Qu'est-ce que le rock indépendant ?

Le rock indépendant a vu le jour au début des années 1980 au Royaume-Uni, aux États-Unis et en Nouvelle-Zélande. À l'époque, ce terme désignait la musique produite par des labels indépendants, mais il a rapidement pris une signification plus large, évoquant un style brut, expérimental et davantage guidé par une vision artistique que par des considérations commerciales.

L'un des premiers fondements du genre a été le « Dunedin sound » néo-zélandais, avec des groupes comme The Chills et The Clean. Aux États-Unis, les stations de radio universitaires ont joué un rôle déterminant dans la promotion d'artistes comme The Smiths et R.E.M., en diffusant une musique qui semblait en marge du courant dominant. Au milieu des années 80, l'indie rock a commencé à prendre forme en tant que scène à part entière, stimulé par la compilation britannique NME C86 et l'essor underground de groupes tels que Sonic Youth et Dinosaur Jr. aux États-Unis.

Les années 90 ont vu l'émergence d'une vague de nouveaux sous-genres :

• le slowcore , avec ses tempos lents et mélancoliques ;
• le Midwest emo , connu pour ses paroles sincères ;
• Le slacker rock , caractérisé par un style décontracté et une esthétique lo-fi ;
• Le shoegaze , défini par une utilisation intensive d'effets de guitare et des voix introspectives.

Alors que le grunge et la Britpop gagnaient en popularité, le mainstream a commencé à s'approprier les sons indie. Les grandes maisons de disques ont misé sur « l'image indie » comme outil marketing, ce qui a créé une division : certains groupes ont profité de cette exposition, tandis que d'autres ont redoublé d'efforts pour rester hors des radars.

Dans les années 2000, le rock indépendant a fait un nouveau bond en avant sous les feux de la rampe. Des groupes comme The Strokes, The Libertines, Arctic Monkeys et The Killers ont apporté une énergie post-punk revival qui a séduit une nouvelle génération. Ce boom a conduit à une explosion de groupes au son similaire, une vague que la presse britannique a plus tard surnommée « landfill indie » (indie de décharge).

Malgré tous ces changements, l'indie rock est resté fidèle à ses racines, centrées sur la liberté créative, l'esprit DIY et l'instinct de remettre en question la norme.

Ce qui fait qu'une chanson est indie : le son, l'esprit et le style

Le terme « indie » est apparu pour la première fois à la fin des années 1970 à Manchester, lorsque le groupe Buzzcocks a sorti son EP Spiral Scratch sans l'aide d'une grande maison de disques. Ce moment a marqué le début d'un nouveau type d'indépendance musicale.

L'indie ne se résume pas à qui produit la musique, mais aussi au contrôle créatif. Les artistes gèrent eux-mêmes l'enregistrement, la direction et le son sans subir la pression des grands acteurs de l'industrie. Cette liberté permet de créer une musique qui s'éloigne des formules toutes faites et qui semble plus personnelle et originale.

Sur le plan stylistique, l'indie puise ses influences un peu partout : punk, grunge, pop, hip-hop, voire psych rock. C'est ainsi que naissent des groupes comme The White Stripes, qui mélangent garage rock et blues, ou Young the Giant, qui associent des refrains accrocheurs à des textures de guitare superposées.

The White Stripes

Young the Giant

Malgré toute cette diversité, la musique indie conserve une énergie reconnaissable. Elle est brute, honnête et guidée par la vision de l'artiste, et non par les tendances ou les classements commerciaux.

Caractéristiques du rock indépendant : son, vision et contraste

L'indie rock est plus qu'un simple genre musical, c'est un état d'esprit, une façon de créer et de partager de la musique. Le mot « indie » vient de « independent » (indépendant) et désignait à l'origine les artistes et les groupes qui sortaient leur musique sur de petits labels à petit budget. Même lorsque la distribution était assurée par de grandes maisons de disques, ces artistes cherchaient à conserver leur contrôle créatif et à éviter d'être influencés par les tendances de l'industrie.

Cette indépendance leur a ouvert la voie à l'expérimentation, tant au niveau du son que des thèmes et des émotions, souvent très éloignée de ce que proposait la musique mainstream. Le rock indépendant s'est toujours inspiré de diverses influences :

• le punk et le post-punk (Buzzcocks, Wire, Television) ;
• le psychédélisme et le garage rock des années 60 (Velvet Underground, The Doors) ;
• l'art rock et l'esthétique lo-fi ;
• des touches de country et de folk.

Selon AllMusic, le rock indépendant regroupe des artistes dont les approches musicales sont souvent en contradiction avec les goûts grand public. Il englobe tout, du grunge à forte présence de guitare au folk punk et au rock avant-gardiste. Ce qui relie tout cela, ce n'est pas le style, mais une volonté commune d'autonomie et d'originalité.

Dans son livre, Brent Luvaas souligne à quel point l'indie rock est ancré dans la nostalgie : nostalgie du son des années 60, de l'esprit DIY et des paroles souvent riches en profondeur littéraire. Cette influence est perceptible dans des groupes comme The Smiths et The Stone Roses, qui mettaient l'accent à la fois sur l'atmosphère et la narration.

