Gestione della musica

Come diventare un manager musicale?

Non è possibile entrare nel mondo dei manager musicali "dal nulla": occorrono contatti nel settore musicale, una profonda comprensione della musica e una conoscenza delle preferenze del pubblico. Se non si ha alcuna esperienza, è consigliabile iniziare lavorando con artisti emergenti: molti di loro assumono come manager amici, conoscenti o persone raccomandate da altri musicisti. Un altro modo è quello di imparare dai professionisti per costruire contatti, acquisire le conoscenze necessarie e conoscere gli artisti, il che può portare in seguito a un lavoro a tempo pieno nel settore.

Come è strutturato il team di un artista?

Il manager personale dell'artista è una figura chiave che interagisce con il musicista stesso e coordina il lavoro dell'intero team. Indipendentemente dal fatto che svolga i compiti da solo o li deleghi ad altri, il suo ruolo principale è quello di essere il collegamento tra l'artista e tutti gli altri membri del team.

Il produttore è responsabile del materiale musicale. A seconda dell'importanza dell'artista, possono esserci diversi produttori, ognuno dei quali si occupa di finalizzare i brani, gli arrangiamenti, la collocazione delle canzoni nell'album e altri aspetti. In Russia, il produttore è spesso un tecnico del suono che mixa il materiale.

Il responsabile marketing si occupa di tutte le piattaforme digitali: invio di materiale promozionale, collaborazione con i media, organizzazione di attività, gestione dei social network e interazione con il pubblico. Il suo compito è quello di promuovere la musica e aumentare la popolarità dell'artista.

Il targetologo è responsabile della pubblicità sui social network. Definisce il pubblico di riferimento, analizza l'efficacia delle campagne pubblicitarie e decide il modo migliore per promuovere la musica.

Un direttore di concerto organizza gli spettacoli, sviluppa strategie di tour e garantisce che i concerti siano redditizi.

Un avvocato è un membro indispensabile del team. Controlla i contratti con le etichette discografiche, aiuta a redigere i documenti per i concerti, comprende le questioni relative al diritto d'autore e fornisce consulenza su questioni legali, il che è particolarmente importante per prevenire possibili problemi.

Un contabile è responsabile delle tasse e della rendicontazione finanziaria.

Perché un musicista ha bisogno di un management?

La gestione degli artisti è un processo complesso che coinvolge diversi specialisti a seconda delle loro funzioni e ruoli. Man mano che le esigenze dell'artista crescono, al suo team si aggiungono nuove persone in grado di soddisfare tali esigenze. Se un musicista è all'inizio della sua carriera, il suo manager personale può svolgere tutti i ruoli da solo, oppure l'artista si occupa personalmente della propria gestione.

Il manager funge da intermediario tra l'artista e il mondo esterno, gestendo le sue risorse musicali, di immagine e concertistiche.

Le risorse musicali includono la creazione di canzoni, la registrazione e la produzione di fonogrammi. Il manager lavora con queste risorse in tutte le fasi, dall'idea alla copia master finita dei brani.

Le risorse relative all'immagine riguardano la base di fan, l'immagine pubblica dell'artista e l'interesse nei suoi confronti da parte dei media. Il manager sviluppa queste risorse, contribuendo alla crescita della popolarità del musicista.

La risorsa concertistica è associata alle esibizioni in vari eventi, dai concerti solisti agli eventi promozionali.

Tutti gli artisti hanno un manager?

Non tutti. Gli artisti emergenti spesso fanno tutto da soli, poiché il loro compito principale è scrivere musica ed esibirsi. Un manager è necessario per trasformare la musica in un prodotto e portarla sul mercato. È la persona che mette in contatto l'artista con il pubblico e il mondo del business musicale. I musicisti di solito non hanno abbastanza tempo per svolgere tutti questi compiti.

Quali qualità deve avere un manager?

Un manager artistico deve essere un generalista, in grado di affrontare diversi compiti. Deve essere in grado di controllare i contratti, dare un feedback sul suono e interagire sia con i marchi che con i fan. Anche se non deve essere un avvocato professionista, è importante che comprenda le sfumature legali e supervisioni il lavoro degli specialisti.

