Editoria musicale

L'editoria musicale è un'attività che si occupa della gestione, della promozione e della monetizzazione delle opere musicali. Gli editori garantiscono che i compositori siano retribuiti per l'uso delle loro composizioni e contribuiscono all'organizzazione dell'esecuzione e della distribuzione di tali composizioni.

L'editoria è uno dei settori più antichi dell'industria musicale. Esisteva già molto prima dell'invenzione dei primi dispositivi di registrazione e ha svolto un ruolo chiave nell'industria musicale all'inizio del XX secolo. A quel tempo, la pubblicazione di spartiti musicali era il principale mezzo di distribuzione della musica. Gli editori stampavano gli spartiti, li distribuivano ai negozi e pagavano agli autori una quota delle vendite, garantendo così il loro reddito.

Con l'avanzare della tecnologia, l'industria musicale è cambiata in modo significativo. L'avvento della radio, dei dischi in vinile, dei nastri magnetici, dei compact disc, dei download digitali e dei servizi di streaming ha cambiato completamente il modo in cui la musica viene consumata. Tuttavia, il nucleo dell'editoria musicale è rimasto lo stesso: gli editori rappresentano i compositori e gli autori di canzoni, garantendo loro il pagamento per l'uso commerciale delle loro opere. Oggi gli editori gestiscono i diritti d'autore, si occupano delle licenze e riscuotono i diritti d'autore in tutto il mondo. Mentre in passato i ricavi provenivano dalla vendita di album stampati di canzoni, oggi gli editori tengono traccia dei pagamenti provenienti dai servizi di streaming, dalle stazioni radio, dai concerti e da altre fonti. Nelle sezioni seguenti parleremo di come funzionano questi meccanismi.

Due tipi di copyright musicale: composizione e registrazione master

Nell'industria musicale, il copyright è diviso in due categorie: diritti di composizione e diritti di registrazione master. Questi termini sono spesso utilizzati nel settore, ma se non siete ancora sicuri del loro significato, analizziamoli.

• Una composizione è l'idea musicale stessa, che include la melodia, l'armonia e, se applicabile, il testo. Pensate agli spartiti o ai testi in un quaderno: questa è la base del brano, qualcosa che può essere eseguito in molti modi diversi.
• Una registrazione master è la versione specifica e registrata di una composizione creata da un artista o da un produttore. Si tratta delle registrazioni che ascoltiamo sulle piattaforme digitali, alla radio o su supporti fisici.

A causa di questa distinzione, ogni canzone ha effettivamente due serie di diritti d'autore: uno per la composizione stessa e uno per la registrazione specifica. In alcuni casi, entrambi i diritti sono di proprietà della stessa persona, ad esempio se l'artista ha scritto e registrato la canzone da solo.

Ma più spesso i diritti sono condivisi tra persone e organizzazioni diverse. Ad esempio, se registri una cover di una canzone dei Beatles, possiederai solo la registrazione master, mentre i diritti sulla composizione stessa rimarranno ai proprietari del catalogo della band. In casi ancora più complessi, quando una canzone è creata da un gruppo di autori, utilizza elementi di altri brani o contiene campioni, la distribuzione dei diritti diventa un vero e proprio rompicapo. Allo stesso tempo, il processo di creazione e successiva monetizzazione di una composizione richiede un approccio completamente diverso rispetto al lavoro su una registrazione master. Entrambe le aree sono importanti, ma oggi ci concentreremo in particolare sui diritti sulle composizioni che appartengono agli autori e sono gestiti dagli editori.

Tre tipi di diritti d'autore musicali che è necessario comprendere

Il sistema di calcolo delle royalties per la musica è regolato dalla legge sul diritto d'autore e ogni paese può avere le proprie regole. Tuttavia, i principi fondamentali dell'attività editoriale sono simili in tutto il mondo. In questo articolo vedremo come funziona il sistema delle royalties negli Stati Uniti, poiché è lì che hanno sede le più grandi case editrici. Anche se i dettagli possono differire in altri paesi, i principi di base rimangono gli stessi.

Negli Stati Uniti, il copyright di un brano musicale appartiene al suo creatore dal momento in cui soddisfa due condizioni: è originale (cioè creato dall'autore da zero) ed è registrato su un supporto tangibile. Questo può essere una notazione musicale, un file digitale o anche un messaggio di testo con una melodia.

Una volta che l'autore ha i diritti sulla sua opera, ha il diritto esclusivo di:

1. Riprodurre e distribuire la sua musica;
2. Eseguirla o trasmetterla pubblicamente;
3. Creare nuove versioni basate sull'opera originale.

Questi diritti consentono al proprietario di decidere chi può utilizzare la sua musica e a quali condizioni. Se qualcuno desidera riprodurre, eseguire o rielaborare l'opera, avrà bisogno di una licenza e l'autore riceverà dei diritti d'autore per questo. In pratica, i diritti d'autore per la pubblicazione di musica sono suddivisi in tre categorie principali, ciascuna delle quali è associata a determinati aspetti del copyright della composizione. Come funziona esattamente questo sistema e quali pagamenti può ricevere l'autore: ne parleremo più avanti.

Royalties meccaniche: come funzionano

I diritti meccanici sono pagamenti che gli autori di canzoni ricevono per la riproduzione delle loro composizioni. Questi pagamenti provengono da terzi che desiderano registrare, pubblicare e distribuire opere musicali. In origine, questo tipo di diritti era associato alla produzione di supporti fisici come dischi e CD, da cui il nome. Oggi, nell'era digitale, la principale fonte di diritti meccanici sono i servizi di streaming.