Le musicologue Matthew Bannister a un jour décrit ce genre comme « de petits groupes de blancs avec des guitares », s'inspirant du punk et du rock des années 60, mais se distanciant délibérément des normes commerciales. L'anthropologue Wendy Fonarow a identifié deux mentalités indie principales :

• les « puristes », qui privilégient le minimalisme, la brutalité et l'honnêteté émotionnelle ;
• le « romantique » — plus expressif, excentrique et audacieux sur le plan stylistique.

Cette division était particulièrement visible dans les années 1990. Les groupes britanniques privilégiaient la performance et le sens esthétique, tandis que de nombreux groupes américains adoptaient un son lo-fi et brut comme marque d'authenticité.

Le rock indépendant a également ouvert davantage d'espace aux femmes. Le mouvement riot grrrl, mené par des groupes tels que Bikini Kill, Bratmobile et Team Dresch, a remis en question les normes non seulement en montant sur scène, mais aussi en façonnant les idées derrière la musique. Cependant, comme le note Courtney Harding, cette égalité ne s'est pas étendue au leadership : les femmes à la tête de labels indépendants restent minoritaires, même aujourd'hui.

Bikini Kill

L'indie rock couvre un large éventail de styles, de la pop indie synthétique au post-punk brut, en passant par des influences hip-hop, mais la plupart des groupes indie partagent quelques valeurs fondamentales dans leur approche de la musique.

• L'éthique DIY . La plupart des artistes indépendants opèrent sans le soutien financier des grands labels. Ils paient eux-mêmes le temps passé en studio ou enregistrent chez eux avec le matériel dont ils disposent. Cette approche pratique permet de garder un processus totalement indépendant, de la première démo à la sortie finale.
• Esthétique lo-fi . Avant que des logiciels tels que Pro Tools et Logic ne se généralisent, les musiciens indie n'avaient souvent pas les moyens de s'offrir des studios professionnels. Cela a donné naissance à un son lo-fi reconnaissable : des guitares granuleuses, des bruits de fond et une finition volontairement brute. Même aujourd'hui, certains artistes s'en tiennent délibérément à cette texture, utilisant les imperfections comme partie intégrante de leur identité artistique.
• Composition interne . Contrairement à la pop ou au hip-hop mainstream, où les chansons sont souvent créées par des équipes de producteurs et d'auteurs, la musique indépendante est généralement écrite par les artistes eux-mêmes. Il peut s'agir d'auteurs-compositeurs-interprètes solo comme Phoebe Bridgers, ou de groupes complets comme Fugazi ou Sleater-Kinney, où la composition est un effort collectif et n'est pas sous-traitée à des professionnels.
• L'authenticité plutôt que le clinquant . Le rock indépendant ne repose pas sur des solos endiablés ou des acrobaties vocales. Il privilégie les performances honnêtes et humaines. De nombreux groupes indépendants peuvent facilement reproduire leur son enregistré en live sans avoir besoin d'une équipe de musiciens de studio en renfort, et c'est précisément cette interprétation brute et sans filtre qui touche les fans. Il s'agit moins de perfection que d'émotion authentique.

Comment est née la scène indie rock : des Buzzcocks au Dunedin Sound

Le documentaire de la BBC Music for Misfits: The Story of Indie attribue l'origine du terme « indie » à la sortie en 1977 de Spiral Scratch, un EP autofinancé du groupe punk de Manchester Buzzcocks, publié sous leur propre label New Hormones. Cette initiative a déclenché une vague d'activités DIY : les groupes ont commencé à enregistrer, imprimer et distribuer leur propre musique. Des groupes tels que Swell Maps, 'O' Level, Television Personalities et Desperate Bicycles ont rapidement suivi.

Buzzcocks

La distribution s'est développée grâce à The Cartel, un réseau de petits distributeurs tels que Red Rhino et Rough Trade Records, qui a permis aux sorties indie d'arriver dans les magasins de disques à travers le Royaume-Uni. Cette infrastructure a donné à la musique indépendante une présence physique dans les magasins, lui permettant de rivaliser avec les sorties des grands labels.

Les labels indépendants ont également fait des vagues en dehors du Royaume-Uni. Aux États-Unis, Beserkley Records a sorti le premier album de The Modern Lovers, et Stiff Records a publié New Rose de The Damned, considéré comme le premier single punk britannique. En Australie, The Saints a sorti (I'm) Stranded sur son propre label Fatal Records, suivi par The Go-Betweens, qui a fait ses débuts avec le single indépendant Lee Remick.

Un chapitre clé du développement de l'indie s'est déroulé à Dunedin, en Nouvelle-Zélande. Au début des années 80, Flying Nun Records a été fondé, devenant le foyer d'une génération d'artistes qui ont créé ce qui allait être connu sous le nom de Dunedin Sound. Selon Audioculture, l'un des premiers groupes de cette scène était The Enemy, formé par Chris Knox et Alek Bathgate. Bien que de courte durée, le groupe a laissé une impression durable sur de jeunes musiciens comme Shayne Carter, qui a ensuite formé DoubleHappys et Straitjacket Fits.

Après la séparation de The Enemy, Knox a formé Toy Love, puis Tall Dwarfs, l'un des premiers groupes à adopter l'enregistrement à domicile et l'esthétique lo-fi, éléments clés de ce qui allait devenir le son indie.

