Kontrapunkt in Musik

Der Kontrapunkt in der Musiktheorie ist die Kunst, mehrere gleichzeitige musikalische Linien (Stimmen) zu erstellen, die harmonisch miteinander verflochten sind, aber unabhängige rhythmische und melodische Identitäten aufrechterhalten. Der Begriff selbst entspringt aus der lateinischen Phrase "Punctus contra punctum", die sich zu "Punkt gegen Punkt" oder "Notiz gegen Note" übersetzt. Dies fasst die Essenz des Kontrapunkts zusammen: das Zusammenspiel von einzelnen Noten in verschiedenen Stimmen, die zusammen klingen, aber nicht in Timing oder Melodie übereinstimmen.

Wie John Rahn es beschreibt, ist Contrapoint ein raffinierter Prozess, der über ein paar hübsche Melodien hinausgeht. Es beinhaltet das Erstellen komplizierter Kompositionen, bei denen jede Stimme für sich allein steht und gleichzeitig zu einem harmonischen polyphonischen Ganzen beiträgt. Jede Zeile muss selbst musikalisch ausdrucksstark sein und die Struktur der anderen Stimmen verbessert und unterstreicht, wenn sie alle zusammen klingen.

Contrapoint hat einen Ort von besonderer Bedeutung in der europäischen klassischen Musik, insbesondere während der Renaissance- und Barockzeiten. In diesen Zeiten erreichte die Technik des Kontrapunkts ihren Zenit und diente als Grundgestein für das Erstellen komplexer Werke mit mehreren Stimmländern. In der westlichen Pädagogik wird Kontrapunkt durch ein System verschiedener Arten wie nachahmender Kontrapunkt und freier Kontrapunkt unterrichtet.

Imitative Kontrapunkte konzentriert sich auf die Wiederholung einer zentralen melodischen Idee über verschiedene Stimmen mit oder ohne Variationen. Dies schafft ein Gefühl der thematischen Erkennung, wobei jede Wiederholung eine frische Nuance hinzufügt. Freier Kontrapunkt gewährt auf der anderen Seite Komponisten kreativere Spielraum für die Arbeit mit Harmonien, Akkorden, Chromatismus und Dissonanzen. Dies führt zu einem komplizierteren und reicheren strukturierten Klang, bei dem traditionelle Harmonien gegen experimentellere und manchmal überraschende Schallkombinationen ausgetauscht werden.

Allgemeine Grundsätze

Der Begriff „Kontrapunkt“ kann sowohl auf eine individuelle Stimme innerhalb eines Musikstücks als auch auf die Gesamtkomposition selbst beziehen. Der primäre Fokus im Kontrapunkt liegt in der melodischen Wechselwirkung zwischen Stimmen, während die resultierende Harmonie als sekundärer Aspekt angesehen wird. Jede Stimme muss ihre Unabhängigkeit beibehalten und zu einer komplexen und vielschichtigen musikalischen Textur beitragen.

Moderne Interpretationen von Kontrapunkten haben die traditionelle Musiktheorie überschritten und durch die Arbeit von Guerino Mazzola eine mathematische Grundlage erhalten. Sein Modell erläutert die Struktur verbotener paralleler Fünftel und die Besonderheiten des dissonanten vierten unter Verwendung formaler Prinzipien und nicht der psychologischen Wahrnehmung. Später adaptierte Octavio Agustin dieses Modell für mikrotonale Musik und erweiterte seine Anwendbarkeit. Ein weiterer großer Forscher in diesem Bereich war der russische Komponist und Theoretiker Sergei Taneyev. Inspiriert von der Philosophie von Spinoza entwickelte er ein System zur Analyse von Kontrapunkten auf der Grundlage von algebraischen Verfahren, die die Erklärung einer Vielzahl komplexer polyphonischer Phänomene, einschließlich invertierbarer Kontrapunkt, Erklärung ermöglichten.

Ein Schlüsselprinzip des Kontrapunkts ist die funktionale Unabhängigkeit von Stimmen. Wenn dies verloren geht, entstehen Effekte, die für das kontrapunktische Schreiben uncharakteristisch sind. In der Organmusik können bestimmte Register beispielsweise Intervallkombinationen mit einem einzigen Tastenanschlag aktivieren, was zu einer parallele Sprachbewegung führt. Infolgedessen hören einzelne Linien auf, als unabhängig empfunden zu werden und sich zu einem neuen Timbral -Farbton zu verwandeln. Ein ähnlicher Effekt findet sich in Orchesteranordnungen. In Ravels „Boléro“ schafft der parallele Klang von Flöten, Hörnern und Celesta eine Klangpalette, die an ein elektrisches Organ Timbre erinnert. Im traditionellen Kontrapunkt werden solche Phänomene jedoch als unerwünscht angesehen, da sie die polyphonische Textur verwischen und individuelle Stimmen nicht zu unterscheiden machen.