I diritti maturano quando un utente inizia a riprodurre un brano specifico su una piattaforma digitale. È la possibilità di scegliere un brano che crea la necessità di pagare gli autori. Tuttavia, i servizi non interattivi come Pandora radio non generano diritti meccanici, poiché la musica viene riprodotta senza alcuna scelta da parte dell'ascoltatore.

Il meccanismo di pagamento dipende dal formato di distribuzione della musica. Nel caso dello streaming, servizi come Spotify e Apple Music trasferiscono i diritti d'autore direttamente agli editori. Quando si tratta di download e vendite fisiche, i pagamenti vengono prima effettuati al proprietario della registrazione master, cioè all'etichetta discografica, e poi trasferiti all'editore.

I diritti meccanici sono distribuiti da organizzazioni specializzate. Negli Stati Uniti, questo compito è svolto dalla Harry Fox Agency, mentre nel Regno Unito dalla Mechanical Copyright Protection Society. In diversi paesi europei, funzioni simili sono svolte da organizzazioni responsabili sia dei pagamenti meccanici che dei diritti di esecuzione pubblica. Queste strutture forniscono agli autori e agli editori un compenso per l'utilizzo delle loro composizioni su vari media e piattaforme.

Negli Stati Uniti, le tariffe delle royalties meccaniche sono regolate dal Copyright Board (CRB) e dipendono dal formato di distribuzione della musica. Per i download digitali e i supporti fisici, è fissata una tariffa fissa di 9,1 centesimi per copia se il brano non supera i cinque minuti. Se il brano è più lungo, viene applicata una tariffa calcolata di 1,75 centesimi al minuto.
Per lo streaming interattivo, i calcoli sono più complicati. Il CRB stabilisce il cosiddetto All-In Royalty Pool, ovvero l'importo che il servizio è tenuto a pagare agli autori di canzoni. Esso è determinato da tre formule, tra cui viene selezionato il massimo:

1. Una percentuale delle entrate totali della piattaforma. Attualmente è pari all'11,8%, ma il tasso sta aumentando gradualmente e dovrebbe raggiungere il 15,1% entro il 2022;
2. Una percentuale dell'importo pagato alle etichette discografiche. Attualmente è pari al 21-22%, ma aumenterà al 26% nel 2022;
3. Una tariffa fissa minima di 50 centesimi per ogni abbonato al servizio.

Il servizio di streaming applica tutte e tre le formule e seleziona quella che dà l'importo maggiore. La cifra risultante è l'All-In Royalty Pool, ovvero l'importo totale dei diritti d'autore che il servizio deve pagare. Da questo importo vengono prima sottratte le tariffe per l'esecuzione pubblica, stabilite in seguito a negoziazioni con le organizzazioni di gestione collettiva dei diritti d'autore (PRO). Il resto è una royalty meccanica, che viene poi distribuita agli autori di canzoni in base alla loro quota di composizione, in modo simile ai pagamenti ai proprietari delle registrazioni master.

Diritti di esecuzione pubblica

I diritti di esecuzione pubblica vengono pagati agli autori e ai titolari dei diritti d'autore per l'uso della loro musica in luoghi pubblici, alla radio, in televisione, sui servizi di streaming e su altri canali di trasmissione. Questi pagamenti compensano la parte dei diritti d'autore associata all'esecuzione o alla riproduzione pubblica di un'opera musicale.

I diritti vengono maturati ogni volta che un brano viene riprodotto alla radio, in un bar o in streaming su un servizio. Anche se si riproduce un brano in streaming con le cuffie, questo è considerato un'esecuzione pubblica.

La raccolta e la distribuzione di questi pagamenti è gestita da organizzazioni di gestione collettiva dei diritti d'autore (PRO). Negli Stati Uniti, queste includono ASCAP, BMI e SESAC; nel Regno Unito, è PRS. I pagamenti provengono da due fonti principali: i servizi di streaming e le emittenti tradizionali.

Le piattaforme di streaming come Spotify e Apple Music versano una percentuale dei loro ricavi alle PRO. Tale importo viene poi suddiviso tra tutti i titolari dei diritti registrati nel sistema. La quota esatta dei pagamenti è determinata da negoziazioni tra i servizi e la PRO, ma di solito è pari a circa il 6-7% dei ricavi totali della piattaforma.

Le emittenti tradizionali includono stazioni radio, canali televisivi, caffè, bar, sale da concerto e altri luoghi che utilizzano musica. Per l'esecuzione pubblica legale, acquistano una cosiddetta licenza completa dalla PRO, che dà il diritto di riprodurre qualsiasi musica registrata. Il costo di tale licenza dipende dalle dimensioni del pubblico: più potenziali ascoltatori ci sono, maggiore è l'importo dei pagamenti.

L'utilizzo della musica viene registrato in vari modi: liste di controllo delle playlist, registri di trasmissione e altri rapporti. Anche i musicisti di strada che si esibiscono nella metropolitana sono tenuti a fornire dati sulle canzoni che eseguono se il luogo in cui suonano è regolato dalle norme pertinenti.

Successivamente, la PRO calcola i pagamenti agli autori e agli editori, tenendo conto di molti fattori. Ad esempio, l'esecuzione di un brano su un canale televisivo nazionale in prima serata porterà ai titolari dei diritti d'autore royalties significativamente più elevate rispetto alla sua riproduzione su una stazione radio studentesca di notte. L'intero sistema è progettato in modo che le royalties siano correlate alla portata e alla frequenza dell'utilizzo della musica.

I diritti d'autore per l'esecuzione pubblica vengono pagati agli autori e ai titolari dei diritti d'autore per l'utilizzo della loro musica in luoghi pubblici, alla radio, in televisione, sui servizi di streaming e su altri canali di trasmissione. Questi pagamenti compensano la parte dei diritti d'autore associata all'esecuzione o alla riproduzione pubblica di un'opera musicale.

