Structure de la chanson

Les idées du compositeur ne sont en elles-mêmes que la base de la future composition, une sorte de cadre sur lequel les éléments principaux doivent être posés. Le véritable travail commence avec l'arrangement : il transforme un ensemble d'idées musicales en une œuvre complète qui peut captiver l'auditeur et le guider à travers toutes les idées de l'auteur. Plus ce parcours musical est intéressant et agréable, plus l'auditeur aura envie de revenir à cette chanson encore et encore.

Un arrangement peut être comparé à une carte à partir de laquelle une chanson est créée. Cette carte comprend souvent des solutions et des itinéraires éprouvés que les compositeurs et les arrangeurs utilisent encore et encore. Cela ne signifie pas qu'ils abordent la question de manière stéréotypée, au contraire, ces structures et ces formules ont été testées par de nombreux succès et continuent de fonctionner, contribuant à la création de nouveaux chefs-d'œuvre musicaux.

Structure typique d'une chanson dans la musique populaire

Pour comprendre le fonctionnement d'une structure musicale typique, il est important d'en comprendre les éléments de base. En général, une chanson se compose des huit éléments suivants :

• Introduction/Intro ;
• Couplet ;
• Pré-refrain/Pont ;
• Refrain ;
• Post-refrain/Tag ;
• Interlude ;
• Pause ;
• Outro.

Toutes ces parties ne sont pas nécessairement présentes dans chaque composition, et certaines peuvent être répétées plusieurs fois selon l'intention du compositeur et la charge sémantique qu'elles véhiculent.

Intro

L'intro d'une chanson est la partie qui touche en premier l'auditeur. Son objectif principal est de préparer le public à la composition et de mener en douceur vers le premier couplet. La perception globale de la chanson dépend en grande partie de l'intérêt et du caractère captivant de l'intro. Si l'intro attire immédiatement l'attention, la probabilité que l'auditeur écoute le morceau jusqu'à la fin augmente considérablement.

À moins que vous ne travailliez dans les genres rock progressif ou math metal, essayez de ne pas faire une intro trop longue, afin de ne pas lasser l'auditeur.

En termes de contenu, l'intro peut être variée, tout dépend de la créativité de l'auteur. Elle peut se composer d'un ou deux éléments du morceau principal, tels que la mélodie et la batterie ou la basse et les claviers, ou reprendre la structure du refrain. La longueur de l'intro varie également en fonction de l'idée du compositeur, mais elle dure généralement 2, 4 ou 8 mesures.

Couplet

Le couplet est la partie sémantique centrale de toute chanson, où le texte principal est révélé et où le message informatif de la composition est posé. Le couplet ne se contente pas de transmettre l'idée principale, il prépare également l'auditeur aux parties suivantes de la chanson.

Contrairement au refrain ou au pont, le texte du couplet change généralement d'un couplet à l'autre, ajoutant de la variété et de la profondeur au récit. Cependant, il n'est pas nécessaire de respecter strictement cette règle : l'histoire de la musique regorge de chansons merveilleuses dont les couplets sont simples et répétitifs, mais qui restent efficaces et mémorables.

Voici un exemple de structure et d'arrangement d'une chanson : la composition commence par une intro, suivie de deux couplets, puis de quatre refrains répétitifs, suivis d'un solo ou d'un interlude instrumental, et la chanson se termine par un outro. La durée du morceau est d'environ 3 minutes et 30 secondes, ce qui permet une composition riche et dynamique qui retient l'attention de l'auditeur du début à la fin.

Pré-refrain/Pont

Le pont, également appelé pré-refrain, sert de lien entre le couplet et le refrain. Le refrain étant généralement la partie la plus mémorable et la plus émouvante de la chanson, le pont aide à adoucir la transition entre le couplet et le refrain en réduisant le contraste entre les deux.

Si l'harmonie du couplet et du refrain repose sur les mêmes accords, le pont peut apporter de la variété en modifiant la progression des accords et en ajoutant de nouveaux éléments musicaux. Du point de vue de l'auditeur, le pré-refrain rend la composition plus intéressante et dynamique, préparant le climax du refrain.

