Struttura della canzone

Le idee del compositore sono di per sé solo la base per la futura composizione, una sorta di struttura su cui devono essere posizionati gli elementi principali. Il vero lavoro inizia con l'arrangiamento: trasforma una serie di idee musicali in un'opera completa in grado di affascinare l'ascoltatore e guidarlo attraverso tutte le idee dell'autore. Più questo percorso musicale è interessante e piacevole, più è probabile che l'ascoltatore voglia tornare ad ascoltare questa canzone più e più volte.

Un arrangiamento può essere paragonato a una mappa da cui nasce una canzone. Questa mappa include spesso soluzioni e percorsi collaudati nel tempo che compositori e arrangiatori utilizzano più volte. Ciò non significa che affrontino la questione in modo stereotipato, al contrario: queste strutture e formule sono state testate da molti successi e continuano a funzionare, contribuendo a creare nuovi capolavori musicali.

Struttura tipica di una canzone nella musica popolare

Per capire come funziona una struttura tipica di una canzone, è importante comprenderne le parti fondamentali. In genere, una canzone è composta dai seguenti otto elementi:

• Introduzione/Intro;
• Strofa;
• Pre-ritornello/Bridge;
• Ritornello;
• Post-ritornello/Tag;
• Interludio;
• Pausa;
• Outro.

Non tutte queste parti sono necessariamente presenti in ogni composizione e alcune possono essere ripetute più volte a seconda dell'intenzione del compositore e del significato che esse trasmettono.

Intro

L'intro di una canzone è la parte che per prima raggiunge l'ascoltatore. Il suo scopo principale è quello di preparare il pubblico alla composizione e condurlo dolcemente al primo verso. La percezione complessiva dell'intera canzone dipende in gran parte da quanto l'intro sia interessante ed emozionante. Se l'intro attira immediatamente l'attenzione, la probabilità che l'ascoltatore ascolti il brano fino alla fine aumenta in modo significativo.

A meno che non si lavori nei generi progressive rock o math metal, è bene evitare di rendere l'intro troppo lunga, per non stancare l'ascoltatore.

In termini di contenuto, l'intro può essere varia: tutto dipende dalla creatività dell'autore. Può consistere in uno o due elementi del brano principale, come la melodia e la batteria o il basso e le tastiere, oppure ripetere la struttura del ritornello. Anche la lunghezza dell'intro varia a seconda dell'idea del compositore, ma di solito dura 2, 4 o 8 battute.

Verso

La strofa è la parte semantica centrale di qualsiasi canzone, dove viene rivelato il testo principale e viene trasmesso il messaggio informativo della composizione. La strofa non solo trasmette l'idea principale, ma prepara anche l'ascoltatore alle parti successive della canzone.

A differenza del ritornello o del bridge, il testo della strofa di solito cambia da una all'altra, aggiungendo varietà e profondità alla narrazione. Tuttavia, non è necessario attenersi rigorosamente a questa regola: nella storia della musica ci sono molte canzoni meravigliose in cui le strofe sono semplici e ripetitive, ma allo stesso tempo rimangono efficaci e memorabili.

Un esempio di struttura e arrangiamento di una canzone potrebbe essere il seguente: la composizione inizia con un'introduzione, seguita da due strofe, poi quattro ritornelli ripetuti, seguiti da un assolo o da un intermezzo strumentale, e la canzone termina con una conclusione. La durata del brano è di circa 3 minuti e 30 secondi, il che consente una composizione ricca e dinamica che cattura l'attenzione dell'ascoltatore dall'inizio alla fine.

Pre-ritornello/Bridge

Il bridge, noto anche come pre-ritornello, funge da collegamento tra la strofa e il ritornello. Poiché il ritornello è solitamente la parte più memorabile ed emozionante della canzone, il bridge aiuta ad ammorbidire la transizione dalla strofa al ritornello riducendo il contrasto tra i due.

Se l'armonia della strofa e del ritornello si basa sugli stessi accordi, il bridge può aggiungere varietà cambiando la progressione degli accordi e aggiungendo nuovi elementi musicali. Dal punto di vista dell'ascoltatore, il pre-ritornello rende la composizione più interessante e dinamica, preparando il climax nel ritornello.