I diritti d'autore vengono maturati ogni volta che un brano viene riprodotto alla radio, in un bar o in streaming su un servizio. Anche se si riproduce un brano in streaming con le cuffie, questo è considerato un'esecuzione pubblica.

La raccolta e la distribuzione di questi pagamenti è gestita da organizzazioni di gestione collettiva dei diritti d'autore (PRO). Negli Stati Uniti, queste includono ASCAP, BMI e SESAC; nel Regno Unito, è PRS. I pagamenti provengono da due fonti principali: i servizi di streaming e le emittenti tradizionali.

Le piattaforme di streaming come Spotify e Apple Music versano una percentuale dei loro ricavi alle PRO. Tale importo viene poi suddiviso tra tutti i titolari dei diritti registrati nel sistema. La quota esatta dei pagamenti è determinata da negoziazioni tra i servizi e la PRO, ma di solito è pari a circa il 6-7% dei ricavi totali della piattaforma.

Le emittenti tradizionali includono stazioni radio, canali televisivi, caffè, bar, sale da concerto e altri luoghi che utilizzano musica. Per l'esecuzione pubblica legale, acquistano una cosiddetta licenza completa dalla PRO, che dà il diritto di riprodurre qualsiasi musica registrata. Il costo di tale licenza dipende dalle dimensioni del pubblico: più potenziali ascoltatori ci sono, maggiore è l'importo dei pagamenti.

L'utilizzo della musica viene registrato in vari modi: liste di controllo delle playlist, registri di trasmissione e altri rapporti. Anche i musicisti di strada che si esibiscono nella metropolitana sono tenuti a fornire dati sulle canzoni che eseguono se il luogo in cui suonano è regolato dalle norme pertinenti.

Successivamente, la PRO calcola i pagamenti agli autori e agli editori, tenendo conto di molti fattori. Ad esempio, l'esecuzione di un brano su un canale televisivo nazionale in prima serata porterà ai titolari dei diritti d'autore royalties significativamente più elevate rispetto alla sua riproduzione su una stazione radio studentesca di notte. L'intero sistema è progettato in modo tale che le royalties siano correlate alla portata e alla frequenza dell'utilizzo della musica.

Royalties di sincronizzazione

Questo tipo di reddito è correlato al diritto di creare opere derivate basate su una composizione musicale. Quando un brano viene utilizzato in un film, in una serie TV, in una pubblicità, in un videogioco o in altri tipi di contenuti, i creatori sono tenuti a ottenere l'autorizzazione dai titolari dei diritti d'autore. Questo processo è chiamato sincronizzazione e i pagamenti per l'utilizzo della musica sono chiamati licenze di sincronizzazione.

A differenza dei diritti meccanici e dei diritti di esecuzione pubblica, la sincronizzazione presenta due importanti differenze. In primo luogo, è sempre formalizzata attraverso accordi individuali. Mentre l'esecuzione pubblica di musica è regolata da licenze generali e pagamenti standard, la sincronizzazione richiede un accordo tra l'utente della musica e il titolare del copyright. Ad esempio, la rotazione radiofonica di un brano ha lo stesso costo per tutti gli artisti, ma il costo di una licenza per utilizzare la stessa canzone in pubblicità può variare di mille volte. Artisti famosi come Drake richiedono royalties enormi per l'utilizzo della loro musica in progetti commerciali, mentre i diritti di un brano di un artista sconosciuto possono costare molto meno.

La seconda differenza è che una licenza di sincronizzazione richiede un accordo tra due parti: il proprietario della composizione (gli autori e l'editore) e il proprietario della registrazione (l'etichetta o l'artista). Questo rende la sincronizzazione una parte unica del business musicale, poiché i flussi di denaro sono suddivisi tra diversi partecipanti del settore.

Esistono altri tipi di pagamenti nel settore editoriale, come i diritti d'autore per i testi, ma sono modesti rispetto ai diritti di sincronizzazione, ai diritti meccanici e ai diritti di esecuzione pubblica. Ora che le principali fonti di reddito degli editori sono chiare, vale la pena capire cosa fanno esattamente gli editori musicali e quale ruolo svolgono nel settore.

Che cos'è un'organizzazione per i diritti di esecuzione?

Un'organizzazione per i diritti di esecuzione (PRO) raccoglie i diritti d'autore per l'esecuzione pubblica di opere musicali per conto di compositori e autori di canzoni. Queste organizzazioni operano all'interno di un determinato paese o regione, monitorando il pagamento dei diritti d'autore per l'uso della musica alla radio, in televisione, nei servizi di streaming, nei locali e in altri spazi pubblici.

Ogni paese ha la propria PRO. Nel Regno Unito è la PRS, negli Stati Uniti sono l'ASCAP, la BMI e la SESAC. Per ricevere i diritti d'autore, un autore o un compositore deve registrarsi presso una di queste organizzazioni o delegare questa responsabilità al proprio editore musicale.

In che modo una PRO è diversa da un editore musicale?

Le PRO sono create e controllate da autori, compositori ed editori musicali. Il loro compito principale è quello di gestire le licenze e la riscossione dei diritti d'autore per l'esecuzione di milioni di brani musicali, semplificando il processo di pagamento e riducendo i costi per i titolari dei diritti. Esse riuniscono i diritti d'autore, consentendo negoziazioni più efficienti con i servizi digitali, le stazioni radio, i canali televisivi e i locali.

Le PRO non riscuotono tuttavia i diritti meccanici, che sono gestiti da organizzazioni separate come MCPS nel Regno Unito, MLC e Harry Fox Agency negli Stati Uniti. Gli editori musicali sono solitamente membri di entrambi i tipi di organizzazioni per garantire che gli autori ricevano tutti i diritti possibili per l'uso delle loro composizioni.

