Théorie musicale de base

La musique est un langage universel qui transmet des émotions. Alors pourquoi avons-nous besoin de la théorie musicale ?

La théorie musicale est une sorte de plan directeur pour comprendre la musique. Bien sûr, vous pouvez ressentir la musique intuitivement sans connaître la théorie, mais une connaissance approfondie des bases vous aide à devenir un musicien plus conscient et plus expressif. L'apprentissage de la théorie de base vous permet de mieux comprendre le langage musical.

Ce guide vous aidera à maîtriser les bases de la théorie musicale, que vous soyez débutant ou expérimenté. En étudiant la notation, les rythmes, les gammes, les accords, les tonalités et bien plus encore, vous acquerrez les connaissances nécessaires pour vous exprimer à travers la musique et rendre vos compositions plus expressives.

Musique

La musique pour piano comprend généralement une mélodie et un accompagnement.

La mélodie est généralement une ligne à une seule voix qui peut être chantée. Elle est le plus souvent écrite en clé de sol et placée sur la portée supérieure.

L'accompagnement soutient la mélodie et se compose d'accords et d'une ligne de basse. Il est écrit en clé de fa sur la portée inférieure.

Le résultat est une mélodie à une seule voix accompagnée d'un accompagnement harmonique :

Ou cela peut être l'inverse. La mélodie vient d'en bas et l'accompagnement est au-dessus :

Notions de base de théorie musicale

La théorie musicale crée un langage universel pour communiquer des idées musicales, permettant aux musiciens de communiquer efficacement. En apprenant ces concepts, vous pouvez acquérir une compréhension plus approfondie du fonctionnement de la musique, devenir un meilleur auditeur et créateur, et améliorer vos interactions avec d'autres musiciens.

Qui a besoin de la théorie musicale

La théorie musicale est utile à tous ceux qui souhaitent comprendre la musique plus en profondeur, quel que soit leur niveau de formation. Pas besoin d'être professeur de musique ! Que vous aimiez écouter de la musique à la fin d'une longue semaine ou improviser à la guitare, connaître la théorie vous permettra d'approfondir votre perception et d'enrichir votre expérience musicale.

De nombreux musiciens autodidactes craignent que l'étude de la théorie ne les prive de leur capacité à jouer de manière intuitive. Cependant, la théorie musicale ne limite pas la créativité, mais fournit au contraire des outils qui vous permettent d'exprimer vos sentiments à travers la musique de manière plus précise et plus complète. Elle vous aide à créer des compositions musicales plus détaillées qui correspondent à vos idées intuitives.

La théorie peut être étudiée à la fois dans des établissements d'enseignement et de manière indépendante, en intégrant progressivement ses éléments dans votre processus créatif.

Début du voyage musical

Chaque morceau de musique repose sur trois éléments fondamentaux : la mélodie, l'harmonie et le rythme. Ces éléments contribuent à créer un lien intuitif avec la musique.

Les bases de la théorie musicale

Les mélodies, les harmonies et les rythmes sont composés des éléments clés suivants :

• Les gammes : une série de demi-tons et de tons entiers sur lesquels les mélodies sont construites ;
• Accords : combinaisons de notes jouées simultanément qui créent une harmonie, telles que les accords majeurs et mineurs de base ;
• La tonalité : le centre tonal d'une composition qui détermine la base harmonique et les relations entre les accords ;
• Notation musicale : système de symboles qui représente les sons musicaux, tels que la hauteur et le rythme, sous forme écrite.

Pour créer un son cohérent pour une mélodie et un accompagnement, on utilise généralement des notes d'une seule tonalité, appelée gamme.

Intervalles

Un intervalle est la distance entre deux notes. Le plus petit intervalle est un demi-ton, sur un piano, c'est la distance entre deux touches adjacentes, quelle que soit leur couleur. Deux demi-tons forment un ton.

