Musik mischen

Das Mischen von Musik ist einer der Hauptschritte der Produktion. Ohne sie klingt der Song nicht wie ein fertiges Stück und bleibt eine Demoaufnahme. Angehende Musiker müssen irgendwann mit Enttäuschungen rechnen. Du hast einen Groove-Beat, eine eingängige Melodie und eine wunderschöne Harmonie geschaffen. Dann haben Sie hochwertige Samples mitgenommen und interessante Synthesizer-Presets gefunden. Es scheint, dass alles cool und harmonisch klingen sollte. Aber Sie zeigen Ihre Kreation Ihren Freunden und stellen fest, dass sie nicht beeindruckt sind. Und Sie verstehen, dass etwas fehlt. Es fehlt nur noch das Mischen.

Noch schlimmer ist die Situation bei Live-Instrumenten. Du spielst im Proberaum, du kommst high, du spürst den Drive. Sie können sich bereits vorstellen, wie viele Fans zu Ihrem Konzert strömen und wie die Titel millionenfach gespielt werden. Aber du nimmst dein Material auf und merkst, dass nicht alles so cool ist, wie es bei der Probe schien. Und es scheint, als ob die Gitarren gestimmt sind und man reibungslos spielt und am Arrangement nichts auszusetzen hat, aber ohne Abmischung klingt die Musik nicht.

Selbst ein Song mit einer Akustikgitarre muss bearbeitet werden, Kompositionen mit dichter Instrumentierung noch mehr. Sie müssen alle Tracks zusammenmischen, damit sie konsistent abgespielt werden, nicht aus dem Gesamtbild herausragen und eine coole Mischung bilden. Darüber hinaus treten bei der Aufnahme immer Fehler, unglückliche Stellen und Obertöne auf. Audiodateien müssen zuerst bearbeitet und bereinigt und dann verarbeitet werden.

Was ist Musikmixen?

Im Grunde handelt es sich hierbei um Lautstärkebalance, Frequenzbalance und Färbung. Insgesamt gibt es drei Komponenten. Aber sie sind so mühsam, dass sie viel Zeit und Mühe kosten. Und da ist die ständige Weiterentwicklung von Fähigkeiten, Schulung und Ausbildung noch nicht mitgerechnet. Dieser Job erfordert ein gut entwickeltes, auf bestimmte Aufgaben zugeschnittenes Gehör. Und das Mischen von Musik löst viele dieser Probleme.

1. Beseitigung von Aufnahmemängeln . Damit die Musik rhythmisch erklingt, sind alle Teile auf ein gemeinsames Raster ausgerichtet, sodass unangenehme Resonanzen nicht auf die Ohren drücken, sondern gesucht und herausgeschnitten werden. Beim Gesang muss die Intonation korrigiert werden. Es gibt nur sehr wenige Sänger, die den Ton perfekt treffen. Schlecht klingende Instrumente lassen sie schöner und fetter aussehen;

2. Konflikte zwischen Instrumenten lösen . Viele Leute denken, dass dies Musikmischung ist. Dies ist jedoch nur ein kleiner Teil davon. Damit die Klänge im Mix zusammenpassen, werden sie in der Lautstärke nivelliert, entzerrt, jeder Stelle im Stereobild zugeordnet, komprimiert, mit Gruppeneffekten zusammengeklebt usw.;

3. Aufbau der Szene . Dies gilt teilweise auch für die Konfliktlösung. Aber auf diese Weise macht der Tontechniker das Klangbild auch schöner, interessanter, satter und angenehmer für das Ohr. Er bringt etwas in den Vordergrund, rückt etwas weiter weg, platziert etwas auf der linken Seite, etwas anderes etwas weiter links usw. Beim Mischen von Live-Musik kommt häufig die Bühnenanordnung zum Einsatz. Wir scheinen den Auftritt der Band zu beobachten: Links ist ein Gitarrist, mehrere Backgroundsänger sind in der Nähe, rechts sind Trompeter und ein Keyboarder ist näher an der Mitte. Und für ein dichtes elektronisches Arrangement kann man einfach eine Klangwand erschaffen, in der alles verschmilzt;

4. Geben Sie der Spur eine Farbe . Beim Mischen der Musik von Indie-Künstlern ist dies möglicherweise nicht das Wichtigste. Aber jede kommerzielle Popmusik hat ihre eigene Farbe: kräftig oder intelligent, hell oder sanft, trocken oder satt. Dasselbe gilt auch für Stile. „Kick“ im Hip-Hop ist nicht dasselbe wie „Kick“ im Hardrock, obwohl die Quellen fast dieselben sein können. New-Rap und Old-School-Rap klingen sehr unterschiedlich;

5. Gewährleistung der Verbreitung . Beim Mischen von Musik auf High-End-Monitoren klingt die Musik auf Kopfhörern und auf herkömmlichen Lautsprechern in der Regel gleich gut. Der Track muss im Auto „rocken“, im Einkaufszentrum wählerisch sein und mit der Reichweite von Smartphone und Laptop übereinstimmen. Dies nennt man das Wort „Broadcast“.