Regeln des Kontrapunkts

Kontrastpunkt geht es nicht nur darum, ein paar Melodien zusammenzuwerfen. Es ist eine spezifische Technik des musikalischen Schreibens, bei der jeder Teil unabhängig bleibt, während sie mit anderen interagiert, um eine harmonische und ausdrucksstarke Textur zu schaffen. Komponisten befolgen klare Prinzipien, um ein Gleichgewicht zwischen der Unabhängigkeit von Stimmen und ihrer harmonischen Mischung zu erreichen. Es ist wichtig, dass sich die Linien nicht gegenseitig ertrinken, sondern sich gegenseitig ergänzen und Klarheit des Klangs aufrechterhalten. Die Kontrolle über Dissonanzen und Konsonanzen spielt eine Schlüsselrolle, da sie eine unnatürliche Mischung von Stimmen verhindert und die Transparenz der musikalischen Struktur bewahrt.

Entwicklung des Konzepts

Der Kontrapunkt hat seinen Ausdruck in verschiedenen musikalischen Formen wie Rund, Kanon und Fuge gefunden. In Runden wird die Melodie von mehreren Stimmen mit dem allmählichen Eintritt jedes nachfolgenden Eingangs durchgeführt, wodurch eine Auswirkung der kontinuierlichen Bewegung erzeugt wird. Der Kanon kompliziert dieses Prinzip, indem er Variationen des Themas zulässt, einschließlich Spiegelreflexionen und rhythmischer Veränderungen. Die Fuge ist jedoch die höchste Form der kontrapunktischen Meisterschaft, bei der das Thema in verschiedenen Stimmen entwickelt und transformiert wird, wodurch eine reichhaltige und vielschichtige Komposition geschaffen wird.

Berühmte Beispiele

Bestimmte Melodien können so kombiniert werden, dass sie ihre Unabhängigkeit beibehalten und gleichzeitig miteinander harmonieren. Zum Beispiel kann „Frère Jacques“ gleichzeitig mit „drei blinden Mäusen“ durchgeführt werden, wodurch ein natürlicher kontrapunktischer Klang erzeugt wird. In der modernen Musik gibt es Kompositionen, die auf einem einzigen harmonischen Schema basieren, sodass sie gemeinsam aufgeführt werden können. Ein interessantes Beispiel ist die Überlagerung von „My Way“ und „Leben auf dem Mars“. In der klassischen Musik ist eines der auffälligsten Beispiele für komplexe Kontrapunkte die Fuge in G-Sharp-Moll aus dem zweiten Band von Johann Sebastian Bachs, gut gedrückter Klavier. Darin fügt jede neue Stimme dem Thema zusätzliche Nuancen hinzu, die ihre Wahrnehmung verändert und eine reichhaltige harmonische Struktur erzeugt.

Der Pianist András Schiff stellt fest, dass Johann Sebastian Bachs Kontrapunkt einen tiefgreifenden Einfluss auf die Arbeit von Komponisten wie Mozart und Beethoven hatte. Ein auffälliges Beispiel finden Sie im Entwicklungsabschnitt der Eröffnungsbewegung von Beethovens Klaviersonate in E -Moll. Hier verwendet der Komponist komplizierte polyphonische Techniken und verleiht einem der Hauptthemen einen ausdrucksstarken Kontrapunkt, der die Tiefe und die vielschichtige Natur der musikalischen Form unterstreicht.

Ein weiteres Beispiel für die kontrapunktische Meisterschaft von Beethoven erscheint in Symphonie Nr. 9. In den Maßnahmen 116–123 der endgültigen Bewegung, als die berühmte „Ode to Joy“ -The -Klänge, die Melodie tragen, während sich die Basslinie unvorhersehbar entwickelt, entwickelt sich die Melodie, während sich die Basslinie unvorhersehbar entwickelt. einen improvisationalen Effekt schaffen. Gleichzeitig führt der Bagsoon einen zusätzlichen Kontrapunkt durch, der sich auch wie eine spontane Verzierung des Hauptthemas anfühlt. Diese Kombination unabhängiger Stimmen verleiht der Musik ein Gefühl des natürlichen Flusses und der lebhaften Interaktion.

Im Vorspiel zu Richard Wagners Oper „Die Meistern von Nürnberg“ sind drei verschiedene Themen, die aus der Oper gezogen wurden, verwoben. Gordon Jacob betrachtet diese Technik als ein Hauptbeispiel für eine virtuose Kontrapunktal -Meisterschaft, während Donald Tovey betont, dass in diesem Fall die Kombination von Themen klassisch harmonisch nicht harmonisch ist. Stattdessen verwendet Wagner ihre Nebeneinanderstellung, um einen dramatischen Effekt zu erzeugen, anstatt eine traditionelle polyphonische Struktur zu konstruieren.