Refrain

Le refrain est l'un des moments forts de la chanson, il doit être mémorable mais pas envahissant. Il est préférable d'inclure 2 à 4 refrains de longueur variable dans la composition. Le refrain étant la partie la plus répétée du morceau, il concentre les principales idées lyriques et musicales, et contient également le message principal de la chanson et le hook musical qui attire l'attention de l'auditeur.

Il est important de ne pas surcharger la composition avec des refrains répétés. Après tout, nous créons quelque chose d'unique, et non un tube typique qui attire l'attention uniquement par son caractère envahissant.

En règle générale, le premier refrain se compose de 8 mesures, créant une seule répétition. Le deuxième refrain peut doubler, occupant 16 mesures et incluant de petits changements pour maintenir l'intérêt. Le refrain final, qui apparaît à la fin de la chanson, peut varier de 16 à 32 mesures. Cependant, d'après notre expérience, il est préférable de se limiter à un nombre réduit de refrains à la fin de la composition afin de maintenir son dynamisme et l'intérêt de l'auditeur.

Post-refrain/Tag

Parfois, la dernière ligne d'un refrain peut dépasser le nombre de mesures qui lui est alloué, ce qui peut poser problème, surtout si les paroles de la section suivante de la chanson, comme un couplet, commencent par un pickup. Pour éviter le chevauchement des mots et assurer une transition fluide entre les sections de la composition, les compositeurs et les arrangeurs ajoutent souvent un silence de 2 à 4 mesures. Cela permet au chanteur de faire une courte pause avant de poursuivre la chanson et rend le récit musical plus fluide.

Le post-refrain, tout comme le pré-refrain, peut prendre n'importe quelle forme : d'une répétition d'éléments du refrain ou d'une introduction avec un simple chant des choristes à une pause instrumentale ou une variation de la mélodie principale. Tout dépend de l'intention créative de l'arrangeur et du compositeur, ainsi que de l'atmosphère qu'ils souhaitent créer dans la chanson.

Qu'est-ce que la musique populaire ?

Lorsque nous parlons de musique populaire, il y a souvent une confusion, et beaucoup pensent que nous parlons exclusivement de musique pop. Cependant, c'est une idée fausse. Les termes « musique populaire » et « musique pop » ne sont pas synonymes et font référence à des genres musicaux différents.

La musique pop désigne un genre spécifique qui se caractérise par sa facilité d'écoute, ses mélodies simples et son orientation vers le grand public.

Dans le même temps, le terme « musique populaire » couvre un large éventail de styles musicaux qui sont populaires auprès d'un large public, mais qui ne sont pas nécessairement associés au genre pop. Cela inclut le rock, la fusion, le rhythm and blues, l'industrial, le disco, le rock and roll, le reggae, le nu metal, l'alternatif et de nombreux autres styles. Ainsi, la musique populaire est une variété de styles destinés au grand public.

Pont (Middle 8)

Dans la musique occidentale, le pont vers la fin d'une chanson est souvent appelé Middle 8, ce qui se traduit littéralement par « milieu huit ». Parfois, les musiciens appellent également le pont Middle 8. Cette partie de la composition est généralement destinée à la section instrumentale : on peut y entendre des solos ou des parties et des mélodies modifiées, qui ajoutent du dynamisme et de la variété.

Le but principal du Middle 8 est de créer un climax dans la composition avant le dernier refrain ou break. Tout au long de la chanson, le dynamisme et l'énergie augmentent progressivement, pour atteindre leur apogée dans ce pont. Comme son nom l'indique, sa longueur est généralement de 8 mesures, bien qu'il existe également des versions plus longues.

Break

Après l'intro, une courte pause est parfois insérée, appelée break (de l'anglais Break - interruption, pause). Le break sert à donner un court répit à l'auditeur. La saturation constante de la composition peut être fatigante, et le break aide à équilibrer l'énergie de la chanson.

La présence d'un break et d'une intro dépend du contexte. Si la composition comporte un solo, il est logique d'utiliser un break calme pour créer un contraste. Cependant, rien n'interdit d'ajouter une autre intro instrumentale ou vocale après le solo, voire de revenir au couplet.