Ritornello (Refrain)

Il ritornello è una delle parti culminanti della canzone, che dovrebbe essere memorabile ma non invadente. È ottimale includere nella composizione 2-4 ritornelli di varia lunghezza. Poiché il ritornello è la parte più ripetuta del brano, concentra le idee principali del testo e della musica, e contiene anche il messaggio principale della canzone e il gancio musicale che attira l'attenzione dell'ascoltatore.

È importante non sovraccaricare la composizione con ritornelli ripetuti. Dopotutto, stiamo creando qualcosa di unico, e non un tipico successo che attira l'attenzione solo per la sua invadenza.

Di norma, il primo ritornello è composto da 8 battute, creando una singola ripetizione. Il secondo ritornello può raddoppiare, occupando 16 battute e includendo piccole modifiche per mantenere l'interesse. Il ritornello finale, che appare alla fine della canzone, può variare da 16 a 32 battute. Tuttavia, per esperienza, è meglio limitarsi a un numero minore di ritornelli alla fine della composizione, al fine di mantenere la sua dinamica e l'interesse dell'ascoltatore.

Post-ritornello/Tag

A volte l'ultima riga di un ritornello può estendersi oltre le battute a essa assegnate, il che può essere un problema, soprattutto se il testo della sezione successiva della canzone, come una strofa, inizia con un pickup. Per evitare la sovrapposizione delle parole e garantire una transizione fluida tra le sezioni della composizione, i compositori e gli arrangiatori aggiungono spesso una pausa di 2-4 battute. Ciò consente al cantante di fare una breve pausa prima di continuare la canzone e rende la narrazione musicale più fluida.

Il post-ritornello, come il pre-ritornello, può assumere qualsiasi forma: da una ripetizione di elementi del ritornello o un'introduzione con un semplice canto dei coristi a una pausa strumentale o una variazione della melodia principale. Tutto dipende dall'intento creativo dell'arrangiatore e del compositore, nonché dall'atmosfera che vogliono creare nella canzone.

Cos'è la musica popolare?

Quando si parla di musica popolare, spesso c'è confusione e molti credono che si tratti esclusivamente di musica pop. Tuttavia, questo è un malinteso. I termini "musica popolare" e "musica pop" non sono sinonimi e si riferiscono a generi musicali diversi.

La musica pop si riferisce a un genere specifico caratterizzato da facilità di percezione, melodie semplici e attenzione al grande pubblico.

Allo stesso tempo, il termine "musica popolare" copre una vasta gamma di stili musicali che sono popolari presso un vasto pubblico, ma non sono necessariamente associati al genere pop. Ciò include rock, fusion, rhythm and blues, industrial, disco, rock and roll, reggae, nu metal, alternative e molti altri stili. Pertanto, la musica popolare è una varietà di stili rivolti al grande pubblico.

Bridge (Middle 8)

Nella musica occidentale, il bridge verso la fine di una canzone è spesso chiamato Middle 8, che letteralmente significa "otto centrale". A volte i musicisti chiamano anche il bridge Middle 8. Questa parte della composizione è solitamente destinata alla sezione strumentale: qui si possono ascoltare assoli o parti e melodie alterate, che aggiungono dinamismo e varietà.

Lo scopo principale del Middle 8 è quello di creare un climax nella composizione prima dell'ultimo ritornello o break. Durante tutta la canzone, la dinamica e l'energia aumentano gradualmente, raggiungendo il loro apice in questo bridge. Come suggerisce il nome, la sua lunghezza è solitamente di 8 battute, anche se sono disponibili versioni più lunghe.

Break

Dopo l'intro, a volte viene inserita una breve pausa, chiamata break (dall'inglese Break - interruzione, pausa). Il break serve a dare all'ascoltatore una breve tregua. La saturazione costante della composizione può essere stancante e il break aiuta a bilanciare l'energia della canzone.

La presenza di un break e di un'introduzione dipende dal contesto. Se la composizione ha un assolo, è logico utilizzare un break tranquillo per creare un contrasto. Tuttavia, nessuno vieta di aggiungere un'altra introduzione strumentale o vocale dopo l'assolo o addirittura di tornare alla strofa.

