Musikverlag

Music Publishing ist ein Geschäft, das sich mit der Management, Werbung und Monetarisierung von Musikwerken befasst. Verlage stellen sicher, dass Songwriter für die Verwendung ihrer Kompositionen bezahlt werden und helfen, die Leistung und Verteilung dieser Kompositionen zu organisieren.

Das Veröffentlichen ist einer der ältesten Bereiche des Musikgeschäfts. Es existierte lange, bevor die ersten Aufnahmegeräte erfunden wurden, und spielte bereits im frühen 20. Jahrhundert eine Schlüsselrolle in der Musikindustrie. Zu dieser Zeit war die Veröffentlichung von Noten die Hauptmethode, um Musik zu verteilen. Verlage druckten Noten, verteilten sie an Geschäfte und zahlten den Autoren einen Anteil am Umsatz, wodurch ihr Einkommen sichergestellt wurde.

Im Laufe der Technologie hat sich die Musikindustrie erheblich verändert. Das Aufkommen von Radio, Vinyl -Rekorde, Magnetbändern, kompakten Discs, digitalen Downloads und Streaming -Diensten veränderte die Art und Weise, wie Musik verbraucht wird. Der Kern des Musik Publishing ist jedoch gleich geblieben: Verlage repräsentieren Komponisten und Songschreiber, um sicherzustellen, dass sie für die kommerzielle Nutzung ihrer Arbeit bezahlt werden. Heute verwalten Publisher Urheberrechte, leiten die Lizenzierung und sammeln weltweit Lizenzgebühren. Während die Einnahmen aus dem Verkauf gedruckter Alben von Songs stammten, verfolgen Verlage jetzt Zahlungen von Streaming -Diensten, Radiosendern, Konzerten und anderen Quellen. Wir werden darüber sprechen, wie diese Mechanismen in den folgenden Abschnitten funktionieren.

Zwei Arten von Musik Urheberrecht: Komposition und Masteraufnahme

In der Musikindustrie ist das Urheberrecht in zwei Kategorien unterteilt: Kompositionsrechte und Master -Aufnahmerechte. Diese Begriffe werden oft in der Branche herumgeworfen, aber wenn Sie sich immer noch nicht sicher sind, was sie meinen, lassen Sie uns sie aufschlüsseln.

• Eine Komposition ist die musikalische Idee selbst, einschließlich Melodie, Harmonie und gegebenenfalls Texte. Denken Sie an Noten oder Texte in einem Notizbuch - das ist die Grundlage des Stücks, etwas, das auf viele verschiedene Arten aufgeführt werden kann.
• Eine Master -Aufnahme ist die spezifische, aufgezeichnete Version einer Komposition, die von einem Künstler oder Produzenten erstellt wurde. Dies sind die Aufnahmen, die wir auf digitalen Plattformen, im Radio oder in physischen Medien hören.

Aufgrund dieser Unterscheidung hat jeder Song effektiv zwei Urheberrechtssätze: einen für die Komposition selbst und eine für die spezifische Aufnahme. In einigen Fällen gehören beide Rechte im Besitz derselben Person, z. B. wenn der Künstler das Lied selbst geschrieben und aufgenommen hat.

Häufiger werden die Rechte zwischen verschiedenen Personen und Organisationen geteilt. Wenn Sie beispielsweise ein Cover eines Beatles -Songs aufnehmen, werden Sie nur die Master -Aufnahme besitzen, während die Rechte an der Komposition selbst bei den Besitzern des Katalogs der Band bleiben. In noch komplexeren Fällen wird die Verteilung der Rechte zu einem echten Puzzle, wenn ein Lied von einer Gruppe von Autoren erstellt wird, Elemente aus anderen Tracks verwendet oder Muster enthält. Gleichzeitig erfordert der Prozess der Erstellung und Anschließung einer Komposition einen völlig anderen Ansatz als an einer Master -Aufzeichnung. Beide Bereiche sind wichtig, aber heute werden wir uns speziell auf die Rechte an Kompositionen konzentrieren, die den Songwritern gehören und von Verlage verwaltet werden.

Drei Arten von Musikveröffentlichungen Lizenzgebühren, die Sie verstehen müssen

Das System zur Berechnung der Lizenzgebühren für Musik unterliegt dem Urheberrecht, und jedes Land hat möglicherweise seine eigenen Regeln. Die Kernprinzipien des Verlagsgeschäfts sind jedoch weltweit ähnlich. In diesem Artikel werden wir uns untersuchen, wie das Lizenzsystem in den USA funktioniert, da sich hier die größten Verlagsunternehmen befinden. Obwohl sich die Details in anderen Ländern unterscheiden können, bleiben die Grundprinzipien gleich.

In den Vereinigten Staaten gehört das Urheberrecht für ein Musikstück seinem Schöpfer von dem Moment an, in dem er zwei Bedingungen erfüllt: Es ist original (dh vom Autor von Grund auf erstellt) und wird in einem greifbaren Medium aufgezeichnet. Dies kann eine musikalische Notation, eine digitale Datei oder sogar eine Textnachricht mit einer Melodie sein.

Sobald der Autor die Rechte an seiner Arbeit hat, hat er das ausschließliche Recht,:

1. Reproduzieren und verteilen Sie seine Musik;
2. Es öffentlich ausführen oder übertragen;
3. Erstellen Sie neue Versionen basierend auf der ursprünglichen Arbeit.

Diese Rechte ermöglichen es dem Eigentümer, zu entscheiden, wer seine Musik nutzen kann und unter welchen Bedingungen. Wenn jemand die Arbeit reproduzieren, durchführen oder überarbeiten möchte, benötigt er eine Lizenz, und der Autor erhält dafür Lizenzgebühren. In der Praxis werden Lizenzgebühren für die Veröffentlichung von Musik in drei Hauptkategorien unterteilt, von denen jede mit bestimmten Aspekten des Urheberrechts der Komposition verbunden ist. Wie genau dieses System funktioniert und welche Zahlungen der Autor erhalten kann - wir werden weiter darüber sprechen.

Mechanische Lizenzgebühren: Wie sie funktionieren

Mechanische Lizenzgebühren sind Zahlungen, die Songwriter für die Reproduktion ihrer Kompositionen erhalten. Diese Zahlungen stammen von Dritten, die musikalische Werke aufzeichnen, veröffentlichen und verteilen wollen. Ursprünglich war diese Art von Lizenzgebühren mit der Herstellung physischer Medien wie Aufzeichnungen und CDs verbunden, daher der Name. Heute, im digitalen Zeitalter, ist die Hauptquelle für mechanische Lizenzgebühren Streaming -Dienste.