Le break est généralement minimaliste et repose sur les mêmes accords et la même mélodie que le refrain. Il peut parfois servir de petit pré-refrain avant le refrain final. La durée du break varie de 4 à 16 mesures.

Outro

L'outro ou outro est la partie finale de la chanson. Elle peut faire écho à l'intro ou être son contraire. L'outro peut être plusieurs répétitions du refrain avec un fondu progressif (Fade Out) ou être complètement unique et différente des autres parties de la composition.

Il est important de ne pas trop prolonger l'outro : si elle est trop longue, l'auditeur peut se lasser et se demander : « Quand est-ce que ça va finir ? ». La nature de l'outro dépend de la nature de la chanson dans son ensemble. Dans les morceaux énergiques, il peut être approprié de terminer la composition en répétant les refrains, et dans les ballades, d'autres accords peuvent être utilisés pour créer un accent final. En fin de compte, le choix de l'outro revient au compositeur.

La structure finale d'une chanson dans la musique populaire

La chanson peut être visualisée sous forme de graphique, où le mouvement de la musique et sa dynamique ressemblent à une parabole, avec des montées et des descentes alternées dans la tension.

Tout au long de la composition, l'énergie musicale augmente progressivement, atteint son apogée au moment du climax, puis diminue doucement vers la fin, créant une conclusion harmonieuse. Un tel graphique montre clairement comment la musique guide l'auditeur à travers des pics et des creux émotionnels, rendant chaque partie de la chanson significative et interconnectée.

Partie de la chanson	Durée possible
Intro	2 à 8 mesures
Couplet	8 à 32 mesures
Pré-refrain/Pont	2-16 mesures
Refrain	8-16 mesures
Post-refrain/Tag	2-4 mesures
Pont	8 mesures (parfois 16)
Break	4-16 mesures
Fin	2 à 4 mesures

Il ne faut pas que toutes les parties de la future chanson aient la même longueur, par exemple 32 mesures chacune. Chaque élément de la composition a sa propre longueur optimale qui doit être prise en compte. Chaque chanson est unique et nécessite une approche individuelle. Il est donc important de ne pas surcharger l'arrangement et de ne pas essayer d'y inclure tous les éléments possibles. Une répartition équilibrée des parties permettra de maintenir l'intérêt de l'auditeur et de créer une structure harmonieuse de la composition.

Structure typique d'une chanson dans la musique électronique

Contrairement à la musique populaire, la structure des morceaux électroniques a ses propres caractéristiques. L'une des raisons à cela est l'influence des formats radio, où les morceaux doivent s'adapter à un certain temps de diffusion, ce qui exclut l'utilisation de mixages interminables.

De plus, l'arrangement de la musique dance et électronique doit être confortable pour les danseurs. Les longues sections de ces morceaux alternent avec des sections courtes pour permettre aux danseurs de se reposer. En général, une composition dance se compose de sept parties clés :

• Beat d'introduction ;
• Breakdown ;
• Montée en puissance ;
• Drop ;
• Pause intermédiaire ;
• Deuxième drop ;
• Battement final.

Un exemple typique de cette structure est le morceau « United We Dance » de Vicetone, qui illustre bien comment ces éléments sont construits dans la musique électronique, dance et club.

Il s'agit d'une section composée de seize mesures ou plus de batterie ou de percussions. Les caractéristiques de l'intro dans la musique électronique sont le minimalisme dans l'utilisation des instruments, l'accent mis sur le rythme et l'apparition progressive et sans précipitation de la mélodie principale. L'objectif principal du beat d'intro est de permettre au DJ de mixer en douceur et avec soin le nouveau morceau avec le précédent, tout en conservant l'harmonie de la setlist.

Breakdown

Un breakdown est le moment où la composition revient à ses éléments principaux. Dans cette section, la batterie est souvent complètement absente, ce qui laisse plus de place aux autres composants musicaux. Le breakdown comprend généralement la ligne mélodique principale du morceau, qui s'intensifie progressivement et est envahie par des instruments supplémentaires, augmentant ainsi la densité du son. La durée du breakdown peut varier de 16 à 32 mesures, voire plus.