La pausa è solitamente minimalista e si basa sugli stessi accordi e sulla stessa melodia del ritornello. A volte può fungere da piccolo pre-ritornello prima del ritornello finale. La durata della pausa varia da 4 a 16 battute.

Outro

L'outro o outro è la parte finale della canzone. Può riecheggiare l'intro o essere il suo completo opposto. L'outro può essere costituito da diverse ripetizioni del ritornello con un graduale dissolvenza (Fade Out) o essere completamente unico e diverso dalle altre parti della composizione.

È importante non prolungare troppo l'outro: se è troppo lungo, l'ascoltatore potrebbe stancarsi e iniziare a pensare: "Quando finirà?". La natura dell'outro dipende dalla natura dell'intera canzone. Nei brani energici, può essere appropriato terminare la composizione ripetendo i ritornelli, mentre nelle ballate si possono usare altri accordi per creare un accento finale. In definitiva, la scelta dell'outro spetta al compositore.

La struttura finale di una canzone nella musica popolare

La canzone può essere visualizzata come un grafico, in cui il movimento della musica e le sue dinamiche assomigliano a una parabola, con alternanza di aumenti e diminuzioni di tensione.

Durante tutta la composizione, l'energia musicale aumenta gradualmente, raggiunge il suo apice nel climax e poi diminuisce dolcemente verso la fine, creando una conclusione armoniosa. Tale grafico mostra chiaramente come la musica conduca l'ascoltatore attraverso picchi e valli emotivi, rendendo ogni parte della canzone significativa e interconnessa.

Parte della canzone	Possibile durata
Intro	2-8 battute
Strofa	8-32 battute
Pre-ritornello/Bridge	2-16 battute
Ritornello	8-16 battute
Post-ritornello/Tag	2-4 battute
Ponte	8 battute (a volte 16)
Pausa	4-16 battute
Outro	2-4 battute

Non dovresti rendere tutte le parti della futura canzone ugualmente lunghe, ad esempio 32 battute ciascuna: ogni elemento della composizione ha una sua lunghezza ottimale che dovrebbe essere presa in considerazione. Ogni canzone è unica e richiede un approccio individuale, quindi è importante non sovraccaricare l'arrangiamento e non cercare di includervi tutti i possibili elementi. Una distribuzione equilibrata delle parti manterrà l'interesse dell'ascoltatore e creerà una struttura armoniosa della composizione.

Struttura tipica di una canzone nella musica elettronica

A differenza della musica popolare, la struttura dei brani elettronici ha caratteristiche proprie. Uno dei motivi è l'influenza dei formati radiofonici, in cui i brani devono adattarsi a un determinato tempo di trasmissione, il che esclude l'uso di mix infiniti.

Inoltre, l'arrangiamento della musica dance ed elettronica dovrebbe garantire il comfort dei ballerini. Sezioni lunghe in tali brani si alternano a sezioni brevi per dare ai ballerini la possibilità di riposarsi. In genere, una composizione dance è composta da sette parti fondamentali:

• Beat introduttivo;
• Breakdown;
• Build-up;
• Drop;
• Pausa centrale;
• Secondo drop;
• Battito finale.

Un esempio di tale struttura tipica è il brano "United We Dance" di Vicetone, che illustra bene come sono costruiti esattamente gli elementi nella musica elettronica, dance e da discoteca.

Si tratta di una sezione composta da sedici o più battute di batteria o percussioni. Le caratteristiche dell'intro nella musica elettronica sono il minimalismo nell'uso degli strumenti, l'enfasi sul ritmo e l'apparizione graduale e senza fretta della melodia principale. Lo scopo principale del beat dell'intro è quello di fornire al DJ l'opportunità di mixare in modo fluido e accurato il nuovo brano con quello precedente, mantenendo l'armonia della scaletta.

Breakdown

Il breakdown è il momento in cui la composizione ritorna ai suoi elementi principali. In questa sezione, la batteria è spesso completamente assente, creando più spazio per altri componenti musicali. Il breakdown di solito include la linea melodica principale del brano, che si intensifica gradualmente e viene ricoperta da strumenti aggiuntivi, aumentando la densità del suono. La durata del breakdown può variare da 16 a 32 battute o più.

