arranjos musicais

Arranjar música existe há muitos anos e é uma característica essencial de qualquer estilo ou gênero musical. Alguns dos maiores músicos organizaram partes de seu trabalho em outras obras e/ou adaptaram o trabalho de outros músicos.

Bach, Beethoven, Korsakov, Ravel e muitos outros contribuíram para o campo dos arranjos musicais, mas vale a pena compreender que o processo pode ter um significado diferente quando se trata da criação musical moderna.

Arranjar é a criação de música a partir de peças musicais existentes. Isto inclui, por exemplo, arranjos de um instrumento específico numa canção pop ou reorganização de uma canção remontando as diferentes partes ou secções de uma canção.

Em diferentes estilos musicais, existem diferentes estruturas de arranjo, como a forma A/A/B/A de mudanças de ritmo de 32 compassos no jazz ou uma estrutura de blues de 12 compassos e dentro da estrutura, aberturas de acordes, sensação rítmica e andamento podem tornar o arranjo musical único .

Existem três tipos de arranjos que você precisa considerar para fazer sua própria música de alta qualidade.

1. Estrutural, o que significa o movimento de energia, seções e transições em sua música.
2. Instrumental, que é como as notas, acordes e melodias devem ser tocadas pelos vários instrumentos. Lembre-se de que isso pode mudar ao longo da sua trilha! Mover uma melodia do vocal para o sintetizador pode fazer com que ela soe nova e revigorante.
3. Arranjo de posição, que significa como o som é posicionado na sua mixagem. Definindo seu volume, panorâmica, profundidade e sensação de presença.

Neste artigo, contaremos detalhadamente sobre a importância dos arranjos musicais na produção musical.

Dicas para arranjadores iniciantes no pop

Certifique-se de que a música seja executada sozinha

A música funciona sozinha se você tocá-la sozinho no piano ou violão enquanto canta? Se a música ainda não é “ótima” por si só, nenhum arranjo ou técnica de produção musical resolverá isso.

Considere as seguintes questões:

• Você tem um refrão forte?
• A melodia principal está no lugar?
• Você tem um bom “gancho” melódico ou harmônico?
• Tem pulsação rítmica de música (até baladas têm pulsação forte).

Trabalhe na sua música até que ela soe bem “nua”, apenas com o piano/guitarra e a voz. É extremamente importante seguir este passo. Uma música ruim continuará ruim, mesmo com os melhores arranjos e produção. Uma boa música continuará sendo uma boa música.

Verifique quais gêneros a música cobre

Antes de começar a fazer o arranjo de uma música ou de uma canção, você deve se perguntar: que gênero(s) ela abrange?

Uma vez decidido, pode ser muito útil encontrar algumas faixas de referência. As faixas de referência são extremamente importantes tanto na fase de arranjo/produção quanto na fase de mixagem/masterização de qualquer gravação. Algumas pessoas podem dizer: “Não quero copiar ninguém porque quero ser totalmente original”.

Mas a verdade é que mesmo os profissionais de topo, que são os mais originais, estão constantemente a referir-se a outros materiais. Não se preocupe em copiar outra pessoa, a menos que esteja literalmente copiando nota por nota, instrumento por instrumento, etc.

Certifique-se de que a música tenha duração suficiente

Esta etapa é um pouco parecida com a primeira. Entretanto, o arranjador/produtor pode querer alterar o formato da música para gravação. Às vezes, a forma como um artista executa uma música ao vivo pode ser diferente da versão de estúdio. Para a versão gravada é muito importante que a música seja o mais concisa possível.

Certifique-se de ter um vocal principal decente

Gravar um vocal principal o ajudará a tomar decisões durante o arranjo. Por exemplo, sem ouvir o vocal principal, é fácil tornar o arranjo da música muito denso. Como resultado, isso não só levará a uma gravação final nada agradável, mas também tornará muito mais difícil trabalhar durante a mixagem. As melhores músicas gravadas possuem arranjos que apresentam o equilíbrio perfeito de densidade de produção.

Todos os diferentes elementos do arranjo/produção deverão ter espaço e alcance sonoro próprios.

Por exemplo, você não quer que o baixo toque uma linha e os teclados toquem outra na mesma faixa.

Bateria e outros componentes rítmicos

Além dos vocais principais, a parte mais importante do arranjo musical são os componentes percussivos/rítmicos da música. Eles ocupam a maior parte do espaço de áudio, dão ao ouvinte um “groove” e determinam em grande parte o sentimento da música.