La gamme entière de do à do (ou, par exemple, de la à la) est divisée en 12 demi-tons espacés de manière régulière. Les intervalles les plus couramment utilisés sont l'octave et la tierce.

Octave : distance entre deux notes du même nom, par exemple entre le do et le do suivant. Une octave comprend 12 demi-tons. Les octaves sont particulièrement harmonieuses dans le registre grave du piano.

Physiquement, une octave est un intervalle entre deux notes où la fréquence de la deuxième note est le double de celle de la première. Par exemple, la fréquence de la note A est de 440 Hz, et celle du A suivant est de 880 Hz.

Tierce : Il existe deux types de tierces : mineures et majeures. Une tierce mineure comprend trois demi-tons, et une tierce majeure en comprend quatre.

Types d'intervalles

Intervalles parfaits : comprennent 4 tons, 5 tons et une octave.

Intervalles majeurs : comprennent 2, 3, 6 et 7 tons.

Intervalles augmentés : obtenus en augmentant un intervalle parfait d'un demi-ton.

Intervalles diminués : obtenus en diminuant un intervalle parfait d'un demi-ton.

Intervalles mineurs : obtenus en diminuant un intervalle majeur d'un demi-ton.

Gammes

Les gammes sont des suites de notes qui servent de base à la création de mélodies. En musique, les notes sont représentées par des notes et constituent un ensemble spécifique de tons et de demi-tons qui forment le son d'une mélodie. Ces suites donnent à une gamme son son unique et déterminent son rôle dans une composition.

Il existe de nombreuses gammes, chacune avec ses propres ambiances, émotions et caractéristiques. Les plus populaires sont les gammes majeures et mineures : la gamme majeure a un son joyeux, tandis que la gamme mineure a un son triste. La principale différence entre elles réside dans la troisième note de la gamme, qui est un ton plus haut que la deuxième note dans la gamme majeure, et un demi-ton plus haut dans la gamme mineure. Dans la musique occidentale, c'est la troisième note de la gamme qui est déterminante, car elle définit l'ambiance générale et le caractère du son.

Il existe d'autres gammes, chacune avec sa propre structure mélodique unique. Par exemple, la gamme pentatonique et sa version plus complexe, la gamme blues, ainsi que la gamme chromatique et bien d'autres.

La connaissance des gammes et des accords joue un rôle important dans la création musicale, car ils constituent la base sonore d'un morceau. La maîtrise de différentes gammes peut ouvrir de nouvelles possibilités créatives et améliorer vos compétences en tant que compositeur.

Accords

Les accords sont des combinaisons de plusieurs notes jouées en même temps et constituent la base de l'harmonie musicale. Un accord est généralement composé de trois notes ou plus. Un accord à trois notes est appelé une triade. Les mêmes principes que ceux utilisés pour créer des gammes s'appliquent aux accords, définissant les intervalles entre les notes, appelés intervalles.

Il existe quatre types d'accords de base :

• Accord majeur : il a un son joyeux et lumineux, composé de la tonique, de la tierce majeure et de la quinte juste ;
• Accord mineur : a un son triste et mélancolique, composé de la tonique, de la tierce mineure et de la quinte juste ;
• Accord diminué : il a un son tendu et instable, composé de la tonique, de la tierce mineure et de la quinte diminuée ;
• Accord augmenté : il a une sonorité dramatique et mystérieuse, composé de la tonique, de la tierce majeure et de la quinte augmentée.

Les accords peuvent combiner des triades majeures et mineures, ainsi que des inversions qui modifient l'ordre des notes au sein d'un accord. Apprendre différents accords et leurs combinaisons peut aider à définir le caractère unique d'une chanson. Par exemple, modifier la structure de la triade majeure principale (1-3-5) et déplacer la cinquième note vers le bas peut créer une couleur émotionnelle complètement nouvelle pour l'accord. La base de la composition musicale est la progression d'accords, qui est une séquence d'accords. Au fur et à mesure que vous développerez vos compétences en matière d'arrangement d'accords, vous serez en mesure de créer une musique plus complexe et plus riche. Comprendre la structure des accords, des formes de base aux variations plus complexes, vous ouvrira de nouveaux horizons dans votre création musicale.

