Cómo hacer música

Hasta hace poco, todos los que estaban interesados en la cuestión de cómo hacer música tenían que comprender que el proceso en sí mismo requiere una preparación y una práctica minuciosas. La ausencia de plug-ins y secuenciadores multipista hacía necesario ensayar el material repetidamente hasta que fuera casi automático. En el estudio, todo tenía que tocarse a la perfección, en sincronía y sin errores.

Sin embargo, con la llegada de los programas informáticos, los músicos adquirieron la capacidad de grabar múltiples tomas y editar pistas sin esfuerzo con solo unos pocos clics del ratón. Hoy en día, se puede producir fácilmente una canción de éxito desde la comodidad de su hogar, como han demostrado muchos cantantes contemporáneos a través de sus experiencias.

¿Cuáles son los requisitos para crear música?

Sin duda, un estudio profesional de alta gama ofrece ventajas significativas en cuanto a equipamiento. Estos estudios suelen disponer de amplias salas insonorizadas con una acústica excepcional, así como compresores y ecualizadores de alta calidad, una amplia selección de micrófonos, una consola analógica, una sala de control bien equipada con múltiples líneas de monitorización y mucho más.

Sin embargo, un estudio doméstico tiene sus propias ventajas en términos de presupuesto y eficiencia. Si estás creando música electrónica con un ordenador y plug-ins, no necesitarás salas insonorizadas ni multitud de micrófonos. Al fin y al cabo, no vas a grabar una orquesta completa, una batería o un piano de cola. Solo tienes que centrarte en lo esencial y ponerte manos a la obra. Entonces, ¿qué equipo necesitas para montar un estudio de producción doméstico completo?

• Ordenador;
• Secuenciador con plugins;
• Interfaz de audio;
• Monitores;
• Auriculares;
• Micrófono;
• Teclado MIDI;
• Guitarra, bajo (si tocas);
• Sala insonorizada;
• Racks y cables.

Hoy en día, ya no es necesario instalar gigabytes de software en el ordenador para componer tu propia música. Con un secuenciador como Amped Studio, puedes producir música directamente en tu navegador web, ya que incluye todas las funciones, herramientas y complementos esenciales. En este secuenciador online encontrarás un editor de audio, un editor MIDI, sintetizadores, samplers y efectos de procesamiento. Por lo tanto, en realidad, un secuenciador online te permite trabajar sin necesidad de software adicional.

¿Qué otro equipo no es necesario para hacer música? Los monitores pueden sustituirse por auriculares de alta calidad, lo que elimina la necesidad de un tratamiento acústico de la sala. Si no tienes un teclado MIDI, puedes simplemente dibujar las notas con un lápiz en el editor MIDI. En Amped Studio, puedes incluso dibujar acordes completos con un solo clic. Aunque un micrófono es útil para grabar voces, no es necesario.

Por lo tanto, todo lo que necesitas para hacer música es un ordenador, auriculares, una interfaz de audio y una conexión a Internet. Sin embargo, si no tienes monitores ni micrófono, también puedes prescindir de la interfaz de audio. ¿Es posible crear música sin necesidad de un ordenador? Hoy en día, esto es posible gracias a la producción musical móvil en un smartphone o una tableta.

¿De qué maneras se puede crear música sin utilizar un ordenador?

Un secuenciador en línea funciona dentro de un navegador web en un ordenador, portátil, tableta o smartphone, lo que te permite utilizar cualquier dispositivo móvil conectado a Internet para componer música. Estos programas no tienen requisitos especiales del sistema y no requieren la descarga de software, bibliotecas de samplers o instrumentos virtuales y plug-ins de efectos.

El formato online agiliza el proceso de composición musical, permitiéndote capturar rápidamente ideas musicales, incluso cuando estás lejos de tu ordenador con un secuenciador. Solo tienes que abrir la página web en tu smartphone o tableta y anotar una melodía, un ritmo o un estribillo. Más tarde, cuando vuelvas a tu ordenador, podrás finalizar fácilmente tu proyecto.

