Zarządzanie muzyką

Jak zostać menedżerem muzycznym?

Nie można po prostu „z ulicy” wskoczyć do zawodu menedżera muzycznego – potrzebne są kontakty w branży muzycznej, dogłębne zrozumienie muzyki i wiedza na temat preferencji publiczności. Jeśli nie masz żadnego doświadczenia, zacznij od współpracy z początkującymi artystami: wielu z nich zatrudnia jako menedżerów swoich przyjaciół, znajomych lub osoby polecone przez innych muzyków. Innym sposobem jest uczenie się od profesjonalistów, aby budować kontakty, zdobywać niezbędną wiedzę i poznawać artystów, co może później doprowadzić do zatrudnienia na pełny etat w branży.

Jak wygląda struktura zespołu artysty?

Osobisty menedżer artysty jest kluczową postacią, która współpracuje z samym muzykiem i koordynuje pracę całego zespołu. Niezależnie od tego, czy wykonuje zadania samodzielnie, czy deleguje je innym, jego główną rolą jest pełnienie funkcji łącznika między artystą a wszystkimi innymi członkami zespołu.

Producent jest odpowiedzialny za materiał muzyczny. W zależności od skali działalności artysty może być kilku producentów, z których każdy zajmuje się finalizacją utworów, aranżacjami, rozmieszczeniem piosenek na albumie i innymi aspektami. W Rosji producentem jest często inżynier dźwięku, który miksuje materiał.

Menedżer ds. marketingu zajmuje się wszystkimi platformami cyfrowymi: wysyłaniem materiałów promocyjnych, współpracą z mediami, organizowaniem działań, utrzymywaniem sieci społecznościowych i interakcją z odbiorcami. Jego zadaniem jest promowanie muzyki i zwiększanie popularności artysty.

Targetolog jest odpowiedzialny za reklamę w sieciach społecznościowych. Określa grupę docelową, analizuje skuteczność kampanii reklamowych i decyduje, jak najlepiej promować muzykę.

Dyrektor koncertowy organizuje występy, opracowuje strategie tras koncertowych i dba o to, aby koncerty były opłacalne.

Prawnik jest nieodzownym członkiem zespołu. Sprawdzają umowy z wytwórniami, pomagają w sporządzaniu dokumentów dotyczących koncertów, znają się na kwestiach praw autorskich i doradzają w sprawach prawnych, co jest szczególnie ważne dla zapobiegania ewentualnym problemom.

Księgowy odpowiada za podatki i sprawozdawczość finansową.

Dlaczego muzyk potrzebuje menedżera?

Zarządzanie artystą to złożony proces, w którym biorą udział różni specjaliści w zależności od ich funkcji i ról. Wraz ze wzrostem potrzeb artysty do jego zespołu dołączają nowe osoby, które są w stanie te potrzeby zaspokoić. Jeśli muzyk dopiero rozpoczyna karierę, jego osobisty menedżer może samodzielnie pełnić wszystkie role lub artysta sam zajmuje się swoim zarządzaniem.

Menedżer pełni rolę pośrednika między artystą a światem zewnętrznym, zarządzając jego zasobami muzycznymi, wizerunkiem i koncertami.

Zasoby muzyczne obejmują tworzenie piosenek, nagrywanie i produkcję fonogramów. Menedżer pracuje z tymi zasobami na wszystkich etapach – od pomysłu do gotowej kopii master utworów.

Zasoby wizerunkowe dotyczą grona fanów, publicznego wizerunku artysty i zainteresowania nim ze strony mediów. Menedżer rozwija te zasoby, przyczyniając się do wzrostu popularności muzyka.

Zasoby koncertowe są związane z występami podczas różnych wydarzeń, od koncertów solowych po imprezy promocyjne.

Czy wszyscy artyści mają menedżerów?

Nie wszyscy. Początkujący artyści często robią wszystko samodzielnie, ponieważ ich głównym zadaniem jest pisanie muzyki i występowanie. Menedżer jest potrzebny, aby przekształcić muzykę w produkt i wprowadzić ją na rynek. Jest to osoba, która łączy artystę z publicznością i światem biznesu muzycznego. Muzycy zazwyczaj nie mają wystarczająco dużo czasu, aby wykonać wszystkie te zadania.

Jakie cechy powinien posiadać menedżer?

Menedżer artysty musi być wszechstronny i potrafić radzić sobie z różnymi zadaniami. Musi umieć sprawdzać umowy, oceniać brzmienie i współpracować zarówno z markami, jak i fanami. Chociaż nie musi być profesjonalnym prawnikiem, ważne jest, aby rozumiał niuanse prawne i nadzorował pracę specjalistów.