Gestione della proprietà intellettuale nell'industria musicale

Gli editori musicali e le case editrici sono responsabili di garantire che i cantautori e i compositori siano retribuiti per l'utilizzo delle loro opere. Questo processo si basa su un contratto editoriale, in cui l'autore trasferisce i propri diritti sulla composizione all'editore. In cambio, la società gestisce le licenze, controlla dove e come viene utilizzata la musica, riscuote i diritti d'autore e li distribuisce agli autori.

Gli editori lavorano anche per promuovere la musica. Aiutano a inserire le composizioni in film, serie TV, pubblicità e le offrono agli artisti per la registrazione. A volte le case editrici organizzano la creazione di musica personalizzata e forniscono agli autori commissioni per il loro lavoro.

I diritti d'autore sulle opere musicali sono la forma più importante di proprietà intellettuale nel settore. Oltre ai diritti sulle composizioni, esiste anche il diritto d'autore sulla registrazione originale, che nella maggior parte dei casi è di proprietà delle case discografiche. Gli editori svolgono un ruolo chiave nella gestione di questi beni, garantendo che gli autori siano equamente ricompensati per l'utilizzo della loro musica.

Il ruolo degli editori musicali

Gli editori musicali sono responsabili della concessione delle licenze musicali e della gestione dei diritti d'autore di compositori e autori di canzoni. Stipulano contratti con i titolari dei diritti d'autore per controllare l'uso delle loro composizioni e garantire che i diritti d'autore siano riscossi da tutte le fonti disponibili.

Il primo passo nel lavoro di una casa editrice è registrare le opere presso un'organizzazione di gestione collettiva (CMO). Ciò è necessario affinché gli autori possano ricevere i pagamenti per l'esecuzione pubblica, i diritti meccanici e la sincronizzazione.

1. Amministrazione editoriale: registrazione, riscossione e controllo dei diritti d'autore

La registrazione di una composizione presso le PRO e le MRO non è tecnicamente difficile. Negli Stati Uniti esistono ASCAP, BMI, SESAC e HFA, mentre nel Regno Unito ci sono PRS e MCPS. La registrazione consente agli autori di ricevere i pagamenti per la riproduzione meccanica e l'esecuzione pubblica, mentre i diritti di licenza per la sincronizzazione richiedono una registrazione separata. Sembra che questo sia sufficiente, ma in realtà il processo è molto più complicato.

Le PRO si concentrano sulla riscossione dei diritti d'autore, ma non si occupano della verifica dettagliata della distribuzione dei pagamenti. Il loro obiettivo è quello di accumulare fondi, non di garantire che il denaro raggiunga ogni titolare di diritti d'autore. Per questo motivo, una parte significativa dei proventi va persa o rimane non reclamata. Il settore ha persino il concetto di "scatola nera" delle royalties, ovvero il denaro che per vari motivi non è stato pagato. Secondo varie stime, ogni anno vi finisce dal 10% al 25% di tutti i fondi raccolti. Le ragioni di tali perdite sono varie: errori nei metadati, domande duplicate, richieste contestate o persino tentativi di manipolare il sistema. Nel corso degli anni di collaborazione con gli artisti, gli editori hanno riscontrato centinaia di casi di caos nella contabilità delle royalties. Ad esempio, una canzone può essere rivendicata da più società contemporaneamente, ciascuna delle quali rivendica il 35% dei diritti. Di conseguenza, la piattaforma di streaming riceve richieste per il 140% della composizione. Come reagisce a questo? Molto semplice: nessuno riceve denaro, perché è impossibile distribuire correttamente i pagamenti.

Oltre ai ricavi nazionali, gli autori di canzoni possono guadagnare diritti d'autore per l'uso delle loro composizioni all'estero. In teoria, le organizzazioni di gestione collettiva (CMO) dei diversi paesi si scambiano dati e trasferiscono pagamenti tra loro. Tuttavia, nella pratica, questo processo è ben lungi dall'essere ideale. A causa delle complessità contabili e dei continui disaccordi nel settore editoriale, una parte significativa dei diritti d'autore internazionali non arriva agli autori.

Per ricevere tutti i pagamenti dovuti, gli autori di canzoni devono registrarsi presso le organizzazioni di gestione collettiva di ogni paese in cui viene eseguita la loro musica. È quasi impossibile farlo da soli, quindi gli editori si occupano della registrazione, della verifica degli accantonamenti, della richiesta dei pagamenti e della risoluzione delle controversie. In sostanza, l'editore agisce come un rappresentante che garantisce che nessuna parte delle entrate venga persa.

A causa della complessità della riscossione dei diritti d'autore internazionali, un'amministrazione efficace è possibile solo con una portata globale. Questo è il motivo per cui la gestione dei diritti è spesso concentrata nelle mani di grandi aziende globali. Gli editori indipendenti spesso affidano il loro catalogo a società internazionali attraverso accordi di sub-pubblicazione. In questo accordo, un editore locale gestisce i diritti d'autore nel proprio paese e poi esternalizza i diritti a grandi operatori come Sony ATV, Warner Chappell, BMG, UMG, Peermusic, Downtown Music Publishing (Songtrust) o Kobalt per servire il mercato globale. Queste società gestiscono l'amministrazione internazionale in cambio di una piccola percentuale dei diritti d'autore, consentendo agli autori di accedere ai propri guadagni da tutto il mondo.

2. Dipartimento A&R in una casa editrice musicale: ricerca di talenti e sviluppo della carriera dei cantautori

Il ruolo di una casa editrice musicale nella carriera di un artista dipende dal suo lavoro creativo. Per molti artisti, la pubblicazione di canzoni è solo una fonte di reddito aggiuntiva. Ad esempio, se una band scrive e registra la propria musica, il reddito principale proverrà dalla vendita di dischi, concerti, merchandising e altre attività commerciali. In questo caso, la casa editrice svolge più che altro un ruolo amministrativo, aiutando con la registrazione dei diritti, la riscossione dei diritti d'autore e la concessione di licenze per le canzoni.