Amped Studio, un secuenciador en línea, es increíblemente fácil de usar y ofrece una amplia gama de funciones de composición musical. Funciona en formato multipista, graba audio y MIDI de fuentes externas y edita clips de audio y MIDI. Además, proporciona una variedad de bucles, samplers y patrones MIDI e incluye instrumentos virtuales y plug-ins integrados. Con estas funciones, ya es posible crear música únicamente con su ayuda. Aquí tienes una lista básica de equipos:

• Sintetizador;
• Muestreador;
• Caja de ritmos ;
• Compresor;
• Ecualizador;
• Retardo;
• Reverberación;
• Horus;
• Distorsión.

Además, Amped Studio permite conectar VST desde un ordenador, lo que no suele ser una característica de los secuenciadores en línea. Además, ofrece una función única que convierte una melodía cantada en una secuencia de notas MIDI. Además, Amped Studio permite que varios usuarios colaboren en el mismo proyecto desde diferentes ordenadores, lo que no es una característica habitual en los programas fijos.

Este software es especialmente beneficioso para los creadores de ritmos, compositores y letristas que buscan crear música de forma rápida y eficiente. También es excelente para arreglar música, y los vocalistas, guitarristas y teclistas encontrarán especialmente útil la función de grabación de sonido. Incluso los ingenieros de mezcla pueden aprovechar las capacidades de Amped Studio para equilibrar las pistas y aplicarles efectos.

¿Es necesario tener conocimientos de teoría musical para crear música?

Puede que te decepcione, pero tener algunos conocimientos de teoría musical es esencial para un músico. Sin embargo, la buena noticia es que no es necesario memorizarlo todo. A medida que te sumerjas en el mundo musical, te familiarizarás con sus conceptos y leyes de forma natural. Aunque no estés familiarizado con la terminología, eso no te impide crear una melodía. Algunos músicos han dominado las técnicas y pueden idear rápidamente ideas interesantes sin conocer sus nombres técnicos.

Cuando compones música, debes distinguir entre escalas mayores y menores (y otros modos), intervalos, compases, acordes, etc. Es posible que puedas diferenciar los estados de ánimo que evocan una cuarta o una sexta, aunque no sepas sus nombres. No es necesario conocer ningún término. Si puedes indicar el tempo con un número, como 120 bpm, ¿por qué necesitas recordar lo que significan «adagio», «moderato», «allegro», etc.?

Mucha gente se pregunta si es posible hacer música sin saber notación musical. En realidad, es difícil encontrar un productor musical que utilice la notación musical en su trabajo y coloque puntos con banderas en el pentagrama. La lectura rápida a primera vista solo es útil para los músicos de orquesta, pero no para los compositores y arreglistas. Aunque el conocimiento puede hacer que tu trabajo sea más fácil, rápido e interesante.

Algunas personas hacen música al azar, eligiendo las notas de oído. Este también es un método, pero aquellos que están familiarizados con el círculo de cuartas y quintas, los intervalos, los trastes, la disposición de los sostenidos y bemoles en diferentes tonalidades, pueden imaginar fácilmente todas las notas en su cabeza y encontrarlas rápidamente en el teclado o el mástil. Cuando un músico carece de inspiración, puede confiar en la lógica y el conocimiento, pero eso nunca debe ralentizarlo. La práctica siempre debe ser lo primero.

¿Cuáles son los componentes de una canción?

La mayoría de las canciones contemporáneas diseñadas para un público amplio se construyen utilizando estructuras repetitivas. No es necesario idear arreglos complicados y tramas enrevesadas como en las novelas policíacas para crear música para canciones, salvo en el caso de la ópera o las obras clásicas. Los siguientes son los componentes principales de una canción típica:

• Introducción (Intro);
• Estrofa (Verso);
• Entrada al estribillo (Pre-estribillo);
• Estribillo;
• Repetición (puente);
• Culminación (parte central, crescendo);
• Intercambio (Drop, Solo);
• Conclusión (Outro, Coda).

La composición musical no siempre sigue un código o fórmula estrictos. No todas las piezas tienen que incluir un clímax o seguir una estructura determinada. Algunas canciones pueden terminar con un solo o un estribillo, mientras que otras solo repiten una estrofa y un estribillo con un arpegio continuo como acompañamiento. Ni siquiera la entrada del estribillo es siempre necesaria. A pesar de ello, es importante prestar mucha atención a todos los elementos de la composición.

Introducción. Para componer música, no hay que seguir ninguna regla estricta. Algunas canciones populares comienzan con una estrofa, mientras que otras empiezan con un estribillo. La estructura estándar de una canción suele incluir una introducción, un puente y una coda. La introducción puede repetir la melodía del estribillo, una melodía específica o uno de los ganchos, pero también puede ser totalmente única.