Build-up

Il build-up serve come preparazione al ritornello, simile al pre-ritornello nella musica popolare. Questa sezione della composizione crea gradualmente tensione grazie all'accelerazione delle parti di batteria e all'uso dei riser, suoni di sintetizzatore che aumentano gradualmente di volume e tonalità, diventando l'elemento centrale dell'arrangiamento.

Drop

Il drop è il culmine di un brano, simile al ritornello nella musica popolare. Ha lo scopo di lasciare un'impressione forte sull'ascoltatore con groove potenti, un basso martellante, un beat denso e un hook di sintetizzatore brillante, che è il tema musicale principale dell'intero brano.

Pausa centrale

Il middle break è la parte centrale della composizione, che contiene elementi musicali unici che non vanno oltre la melodia principale. Questa sezione è spesso utilizzata per passare gradualmente al successivo build-up, che di solito è più breve del primo. Il middle break può essere una variazione sul tema del primo breakdown o drop, ma spesso differisce dalle altre parti del brano, apportando nuove idee e cambiamenti al suono.

Questo brano inizierà con un ritornello, creando subito l'atmosfera e l'energia giuste. Seguiranno poi due strofe diverse, ognuna delle quali apporterà nuovi elementi e varietà alla storia della canzone. A metà della composizione, verrà inserito un assolo o un intermezzo strumentale per aggiungere dinamismo e profondità al suono. Il brano si concluderà con diversi tag, brevi intermezzi che seguono immediatamente il ritornello, che ne esalteranno l'effetto e fisseranno nella memoria dell'ascoltatore le idee musicali chiave della composizione.

Secondo drop

Il secondo drop ha solitamente una struttura e un'energia simili al primo, ma include alcune modifiche che aggiungono varietà alla composizione. Queste differenze possono essere sotto forma di un hook diverso, una nuova linea di basso o un beat modificato, che contribuiscono a rinfrescare il suono e a mantenere vivo l'interesse dell'ascoltatore.

Outro Beat

Simile all'intro beat, l'outro beat svolge un ruolo importante nella musica dance, aiutando il DJ a mixare fluidamente il brano finale con quello successivo nel set. Questo è il motivo per cui questa parte della composizione è spesso la più lunga, fornendo lo spazio necessario per la transizione.

Struttura della canzone di outro nella musica elettronica

Per adattarsi al formato radiofonico, le versioni originali dei brani da discoteca, che possono durare dai 5 ai 10 minuti, vengono modificate. Di conseguenza, tutte le parti della composizione vengono accorciate in modo che il brano finale non superi i 3-4 minuti. Ciò consente una struttura più compatta, simile a quella di una canzone pop standard, pur mantenendo gli elementi chiave e l'energia dell'originale.

Parte della canzone	Lunghezza possibile
Intro Beat	da 16 battute
Breakdown	16-32 battute
Build-up	16-32 battute
Drop	16 battute
Pausa centrale	16-32 battute
Seconda caduta	16-32 battute
Outro Beat	da 16 battute

Forme di struttura di base della canzone: ABA, AABA, AAA e ABABCB

Quando pianificano un arrangiamento, i compositori e gli arrangiatori ricorrono spesso a una delle quattro forme comuni: ABA, AABA, AAA e ABABCB.

La forma ABA è la struttura musicale più popolare. Quando si parla del modello standard strofa-ritornello-strofa, solitamente si intende la forma ABA. Una caratteristica di questa forma è la presenza di due sezioni identiche (A) e una sezione contrastante (B). Il contrasto nella sezione B è creato cambiando l'armonia, la tonalità, il ritmo o l'atmosfera generale della musica. Nella forma ABA, le sezioni A e B possono essere qualsiasi parte della canzone: strofe, ritornelli, ponti o assoli.

Verso 1 (A)	Ritornello 1 (A)	Ritornello (B)	Interludio (B)	Verso 2 (A)	Ritornello 2 (A)

Ritornello 2 (A)	Verso 1 (A)	Pausa (B)	Pre-ritornello (B)	Ritornello 3 (A)	Verso 2 (A)

Un ottimo esempio di forma ABA è il classico jazz "I Got Rhythm" di George Gershwin. In questa composizione, le sezioni A sono suonate in chiave di Si bemolle, con due accordi per battuta, il che conferisce alla musica energia e dinamismo. Nella sezione B, la chiave cambia, il ritmo rallenta - un accordo si estende su due battute e la musica diventa meno dinamica, creando un contrasto con le sezioni A.

