Qu'est-ce que l'harmonie en musique ?

Ces éléments d'harmonie interagissent étroitement. Une mélodie est perçue comme harmonieuse lorsqu'elle est créée selon certaines règles de combinaison des sons. Pour maîtriser ces règles, il est nécessaire de se familiariser avec les concepts fondamentaux de l'harmonie, c'est-à-dire avec les catégories qui, à des degrés divers, sont liées à la notion d'« harmonie ».

Intervalles

L'unité fondamentale de l'harmonie est l'intervalle, défini comme la différence en demi-tons entre deux notes de musique. Nous avons déjà abordé la notion de demi-tons dans les leçons précédentes ; sa compréhension ne devrait donc pas poser de difficultés particulières.

Variétés d'intervalles simples :

• Prima – 0 demi-ton ou unisson ;
• seconde mineure – 1 demi-ton ;
• Seconde majeure – 2 demi-tons ;
• tierce mineure – 3 demi-tons ;
• Tierce majeure – 4 demi-tons ;
• Une quarte parfaite – 5 demi-tons ;
• Quarte augmentée – 6 demi-tons ou triton (3 tons) ;
• Quinte diminuée – 6 demi-tons ou triton (3 tons) ;
• Quinte parfaite – 7 demi-tons ;
• Sixte mineure – 8 demi-tons ;
• Sixte majeure – 9 demi-tons ;
• septième mineure – 10 demi-tons ;
• septième majeure
• Septième majeure – 11 demi-tons ;
• Octave – 12 demi-tons.

Ainsi, les intervalles simples désignent les différences de sonorité entre des notes appartenant à la même octave. Les intervalles supérieurs à une octave sont appelés intervalles composés.

Types d'intervalles composés :

• mineure aucune – seconde mineure + octave = 13 demi-tons ;
• Aucune majeure – seconde majeure + octave = 14 demi-tons ;
• Décima mineure – tierce mineure + octave = 15 demi-tons ;
• Décima majeure – tierce majeure + octave = 16 demi-tons ;
• Undecima pure – quarte pure + octave = 17 demi-tons ;
• Undecima augmentée – quarte augmentée + octave = 18 demi-tons ;
• Duodécima diminuée – quinte diminuée + octave = 18 demi-tons ;
• Duodécima pure – quinte pure + octave = 19 demi-tons ;
• Troisième décimale mineure – sixième mineure + octave = 20 demi-tons ;
• Tercidecima majeure – sixième majeure + octave = 21 demi-tons ;
• quartdécima mineur – septième mineure + octave = 22 demi-tons ;
• quartdécima majeur – septième majeure + octave = 23 demi-tons ;
• Quintdécima – 2 octaves = 24 demi-tons.

La première et principale question : comment s’en souvenir ? Ce n’est en fait pas si difficile.

Comment et pourquoi mémoriser les intervalles

Apprendre et reproduire différents intervalles, ainsi que leurs noms, est essentiel en apprentissage musical. Vous pouvez commencer par n'importe quelle tonalité, car le choix de la note de départ n'est pas crucial. L'important est de déterminer avec précision le nombre de demi-tons entre les notes. Par exemple, répéter la même tonalité crée un intervalle de 0 demi-ton, tandis que jouer deux tonalités adjacentes crée un intervalle de 1 demi-ton, et ainsi de suite. Dans l'application d'apprentissage, vous pouvez personnaliser le nombre de notes affichées à l'écran pour plus de confort.

La connaissance des intervalles est importante non seulement pour la théorie, mais aussi pour la pratique. Maîtriser cette compétence vous permettra de choisir facilement des mélodies à l'oreille, que ce soit pour le chant ou un instrument. C'est la principale raison pour laquelle de nombreuses personnes apprennent à jouer d'un instrument comme la guitare, le violon, le piano ou la batterie.