Was braucht man zum Mischen von Musik?

Seit Jahren feilen Musiker an ihren Fähigkeiten, suchen nach neuen Bewegungen und Techniken, analysieren Hits, experimentieren. Aber auch ohne ernsthafte Vorbereitung und Kenntnisse kann sich ein Anfänger an einen Computer setzen, einen Online-Sequenzer (z. B. Amped Studio) öffnen und in einer halben Stunde einen Beat skizzieren. Das Mischen von Musik ist komplizierter. Hier sind besondere Ressourcen erforderlich.

1. Geschultes Gehör

Je mehr Zeit eine Person mit dem Ausbalancieren, Ausgleichen und Analysieren von Referenzen verbringt, desto besser kann sie mischen. Musikern wird nicht empfohlen, ihre Lieder selbst zu mischen, da andere Ohren die Mängel, an die der Autor bei der Arbeit an seinem Werk gewöhnt ist, viel besser hören. Ein externer Tontechniker verfügt über die Erfahrung, das Können, das Wissen und die Frische der Wahrnehmung.

Manchmal beschränkt sich das Mischen von Musik jedoch nur darauf, ein Gleichgewicht zu finden. Manche Arrangeure erstellen sofort gut klingende Tracks. Und wenn Sie gewissenhaft mit Ihrem Material umgehen, können Sie dem Mischtechniker eine große Hilfe sein. Das Gleiche passiert, wenn der Mix nach dem Mastering praktisch unverändert bleibt: Nur derjenige, der ihn gemischt hat, hat ihn bereits dem Ideal näher gebracht.

2. Überwachung

Es ist klar, dass Musik durch etwas reproduziert werden muss. In diesem Fall wirkt sich jedoch die Qualität der Tonausrüstung auf die Qualität des Mixes aus. Wenn Sie außerdem zwischen teuren Lautsprechern und günstigen Monitoren wählen können, ist es besser, sich für Letzteres zu entscheiden.

Es wird nicht empfohlen, auf gewöhnlichen Akustikgeräten zu mischen, insbesondere nicht auf teuren. Tatsache ist, dass eine solche Akustik den Klang immer verschönert und alle Arten von Artefakten verbirgt, die bei Musiklautsprechern mit einer Leistung von 1 W oder mehr leicht auftauchen. Zum Mischen von Musik sollten Sie ausschließlich professionelle Monitore verwenden. Sie sind so konzipiert, dass alle Klangfehler sichtbar und hörbar gemacht werden. Tontechniker erleichtert .

Sie können Musik auch mit Kopfhörern mischen. Aber Profis versuchen dies zu vermeiden. Kopfhörer liefern kein ausreichendes Stereobild. Und am Ende wird das Lied im Raum gehört und muss auch im Raum bewertet werden. Obwohl heute verschiedene Programme verkauft werden, die den Klang von Kopfhörern korrigieren und ihn näher an das Studio bringen. Sie scheinen aus Kopfhörern ein professionelles Studio mit Monitoren zu machen.

Aber das Mischen von Musik über Kopfhörer hat seine Vorteile. Zum Beispiel den Einfluss des Raumes loswerden. Der Klang, der durch die Lautsprecher gelangt, nimmt eine bestimmte Farbe an. Daher klingt dasselbe Lied auf verschiedenen Lautsprechern, auf verschiedenen Monitoren und in verschiedenen Kopfhörern unterschiedlich. Aber das ist nicht so schlimm. Die Schallwelle wird von den Wänden reflektiert und nimmt in verschiedenen Räumen unterschiedliche Eigenschaften an.

Mit Kopfhörern können Sie Musik auch in den schlechtesten, unvorbereiteten Räumen mischen. Doch für die Arbeit an Lautsprechern oder Monitoren muss der Raum vorbereitet werden. Am günstigsten ist es, alles mit Mineralwolle, Verdunkelungsvorhängen, schallabsorbierenden Paneelen usw. zu dämpfen. Dies ist jedoch ein Thema für eine gesonderte Diskussion. Versuchen Sie auf jeden Fall, Ihren Mix auf verschiedenen Lautsprechern und in verschiedenen Räumen zu testen.