La forma AABA è uno sviluppo dello schema ABA. In questa struttura, la sezione A viene ripetuta due volte, poi c'è una transizione verso una sezione B contrastante, dopo di che la composizione ritorna alla sezione A. Questo approccio permette di creare una composizione con un tema principale chiaramente espresso e una parte centrale contrastante. La struttura di una canzone secondo lo schema AABA potrebbe essere la seguente: A (intro) - A (ripetizione) - B (contrasto) - A (ritorno al tema principale).

Verso 1 (A)	Ritornello 1 (A)	Verso 2 (A)	Ritornello 2 (A)	Ritornello (B)	Ponte (B)	Verso 3 (A)	Ritornello 3 (A)

Ritornello 2 (A)	Verso 1 (A)	Ritornello 3 (A)	Verso 2 (A)	Break (B)	Pre-ritornello (B)	Ritornello 3 (A)	Verso 3 (A)

Sebbene la forma AABA inizi con due sezioni A identiche, ciò non significa che debbano essere identiche. I compositori e gli arrangiatori spesso apportano lievi modifiche all'armonia, alla melodia o alla strumentazione man mano che la sezione procede, per mantenere vivo l'interesse dell'ascoltatore. A volte le modifiche sono limitate a singole parti della melodia, rendendole più espressive. È anche comune vedere una combinazione delle forme ABA e AABA, in cui elementi di entrambe le strutture si intrecciano per creare varietà nella composizione.

La forma AAA prevede l'uso di tre sezioni identiche, che siano strofe o ritornelli, con piccole variazioni armoniche o melodiche. Ciò consente di ottenere una composizione coesa con modifiche minime, mantenendo comunque vivo l'interesse dell'ascoltatore.

La forma ABABCB offre una struttura più complessa. Il compositore inizia con uno schema standard strofa-ritornello-strofa-ritornello, poi aggiunge una sezione C, che può essere un bridge, un assolo o una pausa. La composizione torna poi al ritornello, creando una combinazione equilibrata di ripetizione e novità.

Struttura della canzone dei Beatles - Back in the U.S.S.R.

La canzone "Back in the U.S.S.R." dei Beatles è stata scritta come una sorta di risposta al successo di Chuck Berry "Back in the USA". Creata nel 1968, questa composizione suona ancora oggi attuale e moderna. La canzone è apparsa nel periodo in cui il primo ministro britannico Harold Wilson ha lanciato una campagna politica con lo slogan "I'm backing Britain" (Sostengo la Gran Bretagna). Questo slogan è stato ampiamente utilizzato sui manifesti elettorali in tutto il paese. Paul McCartney, ispirato da questa campagna, ha ideato la frase "I'm backing (back in) the U.S.S.R." (Sostengo (il ritorno in) URSS), che è diventata una sorta di risposta satirica alle idee politiche che dominavano la società inglese dell'epoca. Il pubblico britannico apprezzò l'ironia di McCartney, ma la battuta rimase incomprensibile per molti ascoltatori negli Stati Uniti. La composizione è stata scritta da Paul McCartney in collaborazione con John Lennon e apre il famoso album senza titolo dei Beatles del 1968, noto anche come "The White Album".

La particolarità di "Back in the U.S.S.R." è il suo arrangiamento classico per la musica pop e rock. La canzone è eseguita in chiave di Do minore, con un tempo di 120 battiti al minuto e una misura di 4/4.

Poiché YouTube ha spesso problemi con la pubblicazione delle canzoni dei Beatles, invece della versione in studio, suggeriamo di guardare una performance dal vivo della composizione di Paul McCartney a Mosca nel 2002. Tuttavia, nella discussione che segue, parleremo della registrazione in studio.

0:00. Intro

La canzone inizia con il suono caratteristico di un aereo in fase di atterraggio, seguito da un'introduzione di 4 battute sull'accordo E7. Dopo queste quattro battute, l'accordo A suona sul primo tempo, passando fluidamente al primo verso.

