Conception sonore d'un film

Au cinéma (comme l'a souligné George Lucas dans la citation ci-dessus), où le son joue un rôle majeur au même titre que l'image et l'histoire. N'oubliez pas que le premier film sonore, The Jazz Singer, est sorti il y a 90 ans, en 1927, tandis que le premier jeu avec son, Pong, n'est apparu que 45 ans plus tard, en 1972. Aujourd'hui, j'aimerais donc vous faire part de quelques anecdotes sur la conception sonore exceptionnelle de certains films.

Rainbow Spring Slinky a aidé le robot vocal Wall-E

Commençons par un aperçu de la conception sonore dans les films. L'une de mes chaînes YouTube préférées sur le cinéma, Cinefix, a publié une sélection de 10 films avec une bonne conception sonore. Sur cette liste, ils ont passé en revue des films tels que Star Wars, Stalker, Gravity et Wall-E.

J'ai été particulièrement intrigué par l'histoire de Ben Burtt, l'un des pionniers des nouveaux sons cinématographiques, qui a inventé le nom de sa profession : concepteur sonore. Cela s'est passé en 1977, lorsqu'il a endossé le rôle de voix off pour Star Wars. Je reviendrai plus en détail sur son travail ultérieurement, mais pour l'instant, je me contenterai de mentionner qu'à l'époque, Ben ne disposait pas de synthétiseurs numériques et qu'il a donc créé et enregistré la plupart des sons à la main ! Pour créer la voix de R2-D2, il est allé encore plus loin en enregistrant sa propre voix, puis en la convertissant à l'aide d'un synthétiseur analogique ARP 2600.

Après avoir travaillé sur six films de la saga stellaire et 29 ans de travail dessus, Ben a décidé qu'il ne voulait plus faire de doublage pour des robots. Mais une semaine plus tard, Pixar l'a convaincu de les aider pour le film d'animation Wall-E. C'était un défi tout à fait unique : la « voix » de Wally a été créée à partir de zéro, sans faire appel à des acteurs ou à des sources réelles, et Wally n'a pas prononcé un seul mot (toutes ses émotions devaient être transmises uniquement par des sons créés artificiellement). En même temps, Valli était le véritable protagoniste du film avec son propre personnage. Grâce à la conception sonore, Ben a vraiment donné vie à ce personnage à l'écran. Et il est amusant de noter que pour créer les sons de Valli, il a utilisé le ressort Slinky, avec lequel nous jouions quand nous étions enfants, en le faisant courir dans les escaliers.

La création des sons pour le Star Wars original est détaillée sur la chaîne YouTube de Kaptain Kristian

En 1977, le concepteur sonore Ben Burt s'est heurté à un problème technique : les sons de science-fiction n'existaient pas dans le monde réel. Par exemple, quel son choisir pour le rayon d'un sabre laser ?

Seuls 15 % de la bande sonore finale du film ont été enregistrés sur place pendant le tournage, les 85 % restants ont dû être créés par Ben lui-même. Le film contenait de nombreuses scènes qui auraient été incompréhensibles sans les sons appropriés, en particulier les batailles dans l'espace. À l'époque, les cinémas n'avaient même pas le son stéréo, sans parler du son surround dans les années 70.

Grâce au travail habile de Ben, cette tâche a été brillamment résolue. Il a enregistré les sons de deux projecteurs de cinéma oscillants et d'un tube cathodique de télévision pour créer le son d'un sabre laser. Ce son est devenu la norme pour toute la saga Star Wars et est devenu un symbole de la science-fiction. Dans la vidéo elle-même, il y a d'ailleurs une scène de combat au sabre laser sans son ajouté, qui semble naïve et drôle. Sans la contribution de Ben, Star Wars aurait donc perdu son caractère épique.

Lors de la création des sons pour Godzilla, il a été décidé de renoncer complètement à l'utilisation des sons d'animaux vivants : tous les sons ont été spécialement créés et enregistrés pour le film.

Le dernier film Godzilla est comme un jeu Lara Croft : le son est excellent, mais le film lui-même laisse beaucoup à désirer. Cette interview vidéo de Michael Coleman avec les concepteurs sonores Eric Adahl et Ethan Van der Ryn se concentre sur le son dans Godzilla.

Une anecdote particulièrement intéressante concerne le doublage du Godzilla japonais original de 1954. Le concepteur sonore Akira Ifukube a parcouru tout le Japon pour enregistrer de nombreux sons d'animaux, mais aucun ne convenait. Finalement, pour enregistrer le rugissement du Godzilla original, il a utilisé le son de gants en cuir frottant contre les cordes d'une contrebasse !

Les concepteurs sonores du nouveau film Godzilla ne révèlent pas tous leurs secrets, mais la vidéo montre comment ils ont donné la voix au kaiju dans le film (je recommande de prêter attention à l'extrait entre 1:50 et 3:50 environ). Ainsi, le grincement des baskets sur le tambour et le bruit des cintres qui craquent sont devenus la voix du kaiju volant dans le film. Regardez et écoutez simplement.