3. Sound-Schnittstelle

Jeder Computer, der Ton über Lautsprecher ausgeben kann, verfügt über eine integrierte Audioschnittstelle. Aber warum reicht das nicht aus, um Musik zu mischen? Tatsache ist, dass dieses Gerät mit einem ADC und einem DAC ausgestattet ist.

Ein ADC (Analog-Digital-Wandler) wandelt analogen Live-Sound (Stimme, Gitarrenakkorde, Schlagzeugschläge) in einen digitalen Code um, das heißt, er schreibt ihn auf einen Computer. Ein DAC (Digital-Analog-Wandler) hingegen bringt diesen Code zum Klingen, sprich, gibt ihn an die Lautsprecher aus.

Wenn wir nichts aufnehmen wollen, brauchen wir überhaupt keinen ADC. Für das Mischen von Musik ist jedoch ein DAC erforderlich, der von guter Qualität sein sollte. Die Qualität der im Computer eingebauten Soundkarten lässt zu wünschen übrig. Daher wird einem Musiker oder unerfahrenen Tontechniker empfohlen, sich eine externe Audiokarte zu besorgen. Daher wird einem Musiker oder unerfahrenen Tontechniker empfohlen, sich eine externe Audiokarte zu besorgen, und je teurer sie ist, desto besser.

Aber dieses Gerät funktioniert in Verbindung mit Lautsprechern. Wenn Sie keine professionellen Monitore haben, ist das Audio-Interface nutzlos. Daher können Sie zu Beginn die eingebaute Computerkarte verwenden. Sie müssen nicht warten, bis Sie die gewünschte Ausrüstung erhalten. Benutzen Sie immer das, was Sie zur Hand haben.

4. Software

Sie können Musik im selben Programm mischen, in dem Sie das Arrangement erstellt haben. Die meisten Sequenzer sind vielseitig und ermöglichen Ihnen die Aufnahme von Live-Instrumenten, das Erstellen von Beats , das Bearbeiten von Teilen, die Arbeit mit MIDI, das Mischen, das Mastern und vieles mehr. Sie benötigen außerdem Verarbeitungs-Plugins: Equalizer, Kompressoren usw. Diese sind in vielen Programmen enthalten.

Durch das Mischen von Musik in Online-Sequenzern können Sie ganz auf Programme und Plug-Ins verzichten. Sie benötigen lediglich einen Computer, ein Tablet oder ein Smartphone mit Kopfhörern. Die Funktionalität von Amped Studio bietet Ihnen beispielsweise alle Möglichkeiten, einen Song zu mischen. Hier können Sie eine Balance zwischen den Spuren herstellen, sie schwenken und sogar das Schwenken und die Lautstärke für jedes Instrument automatisieren. Ein Premium-Konto eröffnet noch mehr Automatisierungsmöglichkeiten.

Amped Studio verfügt über integrierte Kompressoren, EQ, Gate, Hall und viele andere Effekte. Sie müssen nicht einmal VST-Plugins , obwohl dieser Sequenzer die Verwendung von VSTs ermöglicht. Wir haben erwähnt, dass es für eine gute Mischung wichtig ist, den Mix auf verschiedenen Lautsprechern anzuhören. Amped Studio lässt sich von jedem Gerät aus öffnen, das über einen Browser verfügt. Das heißt, wir können die Mischung überall überprüfen: zum Beispiel beim Besuch von Freunden oder Eltern.

Dieses Online-Programm ermöglicht auch den Zugriff auf mehrere Konten. Alle Musiker der Gruppe können darin arbeiten, Titel anhören, Änderungen vornehmen, ungewöhnliche Lösungen ausprobieren, etwas korrigieren. Dadurch wird das Mischen von Musik objektiver. Je mehr Ohren, desto besser. Eine neue Wahrnehmung hilft nur der Arbeit.

Wie mixt man den Song?

Wir werden diesen Prozess später Schritt für Schritt durchgehen, vom Routing bis zur Verarbeitung des Master-Kanals. Aber schauen wir uns zunächst das Mischen von Musik von außen an, um das Wesentliche zu erfassen und die Aktionen nicht mechanisch zu wiederholen. Wir erfahren, was genau der Tontechniker macht, wenn er die Komposition mischt, und warum er es tut.

1. Lautstärkebalance

Präzise eingestellte Lautstärken machen den Song bereits fertig. Wenn sich jedoch die Lautstärke einzelner Titel ständig ändert, ist der Mix nicht stabil. Daher müssen Instrumente mit offensichtlichen Attacken, Spitzen und Einbrüchen komprimiert werden. Durch die Komprimierung wird der Bereich verkleinert und der Unterschied zwischen leisen und lauten Tönen beseitigt.