Le son Dunedin se caractérisait par des guitares jangly, des voix discrètes et une ambiance mélancolique. Il a acquis une plus grande notoriété grâce au single Tally-Ho! de The Clean en 1981 et à la compilation Dunedin Double en 1982, qui comprenait The Chills, Sneaky Feelings, The Verlaines et The Stones. Ce style s'est rapidement étendu au-delà de Dunedin à des villes comme Christchurch et Auckland, contribuant à faire de l'indie rock un mouvement culturel distinct.

Pendant ce temps, aux États-Unis, les stations de radio universitaires ont joué un rôle crucial dans l'émergence de la musique indépendante dans les années 1980. Elles diffusaient du rock alternatif, du post-punk, du post-hardcore et de la new wave, des sons rarement entendus sur les radios commerciales. Ces groupes étaient collectivement appelés « college rock », un terme lié davantage à la plateforme qu'à un genre musical particulier.

Des artistes tels que R.E.M. et The Smiths ont été particulièrement influents. Le musicologue Matthew Bannister les considère comme certains des premiers véritables groupes indie. Leur influence est perceptible dans des groupes tels que Let's Active, The Housemartins et The La's. À cette époque, le terme « indie rock » a commencé à s'appliquer non seulement aux labels, mais aussi aux artistes qui sortaient leur musique de manière indépendante.

Le journaliste Steve Taylor a également souligné que la scène Paisley Underground avait joué un rôle précoce dans l'histoire de l'indie. Le genre est devenu plus sombre et plus atmosphérique entre les mains d'artistes tels que The Jesus and Mary Chain et Jean-Paul Sartre Experience, tous deux associés à Flying Nun.

Finalement, après que les efforts de lobbying de NPR aient conduit à une réduction du nombre de stations de radio universitaires, le terme « college rock » a commencé à disparaître. À sa place, un label plus flexible et plus durable s'est imposé : « indie », qui allait définir une génération de musique privilégiant la créativité, l'indépendance et l'autonomie.

Jesus and Mary Chain

L'évolution du rock indépendant : du C86 au grebo et au shoegaze

Au Royaume-Uni, un tournant décisif pour la scène indie a été la sortie de C86, une compilation sur cassette réalisée par NME en 1986. Elle comprenait des morceaux de Primal Scream, The Pastels, The Wedding Present et d'autres groupes qui mélangeaient jangle pop, post-punk et production « Wall of Sound » à la Phil Spector. Plus tard, le critique Bob Stanley l'a qualifiée de « début de la musique indie ». Le terme C86 a rapidement dépassé le cadre de la cassette pour devenir le symbole d'une vague entière de groupes aux sons légers et lo-fi, souvent qualifiés d'anorak pop ou de shambling indie. Si certains groupes comme Soup Dragons, Primal Scream et The Wedding Present ont connu le succès dans les charts, beaucoup d'autres sont tombés dans l'oubli.

Aux États-Unis, l'ascension de R.E.M. a offert une alternative à l'intensité du hardcore, ouvrant la voie à de nouveaux musiciens, en particulier ceux qui allaient façonner la scène post-hardcore, comme Minutemen. Les grandes maisons de disques ont pris note et ont brièvement signé des groupes comme Hüsker Dü et The Replacements, même si leurs ventes n'ont pas égalé celles de R.E.M. Leur influence a néanmoins été durable. À la fin des années 80, des groupes comme Sonic Youth, Dinosaur Jr. et Unrest sortaient leurs albums sur des labels indépendants, et à la fin de la décennie, Sonic Youth et Pixies avaient eux-mêmes signé avec de grandes maisons de disques.

À cette époque, le shoegaze est apparu comme un sous-genre de l'indie rock, développant le style « mur du son » lancé par The Jesus and Mary Chain. Le shoegaze a fusionné cette texture avec des éléments de Dinosaur Jr. et Cocteau Twins, créant une atmosphère sombre et brumeuse où les instruments se confondaient souvent. My Bloody Valentine a été l'un des premiers pionniers avec ses EP et son premier album Isn't Anything, inspirant une nouvelle vague de groupes londoniens et de la vallée de la Tamise, tels que Chapterhouse, Moose et Lush. En 1990, Steve Sutherland, du magazine Melody Maker, a qualifié cette scène de « scène qui se célèbre elle-même ».

Pendant ce temps, Madchester émergeait comme un hybride entre le rock indépendant de style C86, la musique dance et la culture rave hédoniste, avec une forte utilisation de psychédéliques. Basé à Manchester et centré autour de la discothèque Haçienda, lancée en 1982 par Factory Records, le mouvement puisait son énergie dans des groupes tels que New Order, Cabaret Voltaire et The Smiths. En 1989, Bummed des Happy Mondays et le premier album des Stone Roses avaient défini la scène. Des groupes tels que The Charlatans, 808 State et Inspiral Carpets ont rapidement suivi.

Le son Madchester, mélange d'indie rock et de rythmes dansants, est devenu connu sous le nom d'indie dance, ou plus précisément, de sous-genre baggy. L'un des moments marquants du mouvement a été le concert des Stone Roses à Spike Island le 27 mai 1990. Avec 28 000 fans et une durée de 12 heures, ce fut le premier événement majeur de ce type organisé par un groupe indépendant.