Royals werden angelangt, wenn ein Benutzer auf einer digitalen Plattform einen bestimmten Song abspielt. Es ist die Möglichkeit, einen Track auszuwählen, der die Notwendigkeit von Zahlungen an Autoren erstellt. Nicht-interaktive Dienste wie Pandora Radio generieren jedoch keine mechanischen Lizenzgebühren, da die Musik seitens des Hörers ohne Wahl gespielt wird.

Der Zahlungsmechanismus hängt vom Format der Musikverteilung ab. Im Falle von Streaming haben Dienste wie Spotify und Apple Music Transfer Lizenzgebühren direkt an Verlage. Wenn es um Downloads und physische Verkäufe geht, werden zuerst Zahlungen an den Eigentümer der Master -Aufnahme, dh das Etikett, geleistet und dann an den Verlag übertragen.

Mechanische Lizenzgebühren werden von spezialisierten Organisationen verteilt. In den USA wird dies von der Harry Fox -Agentur und in Großbritannien von der Mechanical Copyright Protection Society durchgeführt. In einer Reihe europäischer Länder werden ähnliche Funktionen von Organisationen ausgeführt, die sowohl für mechanische Zahlungen als auch für Lizenzgebühren für öffentliche Leistungen verantwortlich sind. Diese Strukturen bieten Autoren und Verlage eine Vergütung für die Verwendung ihrer Kompositionen in verschiedenen Medien und Plattformen.

In den USA werden mechanische Lizenzgebühren vom Copyright Board (CRB) reguliert und hängen vom Format der Musikverteilung ab. Für digitale Downloads und physische Medien wird eine Pauschalrate von 9,1 Cent pro Kopie festgelegt, wenn der Song nicht länger als fünf Minuten beträgt. Wenn die Spur länger ist, wird eine berechnete Rate von 1,75 Cent pro Minute angewendet.
Für das interaktive Streaming sind die Berechnungen komplizierter. Die CRB setzt den sogenannten All-in Royalty-Pool-den Betrag, den der Dienst an Songwriter zahlen muss. Es wird durch drei Formeln bestimmt, aus denen das Maximum ausgewählt wird:

1. Ein Prozentsatz des Gesamtumsatzes der Plattform. Derzeit beträgt es 11,8%, aber die Rate steigt allmählich und sollte bis 2022 15,1% erreichen.
2. Ein Prozentsatz des an Rekordetiketten gezahlten Betrags. Derzeit sind es 21-22% und steigt im Jahr 2022 auf 26%.
3. Eine minimale Flatrate von 50 Cent für jeden Abonnenten des Dienstes.

Der Streaming -Dienst wendet alle drei Formeln an und wählt die aus, die die größte Menge angibt. Die resultierende Zahl ist der All-In-Lizenzgebührenpool-die Gesamtmenge an Lizenzgebühren, die der Service zahlen muss. Die öffentlichen Leistungsgebühren, die in Verhandlungen mit Copyright Collective Management -Organisationen (PROs) festgelegt werden, werden zunächst von diesem Betrag abzugiert. Der Rest ist eine mechanische Könige, die dann anhand ihres Anteils an den Kompositionen an Songwriter verteilt wird, ähnlich wie Zahlungen an die Master -Aufnahmebesitzer.

Öffentliche Performance -Lizenzgebühren

Public Performance Lizenzgebühren werden an Autoren und Urheberrechtsinhaber für die Verwendung ihrer Musik an öffentlichen Orten, an Radio, Fernsehen, Streaming -Diensten und anderen Rundfunkkanälen bezahlt. Diese Zahlungen kompensieren den Teil des Urheberrechts, der mit der öffentlichen Leistung oder der Anzeige einer musikalischen Arbeit verbunden ist.

Jedes Mal, wenn ein Lied im Radio, in einem Café gespielt oder in einem Dienst gestreamt wird, werden Royals aufgelaufen. Auch wenn Sie über Streaming einen Track auf Ihren Kopfhörern spielen, wird dies auch als öffentliche Leistung angesehen.

Die Erhebung und Verteilung dieser Zahlungen wird von Copyright Collective Management Organizations (PROs) behandelt. In den USA gehören ASCAP, BMI und SESAC; In Großbritannien ist es PRS. Die Zahlungen werden aus zwei Hauptquellen gebildet: Streaming -Dienste und traditionelle Sender.

Streaming -Plattformen wie Spotify und Apple Music zahlen einen Prozentsatz ihres Umsatzes an Profis. Dieser Betrag wird dann zwischen allen im System registrierten Rechtsinhabern aufgeteilt. Der genaue Anteil der Zahlungen wird durch Verhandlungen zwischen den Diensten und dem Pros festgelegt, beträgt jedoch in der Regel rund 6-7% der gesamten Plattformeinnahmen.

Zu den traditionellen Sendern gehören Radiosender, Fernsehsender, Cafés, Bars, Konzertorte und andere Veranstaltungsorte, die Musik verwenden. Für die juristische öffentliche Leistung erwerben sie eine sogenannte vollständige Lizenz von The Pro, die das Recht gibt, registrierte Musik zu spielen. Die Kosten einer solchen Lizenz hängen von der Größe des Publikums ab: Je mehr potenzielle Zuhörer, desto höher ist die Zahl der Zahlungen.

Die Musiknutzung wird auf verschiedene Arten aufgenommen: Checklisten von Playlist, Broadcast -Protokolle und andere Berichte. Sogar Straßenmusiker, die in der U -Bahn auftreten, müssen Daten zu den Songs bereitstellen, die sie aufführen, wenn der Veranstaltungsort, an dem sie spielen, durch die relevanten Regeln reguliert wird.

Als nächstes berechnet der Pros die Zahlungen an Autoren und Verlage unter Berücksichtigung vieler Faktoren. Wenn Sie beispielsweise einen Song auf einem nationalen Fernsehsender während der Prime Time aufführen, wird Copyright -Inhaber nachts deutlich mehr Lizenzgebühren als auf einem Studentenradiosender spielen. Das gesamte System ist so konzipiert, dass Lizenzgebühren mit der Skalierung und Häufigkeit des Musikverbrauchs zusammenhängen.

Public Performance Lizenzgebühren werden an Autoren und Urheberrechtsinhaber für die Verwendung ihrer Musik an öffentlichen Orten, an Radio, Fernsehen, Streaming -Diensten und anderen Rundfunkkanälen bezahlt. Diese Zahlungen kompensieren den Teil des Urheberrechts, der mit der öffentlichen Leistung oder der Anzeige einer musikalischen Arbeit verbunden ist.

Jedes Mal, wenn ein Lied im Radio, in einem Café gespielt oder in einem Dienst gestreamt wird, werden Royals aufgelaufen. Auch wenn Sie über Streaming einen Track auf Ihren Kopfhörern spielen, wird dies auch als öffentliche Leistung angesehen.