Beim Mischen von Musik geht es jedoch nicht nur um Glättung und Kantenglättung. Mit Hilfe der Lautstärkeregler können wir eine Perspektive aufbauen, genau wie beim Malen. Die Hauptinstrumente können lauter gemacht und damit nach vorne gebracht werden. Was leiser spielt, tritt in den Hintergrund. Und lassen Sie die füllenden kleinen Dinge irgendwo in der Ferne erklingen.

Das Ändern der Balance beim Abspielen des Mixes trägt dazu bei, den Song dramatischer, dynamischer und energischer zu machen. Automatisierung ist eine der wichtigsten Techniken zum Mischen von Musik. Wir können die Lautstärke automatisieren, indem wir eine Linie zeichnen, entlang derer sich der Pegel ändert. Und dann verschieben sich die Gleichgewichte: Ein anderes Instrument tritt in den Vordergrund, andere Akzente treten auf, der Groove verändert sich.

2. Frequenzbalance

Jeder Song hat einen einzigartigen Frequenzgang (AFC). Aber verschiedene Instrumente leben in unterschiedlichen Tonbereichen. Beim Mischen von Musik bauen sie ein ausgewogenes Bild auf. Allerdings ist es nicht notwendig, einen flachen Frequenzgang zu erreichen.

• Die Kick- und Bassgitarre hält den Tieftonbereich von etwa 40 bis 800 Hertz. Gleichzeitig haben sie auch eine Präsenzfrequenz (Klingeln der Saiten oder Klicken eines Schlägels) – im Bereich von 1000 Hz.
• Der Snare-Bereich beginnt bei etwa 200 Hz und reicht bis nach oben. Gleichzeitig kann es ein enges Tief bei etwa 100 Hz und ein helles Hoch bei etwa 7000 Hz haben.
• Hi-Hat- und andere Becken füllen den gesamten Mittel- und Hochfrequenzbereich ab 300 Hz und darüber aus. Aber oft sind sie stark beschnitten, so dass nur die oberste Spitze übrig bleibt.
• Die E-Gitarre liegt in der Mitte, von 300 bis 5000 Hz. Darüber hinaus können Spitzen und Senken in diesem Bereich auf ungewöhnlichste Weise verteilt sein.
• Der Tonumfang des Klaviers liegt bei etwa 80 bis 10.000 Hz. Genau wie eine Akustikgitarre.
• Synthesizer können je nach Art des Klangs ein breites Spektrum an Bereichen abdecken.

Für das Mischen von Musik sind die Instrumentenbereiche jedoch nicht sehr wichtig. Die Hauptsache ist, dass Kick und Bass für den Boden zuständig sind, die Becken für die Decke, die Harmonieinstrumente in der Mitte und der Gesang über all dem hängt, der von unten bis oben alles einnimmt. Viel wichtiger sind die spezifischen Frequenzen und die Wirkung, die ihre Verstärkung oder Dämpfung hat.

• 30, 60 oder 100 Hz – die Haupttieffrequenz von Kick und Bass. Wenn wir eine niedrige Kick haben und der Bass bei 100 Hz liegt, schneiden wir 100 Hz bei der Kick ab und fügen beim Bass hinzu. Und umgekehrt. So arbeiten sie zusammen. Auch die Snare-Power liegt bei 100 Hz im Verborgenen.
• 250 Hz – satt oder dröhnend. Wenn man den Gesang hier stark anhebt, erhält man einen kastenförmigen Sound. Wenn Sie einen großen Ausschnitt machen, verschwindet das Fundament der Stimme, sie wird träge und dünn.
• 600 Hz – Dichte und Trübung. Wenn viel davon vorhanden ist (z. B. bei einer Bassgitarre), klingt das Instrument undeutlich und seifig. Reicht es nicht aus, verliert die Mischung ihre Fülle, sie wird leer.
• 800 Hz – Schlechte Räume haben bei dieser Frequenz einen schmutzigen Klang. Sie können es zuschneiden, um ein akustisches Instrument oder Gesang zu bereinigen.
• 1,5 kHz – Snare-Lesbarkeit, Kick-Kicks, klingende Bassgitarrensaiten und Gesang vorhanden. Das Endergebnis ist ungefähr das Gleiche – bei dieser Frequenz macht sich das Instrument bemerkbar. Wenn Sie es hinzufügen, kommt die Stimme näher an den Zuhörer heran, nimmt aber das Klingeln eines Telefons an.
• 3, 4, 5, 7 kHz – Top-Farben. Sie müssen sie nur der Reihe nach ausprobieren und sich anhören, welches Ihnen am besten gefällt. Es ist darauf zu achten, dass keine Resonanzen entstehen und keine Säure entsteht. Im Bereich von 7-8 kHz gibt es auch einen Ton „c“, der auf die Ohren treffen kann.
• 10 kHz und höher – Weichheit und Luftigkeit. Macht Hats und Snares weicher, während der Gesang lauter wird.