Au même moment, une scène distincte se développait à Stourbridge, connue sous le nom de grebo. Les groupes mélangeaient des influences punk, électroniques, folk et même hip-hop, créant un son plus lourd et plus sale. Mené par Pop Will Eat Itself, The Wonder Stuff et Ned's Atomic Dustbin, le mouvement n'était pas tant un genre qu'un moment culturel localisé. Leurs singles se sont classés dans les charts — Wise Up! Sucker et Can U Dig It? de Pop Will Eat Itself ont tous deux atteint le Top 40 britannique — et Stourbridge est brièvement devenu un lieu de pèlerinage pour les fans d'indie.

Entre 1989 et 1993, des albums phares de la scène grebo ont vu le jour : Hup et Never Loved Elvis de The Wonder Stuff ; God Fodder et Are You Normal? de Ned's Atomic Dustbin ; et This Is the Day... This Is the Hour... This Is This! et The Looks or the Lifestyle? de Pop Will Eat Itself. Ces groupes sont devenus des habitués du festival de Reading, ont vendu des millions de disques et ont fait la couverture des magazines NME et Melody Maker.

Ce qui distinguait le grebo, ce n'était pas seulement ses influences éclectiques, mais aussi son rejet de l'ambiance raffinée ou mélancolique qui caractérisait une grande partie du rock indépendant. Il embrassait la distorsion, l'arrogance et un côté plus dur. Des groupes similaires de la ville voisine de Leicester — Bomb Party, Gaye Bykers on Acid, Crazyhead, Hunters Club et Scum Pups — ont rapidement rejoint le mouvement, consolidant la place brève mais bruyante du grebo dans l'histoire du rock indépendant.

La division entre mainstream et underground dans le rock indépendant : les années 1990

Au début des années 1990, la scène grunge de Seattle a explosé dans le mainstream. Des groupes comme Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden et Alice in Chains sont devenus des noms familiers, le succès fulgurant de Nirvana attirant une attention massive sur le rock indépendant. En conséquence, le terme « rock indépendant » a commencé à céder la place à « rock alternatif », une étiquette qui, avec le temps, a perdu sa signification contre-culturelle d'origine. Ce qui était autrefois associé à l'indépendance et au statut d'outsider est devenu le raccourci d'une version plus commercialement acceptable du rock à base de guitare qui dominait désormais les charts.

Carl Swanson, dans un article pour le New York Magazine, a fait valoir que même le terme « sellout » (traître) avait commencé à perdre son sens dans ce nouveau paysage, le grunge ayant prouvé que même les mouvements les plus niche ou les plus radicaux pouvaient être absorbés par le mainstream. Il en est ressorti une culture fracturée et individualiste qui continuait à fonctionner sous l'influence des grandes maisons de disques et des médias.

Dans son ouvrage Popular Music: The Key Concepts, le spécialiste des médias Roy Shuker a noté que le grunge était essentiellement devenu la version mainstream de l'esthétique indie rock nord-américaine des années 80. Il a suggéré qu'à cette époque, le fait d'être « indépendant » était devenu un outil marketing au même titre que n'importe quelle caractéristique sonore reconnaissable. Ce changement a provoqué une scission nette dans le monde du rock indépendant : certains groupes se sont tournés vers l'accessibilité de la radio rock alternative, tandis que d'autres ont redoublé d'efforts en matière d'expérimentation et sont restés fermement underground. Selon AllMusic, c'est pendant cette période que le rock indépendant a été défini de manière plus restrictive, désignant spécifiquement les groupes underground, tandis que leurs homologues plus commerciaux ont été rebaptisés « alternatifs ».

L'une des réponses musicales les plus évidentes à ce changement a été le slowcore, qui s'est développé aux États-Unis en contraste direct avec la domination croissante du grunge. Si les frontières du slowcore sont floues, ce genre se caractérise généralement par des tempos lents, une instrumentation épurée et des paroles mélancoliques. Galaxie 500, en particulier leur album On Fire sorti en 1989, a eu un impact considérable sur le genre. Comme l'écrit Robert Rubsam dans Bandcamp Daily, ils ont été « le point de départ de tout ce qui a suivi ». La première vague de groupes slowcore comprenait Red House Painters, Codeine, Bedhead, Ida et Low. Le genre n'était lié à aucune ville ou scène en particulier, et bon nombre de ses artistes se sont développés dans un relatif isolement les uns par rapport aux autres.

Vers 1991, une branche plus jeune et plus brute du mouvement grebo a commencé à émerger. Ces groupes ont été qualifiés de « fraggle », un nom quelque peu ironique donné à des groupes qui s'inspiraient fortement du punk, de l'album Bleach de Nirvana et utilisaient souvent des boîtes à rythmes. Stephen Klain, de Gigwise, a décrit leur son comme « des guitares sales, des cheveux encore plus sales et des t-shirts que seule une mère pourrait laver ». Parmi les groupes fraggle notables, on peut citer Senseless Things, Mega City Four et Carter the Unstoppable Sex Machine. Ils incarnaient l'esprit indie, mais avec une énergie plus chaotique et un style visuel délibérément brut.