0:15. Strofa 1

Quando Paul McCartney inizia a cantare di una notte insonne e di un volo da Miami, la canzone accelera il ritmo. La prima strofa è composta da 8 battute, divise in due blocchi di 4 battute, costruiti sugli accordi A, D, C, D.

0:28. Ritornello 1

Il ritornello è composto da sei battute, cosa insolita per la musica pop. Le prime tre battute sono costruite sugli stessi accordi della strofa (A, C, D), e qui appare il ritornello vocale con la frase "Back in the USSR!". Le tre battute successive conducono dolcemente l'ascoltatore alla seconda strofa, che ripete la struttura e l'armonia della prima.

0:52. Ritornello 2

Dopo la seconda strofa, la canzone passa nuovamente al ritornello, che è strutturalmente e armonicamente identico al primo. Qui si ripetono lo stesso hook vocale e il riff principale di chitarra. Tuttavia, la lunghezza del secondo ritornello è leggermente diversa: è composto da 7,5 battute: 7 battute in 4/4 e 1 battuta in 2/4.

1:04. Post-ritornello e break

All'1:04 inizia il post-ritornello, che è una nuova sezione della canzone. Questa parte si basa su armonie e cori nello stile dei Beach Boys e include la progressione di accordi D, A, D, Bm7, E7, D7, A, A. Il post-ritornello è composto da otto battute, seguite da un break di due battute sugli accordi A ed E, che preparano la transizione all'assolo di chitarra.

1:21. Assolo di chitarra

L'assolo di chitarra segue la melodia vocale ed è supportato dagli accordi delle strofe. Questa sezione è simile alle strofe e ai ritornelli precedenti: le 8 battute della strofa passano fluidamente a un ritornello di sei battute e terminano con un altro post-ritornello di 10 battute.

2:01. Strofa 3

L'ultima strofa è identica alle precedenti, ma con l'aggiunta di una parte di chitarra solista che suona sull'accordo di La. La terza strofa passa a un altro ritornello di sei battute.

2:25. Outro

Il finale di "Back in the U.S.S.R." è costruito su un riff blues con un accordo di La e armonie vocali di sottofondo con un ritornello ripetuto di "Woo-ooo-oo". L'ultima sezione è composta da 6 battute e si ripete fino a quando il suono di un aereo in atterraggio appare al minuto 2:40, concludendo la composizione.

La struttura finale della canzone The Beatles – Back in the U.S.S.R.

Parte della canzone	Durata
Intro	4 battute
Verso 1	8 battute
Ritornello 1	6 battute
Verso 2	8 battute
Ritornello 2	7,5 battute
Post-ritornello	8 battute
Pausa	2 battute
Assolo di chitarra	24 battute
Verso 3	8 battute
Ritornello 3	6 battute
Outro	6 battute

Struttura della canzone 2Pac feat. Dr. Dre – California Love

Dr. Dre è uno dei produttori musicali più influenti dei nostri tempi. Il suo talento unico e il suo approccio agli arrangiamenti hanno reso il gruppo hip-hop N.W.A. dei veri e propri idoli per milioni di persone. Grazie a Dre, è diventato evidente che la musica creata da artisti neri può essere non solo popolare, ma anche commercialmente di successo tra un vasto pubblico.

I musicisti che hanno lavorato con Dr. Dre spesso sottolineano il suo perfezionismo. Non pubblica una canzone finché non è assolutamente sicuro della sua qualità. A volte il lavoro su una composizione può richiedere mesi o addirittura anni, ma il risultato finale soddisfa sempre le aspettative, creando veri e propri successi.

Tuttavia, il famoso brano "California Love" è stato creato da Dre nel 1995 in poche settimane. Inizialmente, questa canzone era stata preparata per il suo album solista "The Chronic II: A New World Odor (Poppa's Got A Brand New Funk)", ma per una serie di motivi l'album non è mai stato completato. Allo stesso tempo, nel 1995, Tupac Shakur, un caro amico di Dre, è stato rilasciato dal carcere. Volendo celebrare questo evento e sostenere Tupac, Dre ha deciso di utilizzare una base musicale di lunga data e, insieme a Roger Troutman, ha iniziato a lavorare su un brano che sarebbe presto diventato il leggendario "California Love".