Les films actuels de Marvel manquent clairement de compositions musicales accrocheuses

Tony Zhou, dans son essai vidéo, a soigneusement analysé les bandes sonores des films Marvel Studios. Faisons une petite expérience : essayez de vous souvenir d'un morceau de musique de Star Wars. N'hésitez pas à le fredonner à voix haute. Je suis sûr que vous pouvez facilement penser à la marche impériale ou à l'hymne de la résistance. Passons maintenant à la deuxième partie de l'expérience : essayez de vous souvenir d'un morceau de musique des films Marvel. C'est pratiquement impossible, n'est-ce pas ? J'ai moi-même rencontré la même difficulté (et j'ai vu tous les films, y compris le « stupide » Thor). Peut-être que The Avengers a un thème impressionnant, mais il n'est pas mémorable.

Tony a une théorie intéressante sur les raisons de cette situation. Premièrement, le cinéma moderne s'efforce de rendre la musique discrète et de simplement souligner les émotions à l'écran. Cela fonctionne certainement, mais cela rend les films monotones et ennuyeux.

Deuxièmement, cela est dû à la nouvelle tendance qui consiste à utiliser de la musique temporaire (temp music) dans le processus de montage. Avec l'avènement de la technologie de montage numérique, il est devenu facile de prendre un morceau existant et de l'utiliser comme musique temporaire pour un nouveau projet. Les cinéastes utilisent massivement les effets sonores de films à succès précédents comme musique temporaire. Ils demandent ensuite aux compositeurs d'écrire quelque chose de très similaire comme bande originale. Pourquoi cela se produit-il ? Par exemple, une scène peut être montée sur une musique d'un certain tempo avec des accents à certains moments, et sans une telle bande originale, la scène peut tout simplement ne pas fonctionner.

C'est difficile à expliquer avec des mots, mais dans la vidéo, Tony donne des exemples précis de scènes de différents films où les mélodies sont presque identiques. J'ai été particulièrement surpris de constater que mon film préféré de la décennie, Mad Max: Fury Road, reprenait presque mot pour mot le thème de Captain America: Civil War. Mais dans « Mad Max », ce thème est devenu plus mémorable, car le compositeur Junkie XL l'a rendu plus agressif, plus dynamique et plus perceptible. De plus, toute la bande originale de Mad Max a été spécialement conçue avec des sons bruts et rugueux, ce qui la rend plus mémorable (et elle est géniale !).

Baby Driver d'Edgar Wright est l'un de mes films préférés de cet été.

Dans son analyse vidéo de la scène d'ouverture du film (je recommande de la regarder dans son intégralité), Thomas Flyte la décompose petit à petit et explique pourquoi elle est si réussie. Le réalisateur Edgar Wright utilise de nombreuses techniques différentes, mais l'une d'entre elles est à la base de tout le film : le personnage principal, Baby, échappe à la police dans sa voiture, et chaque fuite est soigneusement coordonnée avec une chanson spécifique. Wright monte cette poursuite sur la musique choisie, ce qui donne une scène qui se marie harmonieusement avec l'accompagnement musical, rappelant le clip vidéo de la chanson. Cette technique rend la musique mémorable et impressionnante. Wright sélectionne consciemment des morceaux exceptionnels et les intègre au film à plusieurs niveaux.

Le film « Dunkerque » est celui qui m'a le plus marqué émotionnellement cet été.

Christopher Nolan transmet magistralement le sentiment de menace et de tension dans Dunkerque. Chaque seconde donne l'impression que les personnages se trouvent dans une situation de plus en plus désespérée. Dans une critique sur la chaîne Vox, Christoph Haubursin explique comment le son du film contribue à cet effet.

Le compositeur Hans Zimmer utilise deux techniques pour atteindre cet objectif. Tout d'abord, le tic-tac d'une horloge sert de base à la mélodie, qui attire l'attention du spectateur sur la notion de temps, devenue l'ennemi principal des militaires bloqués sur la plage de Dunkerque. Deuxièmement, Zimmer crée l'illusion d'une tonalité musicale qui augmente à l'infini, symbolisant le danger croissant. La tonalité de la musique monte constamment, comme si le danger s'intensifiait sans limite.

Pour créer cette illusion, Zimmer utilise l'effet Shepard. Il combine trois pistes audio avec des notes ascendantes (chaque piste étant une octave plus haute que la précédente). Progressivement, le compositeur atténue la piste la plus aiguë tout en augmentant le volume de la piste la plus grave. Cela donne l'impression que la hauteur de la mélodie augmente constamment, et cet effet influence considérablement la perception émotionnelle. Auparavant, une technique similaire avait été utilisée par Shigeru Miyamoto dans un jeu Mario pour créer l'illusion d'un escalier sans fin.