Se a faixa envolver um baterista real, seu arranjo deve simplesmente delinear a direção geral do que o baterista deve tocar.

Não se concentre muito em programar a faixa com batidas. Um bom baterista tomará essas decisões por você.

Isso nos leva a outro ponto. Você precisa de um ótimo baterista que possa tocar no ritmo se quiser adicionar uma bateria acústica. Eles têm que ser registrados perfeitamente.

Se a bateria não for gravada perfeitamente, a sensação e a música serão bastante afetadas e se for editada, será mais difícil alinhar as seções. Lembre-se de que você sempre pode fazer com que pareça mais áspero ou com um estilo lo-fi. Basta escolher quantos canais de microfone entrarão na mixagem final e que tipo de processamento será utilizado.

Se você mesmo estiver programando a bateria, o que pode ser feito facilmente no sequenciador online do Amped Studio, você deve pensar como um baterista e pensar nas transições nas diferentes seções da música. Você pode passar do chimbal para o prato no refrão e ter um pequeno preenchimento entre as seções. Além disso, tente usar uma bateria apropriada para a música durante a programação. Você provavelmente não vai querer usar um kit 808 para uma música de hard rock se estiver tentando imitar um baterista ao vivo desse gênero.

Se você não está familiarizado ou não tem experiência com programação de bateria, mantenha-a simples e certifique-se de que a parte da bateria melhore e não distraia a música.

Alguns produtores experientes muitas vezes manipulam a sensação movendo levemente a bateria alguns milissegundos à frente da batida e empurrando o chimbal para trás. Depende da música e deve ser escolhida com bom gosto. Existem maravilhosos plugins de “groove” para MIDI que irão alterar sutilmente a velocidade e o tempo enquanto programa sua bateria. Única regra – experimente!

Elementos de baixo e baixo

Após a bateria ter sido especificada no arranjo musical, o baixo (ou elementos do baixo) são os próximos na maioria dos casos.

Se for uma música pop padrão, você precisa ter certeza de que o baixo “abre” no refrão, ou seja, o baixo não toca baixinho em registro agudo quando o refrão desce.

Se a sua faixa tiver um baixista “de verdade”, é extremamente importante que ela seja gravada profissionalmente e tocada como acontece com a bateria. Não há nada pior para a sua faixa do que a falta de clareza de graves e baixas frequências. Certifique-se de que a parte do bumbo e a parte do baixo funcionem juntas.

Se sua faixa possui graves sintetizados, tome cuidado com sub-graves e predefinições elegantes. Se o subwoofer for o único baixo na sua faixa, o patch deve ser projetado para ter harmônicos na faixa média, para que o ouvido possa encontrá-los enquanto ouve alto-falantes que não possuem boas frequências de graves.

Por exemplo, você pode não ouvir certos patches de subwoofer em laptops, iPhones e alguns fones de ouvido e aparelhos de som automotivos. Por isso é sempre bom ouvir o mix de uma música em diferentes dispositivos antes de finalizar.

O que soa bem em um estúdio ou clube com ótimos sistemas aprimorados de graves, mas em outros dispositivos ou lugares soa “top” pesado.

Você pode encontrar uma predefinição de baixo enquanto trabalha com um de seus sintetizadores favoritos no Amped Studio que soa incrível isolado, mas não é correto para o arranjo ou domina a música. Esteja ciente de trabalhar com baixos “estéreo” e patches que contenham muitas frequências agudas.

Na maioria dos casos, você deseja um patch de graves que seja monofônico e não muito alto no espectro de frequências. No entanto, existem exceções! A experiência o ajudará a tomar as decisões certas.

Este artigo é baseado em arranjos de músicas pop, então algumas dessas dicas não são válidas para determinados gêneros, especialmente quando se trata de baixo e bateria.

O principal componente harmônico de condução

Esta parte do arranjo musical pode ser bastante aberta e livre, mas você deve abordar esse ponto com grande responsabilidade. Para entender quais instrumentos você pode usar, vale a pena ouvir suas faixas favoritas.

Em muitas músicas, o principal instrumento que complementa os vocais principais é o violão ou o piano. É mais provável que esses instrumentos sejam tocados durante toda a música. Depois de decidir sobre esse assunto, você pode fornecer os materiais e o arranjo com o material escolhido.

Aprender como fazer isso apenas lendo um artigo é extremamente difícil. É tudo uma questão de tentativa e erro e experiência. Você estará então livre para usar seus instrumentos harmônicos para formar o esboço da música. Aberturas de acordes, transições de acordes e tons principais são boas ferramentas para melhorar a estrutura básica de acordes em um arranjo. Se você é novo em acordes, experimente o Chord Creator no Amped Studio para ver e ouvir como os acordes e progressões podem funcionar. Este é um ótimo lugar para começar e aprender sobre a estrutura harmônica.