Niezależność jest kluczową cechą menedżera. Muzyk często nie wie, czym dokładnie powinien zajmować się jego menedżer, więc brak inicjatywy i bierność są tutaj nie do przyjęcia. Ponadto menedżer musi dobrze znać branżę muzyczną, rozumieć kwestie związane ze streamingiem, prawami autorskimi, promocją i innymi aspektami pracy. Jeśli deleguje zadania innym specjalistom, musi je rozumieć w najdrobniejszych szczegółach.

Jeden menedżer czy zespół?

Większość początkujących artystów ma jednego menedżera, który przejmuje wszystkie obowiązki. Wraz ze wzrostem popularności muzyka może mieć zespół, w którym każdy członek ma swoją rolę. Na przykład odnoszący sukcesy wykonawcy, którzy mają już dużą publiczność, często mają oddzielnego menedżera tras koncertowych. W przypadku artystów podpisanych z dużą wytwórnią zazwyczaj stosuje się opcję zarządzania hybrydowego, w której wytwórnia i osobisty menedżer współpracują ze sobą.

Dlaczego ważne jest określenie pozycjonowania artysty?

Jasne pozycjonowanie artysty jest podstawą jego sukcesu. Artysta musi rozumieć, do jakiej publiczności się zwraca, i przekazywać jasny komunikat. Pozycjonowanie musi pasować do jego charakteru: nie można próbować zmienić skromnej osoby w odważną gwiazdę rocka – będzie to wyglądało nienaturalnie.

To samo dotyczy wydawnictw. Menedżer musi ocenić nastrój nadchodzącego singla lub albumu, zrozumieć, co artysta chce przekazać słuchaczom, i sprawdzić, na ile element wizualny pasuje do muzyki. W kontekście ogromnej ilości nowej muzyki ważne jest, aby produkt był konkurencyjny. Menedżer musi znaleźć sposoby, aby artysta wyróżniał się z tłumu – może to być nietypowe pozycjonowanie, kreatywne rozwiązania w sieciach społecznościowych lub jasny wizerunek, który przyciągnie uwagę. Dobrze opracowane pozycjonowanie pomaga muzykowi znaleźć swoją niszę i utrzymać uwagę publiczności, pomimo dużej konkurencji w branży muzycznej.

Skąd wiadomo, czy można zarobić na muzyce artysty?

To trudne. Oczywiście są menedżerowie, którzy na podstawie jednego utworu potrafią stwierdzić, czy artysta odniesie sukces komercyjny, ale wymaga to dużego doświadczenia, a także dobrego zrozumienia rynku i odbiorców. W większości przypadków zrozumienie przychodzi w trakcie pracy. W tym okresie radzi przyjrzeć się dynamice wzrostu publiczności, wynagrodzeniom za występy, które będą oferowane artyście, liczbie sprzedanych biletów na koncerty oraz zainteresowaniu reklamodawców. Jeśli publiczność nie rośnie, reklamodawcy są niechętni, a bilety nie sprzedają się dobrze, należy albo zrewidować strategię promocji, albo rozstać się z artystą.

Jak menedżer powinien współpracować z serwisem muzycznym

Wielu artystów współpracuje z serwisem muzycznym samodzielnie i nie chce, aby menedżer brał udział w tym procesie. Czasami rola menedżera polega tylko na rezerwacji studia lub zakupie podkładu do piosenki, ale zdarzają się sytuacje, w których menedżer bardziej angażuje się w proces twórczy: na przykład w pełni zajmuje się organizacją czasu artysty, kontroluje terminy, stwarza mu komfortowe warunki i szuka równowagi między zachętą a rozsądną krytyką. Podczas pracy z zasobami muzycznymi artysty ważne jest, aby menedżer rozumiał, na ile jego klient jest niezależny i jakiego rodzaju pomocy potrzebuje. Osobista praca z artystą czasami przypomina pracę psychologa: pisanie muzyki jest procesem, w którym najważniejsze jest zachowanie etyki pracy. Podczas pracy nad materiałem artysta znajduje się w najbardziej wrażliwym stanie. Musisz inspirować muzyka i pomagać mu. Bardzo ważne jest, aby zapewnić artyście komfort. Pamiętaj, że zawsze jesteś po jego stronie: nawet jeśli całkowicie się myli, rozmowy powinny zaczynać się od wsparcia. Jednocześnie ważne jest, aby zapobiegać własnemu wypaleniu zawodowemu: menedżer powinien wprowadzić harmonogram pracy i zasady interakcji.

Ok, więc ile można zarobić?