De plus, connaître le nom des intervalles vous permettra de mieux comprendre les morceaux de musique basés sur certains accords, comme c'est souvent le cas dans le rock. Par exemple, sachant qu'une quinte juste correspond à sept demi-tons, vous pourrez facilement identifier et jouer les accords de quinte en écoutant les lignes de basse, car ils sonnent généralement plus clairement, ce qui est particulièrement important pour les débutants.

Pour développer son oreille musicale, il est important d'essayer de déterminer la tonique d'un morceau. On peut le faire à l'aide d'une application d'apprentissage ou d'un instrument, en jouant les notes à l'unisson avec la fondamentale. Appuyer régulièrement sur les touches d'une octave ou jouer des notes à la guitare permet de trouver la tonique à l'unisson.

D'autres méthodes pour développer l'oreille musicale seront abordées dans les leçons suivantes. Pour l'instant, notre objectif principal est de vous faire visualiser la notion d'intervalle en musique. Les intervalles peuvent aussi être indiqués par degrés, en ne considérant que les degrés principaux de la gamme, sans les dièses ni les bémols. Cette représentation est particulièrement utile aux pianistes grâce à la clarté du repérage des touches blanches. Cependant, pour la plupart des autres musiciens, il est plus pratique de compter les intervalles en demi-tons, car les degrés de la gamme ne sont pas visuellement séparés sur les instruments.

D’ailleurs, le mot « harmonie » a de nombreuses significations et est directement lié au thème de l’harmonie.

Modes

Le second élément clé de l'harmonie est le mode, dont le concept a évolué au fil de l'histoire de la théorie musicale. Différentes époques ont proposé leurs propres interprétations du mode : comme un système de combinaison de notes, d'organisation de leurs interactions, ou encore comme une hiérarchie de hauteurs de sons. La conception moderne tend à définir un mode comme une structure de relations musicales centrée sur une note ou une harmonie spécifique.

Pour simplifier, on peut, à l'instar des relations dans la vie, imaginer que l'harmonie en musique désigne une combinaison harmonieuse de sons, tout comme certaines familles disent vivre en harmonie.

Dans son usage, le terme « mode » est souvent appliqué à des concepts tels que mineur et majeur. « Mineur », dérivé du latin « mollis » (« doux », « paisible »), est associé à des œuvres musicales lyriques ou mélancoliques. Tandis que « majeur », issu du latin « major » (« grand », « important »), est souvent associé à des compositions plus énergiques et optimistes.

Ainsi, les modes mineurs et majeurs sont les principaux types de modes, et les caractéristiques de chacun peuvent être visualisées en mettant en évidence les degrés (notes) qui distinguent le mineur du majeur :

Dans le langage courant, on associe souvent le mode mineur à la tristesse et le mode majeur à la joie. Pourtant, cette distinction est assez arbitraire et ne correspond pas toujours à la réalité. Une composition en mode mineur n'est pas forcément triste, de même qu'une composition en mode majeur n'est pas toujours synonyme de joie. Cette observation est valable au moins depuis le XVIIIe siècle. Par exemple, la « Sonate n° 16 en do majeur » de Mozart comporte des moments d'angoisse, tandis que la célèbre comptine de la sauterelle est écrite en mode mineur.

Les modes mineur et majeur commencent tous deux par la tonique, qui constitue la base de la gamme. S'ensuit une alternance de notes stables et instables, caractéristique de chaque mode. On peut comparer cela à la construction d'un mur, où briques et mortier sont nécessaires pour obtenir la solidité et la structure souhaitées.

Vous rencontrerez plus tard le terme « accord ». Pour éviter toute confusion, il est important de noter que les degrés de la gamme stable et les degrés de l'accord fondamental sont deux concepts différents. Pour les musiciens débutants, il est recommandé d'utiliser des doigtés d'accords préétablis, dont les principes deviendront plus clairs à mesure que vous apprendrez les techniques de jeu et maîtriserez des mélodies simples.