Die endgültige Bewegung der Symphonie Nr. 41, bekannt als „Jupiter“, zeigt ein bemerkenswertes Beispiel für den Fünf-Vo-Kontrapunkt. In diesem Abschnitt kombiniert Mozart fünf verschiedene Melodien und erzeugt einen komplexen und dennoch zusammenhängenden musikalischen Stoff. Jede Stimme behält ihre Individualität bei, während sie gleichzeitig mit den anderen interagiert und einen reichen und ausdrucksstarken polyphonischen Dialog bildet.

Der Arten -Kontrapunkt wurde als pädagogisches System entwickelt, in dem die Schüler in mehreren Phasen voranschreiten und immer zunehmend komplexe kontrapunktische Techniken beherrschen. Die Methode konzentriert sich auf eine feste Melodie - den Cantus firmus -, das unverändert bleibt, während der Schüler zusätzliche Stimmen schafft, die von strengen Interaktionsregeln regiert werden. Aufgrund der in der Zusammensetzung auferlegten Einschränkungen wird diese Methode als „strenger“ Kontrapunkt bezeichnet. Die Beherrschung dieses Ansatzes ermöglicht es dem Schüler, schrittweise in den freieren Kontrapunkt zu wechseln, wo die Regeln weniger starr sind und die Verwendung eines Cantus firmaus nicht erforderlich ist.

Das Konzept des Lernens durch sequentielle Stadien des Kontrapunkts kann auf das 16. Jahrhundert zurückgeführt werden. Die frühesten Beschreibungen erscheinen in Giovanni Maria Lanfrancos Abhandlung Scintille di Musica (1533), und die Idee wurde in den Werken des italienischen Theoretikers Gioseffo Zarlino erheblich entwickelt. 1619 systematisierte Lodovico Zacconi diesen Ansatz in Prattica di Musica und schlug das erste strukturierte System für den Unterricht vor. Im Gegensatz zu späteren Autoren nahm er Techniken wie invertierbarer Kontrapunkt in seine Methodik ein, die den Austausch der oberen und unteren Stimmen ermöglichten, ohne die Klarheit der harmonischen Klarheit zu verlieren.

Im Jahr 1725 formulierte Johann Joseph Fux in seinem grundlegenden Arbeit Gradus ad Parnassum fünf Arten von Kontrapunkten:

1. Erste Spezies : Hinweis gegen Anmerkung - die Notiz der zweiten Stimme klingt gleichzeitig mit einer Note des Cantus firmaus.
2. Zweite Arten : Zwei Notizen gegen eins - zwei Notizen der zusätzlichen Sprache entsprechen jeder Notiz des Cantus firmaus;
3. Dritte Spezies : Vier Noten gegen eine - die Bewegung wird noch aktiver und fügt die rhythmische Komplexität hinzu;
4. Vierte Arten : Suspensionen und vorbereitete Dissonanzen - Zeugnisse und Auflösungen erscheinen, wodurch reibungslose harmonische Übergänge erzeugt werden;
5. Fünfte Arten : Florid Kontrapunkt - die komplexeste Phase, die alle Prinzipien kombiniert, um eine komplexe polyphonische Textur zu erzeugen.

Die Methode von Fux wurde zur Grundlage für nachfolgende Generationen von Theoretikern, die geringfügige Anpassungen am System vorgenommen haben, aber im Allgemeinen seinen Prinzipien folgten. Viele Regeln für die melodische Bewegung wurden aus Solfège entlehnt und schließlich an die harmonischen Anforderungen der üblichen Praxiszeiten angepasst. Dies ermöglichte die Integration der linearen melodischen Bewegung mit harmonischen Funktionen und legte die Grundlagen für die Weiterentwicklung von figuriertem Bass und anderen polyphonischen Techniken.

Grundlegende Regeln der melodischen und Stimme, die im Kontrapunkt führt

In Kontrapunkt gibt es strenge Prinzipien, die die Konstruktion von Melodien und die Interaktion von Stimmen regulieren. Diese Regeln tragen dazu bei, einen ausgewogenen Klang zu erzeugen und Dissonanzen und unnatürliche melodische Bewegungen zu vermeiden.

Melodische Konstruktion

Die folgenden Regeln gelten für melodisches Schreiben in jeder Kontrapunktart:

1. Annäherung an den endgültigen Anmerkung: Die endgültige Note muss durch Schritt angegangen werden. In geringfügigen Modi (dorisch, hypodorianisch, aeolisch und hypoaeolisch) sollte der führende Ton angehoben werden, dies sollte jedoch in den phrygischen und hypoprygischen Modi nicht erfolgen. Beispielsweise erfordert die Trittfrequenz im dorischen Modus auf D eine Anhörung von C auf C♯.
2. Zulässige Intervalle: Unison, Vierte, fünfte, Oktave, Major und kleinere Sekunden, Major- und Moll -Drittel und der aufsteigende Moll Sechste (dem eine absteigende Bewegung folgen muss);
3. Sprünge: Wenn zwei Sprünge in die gleiche Richtung auftreten, muss die zweite kleiner als die erste sein. Die erste und dritte Notizen sollten keine Dissonanz bilden. Alle drei Notizen müssen derselben Triade gehören, und wenn dies unmöglich ist, sollte der Bereich eine Oktave nicht überschreiten. Mehr als zwei aufeinanderfolgende Sprünge sollten vermieden werden;
4. Nach einem großen Sprung: Es wird empfohlen, die Bewegung in die entgegengesetzte Richtung zu Schritt fortzusetzen.
5. Tritones und Sevenths: Ein Triton innerhalb von drei Noten (z. B. F -A -B ♮) und ein siebter Platz in einer ähnlichen Konstruktion sollten vermieden werden;
6. Höhepunkt: Jeder Teil sollte einen Höhepunkt haben - den höchsten Punkt der melodischen Linie. Es befindet sich normalerweise in der Mitte des Satzes und fällt auf einen starken Takt;
7. Siebte: Ein siebter sollte nicht innerhalb einer einzigen Linie betont werden, wenn die Bewegung in die gleiche Richtung fortgesetzt wird.

Stimme führend

Die folgenden Regeln gelten, wenn Stimmen interagieren:

• Start und Finish: Der Kontrapunkt muss in perfekter Konsonanz beginnen und enden.
• Gegenteiler Bewegung: Gegenteils Bewegung sollte vorherrschen, da dies parallele Fünftel und Oktaven verhindert;
• Ansatz zu perfekten Konsonanzen: Perfekte Konsonanzen sollten durch schräg oder entgegengesetzte Bewegung angegangen werden.
• Ansatz zu unvollkommenen Konsonanzen: Unvollkommene Konsonanzen können durch jede Art von Bewegung angegangen werden;
• Abstand zwischen Stimmen: Der Unterschied zwischen zwei benachbarten Teilen sollte einen zehnten nicht überschreiten, wenn es musikalisch erforderlich ist.
• Reihenfolge der Sprachkonstruktion: Arbeiten am Kontrapunkt sollten mit der Basslinie beginnen, und dann sollten die oberen Stimmen hinzugefügt werden.

Erste Arten Kontrapunkt

Bei der Erstspezies -Kontrapunkt klingt jede Note in der zusätzlichen Stimme gleichzeitig mit einer Note im Cantus firmaus. Alle Stimmen bewegen sich synchron, ohne rhythmische Unabhängigkeit, da nur ganze Notizen verwendet werden. Dies macht die ersten Arten zu den rhythmisch starrsten Arten.

Die melodische Bewegung in diesem Kontrapunkt ist in Schritte und Sprünge unterteilt. Ein Schritt ist die Bewegung um einen halben Schritt oder einen ganzen Schritt, während ein Sprung ein Intervall von einem dritten oder vierten ist. Wenn der Abstand zwischen den Notizen ein Fünftel oder größer ist, wird er als großer Sprung angesehen, der sorgfältig verwendet wird, um die melodische Glätte aufrechtzuerhalten.

Fux formulierte in seiner Studie über Palestrinas Stil mehrere Regeln für den Bau des Kontrapunkts der ersten Arten. Dazu gehören Empfehlungen für Intervallbeziehungen zwischen Stimmen, Aufrechterhaltung der Reinheit harmonischer Kombinationen und die ordnungsgemäße Verwendung der melodischen Bewegung. Diese Grundsätze wurden von späteren Theoretikern übernommen und bleiben die Grundlage für den strengen Kontrapunkt.

1. 1. Die Erste Arten kontrapunkte erfordert die strikte Einhaltung von Sprachleitungsregeln, um die harmonische Reinheit und die Unabhängigkeit von Linien aufrechtzuerhalten. Alle Stimmen bewegen sich synchron, wodurch die Struktur besonders transparent ist und die melodischen Beziehungen zwischen Teilen hervorhebt.
2. 2. Der Beginn und das Ende des Kontrapunkts müssen auf eine Einheit, Oktave oder Fünfter fallen, außer wenn die zusätzliche Stimme unter dem Cantus firmaus liegt - in solchen Situationen ist nur ein Unison oder eine Oktave zulässig;
3. 3. Das Unison ist ausschließlich zu Beginn und am Ende des Stücks erlaubt. Seine Verwendung ist im Rest des Kontrapunkts verboten;
4. 3. Das Unison ist ausschließlich zu Beginn und am Ende des Stücks erlaubt. Seine Verwendung ist im Rest des Kontrapunkts verboten;
5. 5. Parallele Vierter werden auch als unerwünscht angesehen, obwohl Fälle ihrer Verwendung in Palestrinas Praxis enthalten sind, insbesondere wenn sie nicht die Basslinie betreffen.
6. 6. Das gleiche Intervall sollte nicht mehr als dreimal hintereinander wiederholt werden.
7. 7. Parallele Drittel oder Sechstel sind zulässig, aber nicht mehr als dreimal in Folge;
8. 8. Die Differenz im Bereich zwischen zwei benachbarten Stimmen sollte einen zehnten nicht überschreiten, es sei denn, die Überschreitung dieser Grenze ist durch die außergewöhnliche Ausdruckskraft der Linie gerechtfertigt.
9. 9. Zwei Stimmen sollten sich nicht gleichzeitig in die gleiche Richtung bewegen, da dies die Unabhängigkeit der Linien untergräbt.
10. Eine entgegengesetzte Bewegung von Stimmen sollte nach Möglichkeit verwendet werden, da dies zu einer größeren polyphonischen Ausdruckskraft beiträgt.