Existem tendências musicais nos aspectos seccionais harmônicos do Pop, como nas seções de refrão, você usará mais instrumentos ou densidade para tornar o arranjo mais compacto. Quanto às seções de versos, você provavelmente as tornará mais esparsas.

Exemplos clássicos são duplicar guitarras na seção de refrão (e movê-las para a esquerda e para a direita) ou transformar qualquer fonte de mono para estéreo.

Se você decidir usar uma seção de sopros ou cordas em seu arranjo, você precisa ter certeza de que as partes se encaixam incrivelmente bem na música. A maioria das músicas não pode ter um arranjo musical complexo. Na maioria dos casos, você vai querer usar instrumentos de sopro para preencher as lacunas com linhas deliciosamente simples ou para “complementar” as partes onde o vocalista canta. O mesmo vale para cordas. Existem algumas ótimas bibliotecas de samples para cordas e trompas, mas usá-las é difícil sem estudar e compreender as relações básicas de acordes e os arranjos de cordas e trompas. Se você tiver a sorte de trabalhar com um arranjador de cordas experiente e gravar uma seção de cordas ao vivo ou um conjunto de trompas, será um prazer ouvir e experimentar.

Uma revisão da música pop moderna e EDM

Ao criar um arranjo musical, é muito importante ouvir muitas faixas desse estilo e entender como todas as peças se encaixam.

Existem muitos estilos diferentes dentro do EDM, por isso é importante ouvir e compreender as características básicas das faixas que você gosta em um estilo específico. Pense em andamento, sons de baixo e bumbo e padrões e ganchos rítmicos de sintetizador. Cada estilo possui elementos específicos que fazem parte do estilo de arranjo.

A maioria das músicas pop básicas tem uma introdução, um verso, um refrão (refrão ou refrão), uma ponte e um outro.

Suplementação de Efeitos

Qual é a etapa final para aprender como fazer arranjos musicais ou de uma canção? Para adicionar os efeitos.

Para um arranjo acústico, isso pode ser uma adição de percussão a diferentes partes do arranjo. Exemplos clássicos seriam a parte do shaker no segundo verso e o pandeiro na ponte.

Em estilos mais modernos seriam todos os “ruídos brancos” e efeitos sonoros como freios, risers, uplifters, down lifters, etc.

Ao usar esses efeitos, é muito importante que eles correspondam à música.

Por exemplo, nem todo pacote de efeitos funcionará para todos os arranjos musicais. Melhor ainda, se você criar seu próprio efeito especial para cada música. Leva mais tempo, mas pode levar a ótimos resultados. Se você estiver usando soluções prontas (o que é perfeitamente aceitável), apenas certifique-se de ter acesso a muitas bibliotecas diferentes para não ficar preso a usar apenas alguns favoritos.

Passando para o processo de gravação e produção

Assim que a música e os arranjos vocais estiverem concluídos, você estará pronto para prosseguir com a gravação e/ou mixagem.

Frequentemente, nessa fase, a pista pode mudar ligeiramente. Por exemplo, o processo de mixagem pode indicar que você precisa excluir ou adicionar certos elementos do arranjo, e isso é absolutamente normal. Todos de gravação de músicas fluem uns nos outros até certo ponto. Fique de olho em como a música soa como um todo. Ouça logo depois de ouvir suas faixas favoritas no estilo que você está tentando imitar.

O produto final é muito mais importante do que todos os pequenos detalhes discutidos aqui, e é muito fácil ficar confuso com todos os detalhes.

Uma boa música é uma boa música, então certifique-se, no processo de arranjo e criação da música, de que você está aprimorando a música.

Uma música ruim é uma música ruim, e não importa quão bem ela seja feita, arranjada ou mixada, então se você gostar do arranjo, reescreva a música para ficar melhor.

Arranjos em música clássica

A arte de arranjar e adaptar música existe há séculos. Durante a Renascença, a tabulação (uma espécie de arranjo) era bastante popular. Tratava-se de arranjar peças vocais ou de conjunto para serem tocadas no teclado solo ou no alaúde.

No mesmo período, foram publicados madrigais ingleses para diferentes vozes, indicando que poderiam ser tocados de diferentes maneiras. No entanto, foi feito para uso em diversos mercados.