On trouve également dans la littérature musicale spécialisée des références à des modes tels que l'ionien, le dorien, le phrygien, le lydien, le mixolydien, l'éolien et le locrien. Ces modes sont construits à partir de la gamme majeure, dont la tonique est choisie parmi ses degrés. On les appelle aussi modes naturels, diatoniques ou grecs.

Passons maintenant aux concepts de majeur et de mineur, très fréquemment utilisés en musique. Les termes « mode majeur » et « mode mineur » désignent généralement des modes spécifiques au sein d'une tonalité harmonique. Examinons d'abord les définitions de la tonalité en général et de la tonalité harmonique en particulier.

Tonalité

Alors, qu’est-ce que la tonalité ? Comme pour de nombreux termes musicaux, il existe plusieurs définitions de la tonalité. Le mot « tonalité » vient du latin « tonus », qui, en anatomie et en physiologie, désigne une tension et une activité prolongées du système nerveux, sans toutefois entraîner de fatigue.

L'expression « rester sur ses gardes » est bien connue en dehors du contexte musical, et en musique, sa signification peut être interprétée de manière similaire. La mélodie et l'harmonie conservent une certaine tonalité musicale tout au long de l'œuvre.

Comme mentionné précédemment, chaque mode, mineur ou majeur, dérive de la tonique. Les modes mineurs et majeurs peuvent être construits à partir de n'importe quelle note choisie comme base, ou tonique, de la composition. La hauteur relative d'une case par rapport à sa tonique détermine la tonalité. Par conséquent, le concept de tonalité peut être décrit par une formule simple.

Formule de tonalité :

Clé = tonique + mode

C’est pourquoi la définition de la tonalité est souvent donnée comme le principe du mode, dont la catégorie principale est la tonique. Résumons.

Principaux types de tonalités :

• Mineure;
• Majeur.

Comment interpréter cette formule tonale et ses variations dans la réalité ? Imaginons que nous écoutions un morceau de musique en tonalité mineure, basé sur la note « la ». Cela signifie que le morceau est joué en la mineur (Am). Il est important de noter que les tonalités mineures sont indiquées en ajoutant un « m » à la tonique. Ainsi, le symbole Cm indique « do mineur », Dm indique « ré mineur », Em indique « mi mineur », et ainsi de suite.

Lorsqu'une notation utilise des lettres majuscules pour représenter les notes (do, ré, mi, fa, etc.), elle indique une tonalité majeure. Ainsi, un morceau en do, ré, mi, fa sera respectivement dans les tonalités de do majeur, ré majeur, mi majeur et fa majeur.
Les tonalités modifiées par rapport au degré fondamental de la gamme sont indiquées par des dièses et des bémols. Ainsi, fa♯m ou sol♯m indiquent « fa dièse mineur » ou « sol dièse mineur ». En revanche, les notations avec un bémol, comme la♭m (la bémol mineur) ou si♭m (si bémol mineur), indiquent des tonalités abaissées.

Dans les tonalités majeures, les dièses et les bémols sont placés à côté de la tonique sans symboles supplémentaires. Par exemple : do♯ (do dièse majeur), ré♯ (ré dièse majeur), la♭ (la bémol majeur), si♭ (si bémol majeur). Il existe aussi des désignations de tonalité plus précises, où l’indication « majeur » ou « mineur » est utilisée, et les mots « dièse » ou « bémol » remplacent les symboles de dièse et de bémol.

D'autres méthodes d'enregistrement des sons, moins couramment utilisées dans la pratique quotidienne, ne seront pas abordées en détail ici, mais peuvent être présentées sous forme de documents illustratifs à titre de référence.

Voici des options pour représenter tonalités mineures et majeures:

Tous les types de tonalités mentionnés constituent la base de l'harmonie musicale, c'est-à-dire qu'ils déterminent le contexte harmonique de l'œuvre.

Ainsi, la tonalité harmonique est un système basé sur les principes majeurs et mineurs de l'harmonie tonale.