Build-Up

Le build-up sert de préparation au refrain, à l'instar du pré-refrain dans la musique populaire. Cette section de la composition crée progressivement une tension grâce à l'accélération des parties de batterie et à l'utilisation de risers, des sons de synthétiseur qui augmentent progressivement en volume et en hauteur, devenant l'élément central de l'arrangement.

Drop

Le drop est le point culminant d'un morceau, similaire au refrain dans la musique populaire. Il est destiné à marquer fortement l'auditeur avec des grooves puissants, une basse entraînante, un rythme dense et un hook de synthétiseur brillant, qui est le thème musical principal de l'ensemble du morceau.

Middle Break

Un middle break est la partie centrale de la composition, contenant des éléments musicaux uniques qui ne dépassent pas la mélodie principale. Cette section est souvent utilisée pour faire une transition en douceur vers le prochain build-up, qui est généralement plus court que le premier. Un middle break peut être une variation sur le thème du premier breakdown ou drop, mais il diffère souvent des autres parties du morceau, apportant des idées nouvelles et des changements au son.

Ce morceau commence par un refrain, qui instaure immédiatement l'ambiance et l'énergie. Ensuite, deux couplets différents suivront, chacun apportant de nouveaux éléments et de la variété à l'histoire de la chanson. Au milieu de la composition, un solo ou un interlude instrumental sera inséré pour ajouter du dynamisme et de la profondeur au son. Le morceau se terminera par plusieurs tags, de courts interludes qui suivent immédiatement le refrain, ce qui renforcera l'effet et fixera les idées musicales clés de la composition dans la mémoire de l'auditeur.

Deuxième drop

Le deuxième drop a généralement une structure et une énergie similaires au premier, mais comprend quelques changements qui ajoutent de la variété à la composition. Ces différences peuvent prendre la forme d'un hook différent, d'une nouvelle ligne de basse ou d'un beat modifié, ce qui contribue à rafraîchir le son et à maintenir l'intérêt de l'auditeur.

Outro Beat

Semblable au beat d'intro, le beat d'outro joue un rôle important dans la musique dance, aidant le DJ à mixer en douceur le morceau de fin avec le suivant dans le set. C'est pourquoi cette partie de la composition est souvent la plus longue, offrant l'espace nécessaire à la transition.

Structure des morceaux d'outro dans la musique électronique

Afin de s'adapter au format radio, les versions originales des morceaux de club, qui peuvent durer de 5 à 10 minutes, sont éditées. En conséquence, toutes les parties de la composition sont raccourcies afin que le morceau final ne dépasse pas 3-4 minutes. Cela permet d'obtenir une structure plus compacte, similaire à celle d'une chanson pop standard, tout en conservant les éléments clés et l'énergie de l'original.

Partie de la chanson	Durée possible
Intro Beat	à partir de 16 mesures
Breakdown	16-32 mesures
Montée	16-32 mesures
Drop	16 mesures
Pause centrale	16-32 mesures
Deuxième chute	16-32 mesures
Outro Beat	à partir de 16 mesures

Formes de structure musicale de base : ABA, AABA, AAA et ABABCB

Lorsqu'ils planifient un arrangement, les compositeurs et les arrangeurs ont souvent recours à l'une des quatre formes courantes suivantes : ABA, AABA, AAA et ABABCB.

La forme ABA est la structure musicale la plus populaire. Lorsque les gens parlent du schéma standard couplet-refrain-couplet, ils font généralement référence à la forme ABA. Cette forme se caractérise par la présence de deux sections identiques (A) et d'une section contrastée (B). Le contraste dans la section B est créé en modifiant l'harmonie, la tonalité, le rythme ou l'ambiance générale de la musique. Dans la forme ABA, les sections A et B peuvent être n'importe quelle partie de la chanson : couplets, refrains, ponts ou solos.

Couplet 1 (A)	Refrain 1 (A)	Refrain (B)	Interlude (B)	Couplet 2 (A)	Refrain 2 (A)

Refrain 2 (A)	Couplet 1 (A)	Break (B)	Pré-refrain (B)	Refrain 3 (A)	Couplet 2 (A)

Un excellent exemple de forme ABA est le classique du jazz « I Got Rhythm » de George Gershwin. Dans cette composition, les sections A sont jouées dans la tonalité de si bémol, avec deux accords par mesure, ce qui donne à la musique énergie et dynamisme. Dans la section B, la tonalité change, le rythme ralentit - un accord s'étire sur deux mesures et la musique devient moins dynamique, créant un contraste avec les sections A.