Senseless Things

Charles Aaron, rédacteur chez Spin, a décrit Pavement et Guided by Voices comme « les deux groupes qui ont défini le rock indépendant à cette époque et qui, pour beaucoup, incarnent encore aujourd'hui ce que ce terme signifie ». Les deux groupes ont adopté des styles de production lo-fi qui reflétaient et romantisaient leur éthique DIY. L'album Slanted and Enchanted de Pavement, sorti en 1992, est devenu une pierre angulaire du sous-genre slacker rock. Rolling Stone l'a qualifié d'« album indie rock par excellence » et l'a inclus dans sa liste des 500 meilleurs albums de tous les temps.

Dans le Research Triangle de Caroline du Nord, la scène indie était dominée par des groupes signés chez Merge Records, notamment Superchunk, Archers of Loaf et Polvo. Ces groupes ont façonné un mouvement régional influencé à la fois par le punk hardcore et le post-punk. À cette époque, des médias tels que Entertainment Weekly qualifiaient Chapel Hill de « prochain Seattle ». Le single Slack Motherfucker de Superchunk a également été mis en avant par Columbia Magazine comme un hymne emblématique de l'indie rock des années 90 et un symbole du stéréotype slacker.

Au Royaume-Uni, l'essor de la Britpop reléguait de nombreux groupes de rock indépendant à l'arrière-plan. Menés par Blur, Oasis, Pulp et Suede, les groupes de Britpop se positionnaient initialement comme des alternatives underground, en réponse à la domination de la scène grunge américaine. Si la Britpop devait beaucoup de son style au rock indépendant et s'inscrivait dans cette lignée à ses débuts, de nombreux groupes rejetaient l'esprit anti-establishment qui caractérisait les débuts du genre. Au contraire, ils ont fermement ancré l'indie dans le mainstream, avec des groupes comme Blur et Pulp signant chez de grands labels.

Dans son essai Labouring the Point? The Politics of Britain in « New Britain », l'universitaire et politicienne Rupa Huq a fait valoir que la Britpop « a commencé comme une ramification de la scène musicale indépendante britannique, mais qu'elle a peut-être fini par la tuer, à mesure que l'indie et le mainstream convergeaient, effaçant l'élément contestataire qui avait autrefois défini la musique indie britannique ». Le journaliste musical John Harris fait remonter les origines de la Britpop au printemps 1992, lorsque le quatrième single de Blur, Popscene, et le premier single de Suede, The Drowners, sont sortis presque simultanément. « Si le Britpop a vu le jour quelque part, écrit-il, c'est dans la vague d'acclamations qui a accueilli les premiers singles de Suede : audacieux, triomphants et indéniablement britanniques. » Suede a été le premier d'une nouvelle vague de groupes axés sur la guitare, salués par la presse musicale britannique comme la réponse britannique au grunge de Seattle. Leur premier album éponyme est devenu le premier album le plus vendu de l'histoire du Royaume-Uni à l'époque.

Le premier album de Sunny Day Real Estate, Diary (1994), a contribué à l'émergence d'une nouvelle vague d'emo en fusionnant des thèmes émotionnels avec l'esthétique indie rock. Aux côtés de groupes tels que Piebald, The Promise Ring et Cap'n Jazz, la deuxième vague d'emo s'est éloignée de ses racines hardcore pour évoluer vers un genre plus mélodique et plus raffiné sur le plan structurel.

Cette nouvelle approche de l'emo a fait son entrée dans le mainstream au début des années 2000 avec des albums certifiés platine comme Bleed American (2001) de Jimmy Eat World et The Places You Have Come to Fear the Most (2001) de Dashboard Confessional. Une branche particulièrement influente de ce mouvement a émergé dans le Midwest, où des groupes comme American Football ont mélangé des sons de guitare scintillants et des éléments de math rock pour créer un son distinct. La popularité croissante de l'emo a également contribué à accroître la visibilité d'artistes « intermédiaires » comme Death Cab for Cutie, Modest Mouse et Karate, des groupes qui ne correspondaient pas exactement à l'emo ou à l'indie, mais qui prospéraient quelque part entre les deux.

Parallèlement, le collectif Elephant 6, composé d'Apples in Stereo, Beulah, Circulatory System, Elf Power, The Minders, Neutral Milk Hotel et The Olivia Tremor Control, a apporté une touche psychédélique à l'indie rock. Dans Gimme Indie Rock, l'auteur Andrew Earles attribue au collectif, en particulier à Neutral Milk Hotel avec On Avery Island (1996), le mérite d'avoir maintenu la pertinence artistique de l'indie à une époque où d'autres mouvements underground commençaient à s'estomper ou à se mainstreamiser.

L'indietronica (ou indie électronique) est apparue comme un autre point de fusion, mélangeant les structures du rock indépendant avec la production électronique — samplers, synthés, boîtes à rythmes et logiciels. Plutôt qu'un genre spécifique, l'indietronica décrivait un mouvement plus large au début des années 90 qui s'inspirait du krautrock, de la synth-pop et de traditions expérimentales comme le BBC Radiophonic Workshop. Parmi les groupes fondateurs figuraient les Britanniques Disco Inferno, Stereolab et Space, la plupart des artistes étant liés à des labels tels que Warp, Morr Music, Sub Pop ou Ghostly International.

