Come fare musica

Fino a poco tempo fa, chiunque fosse interessato alla questione di come creare musica doveva comprendere che il processo stesso richiedeva un'attenta preparazione e pratica. L'assenza di plug-in e sequencer multitraccia rendeva necessario provare il materiale ripetutamente fino a renderlo quasi automatico. In studio, tutto doveva essere suonato in modo impeccabile, sincronizzato e senza errori.

Tuttavia, con l'avvento dei programmi per computer, i musicisti hanno acquisito la possibilità di registrare più take e modificare le tracce senza sforzo con pochi clic del mouse. Oggi è possibile produrre facilmente una canzone di successo comodamente da casa propria, come hanno dimostrato molti cantanti contemporanei attraverso le loro esperienze.

Quali sono i requisiti per creare musica?

Senza dubbio, uno studio professionale di alto livello vanta notevoli vantaggi in termini di attrezzature. Questi studi offrono in genere sale insonorizzate spaziose con un'acustica eccezionale, compressori ed equalizzatori di alta qualità, un'ampia selezione di microfoni, una console analogica, una sala di controllo ben attrezzata con più linee di monitoraggio e molto altro ancora.

Tuttavia, uno studio domestico ha i suoi vantaggi in termini di budget ed efficienza. Se stai creando musica elettronica utilizzando un computer e dei plug-in, non avrai bisogno di sale insonorizzate o di una moltitudine di microfoni. Dopotutto, non registrerai un'orchestra completa, una batteria o un pianoforte a coda. Tutto quello che devi fare è concentrarti sull'essenziale e iniziare. Quindi, di quali attrezzature hai bisogno per allestire uno studio di produzione domestico completo?

• Computer;
• Sequencer con plug-in;
• Interfaccia audio;
• Monitor;
• Cuffie;
• Microfono;
• Tastiera MIDI;
• Chitarra, basso (se suoni);
• Stanza insonorizzata;
• Rack e cavi.

Al giorno d'oggi non è più necessario installare gigabyte di software sul computer per comporre la propria musica. Con un sequencer come Amped Studio è possibile produrre musica direttamente nel browser web, poiché tutte le funzionalità, gli strumenti e i plug-in essenziali sono già inclusi. In questo sequencer online puoi trovare un editor audio, un editor MIDI, sintetizzatori, campionatori ed effetti di elaborazione. Pertanto, in realtà, un sequencer online ti consente di lavorare senza alcun software aggiuntivo.

Quali altre attrezzature non sono necessarie per fare musica? I monitor possono essere sostituiti con cuffie di alta qualità, eliminando la necessità di un trattamento acustico della stanza. Se non hai una tastiera MIDI, puoi semplicemente disegnare le note con una matita nell'editor MIDI. In Amped Studio, puoi persino disegnare interi accordi con un solo clic. Anche se un microfono è utile per registrare la voce, non è necessario.

Di conseguenza, tutto ciò che serve per fare musica è un computer, delle cuffie, un'interfaccia audio e una connessione Internet. Tuttavia, se non si dispone di monitor o microfono, è possibile rinunciare anche all'interfaccia audio. È possibile creare musica senza un computer? Al giorno d'oggi, questo è possibile grazie alla produzione musicale mobile su smartphone o tablet.

Quali sono i modi per creare musica senza utilizzare un computer?

Un sequencer online funziona all'interno di un browser web su un computer, laptop, tablet o smartphone, consentendo di utilizzare qualsiasi dispositivo mobile connesso a Internet per comporre musica. Questi programmi non hanno requisiti di sistema particolari e non richiedono il download di software, librerie di campionatori o strumenti virtuali e plug-in di effetti.

Il formato online semplifica il processo di composizione musicale, consentendo di catturare rapidamente le idee musicali, anche quando si è lontani dal computer con un sequencer. È sufficiente aprire il sito web sul proprio smartphone o tablet e annotare una melodia, un ritmo o un hook. In seguito, quando si torna al computer, è possibile finalizzare facilmente il proprio progetto.

Amped Studio, un sequencer online, è incredibilmente facile da usare e offre un'ampia gamma di funzioni per la composizione musicale. Funziona in formato multitraccia, registra audio e MIDI da fonti esterne e modifica clip audio e MIDI. Inoltre, fornisce una varietà di loop, campionatori e pattern MIDI e include strumenti virtuali e plug-in integrati. Con queste caratteristiche, è già possibile creare musica esclusivamente con il loro aiuto. Ecco un elenco delle attrezzature di base:

• Sintetizzatore;
• Campionatore;
• Drum machine ;
• Compressore;
• Equalizzatore;
• Delay;
• Reverbero;
• Horus;
• Distorsione.