Inversions de triades

Les triades peuvent être inversées pour créer différentes inversions, ce qui ajoute de la variété à l'interprétation et rend l'instrument plus facile à jouer. Une utilisation appropriée des inversions d'accords minimise les mouvements entre les touches, ce qui permet une interprétation fluide. Pour créer une inversion d'accord, déplacez la note la plus grave de l'accord d'une octave vers le haut. Prenons l'exemple de l'accord de do majeur.

Chaque triade a deux inversions possibles. Si nous continuons à inverser l'accord, nous obtenons le même accord, mais une octave plus haut. La première inversion d'une triade est appelée accord de sixte, et la seconde est un accord de quarte-sixte. Dans les supports pédagogiques, elles sont souvent simplement appelées première et deuxième inversions. Dans la notation musicale, les accords inversés sont indiqués en précisant la note grave. Par exemple, pour un accord de do majeur (C), la première inversion avec la note grave mi est indiquée par E/C, et la deuxième inversion avec la note grave sol est indiquée par G/C.

Vous pouvez distinguer la première inversion de la deuxième par les intervalles. La première inversion comprend une tierce mineure (3 demi-tons) et une quarte (5 demi-tons), c'est-à-dire que la distance entre la note médiane et la note supérieure de l'accord est plus grande. La deuxième inversion contient une quarte et une tierce majeure (4 demi-tons), avec une distance plus grande entre la note inférieure et la note médiane qu'entre la note médiane et la note supérieure.

La note fondamentale d'un accord, appelée tonique, se trouve à des positions différentes selon l'inversion. Dans une triade, la note fondamentale est la première, par exemple, dans un accord de do majeur (C), c'est la note C. Dans la première inversion, la note fondamentale est déplacée d'une octave vers le haut et est la dernière, par exemple, E, G, C. Dans la deuxième inversion, la note fondamentale se trouve au milieu de l'accord, par exemple, G, C, E.

Pour transformer une triade majeure en mineure, il suffit d'abaisser la note du milieu d'un demi-ton. Par exemple, dans un accord de do majeur (C), abaisser la note mi d'un demi-ton le transforme en do mineur (Cm), qui se compose des notes do, Eb, G. Le processus inverse, qui consiste à transformer une triade mineure en une triade majeure, nécessite d'élever la note du milieu d'un demi-ton. Par exemple, un accord de ré mineur (Dm) est transformé en accord de ré majeur (D) en élevant la note F d'un demi-ton, ce qui donne les notes D, F#, A. Pour changer la première inversion d'un accord majeur ou mineur, vous devez abaisser ou élever la note de base, et pour la deuxième inversion, vous devez abaisser ou élever la note supérieure de l'accord

Accord de quinte

Si vous ne prenez que les notes extérieures d'une triade, en excluant la note centrale, vous obtenez un accord de quinte, désigné par le chiffre 5, par exemple C5.

Accord suspendu

Dans un accord suspendu, au lieu de la note centrale, on utilise une quarte ou une seconde majeure à partir de la note inférieure. Un tel accord est désigné, par exemple, par Csus2 ou Csus4, si l'on parle de C.

Tonalités

Une tonalité est un ensemble de sept degrés (notes) qui déterminent le caractère du son. Ces degrés sont désignés par des chiffres romains et chacun d'entre eux remplit une fonction spécifique. Les fonctions sont liées aux degrés, et non à des notes spécifiques.

Prenons l'exemple de la tonalité de do majeur :

• Tonique (I, T) – le premier degré qui définit la tonalité de base ;
• La dominante (V, D) est le cinquième degré à partir de la tonique. Si la tonique est C, alors la dominante est G ;
• La sous-dominante (IV, S) est le cinquième degré, compté à partir de la tonique. Si vous comptez vers le haut, ce sera le quatrième degré. En do majeur, la sous-dominante est fa.