Le space rock, autre branche de l'indie, s'inspire du rock psychédélique, des textures ambiantes et du style cosmique de Pink Floyd et Hawkwind. Lancé par Spacemen 3 dans les années 80, ce style s'est développé grâce à des groupes tels que Spiritualized, Flying Saucer Attack, Godspeed You! Black Emperor et Quickspace, combinant drone, atmosphère et structure indie.
 Alors que la Britpop s'estompait à la fin des années 90, le post-Britpop s'est taillé sa propre place dans le rock indépendant britannique. Vers 1997, la désillusion vis-à-vis de Cool Britannia s'est accrue et les groupes ont commencé à prendre leurs distances avec le label Britpop, même s'ils conservaient des liens stylistiques. Avec le déclin de la Britpop, de nouveaux groupes ont acquis une plus grande reconnaissance critique et publique. Urban Hymns (1997) de The Verve a été un succès mondial et a marqué l'apogée commerciale du groupe avant sa séparation en 1999. Radiohead, quant à lui, a connu un succès modeste avec The Bends (1995), mais a percé avec OK Computer (1997), suivi des albums Kid A (2000) et Amnesiac (2001), qui défiaient les genres et ont été largement acclamés.

Stereophonics a mélangé des influences post-grunge et hardcore sur des albums tels que Word Gets Around (1997) et Performance and Cocktails (1999), avant de s'orienter vers une écriture plus mélodique sur Just Enough Education to Perform (2001) et les albums suivants.

Feeder, à l'origine ancré dans le post-grunge américain, a trouvé un son plus lourd et plus radiophonique avec son single à succès Buck Rogers et l'album Echo Park (2001). Après la mort du batteur Jon Lee, le groupe s'est orienté vers une direction plus introspective avec Comfort in Sound (2002), qui est devenu leur album indie rock le plus vendu, donnant naissance à une série de singles à succès.

Le groupe de rock indépendant le plus dominant commercialement du nouveau millénaire a été Coldplay, dont les deux premiers albums, Parachutes (2000) et A Rush of Blood to the Head (2002), ont été certifiés multi-platine, consolidant leur place de superstars mondiales au moment de la sortie de X&Y en 2005. Par ailleurs, Chasing Cars de Snow Patrol (tiré de leur album Eyes Open sorti en 2006) est devenu le titre le plus diffusé à la radio britannique au XXIe siècle.

L'essor mainstream de l'indie rock : les années 2000

L'ascension fulgurante de l'indie rock dans les années 2000 a commencé avec The Strokes et leur premier album Is This It, sorti en 2001. S'inspirant de l'esprit des groupes des années 60 et 70 tels que The Velvet Underground et The Ramones, le groupe souhaitait, selon ses propres termes, « ressembler à un groupe du passé qui aurait voyagé dans le futur pour enregistrer un album ». Si l'album a atteint la 33e place aux États-Unis, il est resté dans les charts pendant deux ans et a fait son entrée à la 2e place au Royaume-Uni. À l'époque, le rock mainstream était dominé par le post-grunge, le nu-metal et le rap-rock, ce qui faisait du renouveau du rock garage brut des Strokes un contraste saisissant et une bouffée d'air frais.

Le succès du groupe a contribué à mettre en lumière d'autres groupes new-yorkais influencés par le vintage, notamment Yeah Yeah Yeahs, Interpol et TV on the Radio. Cette vague inspirée du garage comprenait également The White Stripes, The Vines et The Hives, qui ont rapidement été surnommés « les » groupes par les médias. Rolling Stone a immortalisé ce moment avec sa couverture de septembre 2002 déclarant « Le rock est de retour ! ».

L'élan donné par The Strokes a également déclenché un renouveau de la scène underground post-Britpop britannique, alors en déclin. Inspirés par leur son, de nombreux groupes britanniques ont commencé à revoir leur approche. Parmi les premiers à se démarquer, on peut citer Franz Ferdinand, Kasabian, Maximo Park, The Cribs, Bloc Party, Kaiser Chiefs et The Others. Mais The Libertines, formé en 1997, était considéré comme la réponse directe du Royaume-Uni aux Strokes. AllMusic les a décrits comme « l'un des groupes britanniques les plus influents du XXIe siècle », tandis que The Independent a noté : « The Libertines s'est lancé dans l'aventure avec l'intention de devenir un groupe de rock indépendant important, mais il n'aurait jamais pu prédire à quel point il allait marquer la scène. »

Mêlant les influences de The Clash, The Kinks, The Smiths et The Jam, The Libertines a créé un son caractérisé par des guitares métalliques et aiguës et des paroles sur la vie britannique, chantées avec un accent anglais indéniable. Leur style s'est rapidement répandu auprès de groupes tels que The Fratellis, The Kooks et The View, qui ont tous connu un grand succès commercial. Mais aucun groupe n'a eu plus d'impact que les Arctic Monkeys de Sheffield, l'un des premiers groupes à exploiter la puissance des réseaux sociaux pour se constituer une base de fans. Leur premier album, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, sorti en 2006, est devenu l'album le plus vendu de l'histoire des charts britanniques, après deux singles classés n° 1.

