux s'accompagnera inévitablement de certaines difficultés. Par conséquent, l'une des tâches importantes d'un manager est de maintenir sa propre stabilité émotionnelle et son objectivité. « Il faut toujours garder la tête froide », soulignent les experts. Des relations bien établies avec un artiste aideront également le manager à protéger ses intérêts en cas de rupture, tant sur le plan financier que sur celui de la réputation.

Pourquoi un manager doit-il comprendre les questions juridiques ?

Tout d'abord, un manager doit s'assurer que l'artiste est correctement enregistré sur le plan juridique. Si le musicien reste un particulier, cela peut entraîner de nombreux problèmes en matière de contrats et de fiscalité. Il est donc recommandé d'enregistrer l'artiste en tant que travailleur indépendant ou entrepreneur individuel (IE).

La tenue des registres financiers et le contrôle des paiements fiscaux font également partie des responsabilités du manager afin d'éviter tout problème avec la loi. Tant que l'artiste ne gagne pas des sommes importantes, vous pouvez reporter la déclaration d'impôts, mais dès que ses revenus commencent à augmenter, cette question devient prioritaire.
En outre, le manager doit contrôler les licences des morceaux. L'artiste qui a écrit la chanson en est l'auteur et le propriétaire du phonogramme. Pour monétiser un morceau, il est nécessaire de transférer les droits d'utilisation à la maison de disques ou au distributeur par la conclusion d'un accord approprié. Le manager doit comprendre toutes les nuances de ces accords afin de protéger les droits de son artiste et d'éviter de transférer les droits sur le morceau à jamais ou de conclure des conditions défavorables.

Pourquoi est-il important de préciser les conditions de coopération avec l'artiste ?

L'une des erreurs les plus courantes commises par les managers est l'absence de contrat formel avec l'artiste pour leur travail. Cela peut entraîner de sérieux problèmes, car à tout moment, un conflit ou un malentendu concernant les conditions de coopération peut survenir. Pour éviter de telles situations, il est nécessaire de sécuriser juridiquement tous les accords. Des conditions clairement énoncées dans le contrat contribueront à créer une base solide pour une coopération fructueuse et à garantir la clarté de la relation.

La norme internationale en matière de coopération entre un manager et un artiste varie entre 10 et 20 % des revenus. Pour les superstars, ce pourcentage est généralement d'environ 10 %, tandis que pour les débutants, il est de 20 %. Il est important de déterminer sur quelle base ce pourcentage est calculé : sur le revenu brut (tous les revenus de l'artiste) ou sur le bénéfice net. Si le manager reçoit un pourcentage de tous les revenus, il est important de comprendre quelles sont les dépenses supportées par l'artiste. Dans certains cas, les revenus peuvent être minimes et les dépenses importantes, et il est alors judicieux de convenir de conditions plus souples. Par exemple, un manager peut recevoir 15 % du revenu total d'un artiste, mais pas plus de 50 % de ses bénéfices nets, afin de garantir une répartition équitable des revenus.

Pourquoi il est important pour un manager de s'adapter aux changements du secteur

Les rôles au sein de l'équipe d'un artiste ont considérablement changé ces dernières années, et ce n'est pas quelque chose qui s'apprend dans les écoles de musique ou dans les manuels traditionnels. L'industrie est si dynamique que tout change tous les six mois. Les informations qui étaient pertinentes il y a quelques années peuvent être obsolètes et inefficaces aujourd'hui. Il est important pour un manager de mettre constamment à jour ses connaissances et de suivre les dernières tendances.

Les changements technologiques ont également eu un impact considérable sur le processus d'enregistrement musical. Aujourd'hui, la qualité sonore ne dépend plus du coût du matériel de studio. De plus en plus d'artistes créent des albums à succès chez eux, ce qui permet au manager de se concentrer sur la mise en valeur du talent de l'artiste plutôt que sur les conditions d'enregistrement.

Le processus de sortie d'un album a également considérablement changé. La distribution est devenue plus accessible grâce à l'émergence de nombreux labels indépendants et agrégateurs. De plus en plus d'artistes de niche trouvent leur public dans une grande variété de genres musicaux. Les labels n'investissent plus des sommes colossales dans la promotion de nouvelles stars, mais se concentrent sur l'analyse des réseaux sociaux. Dans ces conditions, il est préférable pour un artiste de commencer à travailler de manière indépendante plutôt que d'attendre l'aide des labels. L'âge minimum pour entrer dans l'industrie a également changé. Si auparavant les jeunes artistes devenaient souvent des stars, aujourd'hui, même après 30-35 ans, ils sortent leurs premiers tubes enregistrés avec leurs propres fonds et deviennent des musiciens à succès.

La monétisation des sorties a également subi des changements importants. Aujourd'hui, les artistes perçoivent des redevances non seulement sur les ventes et le streaming de musique, mais aussi sur les comptes des réseaux sociaux, les vidéos sur YouTube et d'autres plateformes numériques. Il est important de diffuser autant que possible le contenu sur toutes les plateformes disponibles afin d'augmenter les revenus et la popularité.

Les réseaux sociaux ont radicalement changé le mécanisme d'interaction entre un artiste et son public. Aujourd'hui, un musicien n'est plus une figure inaccessible, mais peut communiquer quotidiennement avec ses fans, recevoir leurs commentaires et parler de lui-même. Cependant, cela crée également de nouveaux défis, car les musiciens commencent à être perçus comme des personnes ordinaires, ce qui peut compliquer le travail avec leurs fans.

Même la comptabilité et la gestion des documents évoluent à l'ère numérique. De plus en plus de services en ligne apparaissent pour simplifier les calculs fiscaux et les rapports financiers. Cependant, la législation ne suit pas toujours ces changements et il faut souvent travailler avec un grand nombre de documents.

Combien de temps faut-il pour apprendre ?

L'apprentissage dans l'industrie musicale est un processus continu. Le secteur est en constante évolution, avec l'émergence de nouvelles plateformes de distribution, de nouvelles salles de concert et de nouveaux festivals. Il est important d'être prêt à apprendre et à s'adapter en permanence, comme dans toute autre profession.