La canzone fu pubblicata nell'ottobre 1995 nel primo album di Tupac, "All Eyez on Me". Il singolo salì immediatamente in cima a tutte le classifiche americane e mantenne il primo posto per circa due settimane. Successivamente, il brano fu nominato per diversi Grammy Awards e divenne uno dei migliori dischi G-Funk.

La base di "California Love" era un campione di tastiera rielaborato da una canzone poco conosciuta di Joe Cocker, "Woman To Woman". La composizione è scritta in chiave di Si bemolle maggiore, con un unico accordo, il tempo è 4/4 e il tempo è di 92 battiti al minuto.

0:00. Intro

La canzone inizia con Roger Troutman che canta la frase "California Love" su un talkbox. A 0:03, entra il ritmo e nei quattro battiti successivi compaiono la batteria, il basso, la tastiera e una sezione di ottoni, che suonano il tema musicale principale della canzone. Questi quattro battiti preparano il terreno per il resto della canzone, con il tema della tastiera che rimane costante per tutta la traccia e gli altri elementi musicali che entrano ed escono dall'arrangiamento.

0:13. Ritornello 1

Dopo quattro battute di intro, la sezione degli ottoni sfuma, lasciando spazio alle voci elaborate che portano avanti il ritornello nelle successive 12 battute. Una delle caratteristiche principali del ritornello sono i sintetizzatori scintillanti che suonano all'inizio di ogni battuta, accentuando l'accordo principale del brano (si bemolle maggiore) e sottolineandone la tonalità. Il ritornello passa fluidamente alla prima strofa, che inizia con un movimento ascendente degli ottoni.

0:45. Strofa 1

La prima strofa dura 16 battute, durante le quali Dr. Dre rappa il suo testo. All'arrangiamento vengono aggiunti dei fischi, e le prime otto battute mantengono gli elementi presenti nell'intro. Le seconde otto battute sono integrate da nuove parti di synth e da un canto vocale, creando un suono più ricco.

1:27. Ritornello 2

Il secondo ritornello è simile al primo, ma con una serie di modifiche: compaiono frasi vocali aggiuntive e cori femminili. Il passaggio alla parte successiva della composizione è nuovamente indicato dagli ottoni.

1:58. Bridge

Dopo il secondo ritornello, inizia il bridge invece della strofa prevista. Sulle parole "Shake, shake it, baby" si sente un riff di tastiera e un ritmo, completati dai suoni del tuono in ogni battuta. Questo bridge dura otto battute, creando un contrasto con le parti precedenti della composizione.

2:19. Strofa 2

La seconda strofa è identica alla prima sia per lunghezza che per strumentazione, ma il testo è cantato da 2Pac, che apporta nuova energia e dinamismo al brano.

3:01. Ritornello 3

Il terzo ritornello coincide con i precedenti e passa fluidamente a un altro interludio, simile a quello che si è sentito dopo il secondo ritornello.

3:54. Outro

Dal minuto 3:54, la canzone inizia ad avvicinarsi alla fine. Il suono degli strumenti sfuma gradualmente e l'arrangiamento diventa meno saturo. L'outro è un loop di 20 battute composto da elementi della strofa e del ritornello, con una ripetizione costante della linea principale della canzone, che conduce gradualmente l'ascoltatore alla fine della composizione.

Struttura finale della canzone 2Pac feat. Dr. Dre — California Love

Parte della canzone	Durata
Intro	Mezzo tempo + 4 battute
Ritornello 1	12 battute
Verso 1	16 battute
Ritornello 2	12 battute
Ponte 1	8 battute
Verso 2	16 battute
Ritornello 3	12 battute
Ponte 2	8 battute
Outro	8 battute

L'arrangiamento di "California Love" è realizzato in modo tale che è difficile separare le singole parti della canzone l'una dall'altra: il suo suono è monolitico e un po' monotono, creando una sensazione di fluidità e continuità senza evidenti confini strutturali.

Inoltre, "California Love" si distingue per la sua struttura insolita. Invece dello schema standard "Intro-strofa-ritornello-strofa-ritornello", qui viene utilizzato un approccio più originale: "Intro-ritornello-strofa-ritornello-bridge". Una struttura così rimescolata aggiunge dinamismo e originalità alla composizione, rendendola unica rispetto alle costruzioni musicali tradizionali.