Cette vague de popularité a contribué à faire entrer des groupes traditionnellement underground dans le mainstream. Good News for People Who Love Bad News (2004) de Modest Mouse a fait son entrée dans le top 40 américain et a été nominé aux Grammy Awards. Bright Eyes a décroché deux singles n° 1 au classement Billboard Hot 100 Single Sales en 2004. Plans (2005) de Death Cab for Cutie a fait son entrée à la quatrième place aux États-Unis, est resté dans le classement Billboard pendant près d'un an, a été certifié disque de platine et a également été nominé aux Grammy Awards. Avec l'omniprésence soudaine de l'« indie » – de la musique à la mode en passant par le cinéma –, certains critiques ont commencé à affirmer que le terme avait complètement perdu son sens.

Pendant ce temps, les États-Unis ont connu une deuxième vague de groupes indie qui ont acquis une reconnaissance mondiale. Des groupes tels que The Black Keys, Kings of Leon, The Shins, The Bravery, Spoon, The Hold Steady et The National ont connu un succès tant critique que commercial. Le plus grand succès de ce groupe a été The Killers, formé à Las Vegas en 2001. Après avoir écouté Is This It, ils ont abandonné la plupart de leurs premiers morceaux et les ont réécrits en s'inspirant de The Strokes.

Leur premier single, Mr. Brightside, est devenu un véritable phénomène. En avril 2021, le titre avait passé 260 semaines (cinq ans) dans le classement des singles britanniques, soit plus longtemps que n'importe quelle autre chanson. En 2017, elle était apparue dans le classement 11 fois au cours des 13 dernières années, dont une série de 35 semaines qui a culminé à la 49e place en 2016-2017. Jusqu'à la fin de 2018, c'était la chanson indie rock la plus écoutée en streaming de l'histoire du Royaume-Uni et elle était encore téléchargée des centaines de fois par semaine jusqu'en 2017. En mars 2018, Mr. Brightside a franchi une nouvelle étape importante : 200 semaines cumulées dans le Top 100 britannique.

Le succès de groupes tels que The Strokes, The Libertines et Bloc Party a suscité un regain d'intérêt des grandes maisons de disques pour la scène indie rock, une tendance qui ne s'est que renforcée après le succès fulgurant des Arctic Monkeys. Dans les années qui ont suivi la sortie de Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, une multitude de nouveaux groupes ont fait leur apparition, notamment The Rifles, The Pigeon Detectives et Milburn. Beaucoup de ces groupes proposaient une version plus conventionnelle et édulcorée du son de leurs prédécesseurs.

À la fin de la décennie, les critiques ont commencé à qualifier cette vague de « landfill indie » (indie déchetterie), un terme inventé par Andrew Harrison du magazine Word pour décrire la surabondance de groupes de guitaristes indiscernables qui inondaient le mainstream. Dans un article de Vice publié en 2020, Johnny Borrell, le leader de Razorlight, a été qualifié d'« homme qui a défini, incarné et vécu le landfill indie ». Bien qu'il ait côtoyé l'énergie brute et le chaos mythique d'amour-haine des Libertines, Razorlight était considéré comme emblématique d'un groupe qui incarnait la surface, mais pas l'âme, du mouvement — « impressionnant de banalité », comme le disait l'article.
 Dans une chronique du Guardian de 2009, le journaliste Peter Robinson a déclaré que l'ère de l'indie landfill était officiellement révolue. Il a désigné The Wombats, Scouting for Girls et Joe Lean & the Jing Jang Jong comme les derniers clous du cercueil. « Si l'indie landfill était un jeu de Buckaroo, écrit-il, ces trois groupes auraient envoyé valdinguer toute cette monotonie radiophonique. »

L'indie rock commercial est finalement devenu le symbole de la saturation, de la marchandisation et de la perte d'originalité d'un genre qui était autrefois une alternative rebelle au mainstream.

Le succès continu de l'indie rock : des années 2010 à nos jours

Le succès commercial de l'indie rock s'est poursuivi dans les années 2010 avec des sorties majeures telles que The Suburbs (2010) d'Arcade Fire, Turn Blue des Black Keys (2014), Walls de Kings of Leon (2016) et Wonderful Wonderful des Killers (2017), qui ont tous deux atteint la première place du Billboard 200 aux États-Unis et du classement officiel des albums au Royaume-Uni. The Suburbs a même remporté le Grammy Award de l'album de l'année en 2011. D'autres artistes indépendants, tels que Florence and the Machine, The Decemberists et LCD Soundsystem, ont décroché la première place des singles aux États-Unis au cours de la décennie, tandis que des groupes comme Vampire Weekend, Bon Iver, Death Cab for Cutie, The Postal Service et Arctic Monkeys ont obtenu des ventes de platine.

Le troisième album de Vampire Weekend, Modern Vampires of the City (2013), a remporté le Grammy Award du meilleur album de musique alternative en 2014, et en 2019, le rédacteur de Consequence Tyler Clark l'a décrit comme « portant toujours haut les couleurs de l'indie rock dans le monde musical au sens large ». AM (2013) d'Arctic Monkeys est devenu l'un des plus grands albums indie rock de la décennie : il a fait son entrée à la première place au Royaume-Uni, s'est vendu à 157 329 exemplaires dès la première semaine et est devenu le deuxième album le plus vendu de l'année. Avec AM, le groupe est devenu le premier artiste d'un label indépendant à faire son entrée à la première place au Royaume-Uni avec ses cinq premiers albums. En juin 2019, AM avait passé 300 semaines dans le Top 100 des ventes d'albums au Royaume-Uni. L'album s'est également classé n° 1 en Australie, en Belgique (Flandre), en Croatie, en Slovénie, au Danemark, en Irlande, aux Pays-Bas, en Nouvelle-Zélande et au Portugal, et est entré dans le Top 10 dans plusieurs autres pays.