Inoltre, Amped Studio consente di collegare VST da un computer, una funzionalità che in genere non è presente nei sequencer online. Offre inoltre una funzione esclusiva che converte una melodia cantata in una sequenza di note MIDI. Amped Studio consente inoltre a più utenti di collaborare allo stesso progetto da computer diversi, una funzionalità che non si trova comunemente nei programmi fissi.

Questo software è particolarmente utile per beatmaker, compositori e cantautori che desiderano creare musica in modo rapido ed efficiente. È eccellente anche per arrangiare musica, e i cantanti, i chitarristi e i tastieristi troveranno particolarmente utile la funzione di registrazione del suono. Anche i tecnici del mixaggio possono sfruttare le capacità di Amped Studio per bilanciare le tracce e applicare effetti.

È necessario avere conoscenze di teoria musicale per creare musica?

Potrebbe deluderti, ma avere una certa conoscenza della teoria musicale è essenziale per un musicista. Tuttavia, la buona notizia è che non è necessario memorizzarla tutta. Man mano che ti immergi nel mondo musicale, acquisirai familiarità con i suoi concetti e le sue leggi in modo naturale. Anche se non hai familiarità con la terminologia, ciò non ti impedisce di creare una melodia. Alcuni musicisti hanno imparato le tecniche e possono rapidamente elaborare idee interessanti senza conoscerne i nomi tecnici.

Quando fai musica, devi distinguere tra scale maggiori e minori (e altri modi), intervalli, indicazioni di tempo, accordi e così via. Potresti essere in grado di distinguere le atmosfere evocate da una quarta o una sesta, anche se non conosci i loro nomi. Non è necessario conoscere alcun termine. Se riesci a indicare il tempo con un numero, ad esempio 120 bpm, perché dovresti ricordare il significato di "adagio", "moderato", "allegro" ecc.?

Molti si chiedono se sia possibile fare musica senza conoscere la notazione musicale. In realtà, è difficile trovare un produttore musicale che utilizzi la notazione musicale nel proprio lavoro e posizioni i punti con le bandierine sul pentagramma. La lettura veloce a prima vista è utile solo per i musicisti d'orchestra, ma non per i compositori e gli arrangiatori. Tuttavia, la conoscenza può rendere il tuo lavoro più facile, veloce e interessante.

Alcune persone compongono musica in modo casuale, scegliendo le note a orecchio. Anche questo è un metodo, ma chi ha familiarità con il cerchio delle quarte e delle quinte, gli intervalli, i tasti, la disposizione dei diesis e dei bemolle in diverse tonalità, può facilmente immaginare tutte le note nella propria testa e trovarle rapidamente sulla tastiera o sul manico. Quando un musicista manca di ispirazione, può affidarsi alla logica e alla conoscenza, ma questo non dovrebbe mai rallentarlo. La pratica dovrebbe sempre venire prima di tutto.

Quali sono gli elementi che compongono una canzone?

La maggior parte delle canzoni contemporanee pensate per un vasto pubblico sono costruite utilizzando strutture ripetitive. Non è necessario ideare arrangiamenti complicati e trame contorte come nei romanzi gialli per creare musica per canzoni, tranne nei casi di opere liriche o classiche. Di seguito sono elencati i componenti principali di una canzone tipica:

• Introduzione (Intro);
• Distico (strofa);
• Entrata nel ritornello (Pre-ritornello);
• Ritornello;
• Playback (Bridge);
• Culmine (parte centrale, crescendo);
• Intercambio (Drop, Assolo);
• Conclusione (Outro, Coda).

La composizione musicale non segue sempre un codice o una formula rigida. Non tutti i brani devono necessariamente includere un climax o seguire una determinata struttura. Alcune canzoni possono terminare con un assolo o un ritornello, mentre altre ripetono solo una strofa e un ritornello con un arpeggio continuo in loop come accompagnamento. Anche l'inserimento del ritornello non è sempre necessario. Nonostante ciò, è importante prestare particolare attenzione a tutti gli elementi della composizione.

Introduzione. Per comporre musica non esistono regole rigide da seguire. Alcune canzoni popolari iniziano con una strofa, mentre altre iniziano con un ritornello. La struttura standard di una canzone di solito include un'introduzione, un bridge e una coda. L'introduzione può ripetere la melodia del ritornello, un motivo specifico o uno dei hook, ma può anche essere completamente originale.