Tuttavia, la situazione cambia quando si tratta di musicisti che scrivono non solo per se stessi, ma anche per altri artisti, e creano anche colonne sonore per film, serie TV e videogiochi. Un esempio lampante è Ed Sheeran. Molti lo conoscono per i successi "Shape of You" e "Perfect", ma non tutti sanno che è anche un autore di canzoni per artisti come Justin Bieber e Major Lazer.

Ci sono anche quelli che si concentrano completamente sulla scrittura di musica per altri. Questi autori rimangono dietro le quinte dell'industria, ma la loro influenza sul mercato musicale globale è colossale. Ad esempio, Max Martin è un nome poco conosciuto al grande pubblico, ma le sue canzoni si ascoltano in ogni angolo del mondo. Ha lavorato con Katy Perry, The Weeknd, Backstreet Boys e molti altri artisti, creando alcuni dei successi più riconoscibili degli ultimi decenni.

Come fa un cantautore a passare dalla scrittura per una band locale alla collaborazione con star globali? È qui che entra in gioco l'A&R editoriale. Per i cantautori e i produttori che lavorano per altri artisti, l'editoria diventa più di un semplice partner amministrativo: è un anello fondamentale nel loro sviluppo professionale.

In generale, le funzioni dell'A&R nell'editoria e nelle etichette discografiche sono simili. Sono responsabili della ricerca di talenti, della firma di contratti e dello sviluppo dei cantautori, aiutandoli a stabilire contatti con artisti, produttori e manager in tutto il mondo. Tuttavia, c'è una differenza importante tra i due che definisce le specificità dell'A&R editoriale.

L'obiettivo principale dell'A&R (Artists and Repertoire) è massimizzare i profitti a lungo termine che possono essere ricavati dagli artisti e dalla loro musica. Tuttavia, è importante capire che l'A&R nelle case discografiche e l'A&R nell'editoria hanno obiettivi diversi. Ad esempio, quando Ed Sheeran ha scritto la canzone Love Yourself per Justin Bieber, la sua etichetta non ha guadagnato un centesimo. Nel frattempo, il suo editore ha guadagnato milioni in diritti d'autore e licenze.

Mentre un A&R di una casa discografica si concentra sul successo di un particolare disco, un A&R di una casa editrice si concentra sul garantire che la canzone stessa (indipendentemente dall'artista) generi profitti. Sebbene le loro funzioni si sovrappongano, le loro priorità, e quindi il loro approccio al lavoro, sono diverse.

Per comprendere la differenza tra i compiti di un A&R, prendiamo in considerazione due artisti: un beatmaker (ovvero un produttore, se parliamo di hip-hop) e un rapper. Se lavorassero insieme su un brano, le loro quote sarebbero suddivise come segue:

Il beatmaker/produttore ottiene:

• il 50% dei diritti di pubblicazione di una canzone per la parte strumentale che crea;
• Una quota della registrazione master (circa il 2-3% dei diritti principali).

Un rapper ottiene:

• il 50% dei diritti di pubblicazione per aver scritto il testo;
• La quota principale dei ricavi derivanti dalla registrazione master (di solito insieme all'etichetta discografica).

Poiché il loro reddito dipende da fonti diverse, gli A&R di questi artisti lavorano in direzioni diverse. L'A&R di un rapper si concentra sul successo del lancio e della promozione di un brano. Organizza il processo di registrazione, crea l'immagine dell'artista e si occupa della strategia di marketing e della promozione del lancio.

L'A&R di un beatmaker, invece, si concentra sul far arrivare la sua composizione all'artista più popolare. Più grande è il nome dell'artista, più è probabile che la canzone porti soldi. Se si riesce a negoziare una collaborazione con un artista di punta come Drake, il successo è quasi garantito.

Per un A&R che lavora con i cantautori, le connessioni nel settore sono fondamentali. I compositori e i beatmaker raramente raggiungono il successo da soli: la loro carriera si basa sulle collaborazioni. Più contatti hanno con artisti famosi, maggiore è la probabilità che la loro musica sia richiesta e porti guadagni. Infatti, la chiave del successo è scrivere una canzone per qualcuno che occupa già le prime posizioni nelle classifiche.

3. Negoziazioni dei diritti musicali

Uno dei compiti principali di un editore musicale è quello di tutelare gli interessi dei cantautori e ottenere per loro le condizioni più favorevoli. Ciò è particolarmente importante quando più persone lavorano su una stessa composizione. Immaginate una situazione in cui quattro autori lavorano su una canzone e, secondo la prassi standard, i diritti vengono divisi equamente tra loro, indipendentemente dal contributo di ciascuno. Tuttavia, una tale divisione è ben lungi dall'essere sempre equa. È in questi casi che gli editori avviano negoziazioni per determinare la quota spettante a ciascun partecipante.