Parte principal. El enfoque convencional para componer música consiste simplemente en alternar entre estrofas y estribillos, repitiendo cada sección dos o tres veces. Sin embargo, es importante incorporar dinamismo y dramatismo. Las estrofas deben ser más moderadas, narrativas y directas, y a menudo se cantan en un registro más grave para preparar el escenario para el evento principal. El evento principal es el estribillo, que debe ser más dinámico, vibrante, fuerte, melódico y con un arreglo rico en notas más altas. Esencialmente, toda la canción conduce al estribillo.

Preestribillo. El preestribillo es un componente que a menudo se pasa por alto al crear música. Sin embargo, incorporar un preestribillo puede mejorar el dramatismo y hacer que la música sea más intrigante. El preestribillo altera el estado de ánimo de la estrofa y crea una atmósfera más intensa. Sirve de puente entre la parte tranquila y la parte explosiva de la canción, preparando al oyente para el cambio. Es similar a un semáforo en ámbar, que indica que algo emocionante está a punto de suceder.

Acumulación. Este método puede realzar el desarrollo dramático de una pieza musical. Crea un momento de calma, una ralentización y un cambio de estado de ánimo. En algunos casos, se puede omitir la parte de batería, mientras que la melodía vocal suele sufrir un cambio. Hay varias posibilidades para esta sección, incluyendo el cambio de menor a mayor, la alteración del ritmo, la creación de un breakdown o la transición a una tonalidad diferente. Sin embargo, también es posible prescindir por completo de esta parte.

Solo o drop. Al componer música con una guitarra, es importante evitar los solos interminables. Ten en cuenta que hay un lugar designado donde la guitarra principal brillará. Los estilos electrónicos no suelen tener solos, pero tienen drops en los que la música pasa de una sección tranquila o lenta a un ritmo de baile potente con sintetizadores pesados. En este punto, puede haber un rap o simplemente un repaso del verso.

Coda. Por lo general, la parte final de la composición musical suele pasarse por alto. En este punto, puedes reintroducir el puente, llevar el solo a su clímax o repetir el estribillo para crear una conclusión para la canción. La elección es tuya. Tienes la oportunidad de crear un final memorable elaborando una sección final única y creativa.

Puentes y cortes. Crear música que transite de forma fluida de una parte a otra puede ser un reto, y es posible que no todos los oyentes lo aprecien. Puede ser eficaz incluir una breve pausa o interludio después de un estribillo potente, como una progresión de acordes o un solo en el puente. A menudo se añaden redobles de batería, ganchos o pequeños cambios armónicos dentro de cada sección para añadir interés y mantener el atractivo de la canción.

El desarrollo es uno de los principios básicos de la creación musical. Es cierto que muchas canciones constan de partes repetitivas, pero eso no significa que tengan que ser monótonas. Cada parte, incluyendo la segunda estrofa y el estribillo, debe tener alguna evolución o variación con respecto a la anterior para mantener el interés. Esto se puede conseguir añadiendo nuevos elementos o cambiando cosas. De hecho, lo ideal es introducir algo nuevo en cada compás para mantener el interés del oyente.

¿Cómo puedes crear variedad en tu música en lo que respecta a las estrofas? Puedes añadir un instrumento melódico con contrapunto a la segunda estrofa, incluir percusión, coros o una segunda guitarra, engrosar el bajo, ajustar ligeramente el charles, cambiar el arpegio de la guitarra, insertar un relleno o hacer que el bajo toque rellenos adicionales. Estas técnicas también se pueden aplicar al estribillo.

No es necesario utilizar todos estos trucos a la vez. Hay infinitas posibilidades para crear música interesante, e inventar algo nuevo es la esencia de la creatividad. Cuanto más originales e innovadoras sean tus ideas, mejor. Sin embargo, la repetición también es esencial para que tu canción se quede grabada en la mente del oyente.

El proceso de creación musical requiere un equilibrio entre el uso de técnicas probadas y la experimentación con otras nuevas. Implica crear expectativas y luego subvertirlas para mantener el interés del oyente. La repetición crea un efecto hipnótico que atrae al oyente, pero romper ese patrón puede sorprenderlo y emocionarlo. En última instancia, se trata de controlar la experiencia del oyente mediante el uso cuidadoso de la repetición y la variación.