Dissonante Intervalle wie Sekunden, Sevenths, erweiterte und verminderte Intervalle und der perfekte vierte (in den meisten Fällen) sollten nicht zwischen zwei Stimmen auftreten.

Zweite Arten Kontrapunkt

Bei der Kontrapunkt der zweiten Art wird jede Note des Cantus firmaus von zwei kürzeren Noten in den zusätzlichen Stimmen begleitet.

Bei der Kontrapunkt der zweiten Art bewegen sich die zusätzlichen Stimmen doppelt so schnell wie der Cantus firmaus, wodurch eine ausdruckswertere melodische Wechselwirkung erzeugt wird. Während die Grundprinzipien der ersten Arten aufrechterhalten werden, werden neue Anforderungen in Bezug auf die rhythmische Struktur und die Verwendung von Dissonanzen hinzugefügt.

1. An einem schwachen Beat beginnen: Es ist zulässig, die Melodie mit einem schwachen Takt zu starten und vor der ersten Note eine halbe Ruhe in der zusätzlichen Stimme zu lassen.
2. Konsonanzen und Dissonanzen: Nur Konsonanzen - sowohl perfekt (Oktave, Fünfter, Unison) als auch unvollkommen (dritter, sechster) - sind bei starken Schlägen zugelassen. Dissonanzen sind nur bei schwachen Schlägen und nur in Form von Tönen möglich, die benachbarte Notizen durch schrittweise Bewegung reibungslos verbinden müssen.
3. Unisonen: Wie bei den ersten Arten sollten Unisons nur am Anfang oder am Ende eines Satzes oder wenn sie auf einen schwachen Takt der Maßnahme fallen;
4. Aufeinanderfolgende Fünfter und Oktaven: Fünfte und Oktaven auf starken Schlägen erfordern besondere Aufmerksamkeit. Sie sollten nicht in wiederholten Bewegungen verwendet werden, da dies die Unabhängigkeit der Stimmen zerstört. Um dies zu vermeiden, wird empfohlen, dass sich eine Sprache spreng bewegt, während sich die andere schrittweise oder in die entgegengesetzte Richtung bewegt.

Contrapunto del Tercer Tipo

Bei der Kontrapunkt der dritten Art wird jede Notiz des Cantus firmaus mit drei oder vier kürzeren Noten in der zusätzlichen Stimme begleitet. Dies schafft eine aktivere und flüssigere melodische Entwicklung im Vergleich zu den vorherigen Arten. In dieser Art treten neue Figuren auf, die später auch bei den fünften Arten verwendet werden und dann über die strengen Grenzen des Arten -Kontrapunkts hinausgehen. Diese Zahlen umfassen die Nota Cambiata, die Doppel -Nachbartöne und die doppelten Pass -Töne.

Doppelte Nachbartöne sind eine Figur mit vier Noten, die bestimmte Dissonanzen ermöglicht. Die Vorbereitung tritt bei der ersten Note auf und die Auflösung tritt am vierten auf. Es ist wichtig, dass die fünfte Note oder der starke Takt der nächsten Maß die Bewegung in die gleiche Richtung wie die letzten beiden Noten der Abbildung fortsetzt.

Der doppelte Ton -Ton ermöglicht zwei aufeinanderfolgende dissonante Pass -Töne. Diese Zahl besteht aus vier Notizen, die sich schrittweise in eine Richtung bewegen. Die Dissonanz erfolgt auf den zweiten und dritten oder dritten und vierten Noten. Das Intervall eines vierten Übergänge übergeht in einen verminderten Fünften, worauf die nächste Note auf einen sechsten Platz auflöst.

Vierte Arten Kontrapunkt

Der Vierten Arten -Kontrapunkt wird durch die Verwendung von suspendierten Notizen unterschieden, die in einer Stimme gehalten werden, während sich eine andere Stimme weiter bewegt. Dies führt zum Auftreten von Dissonanzen, die dann in Konsonanzen aufgelöst werden, wodurch eine Auswirkung von Spannungen und anschließender Entspannung erzeugt wird. Diese Technik verleiht der Musik Ausdruckskraft und Glätte und verleiht der melodischen Linie einen natürlichen rhythmischen Puls.

Während Notizen, die gleichzeitig in die vorherigen Kontrapunkt -Arten eingetragen sind, die vierte Art der Synkopation anwenden: Eine Notiz wird abgehalten, und der nächste kommt zu spät, wodurch das übliche Gefühl der metrischen Stabilität vorübergehend stört. Dissonanz tritt beim starken Takt der Maßnahme auf, löst sich aber dann auf eine Konsonanz auf den schwachen Takt auf. Dies macht den Sound reicher und dramatischer.