Dies sind nur grobe Richtlinien. Das Mischen von Musik ist ein heikler Prozess und die Entzerrung muss in jedem Fall individuell erfolgen. Bei manchen Sängern wird der „c“-Ton möglicherweise bei 9 kHz (nicht bei 7) akzentuiert. Bei einigen Tritten kann ein Schlag im Bereich von 3 kHz (nicht 1,5) erklingen. Die Trübung kann in der gesamten unteren Mitte gesucht werden: von 300 bis 1000 Hz (nicht nur bei 600 und 800). Daher müssen Sie jedes Werkzeug sorgfältig angehen.

3. Balance nach Plan

Die Anordnung der Instrumente im Raum ergibt auch beim Musikmixen ein harmonisches Bild. Es ist nicht nur der Lautstärkeregler, der das Instrument näher oder weiter weg bringen kann. Kompressoren, Equalizer und Reverbs erzeugen räumliche Illusionen.

Einige Kompressoren verfügen beispielsweise über einstellbare Attack- und Release-Parameter. Ein großer (langer) Anschlag macht die Schläge kraftvoller, entfernt aber den Klang. Ein kurzer (schneller) Anschlag macht das Instrument klein, bringt es aber näher. So nimmt das Gehirn ein Schallsignal wahr. Ein Schnellverschluss entfernt den gesamten Schmutz und erzeugt die Illusion eines riesigen Raums. Der lange Release macht den Klang kompakt und ordentlich.

Wie wir sehen können, kommt es beim Mischen von Musik nicht nur auf die Entzerrung an, sondern sie hat auch einen großen Einfluss. Der Equalizer kann den Gesang nicht nur schöner, sondern auch klangvoller machen. Wir haben bereits 1,5 kHz abgedeckt, was den Sänger ein paar Schritte aus dem Mix zwingt. Niedrige Frequenzen bringen auch Gesang und jedes andere Instrument näher. Das menschliche Gehirn ist daran gewöhnt, dass es mehr Bässe aus einer nahegelegenen Quelle aufnimmt. Dies wird als „Proximity-Effekt“ bezeichnet.

Der Hall scheint so geschaffen worden zu sein, dass wir beim Mischen von Musik riesige Räume mit in alle Richtungen fliegenden Reflexionen erhalten. Aber dieses Gerät verfügt über einen Parameter, der es Ihnen ermöglicht, einen gewaltigen Eindruck zu hinterlassen und gleichzeitig die Stimme nach vorne zu bringen, ohne sie im Nachhall . Diese Einstellung wird „Predelay“ genannt. Es pausiert zwischen dem reinen Klang und dem bearbeiteten Klang und löst so den Effekt vom Instrument.

Panorama ist eine weitere leistungsstarke Möglichkeit, Ihre Musikmischung zu verbessern. Dadurch ist es möglich, den Ton nicht nur hin und her, sondern auch nach links und rechts zu bewegen. Das Gitarrenspiel von der Seite verliert seine Bedeutung, weil es nicht im Zentrum steht. Aber gleichzeitig erregt es Aufmerksamkeit, weil es im Raum lokalisiert ist. Legen wir die Tasten auf die andere Seite, dann haben wir eine breite Stereoanlage mit zwei Punkten, die gut hörbar sind, aber gleichzeitig andeuten, dass es sich hier nicht um die Haupttasten handelt.

4. Bereicherung und Dekoration

Das Mischen von Musik erfordert nicht immer diese Art von Arbeit. Es kommt vor, dass der Arrangeur die Klangfarben ziemlich kräftig, hell und schön gemacht hat. Manchmal erhält der Tontechniker sogar separate Spuren mit Verzögerungen und Hall. Wenn sie anständig klingen, besteht keine Notwendigkeit, sie umzuschreiben. Oftmals erfordern Sounds jedoch bereits beim Mischen von Musik eine zusätzliche Bearbeitung.

Die offensichtlichste Möglichkeit, eine Klangfarbe anzureichern, ist die Sättigung. Sie müssen lediglich ein spezielles Plugin öffnen und einige Harmonische . Equalizer und Kompressoren, die den Betrieb analoger Geräte simulieren, können ebenfalls zu harmonischen Verzerrungen führen. Dazu gehören die Emulationen PulTec, Teletronix, Fairchild, 1176. Auch Emulationen von Tonbandgeräten und Konsolen machen den Klang gesättigter.