Die Erhebung und Verteilung dieser Zahlungen wird von Copyright Collective Management Organizations (PROs) behandelt. In den USA gehören ASCAP, BMI und SESAC; In Großbritannien ist es PRS. Die Zahlungen werden aus zwei Hauptquellen gebildet: Streaming -Dienste und traditionelle Sender.

Streaming -Plattformen wie Spotify und Apple Music zahlen einen Prozentsatz ihres Umsatzes an Profis. Dieser Betrag wird dann zwischen allen im System registrierten Rechtsinhabern aufgeteilt. Der genaue Anteil der Zahlungen wird durch Verhandlungen zwischen den Diensten und dem Pros festgelegt, beträgt jedoch in der Regel rund 6-7% der gesamten Plattformeinnahmen.

Zu den traditionellen Sendern gehören Radiosender, Fernsehsender, Cafés, Bars, Konzertorte und andere Veranstaltungsorte, die Musik verwenden. Für die juristische öffentliche Leistung erwerben sie eine sogenannte vollständige Lizenz von The Pro, die das Recht gibt, registrierte Musik zu spielen. Die Kosten einer solchen Lizenz hängen von der Größe des Publikums ab: Je mehr potenzielle Zuhörer, desto höher ist die Zahl der Zahlungen.

Die Musiknutzung wird auf verschiedene Arten aufgenommen: Checklisten von Playlist, Broadcast -Protokolle und andere Berichte. Sogar Straßenmusiker, die in der U -Bahn auftreten, müssen Daten zu den Songs bereitstellen, die sie aufführen, wenn der Veranstaltungsort, an dem sie spielen, durch die relevanten Regeln reguliert wird.

Als nächstes berechnet der Pros die Zahlungen an Autoren und Verlage unter Berücksichtigung vieler Faktoren. Wenn Sie beispielsweise einen Song auf einem nationalen Fernsehsender während der Prime Time aufführen, wird Copyright -Inhaber nachts deutlich mehr Lizenzgebühren als auf einem Studentenradiosender spielen. Das gesamte System ist so konzipiert, dass Lizenzgebühren mit der Skalierung und Häufigkeit des Musikverbrauchs zusammenhängen.

Synchronisierungslizenzgebühren

Diese Art von Einkommen hängt mit dem Recht zusammen, abgeleitete Werke auf der Grundlage einer musikalischen Komposition zu schaffen. Wenn ein Lied in einem Film, einer Fernsehserie, einer Werbung, einem Computerspiel oder anderen Inhaltensart verwendet wird, müssen die Ersteller die Erlaubnis der Urheberrechtshalter einholen. Dieser Prozess wird als Synchronisierung bezeichnet und die Zahlungen zur Verwendung von Musik werden als Synchronisierungslizenzen bezeichnet.

Im Gegensatz zu mechanischen Lizenzgebühren und Lizenzgebühren für öffentliche Leistungen hat die Synchronisierung zwei wichtige Unterschiede. Erstens wird es immer durch individuelle Vereinbarungen formalisiert. Während die öffentliche Aufführung von Musik durch allgemeine Lizenzen und Standardzahlungen reguliert wird, erfordert die Synchronisierung eine Vereinbarung zwischen dem Musikbenutzer und dem Urheberrechtsinhaber. Zum Beispiel kostet die Radiorotation eines Tracks dasselbe für alle Künstler, aber die Kosten für eine Lizenz, um denselben Song in der Werbung zu verwenden, können sich um tausendmal variieren. Berühmte Künstler wie Drake fordern große Lizenzgebühren für die Verwendung ihrer Musik in kommerziellen Projekten, während die Rechte auf einem Track eines unbekannten Künstlers mehrmals weniger kosten können.

Der zweite Unterschied besteht darin, dass eine Synchronisierungslizenz eine Vereinbarung mit zwei Parteien erfordert: dem Eigentümer der Komposition (der Autoren und des Herausgebers) und dem Eigentümer der Aufnahme (das Label oder Künstler). Dies macht die Synchronisierung zu einem einzigartigen Teil des Musikgeschäfts, da die Geldströme zwischen verschiedenen Branchenteilnehmern aufgeteilt sind.

Es gibt andere Arten von Zahlungen im Verlagsgeschäft, wie z. Jetzt, da die Hauptquellen des Einkommens von Verlag klar sind, lohnt es sich, zu verstehen, was genau Musikverlage und welche Rolle sie in der Branche spielen.

Was ist eine Organisation für darstellende Rechte?

Eine Performance Rights Organization (Pro) sammelt Lizenzgebühren für die öffentliche Leistung von Musikwerken im Namen von Komponisten und Songwritern. Diese Organisationen arbeiten in einem bestimmten Land oder einer bestimmten Region und überwachen die Zahlung von Lizenzgebühren für die Verwendung von Musik im Radio, Fernsehen, Streaming -Dienste, Veranstaltungsorte und anderen öffentlichen Räumen.

Jedes Land hat seinen eigenen Profi. In Großbritannien ist es PRS in den USA - ASCAP, BMI und SESAC. Um Lizenzgebühren zu erhalten, muss sich ein Autor oder Komponist bei einer dieser Organisationen anmelden oder diese Verantwortung an seinen Musikverlag delegieren.

Wie unterscheidet sich ein Profi von einem Musikverlag?

Profis werden von Autoren, Komponisten und Musikverlagern erstellt und kontrolliert. Ihre Hauptaufgabe ist es, die Lizenzierung und Sammlung von Lizenzgebühren für die Leistung von Millionen von Liedern zu verwalten, den Zahlungsprozess zu vereinfachen und die Kosten für Rechteinhaber zu senken. Sie bündeln Urheberrechte und ermöglichen effizientere Verhandlungen mit digitalen Diensten, Radiosendern, Fernsehsendern und Veranstaltungsorten.

Profis sammeln jedoch keine mechanischen Lizenzgebühren. Diese werden von getrennten Organisationen wie MCPS in Großbritannien, MLC und der Harry Fox -Agentur in den USA verwaltet. Musikverleger sind normalerweise Mitglieder beider Arten von Organisationen, um sicherzustellen, dass Autoren alle möglichen Lizenzgebühren für die Verwendung ihrer Kompositionen erhalten.

Management des geistigen Eigentums in der Musikindustrie

Musikverlage und Verlage sind dafür verantwortlich, dass Songwriter und Komponisten für die Verwendung ihrer Arbeit bezahlt werden. Dieser Prozess basiert auf einem Veröffentlichungsvertrag, in dem der Autor seine Rechte an die Komposition an den Verlag überträgt. Im Gegenzug übernimmt das Unternehmen die Lizenzierung, kontrolliert, wo und wie die Musik verwendet wird, sammelt Lizenzgebühren und verteilt sie an die Autoren.