Struttura della canzone Martin Garrix – Animals

Animals di Martin Garrix, pubblicato nel 2014, è diventato immediatamente un successo e si è assicurato un posto in cima alle classifiche mondiali. Nonostante la sua popolarità, la canzone ha un arrangiamento tipico del genere: l'enfasi principale è su un potente ritmo 4/4 e un riff di percussioni accattivante che fa scatenare qualsiasi pista da ballo.

La canzone è scritta in chiave di fa minore, con un tempo di 128 battiti al minuto, che è lo standard per molti brani dance.

Può essere difficile trovare il mix originale di 5:04 su YouTube, quindi al materiale è allegato un videoclip con una versione radiofonica della canzone. Si prega di notare che i tempi potrebbero non corrispondere alla versione originale. Se qualcuno ha un link alla versione completa della composizione, saremmo lieti se lo condividesse nei commenti.

0:00. Intro Beat

La composizione inizia con un'introduzione minimalista, dove le prime 16 battute sono dominate dal kick e dal ride, che ricordano un metronomo. Insieme al ritmo, suona un sintetizzatore arpeggiato, il cui suono è abbondantemente elaborato con riverbero. Un graduale aumento della forza e della potenza del sintetizzatore conduce dolcemente l'ascoltatore al segmento successivo della composizione.

0:30. Intro del basso

In questa fase entra un basso profondo, basato sui colpi ritmici della cassa. Il sintetizzatore arpeggiato sfuma in sottofondo e un nuovo sintetizzatore appare nel mix, rafforzando gradualmente il suo suono. Verso la fine di questa introduzione, si sente un colpo invertito sul piatto, che aggiunge drammaticità prima della transizione.

1:00. Mini-pausa

Questa breve pausa di quattro battute funge da interruzione, durante la quale l'arrangiamento si ferma quasi completamente. Gli unici suoni sono il ticchettio di un orologio, una linea di basso che sfuma gradualmente e un colpo di piatto. Questo momento prepara l'ascoltatore all'arrivo della melodia principale.

1:08. Breakdown 1

Il ticchettio di un orologio si trasforma gradualmente in una parte percussiva. Dopo otto battute di melodia morbida, un synth aggressivo entra nella composizione, ripetendo il tema principale con accordi potenti. Questi synth sono supportati da colpi di rullante e battiti di mani, che accentuano ogni battito della battuta.

1:37. Build-up

L'accumulo di otto battute raggiunge il culmine della tensione, preparando la composizione al drop. Colpi di rullante sempre più rapidi, un riff di synth e raffiche di suoni laser conducono al climax, che termina con un campione vocale.

1:53. Drop 1

Il primo drop offre una soluzione interessante: invece di utilizzare la linea melodica principale, Garrix introduce un nuovo riff, supportato da un beat potente e da riferimenti al tema principale della composizione.

2:30. Breakdown 2

Dopo un altro mini-break di quattro battute, il synth ritorna nel mix, suonando il tema principale del brano. Come prima, il breakdown passa fluidamente a un altro build-up.

3:15. Drop 2

Il secondo drop è quasi identico al primo, ma la sua durata è aumentata di 16 battute. Dopo le prime otto battute, il campione vocale suona di nuovo, a cui si aggiungono gli accordi del synth.

3:58. Outro

Dopo un breve inserimento con il ticchettio di un orologio, l'arrangiamento ritorna agli elementi dell'intro. Man mano che si avvicina alla fine, il suono della composizione diventa più morbido e sottile. Nei momenti finali del brano, il synth arpeggiato torna in primo piano, creando un contrasto tra l'inizio e la fine.

Struttura finale della canzone Martin Garrix — Animals

Sezione della canzone	Durata
Intro Beat	Battuta + 4 battute
Intro basso	12 battute
Mini pausa 1	4 battute
Breakdown 1	12 battute
Build Up 1	8 battute
Caduta 1	16 battute
Mini pausa 2	4 battute
Rottura 2	8 battute
Build Up 2	8 battute
Caduta 2	32 battute
Outro	32 battute