L'indipendenza è una qualità fondamentale per un manager. Spesso un musicista non sa esattamente cosa dovrebbe fare il suo manager, quindi la mancanza di iniziativa e la passività sono inaccettabili in questo caso. Inoltre, un manager deve conoscere bene l'industria musicale, comprendere le questioni relative allo streaming, al copyright, alla promozione e ad altri aspetti del lavoro. Se delega i compiti ad altri specialisti, deve comprenderli nei minimi dettagli.

Un manager o un team?

La maggior parte degli artisti esordienti ha un solo manager che si assume tutte le responsabilità. Man mano che la popolarità del musicista cresce, può avere un team in cui ogni membro ha il proprio ruolo. Ad esempio, gli artisti di successo che hanno già un vasto pubblico spesso hanno un tour manager separato. Nel caso di artisti sotto contratto con una major, di solito si ricorre a un'opzione di gestione ibrida, in cui l'etichetta discografica e un manager personale lavorano insieme.

Perché è importante definire il posizionamento dell'artista?

Un posizionamento chiaro dell'artista è alla base del suo successo. L'artista deve capire a quale pubblico si rivolge e trasmettere un messaggio chiaro. Il posizionamento deve corrispondere al suo carattere: non si può cercare di trasformare una persona modesta in una rock star audace, perché risulterebbe innaturale.

Lo stesso vale per le pubblicazioni. Il manager deve valutare l'atmosfera del singolo o dell'album in uscita, capire cosa l'artista vuole trasmettere agli ascoltatori e verificare quanto la componente visiva corrisponda alla musica. Nel contesto di un'enorme quantità di nuova musica, è importante rendere il prodotto competitivo. Il manager deve trovare il modo di far risaltare l'artista dalla massa: questo potrebbe essere un posizionamento insolito, soluzioni creative sui social network o un'immagine brillante che attiri l'attenzione. Un posizionamento ben sviluppato aiuta il musicista a trovare la sua nicchia e a mantenere l'attenzione del pubblico, nonostante l'elevata concorrenza nell'industria musicale.

Come si fa a sapere se è possibile guadagnare con la musica di un artista?

È difficile. Naturalmente, ci sono manager che riescono a capire da un solo brano se un artista può avere successo commerciale, ma questo richiede molta esperienza, oltre a una buona comprensione del mercato e del pubblico. Nella maggior parte dei casi, la comprensione arriva durante il processo di lavoro. Durante questo periodo, lei consiglia di osservare la dinamica della crescita del pubblico, i compensi per le esibizioni che saranno offerti all'artista, il numero di biglietti venduti per i concerti e l'interesse degli inserzionisti. Se il pubblico non cresce, gli inserzionisti sono riluttanti e i biglietti non vendono bene, è necessario rivedere la strategia di promozione o separarsi dall'artista.

Come dovrebbe lavorare un manager con una risorsa musicale

Molti artisti lavorano con una risorsa musicale in modo indipendente e non vogliono che un manager partecipi a questo processo. A volte il ruolo del manager è solo quello di prenotare uno studio o acquistare un beat per una canzone, ma ci sono situazioni in cui il manager è coinvolto più attivamente nel processo creativo: ad esempio, è pienamente impegnato nell'organizzazione del tempo dell'artista, controlla le scadenze, crea condizioni confortevoli per loro e cerca un equilibrio tra incoraggiamento e qualche critica ragionevole. Quando si lavora con le risorse musicali dell'artista, è importante che il manager capisca quanto sia indipendente il suo cliente e di che tipo di aiuto ha bisogno. Il lavoro personale con l'artista a volte assomiglia al lavoro di uno psicologo: scrivere musica è il processo numero uno in cui è importante mantenere l'etica del lavoro. Quando lavora al materiale, l'artista si trova in uno stato di massima vulnerabilità. È necessario ispirare il musicista e aiutarlo. È molto importante creare un ambiente confortevole per l'artista. Ricorda che sei sempre dalla sua parte: anche se ha completamente torto, le conversazioni dovrebbero iniziare con il sostegno. Allo stesso tempo, è importante prevenire il proprio esaurimento: il manager dovrebbe introdurre un programma di lavoro e delle regole di interazione.