Wenn Anmerkungen verschiedener Dauer in der zusätzlichen Stimme verwendet werden, wird der Kontrapunkt als erweitert angesehen. Der Beginn der vierten Arten kann auf verschiedene Arten organisiert werden: Es ist zulässig, mit einer halben Note zu beginnen, aber es ist auch üblich, eine halbe Pause einzugeben und vor der Entwicklung synkopierter Notizen einen vorbereiteten Eintrag zu erzeugen.

Ein Beispiel für einen doppelten Ton -Ton, bei dem die beiden zentralen Noten dissonante Intervalle bilden - ein vierter und ein verminderter fünfter - mit dem Cantus firmus.

In einem Beispiel eines Doppelpassing-Tons gibt es zentrale Noten in Form eines dissonanten Intervalls (ein vierter und ein kleiner Fünftel) mit dem Cantus firmaus.

Ein Beispiel für eine aufsteigende benachbarte Doppelfigur mit einem ausdrucksstarken Tritonsprung am Ende, der den Cantus firmaus begleitet.

Fünfte Arten (Florid -Kontrapunkt)

Bei der fünften Arten -Kontrapunkt, auch als Florid -Kontrapunkt bekannt, werden Elemente aller vier früheren Arten kombiniert und bilden ein komplexes und ausdrucksstarkes musikalisches Stoff. In dem vorgesehenen Beispiel entsprechen die ersten beiden Maßnahmen der zweiten Art, der dritten Messung der dritten Art, der vierte und fünfte eine Kombination aus dritter und verziertem viertem Arten, und die endgültige Maßnahme wird nach den Prinzipien der ersten Arten konstruiert. Es ist wichtig, ein Gleichgewicht zwischen den verschiedenen Kontrapunktenarten aufrechtzuerhalten, damit keiner von ihnen vorherrscht und die Natürlichkeit und Glätte der musikalischen Entwicklung sicherstellt.

Parallele Bewegung in der Musik

In der Musik, in der Kontrapunkt nicht verwendet wird, wird eine parallele Bewegung verwendet - eine Art der Sprache, bei der sich mehrere Zeilen nach oben oder unten bewegen und das gleiche Intervall zwischen ihnen beibehalten. Alle Stimmen ändern sich gleichzeitig und bleiben in derselben relativen Tonhöhe und in derselben Dauer.

Beispiele für diese Bewegung sind mittelalterliche Gesangsgesänge, bei denen Melodien parallel folgen, meistens in der vierten und fünften Intervallen. In der Instrumentalmusik kann in Barre -Gitarrenakkorden parallele Bewegung beobachtet werden. Wenn ein Musiker einen Akkord spielt und ihn entlang des Griffbretts bewegt, bewegen die Finger eine konsistente Position, und alle Noten des Akkords bewegen sich zusammen. Wenn eine Notiz angehoben oder gesenkt wird, ändern sich die anderen entsprechend. Gleiches gilt für die Dauer der Notizen - sie bleiben für alle Stimmen identisch.

Kontrapunktische Derivate

Seit der Renaissance ist der imitative Kontrapunkt in der europäischen Musik weit verbreitet, bei der mehrere Stimmen mit einer Verzögerung eintreten und eine modifizierte Version derselben melodischen Linie wiederholen. Dieses Prinzip wurde in Genres wie Fantasie, Ricercar und später in Kanonen und Fugen verwendet, die zur höchsten Form der kontrapunktischen Kunst wurden. Imitativer Kontrapunkt findet sich auch in Vokalmusik-Motets und Madrigale-, bei denen Stimmen eine komplexe, vielschichtige Textur erzeugen.

Die Entwicklung des imitativen Kontrapunkts führte zur Entstehung einer Reihe von Techniken unter Verwendung von Variationen der ursprünglichen Melodie:

• Melodische Inversion : Veränderung der Richtung der Melodie. Wenn sich das Intervall in der ursprünglichen Stimme nach oben bewegt, bewegt es sich in der Inversion durch das gleiche oder das gleichwertige Intervall nach unten. Zum Beispiel wird ein aufsteigender Major Dritter zu einem absteigenden Major oder einem kleinen Drittel;
• Retrograde : Die Melodie in umgekehrter Reihenfolge durchführen. In diesem Fall bleiben die Kontur und Intervalle erhalten, aber die Abfolge von Notizen geht in die entgegengesetzte Richtung;
• Retrograde Inversion : Eine Kombination der beiden früheren Techniken, bei denen die Melodie nicht nur in Richtung, sondern auch in Sequenz invertiert wird, in umgekehrter Reihenfolge durchgeführt und gleichzeitig in die entgegengesetzte Richtung bewegt;
• Augmentation : Ändern des rhythmischen Musters durch Verlängerung der Noten, in denen die nachahmende Stimme die Melodie bei einem langsameren Tempo ausführt;
• Minderung : Reduzierung der Dauer der Notizen in der nachahmenden Stimme, wodurch die Melodie im Vergleich zum Original mobiler wird.