Nel processo di creazione dei successi moderni, la distribuzione dei diritti può essere ancora più complicata. A volte i compositori vengono coinvolti per lavorare su una parte specifica di un brano. Uno specialista è responsabile della scrittura del ritornello, un altro del riff strumentale, un terzo lavora sui testi delle strofe e il produttore, inizialmente assunto per l'arrangiamento, suggerisce improvvisamente una frase che diventa la chiave dell'intera opera. In questi casi, la questione della distribuzione dei diritti diventa oggetto di complesse trattative. Ciò è particolarmente importante se la canzone diventa improvvisamente popolare e inizia a generare entrate significative. Ricordate la storia delle controversie sul copyright relative a Truth Hurts: questi sono i casi di cui stiamo parlando. Oltre alla paternità classica, esiste anche la cosiddetta collaborazione indiretta. La musica moderna è ricca di prestiti e reinterpretazioni. Compositori e produttori utilizzano spesso elementi di brani esistenti, creando nuove composizioni basate su di essi. Il campionamento ha da tempo superato i confini dell'hip-hop e della musica elettronica ed è diventato uno strumento comune in una varietà di generi. Tuttavia, dal punto di vista del copyright, non appena un campione appare in una canzone, l'autore della composizione originale riceve automaticamente una quota dei diritti sulla nuova opera. Questo vale non solo per i frammenti audio, ma anche per le linee melodiche o persino per i testi presi in prestito.

In casi come questi, la regola standard della divisione equa non si applica. I proprietari della musica originale negoziano con gli editori per determinare la percentuale di copyright che spetterà loro. La quota può variare dal 5% al 100%, a seconda dell'importanza del campione nella nuova canzone. A volte gli autori del materiale originale non chiedono alcun compenso, ma se il tuo brano utilizza un campione di una canzone di Notorious B.I.G., stai certo che dovrai condividere i diritti. Le trattative relative al campionamento sono spesso un processo complicato e lungo, ma non possono essere evitate. Se hai intenzione di monetizzare un brano che utilizza la musica di qualcun altro senza l'approvazione ufficiale, rischi di perdere tutti i diritti sulla tua canzone e di perdere tutti i guadagni che ne derivano.

4. Come gli editori aiutano a promuovere la musica

Molti conoscono la canzone My Way interpretata da Frank Sinatra, ma la sua storia è iniziata molto prima che entrasse nelle classifiche. La versione originale è stata scritta dal compositore francese Claude François, e solo nel 1969 l'autore canadese Paul Anka ha acquisito i diritti per adattarla per un simbolico dollaro. Tuttavia, l'accordo prevedeva una condizione importante: gli autori dell'originale, Claude François e Jacques Revaux, mantenevano la loro quota dei diritti d'autore su qualsiasi versione creata da Anka. Ciò significa che ogni volta che My Way viene trasmessa alla radio, in qualsiasi versione, da Sinatra a Sid Vicious, sono i creatori della melodia originale a ricevere i proventi. Per i compositori, questo può essere paragonato a una miniera d'oro, perché il loro lavoro continua a fruttare denaro per decenni.

La promozione delle opere musicali è una parte importante del lavoro dell'editore. Il suo compito è quello di garantire che il catalogo che gestisce non solo esista, ma porti anche il massimo profitto. Ciò si ottiene attraverso cover, campionamenti, adattamenti e altre forme di utilizzo della composizione. Gli editori attivi non si limitano ad aspettare le richieste di utilizzo di un brano, ma avviano essi stessi la collaborazione. Si rivolgono ad artisti, produttori e aziende, offrendo composizioni da interpretare e includere in nuovi progetti. Più l'opera viene utilizzata, maggiore è il suo valore commerciale e maggiori sono i guadagni per gli autori. Tuttavia, non tutti gli autori necessitano dello stesso approccio. A seconda della carriera e degli obiettivi del compositore, è possibile stipulare diversi accordi editoriali. Nel corso del tempo, nel settore si sono formati diversi tipi standard di accordi di questo tipo, che consentono agli autori di scegliere le condizioni più favorevoli per lavorare con gli editori.

5. Come nascono le controversie tra autori ed editori

Nel settore musicale, i diritti d'autore sono tipicamente suddivisi in proporzione 70/30: il 70% va al compositore e il 30% all'editore per i suoi servizi. Tuttavia, nella pratica, esistono diversi tipi di accordi, che non sempre sono vantaggiosi per i compositori. In alcuni casi, gli artisti richiedono una quota dei diritti d'autore in cambio della scelta di una canzone da registrare, soprattutto se l'autore non si è ancora fatto un nome. A volte anche i manager o i produttori degli artisti vogliono alcuni dei diritti, come hanno fatto Norman Petty e Phil Spector. E a volte è l'editore stesso a insistere per essere incluso nell'elenco degli autori, come è successo più di una volta con Morris Levy. Tali situazioni vanno dalla pratica standard del settore a schemi decisamente senza scrupoli.

Uno dei tipi più discutibili di editori è il cosiddetto songshark. A differenza delle aziende in buona fede, questi editori fanno ben poco per promuovere i compositori o guadagnare dai diritti d'autore. Al contrario, guadagnano dagli autori inesperti offrendo loro "servizi" a pagamento che un editore normale fornirebbe gratuitamente. Si può trattare del pagamento per la registrazione di un demo, dell'arrangiamento o persino di compensi fittizi per "ascoltare" e "valutare" le canzoni. Naturalmente, ci sono situazioni in cui pagare per un seminario professionale o per un'audizione con un esperto è del tutto giustificato, ma se un editore guadagna denaro da un compositore invece di trovargli delle opportunità, è più probabile che venga considerato fraudolento.

Le questioni editoriali causano spesso conflitti tra i musicisti e i loro manager. Nel 1958, Buddy Holly ruppe con il suo manager Norman Petty a causa di una disputa sui diritti musicali. Quasi un decennio dopo, i Buckinghams affrontarono un problema simile quando si separarono dal produttore James William Guercio. Una delle cause legali più famose nell'industria musicale è stata quella tra John Fogerty e il suo ex editore Saul Zaentz. Zaentz ha citato in giudizio Fogerty, sostenendo che una delle sue canzoni da solista era troppo simile a un brano dei Creedence Clearwater Revival presente nel catalogo dell'editore. Il tribunale ha dato ragione a Fogerty, ma il fatto che sia stata intentata una causa del genere dimostra quanto possa essere complicato il rapporto tra gli artisti e i proprietari delle loro canzoni.