Parte principale. L'approccio convenzionale alla composizione musicale consiste semplicemente nell'alternare strofe e ritornelli, ripetendo di solito ogni sezione due o tre volte. Tuttavia, è importante incorporare comunque dinamismo e drammaticità. Le strofe dovrebbero essere più sobrie, narrative e dirette, spesso cantate in un registro più basso per preparare il terreno all'evento principale. L'evento principale è il ritornello, che dovrebbe essere più dinamico, vibrante, forte, melodico e riccamente arrangiato con note più alte. In sostanza, l'intera canzone conduce al ritornello.

Pre-ritornello. Il pre-ritornello è una componente spesso trascurata nella creazione musicale. Tuttavia, incorporare un pre-ritornello può aumentare la drammaticità e rendere la musica più intrigante. Il pre-ritornello altera l'atmosfera della strofa e crea un'atmosfera più intensa. Funge da ponte tra la parte tranquilla e la parte esplosiva della canzone, preparando l'ascoltatore al cambiamento. È simile a un semaforo giallo, che indica che sta per accadere qualcosa di eccitante.

Build-up. Questo metodo può migliorare lo sviluppo drammatico di un brano musicale. Crea un momento di calma, un rallentamento e un cambiamento di atmosfera. In alcuni casi, la parte di batteria può essere omessa, mentre la melodia vocale subisce tipicamente un cambiamento. Ci sono varie possibilità per questa sezione, tra cui il passaggio dal minore al maggiore, l'alterazione del ritmo, la creazione di un breakdown o la transizione a una tonalità diversa. Tuttavia, è anche possibile rinunciare completamente a questa parte.

Assolo o drop. Quando si scrive musica con la chitarra, è importante evitare assoli infiniti. Tenete presente che c'è un punto specifico in cui la chitarra solista brillerà. Gli stili elettronici in genere non hanno assoli, ma hanno dei drop in cui la musica passa da una sezione calma o lenta a un ritmo dance potente con sintetizzatori pesanti. A questo punto, può esserci un rap o semplicemente una ripetizione della strofa.

Coda. In genere, la parte finale della composizione musicale viene spesso trascurata. A questo punto, puoi reintrodurre il bridge, portare l'assolo al culmine o ripetere il ritornello per creare una conclusione per la canzone. La scelta è tua. Hai l'opportunità di creare un finale memorabile realizzando una sezione finale unica e creativa.

Ponti e interruzioni. Creare musica che passi senza soluzione di continuità da una parte all'altra può essere difficile e non tutti gli ascoltatori potrebbero apprezzarlo. Può essere efficace includere una breve pausa o un intermezzo dopo un ritornello potente, come una progressione di accordi o un assolo nel ponte. Spesso vengono aggiunti drum fill, hook o piccoli cambiamenti armonici all'interno di ogni sezione per rendere la canzone più interessante e coinvolgente.

Lo sviluppo è uno dei principi fondamentali della creazione musicale. È vero che molte canzoni sono costituite da parti ripetitive, ma ciò non significa che debbano essere monotone. Ogni parte, compreso il secondo verso e il ritornello, dovrebbe comunque presentare un'evoluzione o una variazione rispetto alla precedente per mantenere l'interesse. Ciò può essere ottenuto aggiungendo nuovi elementi o cambiando alcune cose. Infatti, l'ideale è introdurre qualcosa di nuovo ad ogni battito per mantenere vivo l'interesse dell'ascoltatore.

Come puoi creare varietà nella tua musica quando si tratta di strofe? Puoi aggiungere uno strumento melodico con contrappunto alla seconda strofa, includere percussioni, cori o una seconda chitarra, addensare il basso, regolare leggermente il charleston, cambiare l'arpeggio della chitarra, inserire un fill pad o far suonare al basso dei fill extra. Queste tecniche possono essere applicate anche al ritornello.

Non è necessario utilizzare tutti questi trucchi contemporaneamente. Ci sono infinite possibilità per creare musica interessante e inventare qualcosa di nuovo è l'essenza della creatività. Più le tue idee sono originali e innovative, meglio è. Tuttavia, anche la ripetizione è essenziale per far sì che la tua canzone rimanga impressa nella mente dell'ascoltatore.

Il processo di creazione musicale richiede un equilibrio tra l'uso di tecniche collaudate e la sperimentazione di nuove tecniche. Implica la creazione di aspettative e poi il loro sovvertimento per mantenere vivo l'interesse dell'ascoltatore. La ripetizione crea un effetto ipnotico che attira l'ascoltatore, ma rompere questo schema può sorprenderlo ed emozionarlo. In definitiva, si tratta di controllare l'esperienza dell'ascoltatore attraverso un uso attento della ripetizione e della variazione.