Freier Kontrapunkt

Mit der Entwicklung von Harmonie während der Barockzeit war das kontrapunktische Schreiben weniger streng mit festen Interaktionsregeln mit dem Cantus firmaus verbunden. Stattdessen konzentrierten sich die Komponisten auf die Beziehungen zwischen Stimmen und schafften freiere und ausdrucksstärkere musikalische Strukturen. Dieser Ansatz wurde als freier Kontrapunkt bezeichnet.

Obwohl Elemente freier Kontrapunkte bereits im 18. Jahrhundert in Gebrauch waren, wurde seine Lehre erst im späten 19. Jahrhundert weit verbreitet. Kent Kennan merkt an, dass Komponisten wie Mozart, Beethoven und Schumann trotz Veränderungen in der Zusammensetzungspraxis weiterhin strengen Kontrapunkte untersuchten. In ihren Kompositionen erweiterten sie jedoch allmählich die Grenzen traditioneller Regeln und integrierten neue harmonische und rhythmische Möglichkeiten.

Der kostenlose Kontrapunkt ermöglicht die folgenden Funktionen:

1. Verwendung aller Akkordtypen : Die Verwendung aller Arten von Akkorden, einschließlich zweiter Inversionen, siebter Akkorde und neunter Akkorde, ist zulässig, vorausgesetzt, sie werden anschließend auf eine Konsonanz gelöst.
2. Der Chromatismus ist erlaubt, der die harmonische Palette des Stücks erweitert;
3. Dissonanzen können in jeder rhythmischen Position auftreten, einschließlich akzentueller Beats, die in strengen Kontrapunkten unzulässig waren.
4. Appoggiaturas : Die Verwendung von Appoggiaturas ist zulässig - disponante Notizen können durch LEAP und nicht nur schrittweise Bewegungen erreicht werden.

Linearer Kontrapunkt

Linearer Kontrapunkt ist eine Technik, bei der melodische Linien ihre Unabhängigkeit bewahren und nicht harmonischen Einschränkungen untergeordnet sind. Im Gegensatz zu traditioneller Kontrapunkt, wo vertikale harmonische Beziehungen eine bedeutende Rolle spielen, liegt der Schwerpunkt hier auf der horizontalen Entwicklung von Stimmen. Komponisten, die diesen Ansatz verwenden, bemühen sich nicht, klare Akkorde zu erstellen, sondern lassen Stimmen sich frei entwickeln, auch wenn ihre Kombinationen unerwartete harmonische Effekte haben.

Diese Methode wurde besonders wichtig für Befürworter der „neuen Objektivität“, die sie als Antithese zur romantischen Harmonie betrachteten. Hier wird entweder die Dominanz der melodischen Linie über harmonische Strukturen betont oder die Kontrolle von Harmonie über Stimmen vollständig verweigert. Infolgedessen ermöglicht die lineare Kontrapunkt jeder Stimme, ihre Autonomie aufrechtzuerhalten, was die Musik weniger vorhersehbar und flexibler in ihrer Entwicklung macht.

Eines der ersten Werke, bei denen diese Methode angewendet wurde, war Igor Stravinskys Octet (1923), in dem der Komponist von den Traditionen von Johann Sebastian Bach und Giovanni Palestrina inspiriert wurde. Wie Knud Jeppesen feststellt, unterschied sich jedoch die Ansätze dieser beiden Komponisten signifikant. Palestrina konstruierte Musik, beginnend mit melodischen Linien und führte sie zur Harmonie, während Bach von einer harmonischen Stiftung arbeitete und die Stimmen erlaubte, sich mit ausdrucksstarker Freiheit zu entwickeln.

Laut Cunningham wurde lineare Harmonie in der Musik des 20. Jahrhunderts zu einer beliebten Technik. In diesem Ansatz werden Linien ohne strenge Einschränkungen kombiniert, was zum Auftreten neuer Akkorde und Sequenzen führt, die oft unerwartet und im Voraus ungeplant sind. Diese Methode kann sowohl innerhalb des diatonischen Systems als auch in atonaler Musik angewendet werden und bietet Komponisten ausreichend Raum für Experimente.

Dissonanter Kontrapunkt

Der dissonante Kontrapunkt wurde von Charles Seeger als experimentelle Methodik entwickelt, die auf der Umkehrung der traditionellen Regeln des Arten -Kontrapunkts basiert. Bei diesem Ansatz spielt Dissonanz, nicht Konsonanz die Hauptaufgabe und wird eher zur Norm als zur Ausnahme. Beispielsweise sollten in der ersten Arten -Kontrapunkt alle Intervalle dissonant sein, und die Auflösung erfolgt nicht nach schrittweise, sondern durch Sprung. Seeger glaubte, dass diese Methode dazu beiträgt, die Wahrnehmung der Musikstruktur zu „reinigen“ und ein grundlegendes Gleichgewicht zwischen den Tönen zu schaffen.