Alcuni artisti cercano di evitare tali problemi creando le proprie case editrici. Questo permette loro di controllare i propri diritti e di ricevere tutti i profitti derivanti dall'uso delle loro composizioni. Tuttavia, non tutti i musicisti riescono a farlo in tempo, e perdere il controllo delle proprie canzoni può essere catastrofico per loro. Little Richard, una delle figure chiave nella storia del rock and roll, è stato truffato e ha perso una parte significativa dei suoi diritti d'autore. I Beach Boys Brian Wilson e Mike Love hanno avuto un vero shock quando hanno saputo che il padre dei fratelli Wilson, Merry Wilson, aveva venduto la casa editrice Sea of Tunes alla A&M Records per una cifra che si è rivelata parecchie volte inferiore al suo valore reale.

Uno dei casi più noti di perdita del controllo dei diritti editoriali è quello dei Beatles. Nel 1969, il loro editore Dick James vendette la sua quota della società Northern Songs alla Associated TeleVision (ATV), ricevendo una somma considerevole. Questo portò i Beatles a perdere il controllo dei diritti sulle loro canzoni. I tentativi dei manager Lee Eastman e Allen Klein di impedire ciò non ebbero successo e ATV divenne il principale proprietario del catalogo del gruppo. In seguito, John Lennon e Paul McCartney decisero di vendere le loro quote rimanenti, rinunciando così alla proprietà delle loro opere e conservando solo il diritto di ricevere i diritti d'autore. George Harrison e Ringo Starr conservarono piccole quote, ma questo non diede loro più alcuna influenza.

Come funzionano i contratti di edizione musicale

Qualsiasi contratto di edizione musicale comporta il trasferimento di una parte del copyright all'editore, che gli consente di concedere in licenza la musica e riscuotere i diritti d'autore. In cambio, l'autore riceve una percentuale di tali diritti. Tuttavia, il sistema di distribuzione dei diritti è più complesso di quanto possa sembrare a prima vista.

Quota dell'autore vs. quota dell'editore

Ogni canzone viene automaticamente divisa in due parti uguali: il 50% va all'autore e il 50% all'editore. Anche se una canzone è stata scritta da una sola persona, essa è comunque composta da queste due quote. La quota dell'autore appartiene sempre al creatore dell'opera e non può essere trasferita ad altre persone: i pagamenti vengono effettuati direttamente attraverso le organizzazioni di gestione collettiva dei diritti (PRO).

L'editore si occupa di riscuotere e aumentare i proventi derivanti dalla quota editoriale della canzone, rappresentando gli interessi dell'autore. Per il suo lavoro, riceve una percentuale dei diritti d'autore riscossi. Se il compositore non ha un editore o una propria società, può contare solo sulla quota dell'autore, ovvero il 50% dei possibili diritti d'autore.

Oggi non è così difficile creare una propria casa editrice. Le organizzazioni che riscuotono i diritti d'autore, come la PRO (responsabile dei diritti d'autore per le esecuzioni pubbliche) e la MRO (che riscuote i diritti d'autore meccanici), offrono agli autori strumenti per l'autogestione dei diritti. Ciò consente ai musicisti di essere indipendenti da terzi e di ricevere entrate da tutte le fonti.

Tre tipi di contratti di edizione musicale

Il rapporto tra un editore e un autore di canzoni, così come le responsabilità dell'editore, dipendono in gran parte dal tipo di contratto stipulato. Nel corso degli anni, l'industria musicale ha sviluppato diversi modelli standard di cooperazione. Vediamo i principali.

1. Contratti di pubblicazione completi

Questo formato era il più comune. Quando si conclude un accordo di questo tipo, l'autore trasferisce il 100% dei suoi diritti sul materiale scritto all'editore. Il contratto copre tutte le opere create durante la sua durata e, di norma, include obblighi minimi relativi al numero di canzoni. I diritti su ciascuna composizione trasferiti in base a tale accordo rimangono all'editore a tempo indeterminato.

In cambio, l'editore si assume il pieno sostegno dell'autore: promuove le sue canzoni, stabilisce contatti professionali, aiuta a concludere accordi redditizi. Paga anche un anticipo, che viene poi restituito attraverso le royalties.

Sebbene questo formato sia meno comune rispetto a 20 anni fa, è ancora in uso. Molto spesso, tali contratti vengono stipulati con autori esordienti che non hanno ancora ottenuto un successo significativo. L'editore si assume i rischi finanziari e reputazionali investendo nello sviluppo dell'autore e riceve in cambio una quota consistente dei ricavi.

2. Accordi di coeditoria

Oggi questo formato di contratto è il più popolare tra i cantautori. In un accordo di questo tipo, l'autore e la casa editrice pubblicano congiuntamente il materiale musicale, dividendo equamente la quota dell'editore. Di conseguenza, l'autore riceve il 75% dei proventi: il 50% come creatore dell'opera e un altro 25% dalla quota editoriale di proprietà della sua micro-azienda.

Questo tipo di collaborazione è adatto agli autori che hanno già un certo successo e influenza, ma hanno ancora bisogno del supporto di un editore. A differenza di un contratto di pubblicazione completo, in questo caso l'autore ha un maggiore controllo sui diritti, poiché può riottenerli alla scadenza del contratto. La durata di questi diritti è individuale e varia da alcuni anni a diversi decenni.

Per il resto, un accordo di questo tipo è simile a un contratto editoriale completo. L'editore fornisce un anticipo, che viene poi rimborsato dal reddito dell'autore, promuove le sue canzoni, lo aiuta a stabilire contatti nel settore, finanzia la creazione di registrazioni demo e organizza la collaborazione con artisti famosi. A sua volta, l'autore si impegna a scrivere un certo numero di canzoni durante la durata del contratto.