La forme AABA est un développement du schéma ABA. Dans cette structure, la section A est répétée deux fois, puis il y a une transition vers une section B contrastée, après quoi la composition revient à la section A. Cette approche permet de créer une composition avec un thème principal clairement exprimé et un milieu contrasté. La structure d'une chanson selon le schéma AABA peut ressembler à ceci : A (intro) – A (répétition) – B (contraste) – A (retour au thème principal).

Couplet 1 (A)	Refrain 1 (A)	Couplet 2 (A)	Refrain 2 (A)	Refrain (B)	Pont (B)	Couplet 3 (A)	Refrain 3 (A)

Refrain 2 (A)	Couplet 1 (A)	Refrain 3 (A)	Couplet 2 (A)	Break (B)	Pré-refrain (B)	Refrain 3 (A)	Couplet 3 (A)

Bien que la forme AABA commence par deux sections A identiques, cela ne signifie pas qu'elles doivent nécessairement être identiques. Les compositeurs et les arrangeurs apportent souvent de légères modifications à l'harmonie, à la mélodie ou à l'instrumentation au fur et à mesure que la section progresse afin de maintenir l'intérêt de l'auditeur. Parfois, les modifications se limitent à certaines parties de la mélodie, ce qui les rend plus expressives. Il est également courant de voir une combinaison des formes ABA et AABA, où des éléments des deux structures s'entremêlent pour créer de la variété dans la composition.

La forme AAA consiste à utiliser trois sections identiques, qu'il s'agisse de couplets ou de refrains, avec des variations harmoniques ou mélodiques mineures. Cela permet d'obtenir une composition cohérente avec un minimum de changements, tout en maintenant l'intérêt de l'auditeur.

La forme ABABCB offre une structure plus complexe. Le compositeur commence par un schéma standard couplet-refrain-couplet-refrain, puis ajoute une section C, qui peut être un pont, un solo ou une pause. La composition revient ensuite au refrain, créant une combinaison équilibrée de répétition et de nouveauté.

Structure de la chanson des Beatles – Back in the U.S.S.R.

La chanson « Back in the U.S.S.R. » des Beatles a été écrite en réponse au tube « Back in the USA » de Chuck Berry. Créée en 1968, cette composition semble toujours d'actualité et moderne aujourd'hui. La chanson est apparue à l'époque où le Premier ministre britannique Harold Wilson a lancé une campagne politique sous le slogan « I'm backing Britain » (Je soutiens la Grande-Bretagne). Ce slogan était largement diffusé sur les affiches de campagne à travers le pays. Paul McCartney, inspiré par cette campagne, a imaginé la phrase « I'm backing (back in) the U.S.S.R. » (Je soutiens (de retour en) URSS), qui est devenue une sorte de réponse satirique aux idées politiques qui dominaient la société anglaise à l'époque. Le public britannique a apprécié l'ironie de McCartney, mais la blague est restée incompréhensible pour de nombreux auditeurs aux États-Unis. La composition a été écrite par Paul McCartney en collaboration avec John Lennon et ouvre le célèbre album sans titre des Beatles de 1968, également connu sous le nom de « The White Album ».

La particularité de « Back in the U.S.S.R. » réside dans son arrangement classique pour la musique pop et rock. La chanson est interprétée en do mineur, avec un tempo de 120 battements par minute et une mesure de 4/4.

Comme YouTube a souvent des problèmes pour publier des chansons des Beatles, nous vous suggérons de regarder une interprétation live de la composition par Paul McCartney à Moscou en 2002, plutôt que la version studio. Cependant, dans la discussion qui suit, nous parlerons de l'enregistrement studio.

0:00. Intro

La chanson commence par le son caractéristique d'un avion qui atterrit, suivi d'une intro de 4 mesures sur l'accord E7. Après ces quatre mesures, l'accord A retentit sur le temps fort, transitionnant en douceur vers le premier couplet.