Ok, quindi quanto puoi guadagnare?

Se un artista ha un solo manager, di norma questi lavora in cambio di una percentuale sul compenso del musicista, solitamente del 10-20%. Se l'artista ha un team, il sistema di guadagno può essere più complicato. In alcuni casi, i compensi dell'artista, indipendentemente dalla loro entità, vengono suddivisi tra tutto il team del musicista. In altri casi, alcuni dipendenti ricevono una tariffa fissa, mentre altri ricevono una percentuale del reddito. Ad esempio, un tour manager riceverà una parte del reddito derivante dai concerti, mentre un addetto stampa (ovvero una persona responsabile della comunicazione con i media e gli inserzionisti) riceverà uno stipendio.

Ok, da dove iniziare a lavorare?

Uno dei primi compiti di un manager è quello di distribuire la musica dell'artista su quante più piattaforme possibile: social network, media e, naturalmente, servizi di streaming. Possono promuovere la musica dell'artista attraverso il loro sistema di raccomandazione, includerla nelle principali playlist, il che aiuterà il musicista a ottenere un nuovo pubblico. Concordare la collaborazione con i partner di streaming e spiegare loro perché è proprio il tuo artista che deve essere promosso è proprio il lavoro del manager.

Come organizzare il lavoro sulle uscite promozionali

La preparazione per la promozione di un'uscita imminente dovrebbe iniziare molto prima della data di uscita. Questo dà ai media il tempo di familiarizzare con il materiale e al manager l'opportunità di stabilire contatti con i servizi musicali e preparare tutte le informazioni necessarie per le varie piattaforme. Ogni distributore ha i propri requisiti per le applicazioni promozionali ed è importante familiarizzarsi con essi in anticipo per evitare ritardi. Nel corso delle campagne promozionali vengono utilizzati strumenti come la pubblicità mirata e il seeding pubblicitario, che aiutano a raggiungere il pubblico di destinazione.

Sebbene l'influenza dei media tradizionali sugli ascoltatori non sia più così grande come prima, non bisogna ignorare la stampa, i blog, i canali televisivi e la radio. Ad esempio, le stazioni radio possono aumentare significativamente il numero di Shazam, soprattutto per i brani di genere dance o pop. Ogni risorsa può offrire i propri vantaggi unici ed è importante sfruttarli al massimo. Inoltre, i media possono creare un'immagine dell'artista, che è difficile da formare da solo.

L'artista dovrebbe avere un piano di contenuti che copra tutte le piattaforme, da Instagram e TikTok a YouTube. È anche importante condurre attività per i fan sui social network, come i concorsi di cover, per mantenere vivo l'interesse del pubblico. Senza un'interazione costante con i fan, il pubblico può gradualmente ridursi. Più l'artista è famoso, maggiori sono le opportunità di creatività. Sebbene le star mondiali possano permettersi promozioni su larga scala e progetti speciali, anche gli aspiranti musicisti dovrebbero svilupparsi in questa direzione. Anche senza grande fama, è possibile partecipare a progetti speciali di nicchia, registrare compilation tematiche, creare versioni live o remix con DJ interessanti.

Come organizzare concerti?

È importante che il manager di un artista emergente acquisisca le competenze necessarie per organizzare concerti in modo indipendente. Questo processo comprende quattro fasi principali:

1. Definire lo scopo e il pubblico dell'evento. Capire chi è il tuo potenziale spettatore ti aiuterà a prepararti meglio e a scegliere le giuste strategie di promozione;
2. Scegliere una sede. La sede deve corrispondere alle dimensioni dell'evento e alle aspettative del pubblico;
3. Calcolare il preventivo e determinare il prezzo del biglietto. Questa fase include il calcolo di tutti i costi e la definizione di un prezzo del biglietto che sia vantaggioso sia per l'artista che per il pubblico;
4. Condurre una campagna promozionale. Ciò include annunci sui social network, notizie sui media, stampa di poster e volantini.

Cosa cercare quando si organizza un concerto?