Verlage arbeiten auch für Musik. Sie helfen dabei, Kompositionen in Filmen, TV -Serien, Anzeigen zu platzieren und bieten sie den Darstellern zur Aufnahme. Manchmal organisieren Verlagsunternehmen die Schaffung von maßgefertigter Musik und bieten Autoren Provisionen für ihre Arbeit.

Urheberrechte in musikalischen Werken sind die wichtigste Form des geistigen Eigentums in der Branche. Zusätzlich zu den Rechten an den Kompositionen gibt es auch das Urheberrecht in der Master -Aufnahme, die am häufigsten von Plattenfirmen gehört. Verlage spielen eine Schlüsselrolle bei der Verwaltung dieser Vermögenswerte und stellen sicher, dass die Autoren für die Verwendung ihrer Musik ziemlich kompensiert werden.

Die Rolle der Musikverlage

Musikverleger sind für die Lizenzierung von Musik und die Verwaltung der Urheberrechte von Komponisten und Songwritern verantwortlich. Sie schließen Verträge mit Urheberrechtsinhabern ab, um die Verwendung ihrer Kompositionen zu kontrollieren und sicherzustellen, dass Lizenzgebühren aus allen verfügbaren Quellen gesammelt werden.

Der erste Schritt in der Arbeit eines Verlagshauss besteht darin, die Werke bei einer Collective Management Organization (CMO) zu registrieren. Dies ist erforderlich, damit Autoren Zahlungen für öffentliche Leistung, mechanische Lizenzgebühren und Synchronisation erhalten können.

1. Veröffentlichungsverwaltung: Registrierung, Sammlung und Lizenzkontrolle

Die Registrierung einer Komposition bei Profis und MROs ist technisch nicht schwierig. In den USA gibt es ASCAP, BMI, SESAC und HFA, während es in Großbritannien PRS und MCPs gibt. Durch die Registrierung können Autoren Zahlungen für die mechanische Reproduktion und die öffentliche Leistung erhalten, während Lizenzgebühren für die Synchronisierung eine separate Registrierung erfordern. Es scheint, dass dies genug ist, aber in Wirklichkeit ist der Prozess viel komplizierter.

Die Profis konzentrieren sich darauf, Lizenzgebühren zu sammeln, führen jedoch keine detaillierte Überprüfung der Zahlungsverteilung durch. Ihr Ziel ist es, Gelder zu sammeln und nicht sicherzustellen, dass das Geld jeden Urheberrechtsinhaber erreicht. Aus diesem Grund geht ein erheblicher Teil des Einkommens verloren oder bleibt nicht beansprucht. Die Branche hat sogar das Konzept einer „schwarzen Box“ von Lizenzgebühren - Geld, das aus verschiedenen Gründen nicht bezahlt wurde. Nach verschiedenen Schätzungen landen 10% bis 25% aller gesammelten Fonds jedes Jahr darin. Die Gründe für solche Verluste sind unterschiedlich: Fehler in Metadaten, doppelte Anwendungen, umstrittene Ansprüche oder sogar Versuche, das System zu manipulieren. Im Laufe der Jahre der Arbeit mit Künstlern haben Verlage Hunderte von Chaos in der Königsbilanzierung begegnet. Zum Beispiel kann ein Lied von mehreren Unternehmen gleichzeitig beansprucht werden, wobei jeder 35% der Rechte beansprucht. Infolgedessen erhält die Streaming -Plattform 140% der Komposition. Wie reagiert es darauf? Sehr einfach - niemand bekommt Geld, weil es unmöglich ist, Zahlungen korrekt zu verteilen.

Zusätzlich zu den inländischen Einnahmen können Songwriter Lizenzgebühren für die Verwendung ihrer Kompositionen im Ausland verdienen. Theoretisch tauschen kollektive Management -Organisationen (CMOs) in verschiedenen Ländern Daten aus und übertragen Zahlungen aufeinander. In der Praxis ist dieser Prozess jedoch alles andere als ideal. Aufgrund der Komplexität des Rechnungswesens und der ständigen Meinungsverschiedenheiten in der Verlagsbranche erreicht ein bedeutender Teil der internationalen Lizenzgebühren keine Autoren.

Um alle fälligen Zahlungen zu erhalten, müssen sich Songwriter bei kollektiven Managementorganisationen in jedem Land, in dem ihre Musik aufgeführt wird, registrieren. Es ist fast unmöglich, dies selbst zu tun. Daher übernehmen Verlage die Registrierung, prüfen die Rückstellungen, die Einreichung von Zahlungen und Streitstreitigkeiten. Im Wesentlichen fungiert der Verlag als Vertreter, der sicherstellt, dass kein Teil der Einnahmen übersehen wird.

Aufgrund der Komplexität der internationalen Lizenzgebührensammlung ist eine effektive Verwaltung nur mit einer globalen Reichweite möglich. Aus diesem Grund konzentriert sich das Rechtsmanagement am häufigsten in den Händen großer globaler Unternehmen. Unabhängige Verleger lagern ihren Katalog häufig durch Unterveröffentlichungsvereinbarungen an internationale Unternehmen aus. In dieser Vereinbarung übernimmt ein lokaler Verlag Lizenzgebühren in seinem Heimatland und lagert dann die Rechte an wichtigen Spielern wie Sony ATV, Warner Chappell, BMG, UMG, Pemalsic, Downtown Music Publishing (SongTrust) oder Kobalt aus, um dem globalen Markt zu dienen. Diese Unternehmen kümmern sich um eine internationale Verwaltung im Austausch für einen kleinen Prozentsatz der Lizenzgebühren, was den Autoren Zugang zu ihren Einnahmen aus der ganzen Welt ermöglicht.

2. A & R Abteilung in einem Musikverlag: Talent finden und die Karriere der Songwriter entwickeln

Die Rolle eines Musikverlags in der Karriere eines Künstlers hängt von ihrer kreativen Arbeit ab. Für viele Darsteller ist Publishing Songs nur eine zusätzliche Einnahmequelle. Wenn beispielsweise eine Band ihre eigene Musik schreibt und aufzeichnet, wird das Haupteinkommen aus dem Verkauf von Platten, Konzerten, Waren und anderen kommerziellen Aktivitäten zurückzuführen. In diesem Fall spielt das Verlagshaus eher eine administrative Rolle und hilft bei der Registrierung von Rechten, dem Sammeln von Lizenzgebühren und der Lizenzierung von Liedern.

Die Situation ändert sich jedoch, wenn es um Musiker geht, die nicht nur für sich selbst, sondern auch für andere Darsteller schreiben und Soundtracks für Filme, TV -Serien und Videospiele erstellen. Ein auffälliges Beispiel ist Ed Sheeran. Viele kennen ihn aus den Hits „Shape of You“ und „Perfect“, aber nicht jeder weiß, dass er auch ein Songwriter für Künstler wie Justin Bieber und Major Lazer ist.