Os arranjos musicais também eram populares durante o período barroco, quando muitos grandes músicos emprestavam de outros artistas ou reorganizavam suas próprias obras. Um grande exemplo dessa época é Bach. Algumas de suas obras foram arranjos de obras de Antonio Vivaldi. Remixar não é novidade!

Outros músicos, como George Friedrich Handel e Francesco Geminiani, também deixaram sua marca no período barroco no que diz respeito aos arranjos. Na verdade, Handel era mais conhecido por retrabalhar seu próprio material.

Você pode ver arranjos na obra de Beethoven. Ele reelaborou alguns dos temas das Criações de Prometeu para se adequarem ao final da Sinfonia Heroica ou Sinfonia nº 3.

No século XIX, com a crescente popularidade do piano, os arranjos também se tornaram mais populares do que nunca. Muitas transcrições orquestrais e peças de câmara foram arranjadas e publicadas para execução ao piano.

Arranjar música era uma ocorrência frequente entre grandes músicos. Permanecerá forte no futuro.

Música moderna

As gravações de música popular geralmente incluem partes de trompas de cobre, cordas de arco e outros instrumentos que foram adicionados por arranjadores e não compostos pelos compositores originais. Alguns arranjadores pop até adicionam seções usando uma orquestra completa, embora isso seja menos comum devido ao custo. Os arranjos musicais populares também podem incluir novas versões de canções existentes com novos tratamentos musicais. Essas mudanças envolvem mudanças no andamento, tamanho, tonalidade, instrumentação e outros elementos musicais.

Exemplos bem conhecidos de arranjos de rock incluem a versão de Joe Cocker de “With a Little Help from My Friends” dos Beatles, “Crossroads” do Cream e a versão de Ike e Tina Turner de “Proud Mary” do Creedence Clearwater Revival. A banda americana Vanilla Fudge e a banda britânica Yes basearam o início de suas carreiras em reformulações radicais de sucessos modernos. Bonnie Poynter tocou versões disco e Motown de “Heaven Must Have Sent You”. Remixes em dance music, por exemplo, também podem ser considerados arranjos.

Jazz

Os arranjos musicais para pequenas composições de jazz eram geralmente informais, mínimos e não listados nos créditos. Grandes conjuntos tendiam a exigir mais arranjos de partituras, embora a primeira big band de Count Basie fosse conhecida por seus muitos arranjos, que foram desenvolvidos pelos próprios músicos e memorizados (“na cabeça do músico”). No entanto, a maioria dos arranjos de big band foram gravados e atribuídos a um arranjador específico, como o trabalho de Sammy Nestico e Neil Hefty para as big bands posteriores de Count Basie.

Don Redman inovou nos arranjos de jazz com a Orquestra Fletcher Henderson na década de 1920. As obras de Redman introduziram um tom melódico mais complexo e performances solo para várias partes de big band. Benny Carter se tornou o principal arranjador de Henderson no início dos anos 1930, tornando-se famoso por suas habilidades na área, além de seu talento como intérprete.

Arranjos de big band são chamados não oficialmente de gráficos. Na era do swing, eram reformulações de canções populares ou composições inteiramente novas. Os arranjos de Duke Ellington e Billy Strayhorn para a big band de Duke Ellington eram geralmente composições novas, e alguns trabalhos de Eddie Soter para a banda de Benny Goodman e Artie Shaw para sua própria banda também eram composições novas. Após a era do bop, tornou-se mais comum arranjar trechos de composições combinadas de jazz para big bands.

Depois de 1950, o número de big bands diminuiu. Mesmo assim, várias bandas continuaram. Gil Evans escreveu vários arranjos para big bands no final dos anos 1950 e início dos anos 1960, destinados apenas a gravações de sessão.

No século 21, os arranjos musicais de jazz fizeram um retorno modesto. Gordon Goodwin, Roy Hargrove e Christian McBride apresentaram novas big bands com composições originais e novos arranjos de músicas padrão.

Conclusão

Os arranjos musicais são uma parte importante do processo de criação e produção de faixas no mundo de hoje e evoluíram ao longo dos séculos com os grandes compositores do mundo. Usando as dicas acima você pode começar a fazer seus primeiros arranjos agora mesmo. Você não precisa ter conhecimentos e equipamentos especiais. Com o programa online Amped Studio, disponível diretamente no navegador do seu computador, você pode fazer arranjos de boa qualidade para suas músicas. Aqui você encontrará um grande número de plug-ins, instrumentos e samples, e poderá compartilhar seu trabalho com amigos ou colegas com apenas alguns cliques.