Nell'era dello streaming, l'industria dei concerti è cambiata molto. La musica è facilmente accessibile e la promozione è quasi istantanea, ma questo non garantisce il successo dei concerti. Ad esempio, un brano può diventare virale, ma questo non significa che l'artista sarà in grado di raccogliere un vasto pubblico durante un'esibizione dal vivo. Al contrario, una rock band che non è molto popolare in streaming può attirare grandi sale, mentre gli autori di successi dance e rap con milioni di riproduzioni possono raccogliere solo un piccolo pubblico durante i concerti dal vivo.

La pubblicità dei concerti si basa sugli stessi principi della pubblicità delle uscite discografiche. È importante che il manager trovi un collaboratore affidabile che organizzi in modo efficace le campagne pubblicitarie e garantisca la vendita dei biglietti. I concerti offrono anche un'ottima opportunità per vendere merchandising, e il manager deve organizzare in anticipo la sua consegna e vendita in loco. Quando pianifica un tour, un manager dovrebbe tenere conto di tutti i dettagli: pensare alla logistica, creare un programma del tour, scrivere attentamente le clausole tecniche e di servizio, mantenendo un equilibrio tra il comfort dell'artista e i costi, e anche studiare i sistemi di biglietteria e stabilire un processo di vendita dei biglietti.

Concerti e distribuzione di dischi: è tutto qui?

Certo che no. Il lavoro di un manager musicale non si limita all'organizzazione di concerti e alla distribuzione di dischi. Una parte importante dell'attività è la collaborazione con i marchi, la partecipazione a progetti di sponsorizzazione e collaborazioni. Oggi i marchi cercano attivamente artisti con cui collaborare, offrendo loro di diventare ambasciatori, partecipare a festival o progetti speciali su varie piattaforme. Un altro modo per guadagnare denaro è la concessione di licenze musicali, che include la vendita di brani da utilizzare nei film, in televisione o nella pubblicità. In questo caso, il manager deve essere in grado di lavorare efficacemente con editori musicali e avvocati.

Come comunicare con gli artisti?

La comunicazione con gli artisti dovrebbe basarsi sui principi della professionalità. È importante separare chiaramente le relazioni personali da quelle lavorative, nonché definire in dettaglio le responsabilità al fine di evitare possibili conflitti. Gli artisti sono persone con un'elevata sensibilità emotiva e lavorare con loro può essere difficile. Come dicono molti manager professionisti, "un buon artista è una fabbrica di emozioni" e l'interazione con loro sarà inevitabilmente accompagnata da alcune difficoltà. Pertanto, uno dei compiti importanti di un manager è mantenere la propria stabilità emotiva e obiettività. "La tua testa dovrebbe essere sempre un po' più fredda", osservano gli esperti. Relazioni costruite correttamente con un artista aiuteranno anche il manager a proteggere i propri interessi in caso di rottura, sia dal punto di vista finanziario che reputazionale.

Perché un manager dovrebbe comprendere le questioni legali?

In primo luogo, un manager deve assicurarsi che l'artista sia correttamente registrato dal punto di vista legale. Se il musicista rimane un privato, ciò può portare a molti problemi con i contratti e la tassazione. Pertanto, si raccomanda di registrare l'artista come lavoratore autonomo o imprenditore individuale (IE).

Anche la tenuta dei registri finanziari e il monitoraggio dei pagamenti fiscali sono responsabilità del manager, al fine di evitare problemi con la legge. Finché l'artista non guadagna somme significative, è possibile posticipare la dichiarazione dei redditi, ma non appena il suo reddito inizia a crescere, la questione diventa prioritaria.
Inoltre, il manager deve controllare la concessione delle licenze dei brani. L'artista che ha scritto la canzone ne è l'autore e il proprietario del fonogramma. Per monetizzare un brano, è necessario trasferire i diritti di utilizzo alla casa discografica o al distributore attraverso la stipula di un apposito contratto. Il manager deve comprendere tutte le sfumature di tali accordi al fine di proteggere i diritti del proprio artista ed evitare di trasferire i diritti sul brano per sempre o di stipulare condizioni sfavorevoli.