Inversions de fonctions

Pour indiquer l'inversion des fonctions, des chiffres sont ajoutés à leurs noms.

Sons stables et instables.

La triade tonique comprend les degrés I, III et V, qui sont stables. La mélodie peut être complétée sur ceux-ci. Les degrés restants sont considérés comme instables et tendent vers les plus proches stables, ce qui s'appelle la résolution.

Exemples de résolution :

• II => I (descendant)
• IV => III (vers le bas)
• VI => V (vers le bas)
• VI => I (vers le haut, le degré inférieur le plus proche est également instable)

Notes d'introduction et fredonnement

Les notes d'introduction sont les notes qui entourent la tonique. Les notes voisines de la tonique au-dessus et en dessous sont respectivement les degrés II et VII. Le degré VII est appelé note d'introduction ascendante, et le degré II est appelé note d'introduction descendante. Le fredonnement consiste à jouer les notes d'introduction autour de la tonique ou d'autres notes stables, telles que les degrés III et V.

Exemples de fredonnement :

Pour le degré I — VII et II

Pour le degré III — II et IV

Pour le degré V — IV et VI

Tonalités parallèles et apparentées

Pour ajouter de la variété à la musique, on utilise des transitions vers des tonalités parallèles et apparentées, qui peuvent être temporaires (déviations) ou permanentes (modulations).

Les tonalités parallèles sont des tonalités majeures et mineures avec les mêmes signes dans la tonalité.

Les tonalités apparentées sont les tonalités associées à T (tonique), S (sous-dominante) et D (dominante).

De plus, pour une tonalité majeure, la tonalité de la sous-dominante mineure est considérée comme apparentée, et pour une tonalité mineure, la tonalité de la sous-dominante majeure.

Par exemple, pour le do majeur, les tonalités apparentées sont :

• La mineur (tonalité parallèle, construite à partir de T) ;
• fa majeur et ré mineur (construit à partir de S) ;
• Sol majeur et Mi mineur (construit à partir de R) ;
• fa mineur (sous-dominante mineure).

Définition d'une tonalité

Une tonalité est définie par les altérations (dièses et bémols) et les notes spécifiques. Ces altérations peuvent être utilisées pour déterminer les tonalités parallèles. Vous pouvez déterminer si une tonalité est majeure ou mineure en fonction des notes sur lesquelles le morceau commence et se termine.

• Dièses : pour déterminer une tonalité majeure, regardez le dernier dièse et montez d'un ton ; pour une tonalité mineure, descendez d'un ton. Si la note obtenue comporte également un dièse, alors la tonalité comporte un dièse (par exemple, si la tonalité comporte un dièse - F#, cela peut signifier sol majeur ou mi mineur) ;
• Bémols : si la tonalité comporte un bémol, cela peut être fa majeur ou ré mineur. S'il y a plusieurs bémols dans la tonalité, concentrez-vous sur l'avant-dernier bémol : il indique une tonalité majeure (par exemple, si l'avant-dernier bémol est la bémol, alors la tonalité est mi bémol majeur). Pour passer d'une tonalité majeure à une tonalité mineure parallèle, vous devez descendre de 1,5 ton (ou trois demi-tons). Par exemple, pour le do majeur, la tonalité mineure parallèle est le la mineur.

Do majeur et La mineur

Do majeur et La mineur sont des tonalités parallèles qui n'ont pas d'armature.

Ces tonalités parallèles utilisent les mêmes notes et les mêmes accords. Pour déterminer quelle tonalité, do majeur ou la mineur, est utilisée, vous devez prêter attention à la séquence des accords et à leur signification fonctionnelle. Souvent, un morceau se termine sur la tonique, ce qui aide à déterminer la tonalité.