0:15. Couplet 1

Alors que Paul McCartney commence à chanter une nuit blanche et un vol au départ de Miami, la chanson accélère le rythme. Le premier couplet se compose de 8 mesures, divisées en deux blocs de 4 mesures, construits sur les accords A, D, C, D.

0:28. Refrain 1

Le refrain se compose de six mesures, ce qui est inhabituel pour la musique pop. Les trois premières mesures sont construites sur les mêmes accords que le couplet (A, C, D), et c'est là qu'apparaît le refrain vocal avec la phrase « Back in the USSR ! ». Les trois mesures suivantes mènent en douceur l'auditeur vers le deuxième couplet, qui reprend la structure et l'harmonie du premier.

0:52. Refrain 2

Après le deuxième couplet, la chanson revient au refrain, qui est structurellement et harmoniquement identique au premier. Le même refrain et le même riff de guitare principal sont répétés ici. Cependant, la longueur du deuxième refrain est légèrement différente : il se compose de 7,5 mesures, soit 7 mesures en 4/4 et 1 mesure en 2/4.

1:04. Post-refrain et break

À 1:04, le post-refrain commence, qui est une nouvelle section de la chanson. Cette partie est basée sur des harmonies et des chœurs dans le style des Beach Boys et comprend la progression d'accords D, A, D, Bm7, E7, D7, A, A. Le post-refrain se compose de huit mesures, suivies d'un break de deux mesures sur les accords A et E, préparant la transition vers le solo de guitare.

1:21. Solo de guitare

Le solo de guitare suit la mélodie vocale et est soutenu par les accords des couplets. Cette section est similaire aux couplets et refrains précédents : les 8 mesures du couplet se transforment en douceur en un refrain de six mesures et se terminent par un autre post-refrain de 10 mesures.

2:01. Couplet 3

Le dernier couplet est identique aux précédents, mais avec l'ajout d'une partie de guitare solo qui joue sur l'accord A. Le troisième couplet se transforme en un autre refrain de six mesures.

2:25. Outro

La finale de « Back in the U.S.S.R. » est construite sur un riff bluesy avec un accord en La et des harmonies vocales en fond avec un chant répété « Woo-ooo-oo ». La dernière section se compose de 6 mesures et se répète jusqu'à ce que le bruit d'un avion atterrissant apparaisse à 2:40, mettant fin à la composition.

Structure finale de la chanson The Beatles – Back in the U.S.S.R.

Partie de la chanson	Durée
Intro	4 mesures
Couplet 1	8 mesures
Refrain 1	6 mesures
Couplet 2	8 mesures
Refrain 2	7,5 mesures
Après le refrain	8 mesures
Pause	2 mesures
Solo de guitare	24 mesures
Couplet 3	8 mesures
Refrain 3	6 mesures
Fin	6 mesures

Structure de la chanson 2Pac feat. Dr. Dre – California Love

Dr. Dre est l'un des producteurs de musique les plus influents de notre époque. Son talent unique et son approche de l'arrangement ont fait du groupe de hip-hop N.W.A. de véritables idoles pour des millions de personnes. Grâce à Dre, il est devenu évident que la musique créée par des artistes noirs pouvait non seulement être populaire, mais aussi connaître un succès commercial auprès d'un large public.

Les musiciens qui ont travaillé avec Dr. Dre soulignent souvent son perfectionnisme. Il ne sort pas une chanson tant qu'il n'est pas absolument sûr de sa qualité. Parfois, le travail sur une composition peut prendre des mois, voire des années, mais le résultat final répond toujours aux attentes, créant de véritables tubes.

Cependant, le célèbre titre « California Love » a été créé par Dre en 1995 en seulement quelques semaines. À l'origine, cette chanson avait été préparée pour son album solo « The Chronic II: A New World Odor (Poppa's Got A Brand New Funk) », mais pour diverses raisons, l'album n'a jamais été achevé. Au même moment, en 1995, Tupac Shakur, un ami proche de Dre, est sorti de prison. Souhaitant célébrer cet événement et soutenir Tupac, Dre a décidé d'utiliser une bande-son établie de longue date et, avec Roger Troutman, a commencé à travailler sur un morceau qui allait bientôt devenir le légendaire « California Love ».