Es gibt auch diejenigen, die sich völlig darauf konzentrieren, Musik für andere zu schreiben. Diese Autoren bleiben hinter den Kulissen der Branche, aber ihr Einfluss auf den globalen Musikmarkt ist kolossal. Zum Beispiel ist Max Martin ein Name, der der Öffentlichkeit wenig bekannt ist, aber seine Lieder sind in jeder Ecke der Welt zu hören. Er hat mit Katy Perry, der Weeknd, Backstreet Boys und vielen anderen Künstlern zusammengearbeitet und einige der bekanntesten Hits der letzten Jahrzehnte geschaffen.

Wie geht ein Songwriter vom Schreiben für eine lokale Band zur Zusammenarbeit mit globalen Stars? Hier kommt die Veröffentlichung von A & R ins Spiel. Für Songwriter und Produzenten, die für andere Künstler arbeiten, wird die Veröffentlichung mehr als nur ein Verwaltungspartner. Es ist ein wesentlicher Link zu ihrer beruflichen Entwicklung.

Im Allgemeinen sind A & R -Funktionen bei Veröffentlichungs- und Rekordetiketten ähnlich. Sie sind dafür verantwortlich, Talente zu finden, Verträge zu signieren und Songwriter zu entwickeln und ihnen zu helfen, Verbindungen zu Künstlern, Produzenten und Managern auf der ganzen Welt herzustellen. Es gibt jedoch einen wichtigen Unterschied zwischen den beiden, der die Besonderheiten der Veröffentlichung von A & R definiert.

Das Hauptziel von A & R (Künstler und Repertoire) ist es, die langfristigen Gewinne zu maximieren, die von Künstlern und ihrer Musik erzielt werden können. Es ist jedoch wichtig zu verstehen, dass A & R in Plattenfirmen und A & R bei der Veröffentlichung unterschiedliche Ziele haben. Als Ed Sheeran zum Beispiel das Lied für Justin Bieber schrieb, machte sein Label keinen Cent daraus. In der Zwischenzeit machte sein Verlag Millionen in Lizenzgebühren und Lizenzierung.

Während sich ein A & R auf einem Plattenlabel auf den Erfolg einer bestimmten Platte konzentriert, konzentriert sich ein A & R in einem Verlagshaus darauf, dass das Lied selbst (unabhängig vom Künstler) Geld verdient. Obwohl sich ihre Funktionen überschneiden, sind ihre Prioritäten und damit ihre Arbeitsanstellung unterschiedlich.

Um den Unterschied in A & R-Pflichten zu verstehen, sollten Sie zwei Künstler in Betracht ziehen: einen Beatmaker (auch bekannt als Produzent, wenn wir über Hip-Hop sprechen) und einen Rapper. Wenn sie auf einer Strecke zusammenarbeiten, würden ihre Aktien wie folgt aufgeteilt:

Ein Beatmaker/Produzent bekommt:

• 50% der Veröffentlichungsrechte für ein Lied für den instrumentellen Teil, den sie schaffen;
• Ein Anteil der Master-Aufzeichnung (etwa 2-3% der Hauptrechte).

Ein Rapper bekommt:

• 50% der Veröffentlichungsrechte für das Schreiben der Texte;
• Der Hauptanteil der Einnahmen aus der Master -Aufnahme (normalerweise zusammen mit dem Etikett).

Da ihr Einkommen von verschiedenen Quellen abhängt, arbeiten die A & Rs dieser Künstler in verschiedene Richtungen. A & R eines Rapper konzentriert sich auf die erfolgreiche Veröffentlichung und Förderung eines Tracks. Er organisiert den Aufnahmeprozess, bildet das Bild des Künstlers und engagiert sich mit der Marketingstrategie und Förderung der Veröffentlichung.

A & R eines Beatmakers hingegen konzentriert sich darauf, seine Komposition an den beliebtesten Künstler zu bringen. Je größer der Name des Künstlers ist, desto wahrscheinlicher ist es, dass das Lied Geld einbringt. Wenn Sie es schaffen, eine Zusammenarbeit mit einem Top -Künstler wie Drake auszuhandeln, ist dies fast ein garantierter Erfolg.

Für eine A & R -Arbeit mit Songwritern sind Verbindungen in der Branche von entscheidender Bedeutung. Komponisten und Beatmaker erzielen nur selten Erfolg - ihre Karriere basiert auf Zusammenarbeit. Je mehr Kontakte sie mit berühmten Künstlern haben, desto höher ist die Wahrscheinlichkeit, dass ihre Musik gefragt ist und Geld einbringt. Tatsächlich ist der Schlüssel zum Erfolg, ein Lied für jemanden zu schreiben, der bereits Top -Positionen in den Charts besetzt.

3.. Musikrechtsverhandlungen

Eine der wichtigsten Aufgaben eines Musikverlags ist es, die Interessen der Songwriter zu schützen und die günstigsten Begriffe für sie zu erhalten. Dies ist besonders wichtig, wenn mehrere Menschen an einer Komposition arbeiten. Stellen Sie sich eine Situation vor, in der vier Schriftsteller an einem Lied arbeiten, und in der Standardpraxis werden die Rechte gleichermaßen zwischen ihnen aufgeteilt, unabhängig davon, wer was beigetragen hat. Eine solche Aufteilung ist jedoch alles andere als immer fair. In solchen Fällen schließen die Verlage Verhandlungen ab, um festzustellen, welche Anteil an jedem Teilnehmer zurückzuführen ist.

Bei der Erstellung moderner Hits kann die Verteilung der Rechte noch komplizierter sein. Manchmal werden Songwriter dazu gebracht, an einem bestimmten Teil eines Tracks zu arbeiten. Ein Spezialist ist dafür verantwortlich, den Chor zu schreiben, ein anderer für das Instrumental -Riff, ein drittes Werk über die Texte der Verse, und der Produzent, der ursprünglich für die Anordnung eingestellt wurde, schlägt plötzlich eine Zeile vor, die der Schlüssel zum gesamten Werk wird. In solchen Fällen wird die Frage der Verteilung von Rechten zum Thema komplexe Verhandlungen. Dies ist besonders wichtig, wenn das Lied plötzlich populär wird und ein erhebliches Einkommen erzielt. Erinnern Sie sich an die Geschichte der Urheberrechtsstreitigkeiten um Wahrheit, die die Fälle haben, über die wir sprechen. Neben der klassischen Urheberschaft gibt es auch eine sogenannte indirekte Zusammenarbeit. Moderne Musik ist voller Kredite und Neuinterpretationen. Komponisten und Produzenten verwenden häufig Elemente vorhandener Tracks und erstellen neue Kompositionen, die auf ihnen basieren. Die Probenahme ist längst über Hip-Hop und elektronische Musik hinausgegangen und ist zu einem gemeinsamen Werkzeug in einer Vielzahl von Genres geworden. Aus urheberrechtlicher Sicht erhält der Autor der ursprünglichen Komposition, sobald ein Beispiel in einem Lied erscheint, automatisch einen Anteil der Rechte an der neuen Arbeit. Dies gilt nicht nur für Audiofragmente, sondern auch für melodische Linien oder sogar für geliehene Texte.