Dans les tonalités majeures, les accords construits sur la tonique, la sous-dominante et la dominante sont majeurs. Les accords construits sur les 2e, 3e et 6e degrés sont mineurs, et ceux sur le 7e degré sont diminués.

Comme les tonalités parallèles utilisent les mêmes notes, les accords correspondent également, mais dans un ordre différent.

Dans les tonalités mineures, la tonique est souvent rendue majeure, ce qui augmente son attrait en diminuant l'intervalle entre G et A. En conséquence, l'accord mineur de tonique Em est transformé en un accord majeur E, et les autres accords restent inchangés.

Gamme pentatonique C majeur et A mineur

La gamme pentatonique est une gamme unique qui ne comporte ni tonique, ni dominante, ni sous-dominante. Dans cette gamme, toutes les notes sont équivalentes, ce qui la rend identique pour le majeur et le mineur.

Cette gamme est formée en éliminant deux notes : dans la gamme majeure, les degrés IV et VII sont supprimés, et dans la gamme mineure, les mêmes notes, c'est-à-dire les degrés II et VI, sont supprimées.

La particularité de la gamme pentatonique est qu'elle ne crée pas de tension et, par conséquent, ne nécessite pas de résolution. Cela permet à la mélodie de commencer et de se terminer sur n'importe quelle note, ce qui la rend idéale pour l'improvisation spontanée.

Fa majeur et ré mineur

Fa majeur et Ré mineur sont des tonalités parallèles qui ont une armature commune : un bémol sur la note Si. Ces tonalités sont également liées à Do majeur. Les altérations sont à nouveau indiquées pour une meilleure perception.

Accords de la tonalité de fa majeur :

Accords de la tonalité de fa majeur :

Gamme pentatonique en fa majeur et ré mineur

Pour déterminer toutes les notes de la gamme pentatonique, vous devez jouer toutes les touches noires du piano, puis abaisser chacune d'elles d'un demi-ton vers les touches blanches.

Sol majeur et mi mineur

Sol majeur et mi mineur sont des tonalités parallèles qui partagent le même fa dièse. Elles sont également considérées comme apparentées au do majeur. Les altérations sont indiquées pour plus de clarté.

Accords pour la tonalité de sol majeur :

Accords pour la tonalité de mi mineur :

Tonalités

Une composition musicale est construite sur des gammes majeures ou mineures, qui constituent sa base tonale. Cet ensemble de règles est appelé la tonalité musicale. La tonalité détermine les notes et les accords qui seront utilisés dans un morceau.

Une armature, présentée au début d'un morceau, indique la présence de dièses (#) ou de bémols (b), qui déterminent la tonalité. Un dièse indique que la note doit être jouée un demi-ton plus haut que le son standard, et un bémol indique un demi-ton plus bas. Les armatures aident les musiciens à comprendre la structure de la gamme et l'harmonie d'une composition. Pour plus de commodité, des tableaux sont souvent utilisés pour identifier les armatures et les tonalités correspondantes.

Il arrive parfois qu'une composition change de tonalité, ce qu'on appelle une modulation. La modulation ajoute de la profondeur émotionnelle et de la variété à une composition. Dans la musique pop moderne, les modulations sont rares, tandis que dans les bandes sonores de jeux vidéo, elles peuvent être assez fréquentes, créant ainsi un espace sonore dynamique.

Pour mieux comprendre la relation entre les différentes tonalités, on utilise le cycle des quintes. Ce cycle visualise les relations tonales, comme le cadran d'une horloge, où chaque tonalité a sa place.

Le cercle des quintes organise les tonalités en fonction du nombre de dièses ou de bémols, en commençant par la note do majeur.

Notation musicale

La notation musicale est le langage écrit de la musique qui permet de communiquer visuellement des idées musicales et de les faire comprendre à d'autres musiciens.