La chanson est sortie en octobre 1995 sur le premier album de Tupac, « All Eyez on Me ». Le single s'est immédiatement hissé en tête de tous les classements américains et y est resté pendant environ deux semaines. Par la suite, le morceau a été nominé pour plusieurs Grammy Awards et est devenu l'un des meilleurs disques de G-Funk.

La base de « California Love » était un échantillon de clavier retravaillé provenant d'une chanson peu connue de Joe Cocker, « Woman To Woman ». La composition est écrite en si bémol majeur, avec un seul accord, la taille est de 4/4 et le tempo est de 92 battements par minute.

0:00. Intro

La chanson commence avec Roger Troutman chantant la phrase « California Love » sur un talkbox. À 0:03, le rythme démarre et, au cours des quatre mesures suivantes, la batterie, la basse, les claviers et une section de cuivres apparaissent, jouant le thème musical principal de la chanson. Ces quatre mesures préparent le terrain pour le reste de la chanson, le thème au clavier restant constant tout au long du morceau et les autres éléments musicaux apparaissant et disparaissant progressivement de l'arrangement.

0:13. Refrain 1

Après quatre mesures d'intro, la section cuivres s'estompe, laissant place à des voix traitées qui portent le refrain pendant les 12 mesures suivantes. L'une des principales caractéristiques du refrain est le synthé scintillant qui joue au début de chaque mesure, accentuant l'accord principal du morceau (si bémol majeur) et soulignant sa tonalité. Le refrain enchaîne en douceur avec le premier couplet, qui commence par un mouvement ascendant des cuivres.

0:45. Couplet 1

Le premier couplet dure 16 mesures, pendant lesquelles Dr. Dre rappe ses paroles. Des sifflets sont ajoutés à l'arrangement, et les huit premières mesures conservent les éléments présents dans l'intro. Les huit mesures suivantes sont complétées par de nouvelles parties de synthé et un chant vocal, créant un son plus riche.

1:27. Refrain 2

Le deuxième refrain est similaire au premier, mais avec un certain nombre de changements : des phrases vocales supplémentaires et des chœurs féminins apparaissent. La transition vers la partie suivante de la composition est à nouveau indiquée par les cuivres.

1:58. Pont

Après le deuxième refrain, le pont commence à la place du couplet attendu. Sur les mots « Shake, shake it, baby », on entend un riff de clavier et un rythme, complétés par des sons de tonnerre à chaque mesure. Ce pont dure huit mesures, créant un contraste avec les parties précédentes de la composition.

2:19. Couplet 2

Le deuxième couplet est identique au premier en termes de longueur et d'instrumentation, mais les paroles sont chantées par 2Pac, ce qui apporte une énergie et un dynamisme nouveaux au morceau.

3:01. Refrain 3

Le troisième refrain coïncide avec les précédents et s'enchaîne en douceur avec un autre interlude, similaire à celui qui a suivi le deuxième refrain.

3:54. Outro

À partir de 3:54, la chanson commence à se diriger vers sa fin. Le son des instruments s'estompe progressivement et l'arrangement devient moins saturé. L'outro est une boucle de 20 mesures composée d'éléments du couplet et du refrain, avec une répétition constante de la ligne principale de la chanson, conduisant progressivement l'auditeur vers la fin de la composition.

Structure finale de la chanson 2Pac feat. Dr. Dre — California Love

Partie de la chanson	Durée
Intro	Mesure + 4 mesures
Refrain 1	12 mesures
Couplet 1	16 mesures
Refrain 2	12 mesures
Pont 1	8 mesures
Couplet 2	16 mesures
Refrain 3	12 mesures
Pont 2	8 mesures
Fin	8 mesures

L'arrangement de « California Love » est conçu de telle manière qu'il est difficile de séparer les différentes parties de la chanson les unes des autres : son son est monolithique et un peu monotone, créant une impression de fluidité et de continuité sans frontières structurelles évidentes.

De plus, « California Love » se distingue par sa structure inhabituelle. Au lieu du schéma standard « intro-couplet-refrain-couplet-refrain », une approche plus originale est utilisée ici : « intro-refrain-couplet-refrain-pont ». Une telle structure mélangée ajoute du dynamisme et de l'originalité à la composition, la rendant unique par rapport aux constructions musicales traditionnelles.