Das Mischen von Musik ist ohne parallele Verarbeitung selten vollständig. Kompressoren, die Sonderfarben erzeugen, sind auf separaten Bahnen platziert. Dann werden auf ihnen die Sends vom Haupttrack gemacht. Dieses multiplizierte Signal wird stark komprimiert und sorgfältig in das Hauptsignal gemischt. Das Ergebnis ist ein dichter Klang mit zusätzlichen Obertönen. Verschiedene Kompressoren erzeugen unterschiedliche Farben, die Sie nach Ihrem Geschmack mischen können. Das Gleiche geschieht manchmal auch mit Equalizern.

Die Arbeit mit Reverbs und Delays wird von vielen als der kreativste Schritt beim Mischen von Musik angesehen. Tatsächlich beginnt der Mix mit diesen Effekten sofort schön und reich zu klingen. Aber es ist wichtig, es nicht zu übertreiben: Der Hall sollte kaum hörbar sein und die Verzögerungsechos sollten nicht in den Vordergrund treten. Durch die Automatisierung können Sie hier Ihre volle Kreativität zeigen. Sie können beispielsweise die Verzögerung an bestimmten Stellen einschalten, deren Pulsation oder Farbe ändern. An manchen Stellen können Sie die Hallfahne verlängern oder den Pegel erhöhen.

5. Arbeiten Sie mit der Master-Sektion und den Gruppen

Dies ist die letzte Phase des Musikmischens. Aber einige Techniken können unterwegs angewendet werden. Die Stapelverarbeitung hilft dabei, die Komponenten einer Mischung zusammenzukleben. Wenn Sie beispielsweise Kick, Snair und Hat zu einer Gruppe kombinieren und einen Farbkompressor wie Slate FG-MU an eine gemeinsame Spur hängen, werden sie zusammengeführt. Die Trommeln werden wie ein einziges Instrument klingen: mit einem gemeinsamen Groove, mit einer gemeinsamen Farbe, mit einem gemeinsamen Pegel.

Manchmal erfordert das Mischen von Musik eine separate Verarbeitung der Instrumentengruppe und eine separate Verarbeitung der Gesangsgruppe. Im Gegenteil, es hilft, den Gesang ein wenig aus dem Mix herauszunehmen. Sie können auch die Sidechain-Komprimierung anwenden, sodass während der Gesangswiedergabe die gesamte andere Musik leicht komprimiert wird und die Stimme hervortritt.

Kompressoren und Limiter glätten die Mikrodynamik. Aber die Makrodynamik muss manchmal beeinflusst werden, ganz im Gegenteil. Und das geschieht manuell. Die Arbeit mit der Makrodynamik kann während des Mischens der Musik durchgeführt werden oder dem Mastering-Ingenieur überlassen werden. Die Stellen, die explodieren sollen (zum Beispiel Refrains), machen wir mit Hilfe der Automatisierung um 1 Dezibel lauter. Wo Emotionen nach der Logik des Liedes nachlassen sollten, verringern wir die Lautstärke. Und im Refrain greifen wir es noch einmal auf.

Auch Refrains und Strophen können unterschiedlich verarbeitet sein, so dass sie sich unterscheiden. Dies wird auch die Entwicklung eines Musikstücks unterstützen und es interessanter und dynamischer machen.

Wir zerlegen den Prozess des Musikmischens Schritt für Schritt

Ganze Kurse und Schulen werden geschaffen, um diese Kunst zu lehren. Und eine Woche reicht nicht aus, um das Mischen zu lernen. Und noch mehr ein Artikel. Daher gehen wir kurz nur auf die Grundlagen des Liedes ein. Stellen Sie vor Arbeitsbeginn sicher, dass die Gleise ordnungsgemäß bearbeitet und bereinigt sind. Durch die Komprimierung werden alle leisen Klicks und Geräusche herausgezogen und lauter. Natürlich müssen Sie den Rhythmus anpassen und die Tonhöhe des Gesangs korrigieren.

1. Vorbereitung des Arbeitsplatzes . Um die Navigation im Projekt zu erleichtern, färben Sie die Spuren in verschiedenen Farben und fügen Sie Symbole ein, sofern der Sequenzer dies zulässt. In Amped Studio werden Spuren beispielsweise automatisch eingefärbt.