Instrumentación y arreglos. Desde una perspectiva dinámica, exploramos cómo hacer música considerando los instrumentos y los grupos instrumentales en un aspecto sincrónico. Cada canción tiene un conjunto único de instrumentos que tocan a lo largo de la composición, y el núcleo de la canción no debe alterarse, o sonará inconexo. Entonces, ¿en qué consiste este núcleo?

La instrumentación de una canción se puede dividir en varios componentes clave, entre los que se incluyen:

• El instrumento principal, que puede ser la voz o un sintetizador principal, y que sirve como punto focal de la canción;
• La sección rítmica, compuesta por la batería y el bajo, que proporcionan el ritmo y el pulso fundamentales de la música.
• Instrumentos de apoyo, que pueden incluir guitarra rítmica, piano, órgano u otros instrumentos que proporcionan apoyo armónico y rítmico.
• Segundo instrumento solista, que puede ser una guitarra solista, un sintetizador solista que interactúa con el instrumento principal u otro instrumento melódico utilizado para el drop u otras secciones;
• Rellenos, que incluyen pads, efectos, percusión y otros elementos que añaden textura y atmósfera a la música.

Para componer música agradable y cohesionada, todas las partes deben construirse en la misma tonalidad y debe evitarse la disonancia. Si dos instrumentos tocan intervalos disonantes, como tritonos o séptimas, simultáneamente, puede resultar desagradable para el oído. Sin embargo, si los toca un solo instrumento en un estilo y contexto específicos, estos intervalos pueden sonar muy bien. Además, debe evitarse la confusión rítmica.

Hacer música implica entrelazar líneas instrumentales, con la única limitación de la imaginación del compositor. El diálogo y la melodía común entre instrumentos, así como la interpretación al unísono, son técnicas habituales, especialmente entre la guitarra y el bajo. Para crear un ritmo claro, todos los elementos deben ajustarse para que coincidan con el ritmo, con el bajo repitiendo a menudo parcialmente la melodía vocal y la batería marcando el ritmo.

Es importante ceñirse a las normas del estilo al componer música, pero siempre hay margen para la experimentación. Por ejemplo, el bajo funk es conocido por utilizar síncopas, y en el metal, un riff repetitivo forma el patrón de la canción en lugar de los acordes.

Comprender la teoría musical es esencial para componer de forma eficaz, pero es importante aprenderla en el contexto de su uso práctico. Es posible que sea necesario aclarar términos técnicos como «síncopa», «tiempo débil», «séptima» y «contrapunto», pero dominarlos mediante la práctica deliberada es la clave para retener los conocimientos.

¿Cómo se crea la canción?

Incluso hoy en día, escribir música sigue siendo una tarea difícil. Para la persona promedio, el aspecto más mágico, complejo y crucial del proceso es la composición en sí. Esto puede ser cierto para los autores que no producen su música de forma independiente. Sin embargo, en realidad, antes de que una canción se lance al gran público, pasa por varias etapas de perfeccionamiento. Hay varios pasos para perfeccionar una idea inicial:

• Composición de la canción;
• Arreglo;
• Grabación de sonido;
• Edición;
• Mezcla;
• Masterización.

En un escenario ideal, en el proceso de creación musical intervienen diferentes roles: el autor escribe la música, el arreglista se encarga del arreglo, el ingeniero de grabación se ocupa de la grabación, el ingeniero de sonido asistente realiza la edición, el ingeniero de mezcla se encarga de la mezcla y, por último, el ingeniero de masterización da los toques finales. Sin embargo, en la realidad, el autor suele arreglar sus propias canciones y un solo ingeniero de sonido puede ser responsable de la grabación, la edición y la mezcla.

Composición. La persona que crea la composición musical se conoce como autor. El autor es responsable de crear la melodía vocal y el acompañamiento básico, ya sea con el piano o la guitarra. En esta fase, otra persona puede encargarse de escribir la letra. Una vez establecida la base de la canción, el autor suele enviar el borrador a un arreglista experimentado para que lo perfeccione.

Arreglo. En realidad, la parte más mágica de la creación musical tiene lugar durante la fase de arreglo. El arreglista es responsable de seleccionar los instrumentos, finalizar las armonías, desarrollar ideas musicales y crear transiciones y ganchos. Solo después de completar el arreglo, la música cobra vida en todo su esplendor.