Structure de la chanson Martin Garrix – Animals

La chanson « Animals » de Martin Garrix, sortie en 2014, est immédiatement devenue un succès et s'est hissée en tête des classements mondiaux. Malgré sa popularité, la chanson présente un arrangement typique du genre : l'accent est mis sur un rythme puissant en 4/4 et un riff de percussion entraînant qui fait bouger n'importe quelle piste de danse.

La chanson est écrite en fa mineur, avec un tempo de 128 battements par minute, ce qui est standard pour de nombreux morceaux de danse.

Il peut être difficile de trouver le mix original de 5:04 sur YouTube, c'est pourquoi une vidéo avec une version radio de la chanson est jointe au matériel. Veuillez noter que les timings peuvent ne pas correspondre à la version originale. Si quelqu'un dispose d'un lien vers la version complète de la composition, nous serions ravis que vous le partagiez dans les commentaires.

0:00. Intro Beat

La composition commence par une intro minimaliste, où les 16 premières mesures sont dominées par la grosse caisse et la cymbale ride, qui rappellent un métronome. En plus du rythme, on entend un synthétiseur arpégé, dont le son est largement traité avec de la réverbération. Une augmentation progressive de la force et de la puissance du synthétiseur conduit en douceur l'auditeur vers le segment suivant de la composition.

0:30. Intro de basse

À ce stade, une basse grave fait son entrée, basée sur les frappes rythmiques de la grosse caisse. Le synthétiseur arpégé s'estompe en arrière-plan et un nouveau synthétiseur apparaît dans le mix, renforçant progressivement son son. Vers la fin de cette intro, vous pouvez entendre une frappe inversée sur la cymbale, qui ajoute du dramatisme avant la transition.

1:00. Mini-pause

Cette courte pause de quatre mesures sert en quelque sorte de pause, pendant laquelle l'arrangement se fige presque complètement. Les seuls sons sont le tic-tac d'une horloge, une ligne de basse qui s'estompe progressivement et un coup de cymbale. Ce moment prépare l'auditeur à l'apparition de la ligne mélodique principale.

1:08. Breakdown 1

Le tic-tac d'une horloge se transforme progressivement en une partie de percussion. Après huit mesures de mélodie douce, un synthé agressif entre dans la composition, répétant le thème principal avec des accords puissants. Ces synthés sont soutenus par des coups de caisse claire et des claquements de mains, accentuant chaque temps de la mesure.

1:37. Montée en puissance

Les huit mesures de montée en puissance atteignent un pic de tension, préparant la composition au drop. Des coups de caisse claire accélérés, un riff de synthé et des rafales de sons laser mènent à un climax qui se termine par un échantillon vocal.

1:53. Drop 1

Le premier drop offre une solution intéressante : au lieu d'utiliser la ligne mélodique principale, Garrix introduit un nouveau riff, soutenu par un rythme puissant et des références au thème principal de la composition.

2:30. Breakdown 2

Après une autre mini-pause de quatre mesures, le synthé revient dans le mix, jouant le thème principal du morceau. Comme précédemment, le breakdown se transforme en douceur en une autre montée en puissance.

3:15. Drop 2

Le deuxième drop est presque identique au premier, mais sa durée est augmentée de 16 mesures. Après les huit premières mesures, l'échantillon vocal retentit à nouveau, auquel s'ajoutent des accords de synthé.

3:58. Outro

Après un court intermède avec le tic-tac d'une horloge, l'arrangement revient aux éléments de l'intro. À l'approche de la fin, le son de la composition devient plus doux et plus subtil. Dans les derniers instants du morceau, le synthé arpégé revient au premier plan, créant un contraste entre le début et la fin.

Structure finale de la chanson Martin Garrix — Animals

Section de la chanson	Durée
Intro Beat	Mesure + 4 mesures
Intro basse	12 mesures
Mini pause 1	4 mesures
Breakdown 1	12 mesures
Montée 1	8 mesures
Baisse 1	16 mesures
Mini pause 2	4 mesures
Décomposition 2	8 mesures
Montée 2	8 mesures
Baisse 2	32 mesures
Outro	32 mesures