2. Routenführung . Fassen Sie die Instrumente zu Gruppen zusammen, um das Arbeiten mit ihnen und das anschließende Mischen von Musik in Gruppen zu erleichtern. Snare, Kick und Hat in einer Gruppe. Im anderen – Synthesizer. Im dritten – Gesangsparts. Der vierte ist Schlagzeug. Fünftens – Gitarren. Die Logik ist einfach. Dann erstellen wir eine separate Gruppe für Instrumente und eine separate Gruppe für alle Vocals. Und wir werden diese beiden Spuren an die allgemeine Spur des Mixes senden. Wir müssen auch Spuren für verschiedene Hallpläne erstellen.

3. Allgemeine Vorbearbeitung . Sie können sofort einen Limiter auf die Masterspur setzen und alles um 1-2 Dezibel herunterdrehen. Obwohl viele Toningenieure dagegen sind, Musik unter dem Limiter zu mischen. Alternativ können Sie auch sofort ein Tonbandgerät einsetzen: zum Beispiel Slate VTM oder Waves Kramer Tape. Wenn wir einen kräftigen Ton erzielen, gibt das Tonbandgerät sofort die richtige Farbe wieder. Aber Sie müssen an den Knöpfen drehen und hören, welche Konfiguration besser klingt.

4. Vorläufige Bilanzen . Wir stellen sofort alle Fader so ein, dass der Mix mehr oder weniger ausgewogen klingt. Wir lassen einen Spielraum von ein paar Dezibel. Mit fortschreitendem Mischvorgang wird die Musik lauter. Wir wählen die Basis (Gesang, Schlagzeug, das wichtigste harmonische Instrument), der Rest ist gedämpft (stumm), um nicht zu stören. Wir machen eine genauere Balance für die Basis.

5. Kik . Schalten Sie alles außer Schlagzeug und Bass stumm. Beim Kick fügen wir sofort 30 oder 60 Hz hinzu, vorzugsweise durch Emulation eines Eisengeräts. PulTec ist hier der Klassiker. Finden Sie einen Klick am Kick im Bereich von 1–5 kHz und passen Sie ihn nach Ihrem Geschmack an. Bei einem Low-Kick können 100 Hz abgesenkt werden, bei den Bässen dagegen kann man etwas hinzufügen. Lassen Sie uns einen Kompressor mit einstellbarem Attack einsetzen und den Attack erhöhen, um den Kick kraftvoller zu machen.

6. Snair. Wir probieren die gleichen Frequenzen auf Snair aus. Wenn die Leistung nicht ausreicht, versuchen wir, die Frequenz auf 100, 250 oder 600 Hz anzuheben. Wenn die Helligkeit nicht ausreicht, versuchen Sie es mit verschiedenen Frequenzen in der oberen Mitte (1-7 kHz). Wir haben auch einen Kompressor mit großem Attack eingebaut. Wenn der Angriff nicht ausreicht, können Sie versuchen, einen Transienten-Designer zu verwenden.

7. Hut. Beim Mischen von Musik im elektronischen Stil werden Becken in der Regel nicht berührt, da für sie sofort gute Samples ausgewählt werden. Aber Sie können die Bässe ab 300 Hz absenken und die Höhen absenken, wenn es zu stark brutzelt. Wenn Sie den Kompressor auf einen kleinen Anschlag einstellen, können Sie einen spitzen, scharfen Stoß erzeugen, der manchmal einen guten Groove erzeugt.

8. Trommelgruppe . Normalerweise wird es nur mit einem großen Attack und einem kleinen Release komprimiert. Wenn gleichzeitig Kick und Snair stark unterdrückt werden, ist es besser, den Kompressor parallel zu mischen.

9. Bass . Der Bass wird üblicherweise mit einem Teletronix LA-2A emuliert. Es führt sofort die richtigen Angriffe aus. Beim Mischen von Musik mit synthetischem Bass wird der Kompressor nur für leichte Überlastungen und die Erzeugung von Obertönen benötigt. Wenn wir den Kick um 30 Hz angehoben haben, erhöhen wir den Bass leicht um 60 Hz. Hier muss man darauf achten, wo es mehr Tiefton gibt: am Kick oder am Bass.

10. Synthesizer . Wenn es mehrere davon gibt, passen wir die Balance zwischen ihnen an und bringen sie dann mit Schlagzeug und Bass auf ein Niveau. Beim Mischen von Musik liegt die Hauptarbeit mit Synthesizern in deren Sättigung und Erweiterung. Hierfür eignen sich Parallelkompression Was die Frequenzkorrektur betrifft, können Sie versuchen, 250, 600, 1500 Hz hinzuzufügen. Aber überprüfen Sie unbedingt den Gesang.