Grabación de sonido. Como mínimo, una vez finalizado el arreglo, es necesario grabar las voces limpias. Si has compuesto música con instrumentos en directo, también tendrás que grabar la batería, las guitarras, los violines, las trompetas, el piano de cola y cualquier otro instrumento que el arreglista haya incluido en la canción. Para ello se necesitan tanto músicos como un estudio de grabación.

Edición. Cuantificar las partes MIDI es un proceso sencillo, pero trabajar con pistas de micrófono puede ser complicado. Incluso si solo trabajas con grabaciones vocales, debes seleccionar cuidadosamente las tomas, ajustar su sincronización y volumen, corregir cualquier problema de tono y eliminar ruidos no deseados, como clics, pops y sonidos de fondo.

Mezcla. Una vez que todas las pistas se han pulido a la perfección, el ingeniero de sonido comienza a trabajar con ellas. Ajusta los niveles de volumen y utiliza ecualizadores, compresores, saturadores y reverberaciones para procesar las pistas. Este también es un proceso que lleva mucho tiempo y, a veces, la mezcla puede ser tan difícil como componer la música.

Masterización. Cuando el ingeniero de sonido ha terminado de trabajar con varias pistas, el ingeniero de masterización recibe un único archivo: la mezcla completa. Su tarea consiste en perfeccionar el sonido con la ayuda de monitores de última generación, equipos de alta calidad y una sala con un tratamiento acústico ideal.

Promoción. Aunque esta etapa no implica el proceso de composición musical en sí, es igualmente crucial. Es esencial asignar un presupuesto determinado para la publicidad, las campañas promocionales y el lanzamiento de la canción en plataformas de streaming. Sin una promoción adecuada, incluso un superéxito potencial puede pasar desapercibido. Por lo tanto, es esencial tener esto en cuenta mientras se trabaja en la música.

Algunos consejos para recordar

1. No dejes que la teoría te frene . Empezar a componer música es sencillo si no te quedas atascado pensando que no sabes lo suficiente o que no tienes las habilidades necesarias. Utiliza la teoría solo cuando sea necesario y recurre a ella cuando sientas que necesitas más conocimientos.
2. Analiza tus canciones favoritas . Una forma estupenda de mejorar tus habilidades para componer música es analizar los éxitos. Al comprender la lógica que hay detrás de las canciones exitosas, puedes aprender a componer como un profesional. Desglosa las canciones populares e intenta replicarlas, tomando nota de las soluciones interesantes. Referenciar canciones exitosas también puede ser útil cuando trabajas en tu propio material.
3. Busca la originalidad . Mucha gente cree que los creadores musicales de éxito siguen unas reglas universales. Sin embargo, si examinas algunos éxitos atemporales, descubrirás que cada uno de ellos tiene su propio sabor único. Por lo tanto, no tengas miedo de experimentar e intenta crear algo que cautive al público con su originalidad.
4. Estate atento a las tendencias . Considera la posibilidad de explorar las preferencias del público actual para crear música que sea popular. Si bien es importante mantenerte fiel a tu propio estilo musical, puedes encontrar inspiración al descubrir lo que resuena en los oyentes en el mercado actual.
5. Escribe música con facilidad . No te atasques en la composición musical durante demasiado tiempo. Intenta terminarla rápidamente y evita quedarte atascado en el proceso. Muchos músicos luchan con demos inacabadas porque se obsesionan con intentar que sean perfectas. Es importante saber cuándo priorizar la finalización sobre el perfeccionismo.

El consejo más importante es pasar a la acción. No esperes a tener un conocimiento perfecto de la teoría musical, ni a adquirir equipos o plugins caros. La práctica y la experiencia te enseñarán más que cualquier conocimiento teórico o herramienta.

Si no tienes monitores de estudio, utiliza auriculares. Si no puedes permitirte un software, utiliza el secuenciador gratuito. Hoy en día, puedes empezar a hacer música online con solo encender tu ordenador. Con el tiempo, adquirirás el equipo que deseas, pero mientras tanto, concéntrate en utilizar lo que tienes para desarrollar tus habilidades. Quién sabe, quizá ya seas un gran productor cuando consigas el equipo de tus sueños. Todo depende de ti.