Aux États-Unis, AM s'est vendu à 42 000 exemplaires dès la première semaine et a fait son entrée à la sixième place du Billboard 200, devenant ainsi l'album des Arctic Monkeys le mieux classé aux États-Unis. En août 2017, l'album a été certifié disque de platine par la RIAA, avec plus d'un million d'unités vendues aux États-Unis. Au 14 avril 2023, tous les titres de l'album avaient été certifiés disque d'argent ou plus par la BPI, « Mad Sounds » étant le dernier à atteindre ce cap.

Arcade Fire

Au début des années 2010, The 1975 a commencé à fusionner le rock indépendant avec la pop, une décision qui a d'abord divisé les critiques. Le groupe a été nommé « pire groupe » aux NME Awards 2014, mais en 2017, il a remporté le prix du « meilleur groupe live ». Yasmine Summan, de la revue Alternative Press, a écrit que si l'on devait résumer les années 2013 et 2014 en un seul album pour les fans de musique indie et alternative, ce serait le premier album éponyme de The 1975. Dans The Guardian, le journaliste Mark Beaumont a rendu hommage au groupe pour avoir « fait entrer le rock indépendant dans le mainstream », comparant l'influence du chanteur Matty Healy à celle de Pete Doherty des Libertines. Pitchfork a également classé The 1975 parmi les groupes les plus influents de la musique depuis 1995.

Le succès du groupe a contribué à déclencher une vague d'artistes indie pop au style similaire, un mouvement que certains critiques ont surnommé « Healywave ». Parmi les noms notables, on peut citer Pale Waves, The Aces, Joan, Fickle Friends et No Rome. Parmi eux, Pale Waves s'est distingué sur le plan commercial. Leur premier album, My Mind Makes Noises, s'est classé n° 8 au Royaume-Uni, Who Am I? (2021) a atteint la 3e place et Unwanted (2022) la 4e place.

À peu près à la même époque, Wolf Alice s'est imposé comme un acteur majeur de la scène. Leur deuxième album, Visions of a Life (2017), a remporté le prestigieux Mercury Prize en 2018, et leur troisième, Blue Weekend (2021), a été nominé. Dans un article publié dans Dork en 2021, Martin Young a écrit : « On ne saurait trop insister sur l'importance de Wolf Alice. Ils ont été le catalyseur derrière presque tous les groupes brillants dont vous avez entendu parler dans Dork au cours des cinq dernières années. »

Albums et chansons indie rock emblématiques

Lorsque Buzzcocks a sorti Spiral Scratch en 1977, cet album est devenu le premier album indie au sens moderne du terme. Initialement pressé à seulement 1 000 exemplaires, le groupe et l'industrie ont été stupéfaits lorsque la demande les a contraints à en imprimer 15 000 de plus. Le succès de cet EP a marqué le début d'une communauté grandissante d'artistes engagés dans l'indépendance vis-à-vis du système des grandes maisons de disques.

Ten, de Pearl Jam, est un autre album indie marquant. Bien que plus souvent associé au grunge, Ten a joué un rôle majeur dans la définition du son de la scène de Seattle des années 1990 et a contribué à populariser le terme « grunge ». Comme beaucoup d'albums indie et alternatifs de l'époque, celui-ci a mis du temps à s'imposer, mettant environ un an à entrer dans le classement Billboard.

Sur le plan des paroles, le rock indépendant s'est toujours orienté vers la narration, souvent très personnelle et émouvante. Smells Like
Teen Spirit de Nirvana a su capturer l'angoisse et la confusion d'une jeunesse sous pression.

Say It Ain't So de Weezer racontait l'histoire d'une famille brisée par l'alcool, inspirée de l'enfance du chanteur Rivers Cuomo. Mr.
Brightside des Killers dépeignait de manière vivante la jalousie et le chagrin d'amour, avec un homme hanté par la pensée de perdre la femme qu'il aime au profit d'un autre.

Ces chansons, avec leurs émotions brutes et leurs expérimentations sonores, ont contribué à façonner le cœur du rock indépendant et continuent d'inspirer les nouvelles générations de musiciens.

L'avenir de l'indie rock

À mesure que la musique indie devient plus accessible et mainstream, nombreux sont ceux qui pensent que l'avenir de l'industrie musicale repose entre les mains des artistes indépendants. Avec moins de gardiens, les musiciens indie sont libres de repousser les limites, d'explorer de nouveaux sons et de développer leur propre identité selon leurs propres termes.

La nouvelle vague d'artistes d'aujourd'hui est souvent décrite comme « fluide » sur le plan des genres, brouillant les frontières entre le rock, la pop, le hip-hop et bien d'autres styles. Des artistes comme Dominic Fike et Declan McKenna incarnent cette évolution, créant une musique qui défie toute classification facile. À mesure que l'industrie musicale et ses auditeurs se diversifient et s'ouvrent davantage, le rock indépendant, sous toutes ses formes en constante évolution, est prêt à continuer de croître, de se façonner et de redéfinir ce que peut être la musique moderne.