Les éléments de base de la notation musicale sont les suivants :

• La portée : elle se compose de cinq lignes horizontales sur lesquelles sont placés des symboles musicaux pour indiquer la hauteur et la durée des notes ;
• Les clés : elles attribuent des notes spécifiques à des lignes spécifiques de la portée. Les plus courantes sont la clé de sol (pour les notes aiguës) et la clé de fa (pour les notes graves) ;
• Les notes : elles indiquent la hauteur et la durée des notes en les représentant sous forme de symboles sur la portée. La position d'une note sur les lignes détermine sa hauteur ; plus une note est haute sur les lignes, plus sa hauteur est élevée. Les notes peuvent également avoir différentes formes pour indiquer le rythme.

Ces éléments constituent la base sur laquelle les gammes et les accords sont construits dans une composition musicale. Une fois que vous maîtriserez ce « langage », vous serez capable de lire et d'écrire de la musique, et de la comprendre pleinement sans l'écouter. Cela améliorera votre compréhension de la théorie musicale et facilitera la communication avec d'autres musiciens grâce au langage universel de la musique.

Rythme

Le rythme, tout comme les accords et les gammes, est un élément fondamental de la musique. La notation musicale comprend des symboles et des règles spéciales pour transmettre les aspects rythmiques d'une composition.

La mesure indique le nombre de temps dans une mesure et la durée de la note qui occupe un temps. Elle est écrite sous forme de fraction : le chiffre du haut indique le nombre de temps et celui du bas indique la durée de la note. Par exemple, une mesure 4/4 signifie quatre temps dans une mesure, chaque noire occupant un temps.

Les motifs rythmiques peuvent aller du plus simple au plus complexe, y compris les polyrythmes qui créent des rythmes uniques.

La compréhension du rythme est également utile dans le processus de création musicale dans les stations de travail audio numériques (DAW), où les notes sont éditées dans un éditeur MIDI qui mappe les touches du piano. Les DAW vous permettent également d'appliquer des ajustements rythmiques, tels que le swing, à la musique.

Éléments de composition

Lorsque vous apprenez la musique, il est important d'apprendre les différents éléments de composition qui rendent un morceau plus intéressant et plus expressif. Voici quelques concepts clés à prendre en compte :

• Dynamique : reflète le volume d'une interprétation et affecte l'intensité et l'énergie de la musique. Les notations courantes dans les partitions comprennent piano (doucement) et forte (fort) ;
• Articulation : détermine la façon dont les notes sont jouées, par exemple staccato (court et saccadé) ou legato (fluide et lié) ;
• Forme : structure globale d'un morceau, comme la forme couplet-refrain-couplet-refrain dans la musique pop ou la forme sonate dans la musique classique ;
• Texture : organisation des couches sonores ou des voix dans une pièce, comme monophonique (une seule voix) ou polyphonique (plusieurs voix).

Formation auditive

L'apprentissage de la théorie musicale n'est qu'un début. L'étape suivante consiste à apprendre à entendre et à reconnaître ces concepts dans la musique réelle. La formation auditive vous aide à relier la théorie à la pratique. En écoutant de la musique, vous pouvez améliorer votre capacité à reconnaître les intervalles, les accords, les mélodies et les rythmes.

Lorsque votre oreille est capable de reconnaître la théorie, vous pouvez utiliser ces connaissances dans vos compositions et vos interprétations. Cela vous permet d'aborder la création musicale et l'interprétation de manière plus intuitive, en intégrant naturellement la théorie dans votre réflexion musicale.

Résumé

Une fois que vous comprenez les bases de la théorie musicale et que vous apprenez à entendre ces concepts, vous pouvez les appliquer à vos propres projets. Que vous improvisiez avec un groupe, composiez de la musique ou créiez des morceaux dans une station de travail audio numérique (DAW), la compréhension de la théorie vous aidera à créer des morceaux meilleurs et plus captivants. Ces éléments de base sont le fondement de tous les genres musicaux, des structures complexes de la musique classique aux progressions d'accords simples de la pop moderne.