Die Idee des dissonanten Kontrapunkts erstreckte sich nicht nur auf Intervalle, sondern auch auf andere Musikparameter wie Rhythmus. Zum Beispiel können anstelle eines herkömmlichen metrischen Gleichgewichts absichtlich unausgeglichene rhythmische Muster verwendet werden, um das Gefühl der Instabilität zu verbessern. Dieser Ansatz ermöglichte es Komponisten, sich von vertrauten harmonischen Kanonen zu entfernen und neue Formen des musikalischen Ausdrucks zu erkunden.

Obwohl Seeger die erste war, die diese Methode als Theorie formalisierte, war er nicht der einzige, der sie in der Praxis benutzte. Unter den Komponisten, die den dissonanten Kontrapunkt in der einen oder anderen Form auftraten, waren Johanna Beyer, John Cage, Ruth Crawford Seeger, Vivian Fine, Carl Ruggles, Henry Cowell, Carlos Chávez, John J. Becker, Henry Brant, Lou Harrison, Wallingford Riegger und Frank Wigglesworth. 1 Ihre Arbeiten zeigen, wie Dissonanz nicht als Spannungselement verwendet werden kann, das eine Auflösung erfordert, sondern als unabhängige Klangkategorie mit eigener Ausdruckskraft und Logik der Entwicklung.

Die Entwicklung des Kontrapunkts

Von der Renaissance zur Romantik

Contrapoint hat einen langen Weg zurückgelegt und sich mit Musikstilen und Komponisten -Ansätzen verändert. In der Renaissance wurde es verwendet, um glatte, ausgewogene Melodien zu erzeugen, bei denen jede Stimme gleich war. Komponisten wie Giovanni Palestrina strebten nach Klarheit und harmonischem Gleichgewicht und machen Kontrapunkt zu einem wesentlichen Teil der Kirche und der Chormusik.

Mit dem Aufkommen der Barockzeit erlangte der Kontrapunkt eine größere Komplexität. In der Arbeit von Johann Sebastian Bach erreichte es sein höchstes Entwicklungsniveau und wurde nicht nur zu einer Methode zum Schreiben von Musik, sondern auch zu einem Mittel, um einen reichen Klangwandler zu schaffen. Später, in klassischer und romantischer Musik, begannen Komponisten, Kontrapunkt selektiver zu verwenden. Mozart und Beethoven stellten es in Momenten der musikalischen Themenentwicklung vor, während Romantiker es als ausdrucksstarkes Gerät verwendeten und es mit reichen Harmonien und breiten melodischen Linien kombinierten.

Barock und Klassik: Kontrapunkt in verschiedenen Epochen

Barockmusik zeigt die virtuose Meisterschaft des Kontrapunkts. In dieser Zeit entstanden komplexe polyphonische Formen wie Fugen und Kanonen, bei denen sich Stimmen unabhängig entwickeln und gleichzeitig eine harmonische Verbindung aufrechterhalten. Komponisten verwendeten Kontrapunkte, um ein dynamisches Zusammenspiel von Themen und Motiven zu erstellen, das sich besonders in der Musik von Bach, Händel und anderen Barockmeistern deutlich machte.

Im klassischen Zeitalter machte Contrapoint der klareren und strukturierteren Komposition Platz. Die Homophonie wurde vorherrschend, aber polyphonische Techniken wurden weiterhin zur Verbesserung der Ausdruckskraft eingesetzt. In den Werken von Haydn, Mozart und Beethoven traten der Kontrapunkt häufig in Entwicklungen und Höhepunkten auf, was Spannung und Bewegung innerhalb der Form erzeugt.

Kontrapunkt in der Musik des 20. und 21. Jahrhunderts

Trotz der Veränderungen in der Musiksprache bleibt der Kontrapunkt ein wichtiges Kompositionsinstrument. Seine Elemente finden sich in symphonischen Musik, Jazz, der akademischen Avantgarde und sogar in einigen Genres elektronischer Musik. Zeitgenössische Komponisten experimentieren mit Kontrapunkt und kombinieren sie mit nicht-tonaler Harmonie, Polyrhythmen und neuen Schalltexturen.

Das Erbe des Kontrapunkts

Trotz der Entwicklung neuer Stile und Technologien ist Contrapoint weiterhin eine Grundlage für musikalisches Denken. Egal, ob es sich um die komplexen polyphonischen Werke der Barockzeit oder die mutigen, experimentellen Kompositionen des 20. Jahrhunderts handelt, die Prinzipien des Kontrapunkts tragen dazu bei, reichhaltige und vielschichtige musikalische Strukturen zu schaffen. Durch das Studieren von Kontrapunkten kann man nicht nur die Tradition verstehen, sondern auch neue Ausdrucksweisen in der Musik finden.