Jeśli artysta ma jednego menedżera, to z reguły pracuje on za procent od wynagrodzenia muzyka – zazwyczaj 10-20%. Jeśli wykonawca ma zespół, to schemat zarobków może być bardziej skomplikowany. W niektórych przypadkach honorarium artysty, niezależnie od jego wysokości, jest dzielone między cały zespół muzyka. W innych przypadkach niektórzy pracownicy otrzymują stałą stawkę, a niektórzy procent od dochodów. Na przykład menedżer trasy koncertowej otrzyma część dochodów z koncertów, a rzecznik prasowy (czyli osoba odpowiedzialna za komunikację z mediami i reklamodawcami) otrzyma wynagrodzenie.

No dobrze, od czego zacząć pracę?

Jednym z pierwszych zadań menedżera jest dystrybucja muzyki artysty na jak największej liczbie platform: w sieciach społecznościowych, mediach i oczywiście serwisach streamingowych. Mogą oni promować muzykę artysty poprzez swój system rekomendacji, umieszczać ją w czołowych playlistach, co pomoże muzykowi zdobyć nową publiczność. Uzgodnienie współpracy z partnerami streamingowymi i wyjaśnienie im, dlaczego to właśnie Twój artysta powinien być promowany, jest właśnie zadaniem menedżera.

Jak zorganizować pracę nad promocją wydawnictw

Przygotowania do promocji nadchodzącego wydawnictwa powinny rozpocząć się na długo przed datą premiery. Daje to mediom czas na zapoznanie się z materiałem, a menedżerowi – możliwość nawiązania kontaktu z serwisami muzycznymi i przygotowania wszystkich niezbędnych informacji dla różnych platform. Każdy dystrybutor ma własne wymagania dotyczące wniosków promocyjnych i ważne jest, aby zapoznać się z nimi z wyprzedzeniem, aby uniknąć opóźnień. W procesie kampanii promocyjnych wykorzystuje się takie narzędzia, jak reklamy ukierunkowane i seeding reklamowy, które pomagają dotrzeć do docelowych odbiorców.

Chociaż wpływ tradycyjnych mediów na słuchaczy nie jest już tak duży jak kiedyś, nie należy ignorować prasy, blogów, kanałów telewizyjnych i radia. Na przykład stacje radiowe mogą znacznie zwiększyć liczbę Shazamów, zwłaszcza w przypadku utworów z gatunku muzyki tanecznej lub popowej. Każdy zasób może oferować swoje unikalne zalety i ważne jest, aby wykorzystać je w maksymalnym stopniu. Ponadto media mogą stworzyć wizerunek artysty, który trudno mu jest ukształtować samodzielnie.

Artysta powinien mieć plan treści obejmujący wszystkie platformy – od Instagrama i TikToka po YouTube. Ważne jest również prowadzenie działań dla fanów w sieciach społecznościowych, takich jak konkursy coverów, aby utrzymać zainteresowanie odbiorców. Bez stałej interakcji z fanami grono odbiorców może stopniowo się kurczyć. Im bardziej znany artysta, tym więcej możliwości kreatywnych. Chociaż światowe gwiazdy mogą sobie pozwolić na promocje na dużą skalę i specjalne projekty, początkujący muzycy również powinni rozwijać się w tym kierunku. Nawet bez wielkiej sławy można uczestniczyć w niszowych projektach specjalnych, nagrywać kompilacje tematyczne, tworzyć wersje na żywo lub remiksy z interesującymi DJ-ami.

Jak organizować koncerty?

Dla menedżera początkującego artysty ważne jest opanowanie umiejętności samodzielnego organizowania koncertów. Proces ten obejmuje cztery główne etapy:

1. Określenie celu i odbiorców wydarzenia. Zrozumienie, kim jest potencjalny widz, pomoże lepiej przygotować się i wybrać odpowiednie strategie promocyjne;
2. Wybór miejsca. Miejsce powinno odpowiadać skali wydarzenia i oczekiwaniom publiczności;
3. Obliczenie kosztorysu i ustalenie ceny biletu. Etap ten obejmuje obliczenie wszystkich kosztów i ustalenie ceny biletu, która będzie korzystna zarówno dla artysty, jak i dla publiczności;
4. Przeprowadzenie kampanii promocyjnej. Obejmuje to ogłoszenia w sieciach społecznościowych, wiadomości w mediach, drukowanie plakatów i ulotek.

Na co zwrócić uwagę przy organizacji koncertu?

W erze streamingu branża koncertowa bardzo się zmieniła. Muzyka jest łatwo dostępna, a promocja niemal natychmiastowa, ale nie gwarantuje to sukcesu koncertów. Na przykład utwór może stać się viralem, ale nie oznacza to, że artysta będzie w stanie zgromadzić dużą publiczność na koncercie na żywo. Wręcz przeciwnie, zespół rockowy, który nie jest zbyt popularny w streamingu, może przyciągać duże sale, podczas gdy autorzy hitów tanecznych i rapowych z milionami odtworzeń mogą zgromadzić tylko niewielką publiczność na koncertach na żywo.