In solchen Fällen gilt die Standardregel der gleichen Abteilung nicht. Die Eigentümer der ursprünglichen Musik verhandeln mit den Verlegern, um festzustellen, wie viel Urheberrecht an sie gehen wird. Der Anteil kann zwischen 5 Prozent bis 100 Prozent liegen, je nachdem, wie wichtig die Stichprobe im neuen Lied ist. Manchmal bitten die Autoren des Originalmaterials überhaupt nicht um eine Entschädigung, aber wenn Ihr Track ein Beispiel aus einem berüchtigten großen Song verwendet, können Sie versichert, dass Sie die Rechte teilen müssen. Stichprobenverhandlungen sind oft ein komplizierter und langwieriger Prozess, aber sie können nicht vermieden werden. Wenn Sie planen, einen Track zu monetarisieren, der die Musik eines anderen ohne offizielle Genehmigung verwendet, riskieren Sie, alle Rechte an Ihrem Lied zu verlieren und alle Einnahmen daraus zu verlieren.

4. Wie Verlage helfen, Musik zu fördern

Viele Menschen kennen den Song, den ich von Frank Sinatra aufführte, aber seine Geschichte begann lange bevor es in die Charts kam. Die Originalversion wurde vom französischen Komponisten Claude François geschrieben, und erst 1969 erwarb der kanadische Autor Paul Anka das Recht, sie für eine symbolische $ 1 anzupassen. Der Deal hatte jedoch eine wichtige Bedingung: Die Autoren des Originals, Claude François und Jacques Revaux, behielten ihren Anteil an den Lizenzgebühren an allen von Anka erstellten Versionen. Dies bedeutet, dass jedes Mal, wenn mein Weg im Radio gespielt wird - in jeder Aufführung, von Sinatra bis Sid Vicious - die Schöpfer der ursprünglichen Melodie, die das Einkommen erhalten. Für Komponisten kann dies mit einer Goldmine verglichen werden, da ihre Arbeit jahrzehntelang weiterhin Geld einbringt.

Die Förderung musikalischer Werke ist ein wichtiger Bestandteil des Auftrags des Verlags. Seine Aufgabe ist es, sicherzustellen, dass der Katalog, den er verwaltet, nicht nur existiert, sondern auch einen maximalen Gewinn erzielt. Dies wird durch Deckversionen, Stichproben, Anpassungen und andere Gebrauchsformen der Zusammensetzung erreicht. Aktive Verlage warten nicht einfach auf Anfragen zur Verwendung eines Tracks, sondern initiieren die Zusammenarbeit selbst. Sie wenden sich an Künstler, Produzenten und Unternehmen und bieten Kompositionen für Interpretation und Integration in neue Projekte an. Je mehr die Arbeit verwendet wird, desto höher ist ihr kommerzieller Wert und desto mehr Einkommen bringt sie den Autoren ein. Allerdings benötigen nicht alle Autoren den gleichen Ansatz. Abhängig von der Karriere und den Zielen des Komponisten können verschiedene Veröffentlichungsvereinbarungen abgeschlossen werden. Im Laufe der Zeit haben sich in der Branche mehrere Standardtypen solcher Deals gebildet, sodass die Autoren die günstigsten Bedingungen für die Arbeit mit Verlage auswählen können.

5. Wie Streitigkeiten zwischen Schriftstellern und Verlegern entstehen

In der Musikindustrie werden die Veröffentlichungslizenzgebühren in der Regel 70/30: 70% auf den Songwriter aufgeteilt, und 30% gehen für ihre Dienste an den Verlag. In der Praxis gibt es jedoch unterschiedliche Arten von Vereinbarungen, und sie sind für Komponisten nicht immer von Vorteil. In einigen Fällen fordern die Darsteller einen Anteil an der Verlagswesen im Austausch für die Auswahl eines Songs zum Aufnehmen, insbesondere wenn der Autor sich noch keinen Namen gemacht hat. Manchmal wollen die Manager oder Produzenten des Künstlers auch einige der Rechte, wie Norman Petty und Phil Spector es taten. Und manchmal besteht der Verlag selbst darauf, in die Liste der Autoren aufgenommen zu werden, wie es mehr als einmal mit Morris Levy passiert ist. Solche Situationen reichen von der Standard -Branchenpraxis bis hin zu unglaublichen skrupellosen Systemen.

Eine der zweifelhaftesten Arten von Verlage ist der sogenannte SongShark. Im Gegensatz zu echten Unternehmen tun diese Verlage wenig, um Komponisten zu bewerben oder Geld mit den Liedern Performance -Gebühren zu verdienen. Stattdessen verdienen sie mit unerfahrenen Autoren Geld, indem sie ihnen bezahlte „Dienste“ anbieten, die ein normaler Verlag kostenlos anbieten würde. Dies könnte eine Zahlung für eine Demo -Aufnahme, -vereinbarung oder sogar für fiktive Gebühren für "Hören" und "Bewertung" sein. Natürlich gibt es Situationen, in denen die Bezahlung eines professionellen Seminars oder für ein Expert -Vorsprechen völlig gerechtfertigt ist. Wenn jedoch ein Verlag mit einem Komponisten Geld verdient, anstatt Möglichkeiten für ihn zu finden, gilt dies eher als betrügerisch angesehen.

Veröffentlichen von Themen verursachen häufig Konflikte zwischen Musikern und ihren Managern. 1958 trennte sich Buddy Holly von seinem Manager Norman Petty wegen eines Streits um Musikrechte. Fast ein Jahrzehnt später standen die Buckinghams vor einem ähnlichen Problem, als sie sich mit dem Produzenten James William Guercio trennten. Eine der bekanntesten Klagen in der Musikindustrie war zwischen John Fogerty und seinem ehemaligen Verlag Saul Zaentz. Zaentz verklagte Fogerty und behauptete, eines seiner Solo -Songs sei einem Creedence Clearwater Revival -Track aus dem Katalog des Verlags zu ähnlich. Das Gericht stand auf der Seite von Fogerty, aber die Tatsache, dass eine solche Klage eingereicht wurde, zeigt, wie kompliziert die Beziehung zwischen Künstlern und Besitzern ihrer Lieder sein kann.