Il existe par ailleurs d'autres formes de tonalité. Examinons-les de plus près :

• Les tonalités portant le même nom sont basées sur la même tonique, mais appartiennent à des modes différents, par exemple « fa mineur » et « fa majeur » ;
• Les tonalités parallèles diffèrent par l'intervalle d'une tierce mineure (3 demi-tons) entre les toniques mineure et majeure, par exemple « la mineur » et « do majeur », « sol dièse mineur » et « si bémol majeur » ;
• Les tonalités à une tierce ont une tierce commune et diffèrent par une seconde mineure (1 demi-ton), par exemple, « do majeur » et « do dièse mineur » avec une tierce commune « mi ».

Balance

Pour maîtriser facilement le concept de gamme, il est essentiel de bien comprendre ce que sont le mode et la tonalité. Vous trouverez une analyse plus détaillée de ces sujets dans les articles précédents, dont la lecture est recommandée pour une meilleure compréhension :))

Cinq articles courts et clairs vous aideront à y parvenir.

En bref, à propos des modes et des tonalités :

• Une gamme est une méthode d'organisation des notes. Il existe de nombreuses méthodes de ce type (modes), mais depuis 400 ans, les plus populaires sont les modes majeur et mineur, organisés autour de la note fondamentale. Les deux modes comportent 7 degrés (notes de hauteurs différentes) ;
• Le gamma se forme lorsque les notes d'une gamme majeure ou mineure sont disposées par ordre ascendant ou descendant, de la tonique à la tonique, sur une ou plusieurs octaves. Ainsi, une gamme est une séquence de toutes les notes d'une gamme. Autrement dit, il s'agit des notes d'une gamme jouées successivement de haut en bas sur un nombre quelconque d'octaves.
• La tonalité détermine si une tonalité majeure ou mineure est définie par une note. Cela implique le choix d'une note spécifique pour le premier degré, à partir duquel sont construits les autres degrés majeurs ou mineurs. Par exemple, le nom « sol majeur » indique une tonalité dont la tonique est un sol. Des informations plus détaillées sur ce sujet sont disponibles dans un article séparé ; nous n'entrerons donc pas dans les détails ici.

En quoi une échelle diffère-t-elle d'une balance ?

Une gamme est une suite de sons ordonnés par hauteur, ascendants ou descendants. La gamme gamma est un type spécifique de gamme, construite au sein d'un mode particulier, contrairement à une simple liste de sons classés par hauteur. Par conséquent, bien que ces termes semblent similaires, ils présentent des différences. Une gamme peut être jouée dans n'importe quel ordre et contenir un nombre quelconque de notes – trois ou plus. En revanche, l'exécution d'une gamme implique uniquement la présence des sons appartenant à un mode donné, et elle se fait de la tonique initiale à la finale, incluant au minimum huit degrés.

Entraînez-vous à jouer différents exemples de gammes pour découvrir par vous-même les similitudes et les différences entre les gammes.

Pourquoi jouer des gammes ?

• Tout d'abord, la pratique régulière des gammes contribue au développement de la technique musicale, améliore la souplesse et la rapidité des mouvements des doigts. Les gammes et les passages qui s'en rapprochent sont fréquents dans les morceaux de musique, notamment pour les passages rapides qui parcourent une séquence de notes de la gamme. La maîtrise des gammes facilite grandement l'étude de ces fragments musicaux et réduit le temps nécessaire à leur apprentissage
• Deuxièmement, la pratique des gammes améliore la capacité d'un musicien à naviguer dans différentes tonalités et à trouver rapidement les notes appropriées. Rares sont les morceaux qui se limitent à l'utilisation des seules touches blanches, comme c'est le cas pour la gamme de do majeur. En réalité, la plupart des compositions incluent de nombreuses autres tonalités, ce qui exige une excellente maîtrise des touches blanches et noires.