La distribuzione dei proventi derivanti dalla concessione in licenza di materiale musicale nella pubblicità, nel cinema e nella televisione viene negoziata separatamente in ogni caso specifico. La quota finale dell'autore dipende dai termini che è riuscito a concordare al momento della conclusione dell'accordo.

3. Accordi di pubblicazione amministrativa

Questo formato di collaborazione differisce dagli altri in quanto l'editore svolge qui una sola funzione: riscuote e verifica i diritti d'autore. L'autore mantiene pienamente i diritti sulle sue opere e l'editore riceve dal 10% al 25% della commissione come commissione amministrativa. Con un contratto di questo tipo, l'editore riceve una quota solo durante la durata del contratto e, dopo la sua scadenza, cessa di partecipare alla distribuzione dei proventi. Questo è il motivo per cui tali accordi vengono solitamente conclusi per un periodo più lungo rispetto a quelli congiunti, a volte fino a 5 anni.

Questa opzione è scelta più spesso da cantautori e interpreti esperti che sono già affermati nel settore e non hanno bisogno di ulteriore promozione. Ad esempio, produttori e cantautori famosi come Max Martin non hanno bisogno del supporto di una casa editrice per trovare interpreti, poiché hanno già stabilito dei contatti. Tuttavia, hanno bisogno di un aiuto professionale per registrare le opere presso varie società di diritti d'autore, controllare i diritti d'autore e verificare l'uso delle composizioni nei film e nella pubblicità. Tali accordi consentono ai principali autori e artisti di mantenere il pieno controllo sulle loro canzoni, garantendo al contempo la massima riscossione dei diritti d'autore. Questo approccio è conveniente anche per i musicisti che creano musica esclusivamente per se stessi e non intendono trasferire i diritti a nessun altro. Questo è il motivo per cui molti servizi di distribuzione digitale come TuneCore, CDBaby e Ditto Music offrono servizi di amministrazione editoriale insieme alla distribuzione di musica su piattaforme di streaming.

Preparazione della musica per la sincronizzazione

La concessione di licenze musicali per la sincronizzazione è una parte importante dell'editoria musicale. Consente di utilizzare i brani in combinazione con contenuti video, ad esempio in film, pubblicità o videogiochi. Questo formato non solo porta all'autore un reddito derivante dalla concessione di licenze, ma amplia anche in modo significativo il suo pubblico.

Collegarsi a servizi che lavorano con la sincronizzazione offre ai musicisti l'accesso a una vasta gamma di opportunità. Ciò include l'inserimento di brani in film, programmi TV, spot pubblicitari e progetti di giochi. Le licenze di sincronizzazione possono essere un'ottima fonte di reddito stabile e aumentare la riconoscibilità dell'artista a livello internazionale.

Come collaborare con un editore musicale

Per monetizzare la propria musica nel modo più efficace possibile, l'autore deve collaborare con un editore che si occupi delle questioni amministrative. Ciò include la registrazione dei brani presso le società di gestione dei diritti d'autore, il monitoraggio dei diritti d'autore e la presentazione della musica per la sincronizzazione.

L'editore svolge i seguenti compiti:

• Registra le opere presso le organizzazioni internazionali che tutelano i diritti degli artisti;
• Inserisce la musica in database per la raccolta dei diritti d'autore meccanici;
• Controlla e riscuote i diritti d'autore per l'esecuzione pubblica e la riproduzione meccanica;
• Offre brani da utilizzare in film, pubblicità e altri formati multimediali e garantisce la riscossione dei ricavi delle licenze.

Il futuro dell'editoria musicale

L'editoria rimane una parte importante della carriera di un cantautore, ma il suo formato sta cambiando in modo significativo. Le tendenze attuali del settore ricordano per molti versi l'evoluzione delle etichette discografiche.

Vent'anni fa, la maggior parte degli artisti firmava contratti con le major che coprivano i costi di registrazione e promozione in cambio di una quota significativa delle vendite. Allo stesso tempo, i cantautori firmavano contratti editoriali completi, sperando che le loro canzoni venissero trasmesse alla radio, dove si guadagna la maggior parte dei soldi.

La situazione è cambiata: la tecnologia digitale ha offerto ai cantautori e agli artisti maggiori opportunità di autopromozione. Invece di lavorare in grandi studi come in passato, i successi vengono creati a casa da piccoli team e promossi attraverso i social media e i servizi di streaming.

Gli accordi di co-pubblicazione incentrati sullo sviluppo degli autori rimangono popolari, ma sempre più autori di canzoni optano per accordi amministrativi. Questo è simile a quanto accade nell'industria discografica, dove gli artisti lavorano sempre più spesso con distributori piuttosto che con etichette discografiche. L'indipendenza sta diventando un fattore chiave, che consente agli artisti di mantenere il controllo sul proprio catalogo invece di cederlo a grandi società.

Tuttavia, anche i cantautori completamente indipendenti non possono fare a meno dell'amministrazione editoriale, proprio come gli artisti indipendenti hanno bisogno dei servizi dei distributori digitali. Nuove aziende come Kobalt e Songtrust si stanno muovendo in questa direzione, creando sistemi automatizzati per la raccolta e la distribuzione dei diritti d'autore.

Oggi, i confini tra i diversi settori del business musicale stanno diventando sempre più sfumati. I distributori stanno iniziando a offrire servizi tradizionalmente riservati alle etichette discografiche e le case editrici potrebbero in futuro ampliare il loro ruolo assumendo funzioni promozionali. Presto potrebbero emergere sul mercato nuovi attori che combinano la gestione degli autori di canzoni con capacità precedentemente disponibili solo ai giganti dell'editoria.