Einige Künstler versuchen, solche Probleme zu vermeiden, indem sie ihre eigenen Verlagsunternehmen erstellen. Dies ermöglicht es ihnen, ihre eigenen Rechte zu kontrollieren und alle Gewinne aus der Verwendung ihrer Kompositionen zu erhalten. Allerdings schaffen es nicht alle Musiker, dies rechtzeitig zu tun, und es kann für sie katastrophal sein, die Kontrolle über ihre Songs zu verlieren. Little Richard, eine der wichtigsten Figuren in der Geschichte von Rock and Roll, wurde betrogen und verlor einen bedeutenden Teil seiner Lizenzgebühren. Die Beach Boys Brian Wilson und Mike Love hatten einen echten Schock, als sie erfuhren, dass der Vater der Wilson -Brüder, Merry Wilson, das Publishing Company Sea of ​​Meles an A & M Records verkaufte, für eine Menge, die sich mehrmals niedriger als ihre stellte tatsächlicher Wert.

Einer der bekanntesten Fälle, in denen die Kontrolle über die Veröffentlichungsrechte verloren geht, ist mit den Beatles verbunden. 1969 verkaufte ihr Herausgeber Dick James seinen Anteil an der nördlichen Songs Company an das Associated Television (ATV) und erhielt einen erheblichen Betrag dafür. Dies führte dazu, dass die Beatles die Kontrolle über die Rechte an ihren eigenen Songs verlor. Versuche der Manager Lee Eastman und Allen Klein, dies zu verhindern, waren erfolglos, und ATV wurde der größte Eigentümer des Katalogs der Gruppe. Danach beschlossen John Lennon und Paul McCartney, ihre verbleibenden Aktien zu verkaufen, wodurch das Eigentum an ihren eigenen Werken aufgegeben wurde und nur das Recht auf Lizenzgebühren behielten. George Harrison und Ringo Starr behielten kleine Einsätze, aber dies gab ihnen keinen Einfluss mehr.

Wie Musikverlagungen funktionieren

Bei jedem Veröffentlichungsvertrag wird ein Teil des Urheberrechts an den Verlag übertragen, der es ihnen ermöglicht, die Musik zu lizenzieren und Lizenzgebühren zu sammeln. Im Gegenzug erhält der Autor einen Prozentsatz dieser Gebühren. Das System der Rechteverteilung ist jedoch komplexer, als es auf den ersten Blick erscheinen mag.

Anteil des Autors vs. Publisher

Jedes Lied wird automatisch in zwei gleiche Teile aufgeteilt: 50% gehen an den Autor und 50% gehen an den Verlag. Auch wenn ein Lied von einer Person geschrieben wurde, besteht es immer noch aus diesen beiden Aktien. Der Anteil des Autors gehört immer dem Schöpfer der Arbeit und kann nicht an eine andere Person übertragen werden - Zahlungen gehen direkt durch kollektive Rechte -Management -Organisationen (Profis).

Der Verlag übernimmt die Aufgabe, das Einkommen aus dem Veröffentlichungsanteil des Songs zu sammeln und zu erhöhen, was die Interessen des Autors vertritt. Für seine Arbeit erhält er einen Prozentsatz der gesammelten Lizenzgebühren. Wenn der Komponist keinen Verlag oder seine eigene Firma hat, kann er nur auf den Anteil des Autors zählen, dh 50% der möglichen Lizenzgebühren.

Es ist heute nicht so schwierig, Ihr eigenes Verlag zu erstellen. Organisationen, die Lizenzgebühren von Autoren sammeln, wie Pro (verantwortlich für Lizenzgebühren für die öffentliche Leistung) und MRO (Sammeln mechanischer Lizenzgebühren), bieten Autoren-Tools zur Selbstverabreichung von Rechten an. Auf diese Weise können Musiker unabhängig von Dritten sind und Einnahmen aus allen Quellen erhalten.

Drei Arten von Musikverlagungsangeboten

Die Beziehung zwischen einem Verlag und einem Songwriter sowie der Verantwortung des Verlags hängt weitgehend von der abgeschlossenen Vertragstyp ab. Im Laufe der Jahre hat die Musikindustrie mehrere Standardmodelle der Zusammenarbeit entwickelt. Schauen wir uns die wichtigsten an.

1. Volle Veröffentlichungsangebote

Dieses Format war früher am häufigsten. Bei der Abschluss eines solchen Deals überträgt der Autor 100% seiner Rechte an das schriftliche Material an den Verlag. Der Vertrag deckt alle während seiner Laufzeit erstellten Arbeiten ab und enthält in der Regel Mindestverpflichtungen hinsichtlich der Anzahl der Songs. Die Rechte an jeder im Rahmen einer solchen Vereinbarung übertragenen Komposition bleiben dauerhaft beim Verlag.

Im Gegenzug übernimmt der Verlag die volle Unterstützung des Autors: Werbung für seine Songs, die Einrichtung professioneller Kontakte und hilft, profitable Geschäfte abzuschließen. Er zahlt auch einen Vorschuss, der dann durch Lizenzgebühren zurückgegeben wird.

Obwohl dieses Format weniger verbreitet ist als vor 20 Jahren, wird es immer noch verwendet. In den meisten Fällen werden solche Verträge mit Anfangsautoren abgeschlossen, die noch keinen ernsthaften Erfolg hatten. Der Verlag übernimmt finanzielle und reputationale Risiken, indem er in die Entwicklung des Autors investiert, und erhält einen großen Anteil am Einkommen dafür.

2. Joint Publishing Deals

Heute ist dieses Vertragsformat das beliebteste unter Songwritern. In einem solchen Deal veröffentlichen der Autor und die Verlagsgesellschaft gemeinsam Musikmaterial und teilen den Anteil des Verlags gleichermaßen. Infolgedessen erhält der Autor 75% des Einkommens: 50% als Schöpfer der Arbeit und weitere 25% aus dem Verlagsanteil seines eigenen Mikrokompaniens.

Diese Art der Zusammenarbeit ist für Autoren geeignet, die bereits einige Erfolg und Einfluss haben, aber dennoch die Unterstützung eines Verlags benötigen. Im Gegensatz zu einem vollständigen Veröffentlichungsvertrag hat der Autor hier mehr Kontrolle über die Rechte, da er am Ende des Vertrags darauf zurückkehren kann. Die Dauer dieser Rechte ist individuell und variiert von mehreren Jahren bis zu mehreren Jahrzehnten.

Andernfalls ähnelt ein solcher Deal einem vollständigen Veröffentlichungsvertrag. Der Verlag bietet einen Fortschritt, der dann aus dem Einkommen des Autors erstattet, seine Songs fördert, Kontakte in der Branche aufbauen, die Schaffung von Demoaufnahmen finanziert und die Zusammenarbeit mit berühmten Künstlern organisiert. Im Gegenzug verpflichtet sich der Autor, während der Vertragszeit eine bestimmte Anzahl von Liedern zu schreiben.