11. Gesang . Der wichtigste Punkt. Durch die Komprimierung sehen Gesangsstimmen sofort schön aus. Sie können jedoch mehrere Kompressoren einsetzen, sie nach Gehör abstimmen und durch Umschalten den am besten geeigneten finden. Für alle Gesangsstimmen beim Mischen von Musik wird ein Filter eingesetzt, der die Frequenz auf 60–90 Hz absenkt. Dadurch wird mögliches Stampfen und Brummen beseitigt. Die Stimmfrequenzen haben wir bereits betrachtet: Fülle bei 250 Hz, Präsenz bei 1,5 kHz, „s“ bei 7-8 kHz.

12. Hall . Üblicherweise werden zur Dekoration ein rhythmisches Delay (Viertel, Triole oder Viertel mit Punkt) und mehrere Reverbs mit unterschiedlichen Algorithmen und unterschiedlicher Länge (Long Plate, Short Plate, Chamber, Room) verwendet. Wir erstellen Tracks für sie, senden Vocals nach Sending und hören uns an, welcher am besten passt, indem wir ein wenig abmischen. Dann machen wir dasselbe mit Snair und Synthesizern.

Wenn Sie am Ende des Mixes nicht die gewünschte Dichte erreichen, kann Reverb dabei helfen, die Sache etwas zu verfeinern. Es wird auch die Mängel des Gesangs beseitigen. Für die Verzögerung wird meist eine Automatisierung vorgeschrieben, die in Pausen ihre Lautstärke erhöht, sodass sie diese rhythmisch ausfüllt. Kick und Bass werden in der Regel nicht bearbeitet. Andernfalls treten Schmutz und Brummen auf. Erstellen Sie nicht zu viele Pläne. Zwei oder drei reichen aus.

13. Beherrschen . Dieser Vorgang gilt nicht als Abmischung von Musik, da hier bereits an der fertigen Mischung, also einem Track, gearbeitet wird. Normalerweise wird ein Song von einer anderen Person gemastert, nicht von derselben Person, die ihn gemischt hat. Hier sind frische Ohren und hochwertiges Equipment gefragt. Wenn es jedoch nicht möglich ist, einen Mastering-Ingenieur zu kontaktieren, können Sie versuchen, den Master-Kanal selbst zu bearbeiten.

Dazu benötigen Sie mindestens einen Limiter und eine Referenzspur. Mit Hilfe des Limiters bringen Sie die Lautstärke näher an den Referenzpegel. Dieses Gerät macht aber nicht nur den Ton lauter, es komprimiert auch den Tonumfang des Liedes, funktioniert also wie ein Kompressor. Hier kann das Mischen von Musik enden.

Doch neben dem Limiter gibt es viele komplexe VST-Plugins für die Arbeit mit der Master-Sektion. Dazu gehören der Drawmer S73 von Softube und der hochgelobte iZotope Ozone. Sie helfen dabei, einem Song Luft, Bass und Punch zu verleihen, parallele Komprimierung und EQ durchzuführen, Stereo zu erweitern, m/s-EQ durchzuführen und vieles mehr. Aber Sie sollten die Ergebnisse Ihres Mixings immer mit den Ergebnissen Ihres Masterings vergleichen. Wenn es keine Besserung bringt, ist es besser, es abzulehnen.

Abschluss

Wir haben die Grundlagen der Tontechnik kennengelernt, den Mischprozess auf einen Blick durchgegangen und die Punkte dargelegt, auf die man sich bei der Arbeit verlassen sollte. Die Kunst, Musik zu mischen, kann nicht an einem Tag gemeistert werden. Es erfordert jahrelanges Training und Lernen. Aber jetzt können Sie ganz einfach eine grobe Mischung herstellen.

Wenn Sie Informationen zu Plugins benötigen, finden Sie diese in einem anderen Artikel. Wir haben hier bewusst auf die Analyse spezifischer Equalizer und Kompressoren verzichtet, um deutlich zu machen: Guter Klang entsteht nicht durch Geräte, sondern durch Geschick und Gehör. Sie können sogar einen Song mischen, ohne Software auf Ihrem Computer installieren zu müssen – einfach auf das Internet zugreifen. Mit dem Online-Sequenzer können Sie sofort mit dem Mixen beginnen.

Warten Sie nicht auf die Gelegenheit, teure Hardware und Plugins zu kaufen. Denn gute Mischungen entstehen vor allem durch Hingabe. Wenn Sie sich für das Mischen von Musik interessieren, finden Sie im Internet jede Menge Schulungsvideos. Beginnen Sie mit dem Üben und in ein paar Wochen werden Sie sich dabei wie ein Fisch im Wasser fühlen.