Strumentazione e arrangiamento. Da un punto di vista dinamico, abbiamo esplorato come comporre musica considerando gli strumenti e i gruppi strumentali in modo sincronizzato. Ogni canzone ha un insieme unico di strumenti che suonano durante tutta la composizione, e il nucleo della canzone non dovrebbe essere alterato, altrimenti risulterà disarticolato. Quindi, in cosa consiste questo nucleo?

La strumentazione di una canzone può essere suddivisa in diversi componenti chiave, tra cui:

• Strumento principale, che può essere la voce o un synth solista, e funge da punto focale della canzone;
• La sezione ritmica, composta da batteria e basso, che fornisce il groove e il ritmo di base della musica;
• Strumenti di supporto, che possono includere chitarra ritmica, pianoforte, organo o altri strumenti che forniscono supporto armonico e ritmico;
• Secondo strumento solista, che può essere una chitarra solista, un synth solista che interagisce con lo strumento principale o un altro strumento melodico utilizzato per il drop o altre sezioni;
• Filler, che includono pad, effetti, percussioni e altri elementi che aggiungono consistenza e atmosfera alla musica.

Per scrivere musica piacevole e coesa, tutte le parti devono essere costruite nella stessa tonalità e la dissonanza dovrebbe essere evitata. Se due strumenti suonano contemporaneamente intervalli dissonanti come tritoni o settime, il risultato può essere sgradevole all'orecchio. Tuttavia, se suonati da un singolo strumento in uno stile e un contesto specifici, questi intervalli possono suonare benissimo. Inoltre, dovrebbe essere evitata la confusione ritmica.

Fare musica implica intrecciare linee strumentali, limitate solo dall'immaginazione del compositore. Il dialogo e la melodia comune tra gli strumenti, così come il suono all'unisono, sono tecniche comuni, specialmente tra chitarra e basso. Per creare un ritmo chiaro, tutti gli elementi dovrebbero essere regolati in modo da corrispondere al ritmo, con il basso che spesso ripete parzialmente la melodia vocale e la batteria che guida il ritmo.

Attenersi alle norme stilistiche quando si scrive musica è importante, ma c'è sempre spazio per la sperimentazione. Ad esempio, il basso funk è noto per l'uso della sincopazione, mentre nel metal un riff ripetitivo forma il pattern della canzone al posto degli accordi.

Comprendere la teoria musicale è essenziale per una composizione efficace, ma è importante apprenderla nel contesto dell'uso pratico. Termini tecnici come "sincope", "battuta debole", "settima" e "contrappunto" potrebbero richiedere chiarimenti, ma padroneggiarli attraverso una pratica deliberata è la chiave per conservare la conoscenza.

Come viene creata la canzone?

Ancora oggi, scrivere musica rimane un compito impegnativo. Per la persona media, l'aspetto più magico, complesso e cruciale del processo è la composizione stessa. Questo potrebbe essere vero per gli autori che non producono la loro musica in modo indipendente. Tuttavia, in realtà, prima che una canzone venga rilasciata a un vasto pubblico, subisce diverse fasi di perfezionamento. Ci sono diversi passaggi coinvolti nel perfezionamento di un'idea grezza:

• Scrittura della canzone;
• Arrangiamento;
• Registrazione del suono;
• Montaggio;
• Mixaggio;
• Masterizzazione.

In uno scenario ideale, il processo di creazione musicale coinvolge diversi ruoli: l'autore scrive la musica, l'arrangiatore si occupa dell'arrangiamento, il tecnico del suono gestisce la registrazione, l'assistente tecnico del suono si occupa del montaggio, il tecnico del mixaggio si occupa del mixaggio e, infine, il tecnico del mastering dà gli ultimi ritocchi. Tuttavia, nella realtà, spesso l'autore arrangia le proprie canzoni e un solo tecnico del suono può essere responsabile della registrazione, del montaggio e del mixaggio.

Scrittura delle canzoni. La persona che crea la composizione musicale è conosciuta come autore. L'autore è responsabile della creazione della melodia vocale e dell'accompagnamento di base al pianoforte o alla chitarra. In questa fase, un'altra persona può occuparsi della scrittura del testo. Una volta stabilite le basi della canzone, l'autore invia solitamente la bozza a un arrangiatore esperto per un ulteriore perfezionamento.