Die Einkommensverteilung aus der Lizenzierung von Musikmaterial in Werbung, Film und Fernsehen wird in jedem spezifischen Fall getrennt ausgehandelt. Der endgültige Anteil des Autors hängt von den Bedingungen ab, die er bei der Abschluss des Geschäfts zustimmen konnte.

3.. Verwaltungsveröffentlichungsgeschäfte

Dieses Format der Kooperation unterscheidet sich von anderen darin, dass der Verlag hier nur eine Funktion ausführt - sammelt und überprüft Lizenzgebühren. Der Autor behält die Rechte an seinen Werken vollständig bei, und der Verlag erhält als Verwaltungsgebühr von 10% bis 25% der Kommission. Mit einem solchen Vertrag erhält der Verlag nur während der Vertragszeit einen Anteil und nach Ablauf der Ablauf der Einkommensverteilung. Aus diesem Grund werden solche Geschäfte normalerweise für einen längeren Zeitraum abgeschlossen als gemeinsame - manchmal bis zu 5 Jahre.

Diese Option wird am häufigsten von erfahrenen Songwritern und Darstellern ausgewählt, die bereits in der Branche fest etabliert sind und keine zusätzliche Werbung benötigen. Zum Beispiel benötigen bekannte Produzenten und Songwriter wie Max Martin keine Unterstützung eines Verlags, um Darsteller zu finden-sie haben bereits Verbindungen hergestellt. Sie brauchen jedoch professionelle Hilfe bei der Registrierung von Arbeiten mit verschiedenen Urheberrechtsgesellschaften, der Prüfung von Lizenzgebühren, der Überprüfung der Verwendung von Kompositionen in Filmen und Werbung. Solche Deals ermöglichen es großen Schriftstellern und Künstlern, die volle Kontrolle über ihre Songs zu behalten und gleichzeitig die maximale Lizenzkollektion sicherzustellen. Dieser Ansatz ist auch für Musiker, die ausschließlich für sich selbst Musik schaffen und nicht planen, die Rechte an andere zu übertragen. Aus diesem Grund bieten viele digitale Vertriebsdienste wie Tunecore, CDBaby und Ditto Music administrative Publishing -Dienste sowie Vertrieb Musik auf Streaming -Plattformen an.

Musik für die Synchronisierung vorbereiten

Die Lizenzierung von Musik für Synchronisation ist ein wichtiger Teil des Musikverlags. Es ermöglicht die Verwendung von Tracks in Kombination mit Videoinhalten, beispielsweise in Filmen, Anzeigen oder Videospielen. Dieses Format bringt nicht nur das Einkommen des Autors aus der Lizenzierung, sondern erweitert auch ihr Publikum erheblich.

Durch die Verbindung zu Diensten, die mit Sync arbeiten, können Musiker Zugang zu einer Vielzahl von Möglichkeiten haben. Dazu gehört das Platzieren von Songs in Filmen, Fernsehsendungen, Werbespots und Spielprojekten. Synchronisierungslizenzen können eine große Quelle für stabile Einnahmen sein und auf internationaler Ebene die Anerkennung der Künstler erhöhen.

Wie man mit einem Musikverlag zusammenarbeitet

Um ihre Musik so effektiv wie möglich zu monetarisieren, muss der Autor mit einem Verlag zusammenarbeiten, der sich um administrative Probleme kümmert. Dies beinhaltet die Registrierung von Songs bei Copyright -Gesellschaften, das Verfolgen von Lizenzgebühren und das Einreichen von Musik für die Synchronisierung.

Der Verlag führt die folgenden Aufgaben aus:

• Register arbeitet mit internationalen Organisationen zusammen, die die Rechte von Darstellern schützen.
• Geben Sie Musik in Datenbanken ein, um mechanische Lizenzgebühren zu sammeln;
• Kontrolliert und sammelt Lizenzgebühren für öffentliche Leistung und mechanische Reproduktion;
• Bietet Tracks für die Verwendung in Filmen, Werbung und anderen Medienformaten und sorgt für die Sammlung von Lizenzeinnahmen.

Die Zukunft des Musikverlags

Das Veröffentlichen bleibt ein wichtiger Bestandteil der Karriere eines Songwriters, aber sein Format ändert sich erheblich. Aktuelle Trends in der Branche erinnern in vielerlei Hinsicht an die Entwicklung von Rekordetiketten.

Vor zwanzig Jahren unterschrieben die meisten Künstler bei großen Labels, die die Kosten für die Aufnahme und Werbung im Austausch für eine erhebliche Verkäufe des Umsatzes berücksichtigten. Gleichzeitig haben Songwriter vollständige Veröffentlichungsangebote unterschrieben, in der Hoffnung, ihre Songs im Radio zu spielen, wo der größte Teil des Geldes verdient wird.

Das hat sich geändert: Digitale Technologie hat Songwritern und Künstlern mehr Möglichkeiten für Selbstpromote gegeben. Anstatt in großen Studios zu arbeiten, wie es in der Vergangenheit der Fall war, werden zu Hause von kleinen Teams Hits erstellt und über soziale Medien und Streaming -Dienste gefördert.

Co-Publishing-Deals mit einem Fokus auf die Entwicklung der Schriftstellerin bleiben populär, aber immer mehr Songwriter entscheiden sich für Verwaltungsabkommen. Dies ist ähnlich wie in der Rekordindustrie, die Künstler zunehmend mit Distributoren und nicht mit Etiketten zusammenarbeiten. Die Unabhängigkeit wird zu einem Schlüsselfaktor und ermöglicht es Künstlern, die Kontrolle über ihren Katalog zu behalten, anstatt sie an große Unternehmen zu übergeben.

Selbst völlig unabhängige Songwriter können nicht auf die Veröffentlichung verzichten, genauso wie unabhängige Künstler die Dienste digitaler Distributoren benötigen. Neue Unternehmen wie Kobalt und SongTrust bewegen sich in diese Richtung und erstellen automatisierte Systeme zum Sammeln und Verteilen von Lizenzgebühren.

Heute sind die Grenzen zwischen verschiedenen Sektoren des Musikgeschäfts verwischt. Distributoren bieten an, Dienstleistungen anzubieten, die traditionell für Labels vorbehalten sind, und Veröffentlichungsunternehmen können ihre Rolle künftig durch die Übernahme von Werbefunktionen erweitern. Es werden möglicherweise bald neue Akteure auf dem Markt auftauchen, die das Songwriter -Management mit Fähigkeiten kombinieren, die zuvor nur für Veröffentlichungsriesen verfügbar sind.