Perché è importante specificare i termini della collaborazione con l'artista

Uno degli errori più comuni commessi dai manager è la mancanza di un contratto formale con l'artista per il loro lavoro. Ciò può portare a gravi problemi, perché in qualsiasi momento può sorgere un conflitto o un malinteso sui termini della collaborazione. Per evitare tali situazioni, è necessario garantire legalmente tutti gli accordi. Termini chiaramente specificati nel contratto contribuiranno a creare una solida base per una collaborazione di successo e garantiranno chiarezza nel rapporto.

Lo standard internazionale di collaborazione tra un manager e un artista varia dal 10 al 20% del reddito. Per le superstar, questa percentuale è solitamente intorno al 10%, mentre per i principianti è del 20%. È importante considerare da quale importo viene calcolata questa percentuale: dal reddito lordo (tutto il reddito dell'artista) o dall'utile netto. Se il manager riceve una percentuale di tutto il denaro in entrata, è importante capire quali spese sostiene l'artista. In alcuni casi, il reddito può essere minimo e le spese significative, quindi ha senso concordare condizioni più flessibili. Ad esempio, un manager può ricevere il 15% del reddito totale di un artista, ma non più del 50% dei suoi profitti netti, per garantire una distribuzione equa del reddito.

Perché è importante che un manager si adatti ai cambiamenti del settore

I ruoli nel team di un artista sono cambiati in modo significativo negli ultimi anni, e questo non è qualcosa che viene insegnato nelle scuole di musica o nei libri di testo tradizionali. Il settore è così dinamico che tutto cambia ogni sei mesi. Le informazioni che erano rilevanti alcuni anni fa potrebbero essere obsolete e inefficaci oggi. È importante che un manager aggiorni costantemente le proprie conoscenze e segua le ultime tendenze.

I cambiamenti tecnologici hanno influenzato notevolmente anche il processo di registrazione della musica. Oggi la qualità del suono non dipende più dal costo delle attrezzature dello studio. Sempre più artisti realizzano album di successo a casa, il che fa sì che il manager si concentri sulla valorizzazione del talento dell'artista e non sulle condizioni di registrazione.

Anche il processo di pubblicazione della musica è cambiato radicalmente. La distribuzione è diventata più accessibile grazie alla nascita di molte etichette indipendenti e aggregatori. Sempre più artisti di nicchia stanno trovando il loro pubblico in una varietà di generi. Le etichette non investono più ingenti somme di denaro nella promozione di nuove star, ma si concentrano sull'analisi dei social media. In queste condizioni, è meglio per un artista iniziare a lavorare in modo indipendente, piuttosto che aspettare l'aiuto delle etichette. Anche la soglia di età per entrare nel settore è cambiata. Se prima i giovani artisti diventavano spesso delle star, oggi anche dopo i 30-35 anni, pubblicando i loro primi successi registrati con fondi propri, diventano musicisti di successo.

Anche la monetizzazione delle pubblicazioni ha subito cambiamenti significativi. Oggi gli artisti ricevono royalties non solo dalle vendite e dallo streaming di musica, ma anche dagli account sui social network, dai video su YouTube e da altre piattaforme digitali. È importante distribuire il più possibile i contenuti su tutte le piattaforme disponibili per aumentare i guadagni e la popolarità.

I social network hanno cambiato radicalmente il meccanismo di interazione tra un artista e il suo pubblico. Ora un musicista non è più una figura irraggiungibile, ma può comunicare quotidianamente con i suoi fan, ricevendo feedback da loro e raccontando di sé. Tuttavia, questo crea anche nuove sfide, poiché i musicisti cominciano ad essere percepiti come persone normali, il che può complicare il lavoro con i fan.

Anche la contabilità e la gestione dei documenti stanno cambiando nell'era digitale. Stanno comparendo sempre più servizi online che semplificano il calcolo delle imposte e la rendicontazione finanziaria. Tuttavia, la legislazione non sempre tiene il passo con questi cambiamenti e spesso è necessario lavorare con un gran numero di documenti.

Quanto tempo ci vuole per imparare?

L'apprendimento nell'industria musicale è un processo continuo. Il settore è in continua evoluzione, con la nascita di nuove piattaforme di distribuzione, locali e festival. È importante essere pronti ad apprendere e ad adattarsi continuamente, proprio come in qualsiasi altra professione.