Arrangiamento. In realtà, la parte più magica della creazione musicale avviene durante la fase di arrangiamento. L'arrangiatore è responsabile della selezione degli strumenti, della finalizzazione delle armonie, dello sviluppo delle idee musicali, della creazione di transizioni e hook. È solo dopo che l'arrangiamento è stato completato che la musica prende davvero vita in tutto il suo splendore.

Registrazione del suono. Come minimo, una volta completato l'arrangiamento, è necessario registrare le voci pulite. Se avete scritto musica con strumenti dal vivo, dovrete anche registrare batteria, chitarre, violini, trombe, pianoforte a coda e qualsiasi altro strumento che l'arrangiatore ha incluso nella canzone. Ciò richiede sia musicisti che uno studio di registrazione.

Editing. La quantizzazione delle parti MIDI è un processo semplice, ma gestire le tracce microfoniche può essere impegnativo. Anche se si lavora solo con registrazioni vocali, è necessario selezionare con cura le take, regolarne il timing e il volume, correggere eventuali problemi di intonazione e rimuovere rumori indesiderati come clic, pop e suoni di fondo.

Mixaggio. Una volta che tutte le tracce sono state perfezionate, il tecnico del suono inizia a lavorarci. Regola i livelli di volume, utilizza equalizzatori, compressori, saturatori e riverberi per elaborare le tracce. Anche questo è un processo che richiede tempo e, a volte, il mixaggio può essere impegnativo quanto la composizione della musica.

Masterizzazione. Quando il tecnico del suono ha finito di lavorare con più tracce, il tecnico di masterizzazione riceve un unico file: il mix completato. Il suo compito è quello di perfezionare il suono con l'aiuto di monitor di alta gamma, attrezzature di alta qualità e una sala con un trattamento acustico ideale.

Promozione. Sebbene questa fase non implichi il processo di scrittura della musica in sé, è altrettanto cruciale. È essenziale stanziare un certo budget per la pubblicità, le campagne promozionali e il rilascio della canzone sulle piattaforme di streaming. Senza una promozione adeguata, anche un potenziale grande successo potrebbe passare inosservato. Pertanto, è essenziale tenerlo a mente mentre si lavora sulla musica.

Alcuni consigli da ricordare

1. Non lasciate che la teoria vi freni . Iniziare a scrivere musica è semplice se non vi lasciate bloccare dal pensiero di non sapere abbastanza o di non avere le competenze necessarie. Usate la teoria solo quando necessario e fatevi riferimento quando sentite di aver bisogno di maggiori conoscenze;
2. Analizza le tue canzoni preferite . Un ottimo modo per migliorare le tue capacità di scrittura musicale è analizzare i successi. Comprendendo la logica alla base delle canzoni di successo, puoi imparare a scrivere come un professionista. Scomponi i brani popolari e prova a replicarli, prendendo nota delle soluzioni interessanti. Fare riferimento a canzoni di successo può essere utile anche quando lavori al tuo materiale;
3. Cerca di essere originale . Molte persone credono che i creatori di musica di successo seguano alcune regole universali. Tuttavia, se esamini alcuni successi senza tempo, scoprirai che ognuno di essi ha un suo sapore unico. Pertanto, non aver paura di sperimentare e cerca di inventare qualcosa che affascini il pubblico con la sua originalità;
4. Seguite le tendenze . Considerate l'idea di esplorare le preferenze del pubblico odierno per creare musica che avrà successo. Sebbene sia importante rimanere fedeli al proprio stile musicale, potreste trovare ispirazione scoprendo ciò che risuona con gli ascoltatori nel mercato odierno;
5. Scrivi musica con facilità . Non impantanarti troppo a lungo nell'arrangiamento musicale. Cerca di completarlo rapidamente ed evita di rimanere bloccato nel processo. Molti musicisti lottano con demo incompiute perché si lasciano prendere dal tentativo di renderle perfette. È importante sapere quando dare la priorità al completamento piuttosto che al perfezionismo.

Il consiglio più importante è quello di agire. Non aspettare di avere una perfetta comprensione della teoria musicale, di acquistare attrezzature o plugin costosi. La pratica e l'esperienza ti insegneranno più di qualsiasi conoscenza teorica o strumento.

Se non hai monitor da studio, usa le cuffie. Se non puoi permetterti un software, usa il sequencer gratuito. Oggi puoi iniziare a fare musica online semplicemente accendendo il computer. Alla fine acquisirai l'attrezzatura che desideri, ma nel frattempo concentrati sull'uso di ciò che hai per sviluppare le tue capacità. Chissà, potresti già essere un grande produttore quando avrai l'attrezzatura dei tuoi sogni. Dipende tutto da te.