Reklama koncertów opiera się na tych samych zasadach, co reklama wydawnictw. Ważne jest, aby menedżer znalazł wiarygodnego kontrahenta, który skutecznie zorganizuje kampanie reklamowe i zapewni sprzedaż biletów. Koncerty stanowią również doskonałą okazję do sprzedaży gadżetów, a menedżer musi z wyprzedzeniem zorganizować ich dostawę i sprzedaż na miejscu. Planując trasę koncertową, menedżer powinien wziąć pod uwagę wszystkie szczegóły: przemyśleć logistykę, stworzyć harmonogram trasy, starannie opracować wymagania techniczne i domowe, zachowując równowagę między komfortem artysty a kosztami, a także zapoznać się z systemami sprzedaży biletów i ustalić proces sprzedaży biletów.

Koncerty i dystrybucja płyt – czy to wszystko?

Oczywiście, że nie. Praca menedżera muzycznego nie ogranicza się do organizowania koncertów i dystrybucji płyt. Ważną częścią działalności jest współpraca z markami, udział w projektach sponsorskich i kolaboracjach. Obecnie marki aktywnie poszukują artystów do współpracy, proponując im zostanie ambasadorami, udział w festiwalach lub specjalnych projektach na różnych platformach. Innym sposobem zarabiania pieniędzy jest licencjonowanie muzyki, które obejmuje sprzedaż utworów do wykorzystania w filmach, telewizji lub reklamach. W tym przypadku menedżer musi umieć skutecznie współpracować z wydawcami muzycznymi i prawnikami.

Jak komunikować się z artystami?

Komunikacja z artystami powinna opierać się na zasadach profesjonalizmu. Ważne jest, aby wyraźnie oddzielić relacje osobiste od zawodowych, a także szczegółowo określić obowiązki, aby uniknąć ewentualnych konfliktów. Artyści to osoby o dużej wrażliwości emocjonalnej, a praca z nimi może być trudna. Jak twierdzi wielu profesjonalnych menedżerów, „dobry artysta to fabryka emocji”, a interakcja z nim nieuchronnie wiąże się z pewnymi trudnościami. Dlatego jednym z ważnych zadań menedżera jest zachowanie własnej stabilności emocjonalnej i obiektywizmu. „Głowa powinna być zawsze nieco chłodniejsza” – zauważają eksperci. Prawidłowo zbudowane relacje z artystą pomogą również menedżerowi chronić jego interesy w przypadku rozstania, zarówno pod względem finansowym, jak i reputacyjnym.

Dlaczego menedżer powinien rozumieć kwestie prawne?

Po pierwsze, menedżer musi upewnić się, że artysta jest prawidłowo zarejestrowany pod względem prawnym. Jeśli muzyk pozostaje osobą fizyczną, może to prowadzić do wielu problemów związanych z umowami i opodatkowaniem. Dlatego zaleca się zarejestrowanie artysty jako osoby samozatrudnionej lub indywidualnego przedsiębiorcy (IE).

Prowadzenie dokumentacji finansowej i monitorowanie płatności podatkowych również należą do obowiązków menedżera, aby uniknąć problemów z prawem. Dopóki artysta nie zarabia znacznych kwot, można odłożyć rozliczenie podatków, ale gdy tylko jego dochody zaczną rosnąć, kwestia ta staje się priorytetowa.
Ponadto menedżer musi kontrolować licencjonowanie utworów. Artysta, który napisał piosenkę, jest jej autorem i właścicielem fonogramu. Aby zarabiać na utworze, konieczne jest przeniesienie praw do jego wykorzystania na wytwórnię lub dystrybutora poprzez zawarcie odpowiedniej umowy. Menedżer musi rozumieć wszystkie niuanse takich umów, aby chronić prawa swojego artysty i uniknąć przeniesienia praw do utworu na zawsze lub zawarcia niekorzystnych warunków.

Dlaczego ważne jest, aby dokładnie określić warunki współpracy z artystą

Jednym z najczęstszych błędów popełnianych przez menedżerów jest brak formalnej umowy z artystą dotyczącej jego pracy. Może to prowadzić do poważnych problemów, ponieważ w każdej chwili może dojść do konfliktu lub nieporozumienia dotyczącego warunków współpracy. Aby uniknąć takich sytuacji, konieczne jest zabezpieczenie wszystkich umów na drodze prawnej. Jasno określone warunki w umowie pomogą stworzyć solidną podstawę do udanej współpracy i zapewnią przejrzystość relacji.

Międzynarodowy standard współpracy między menedżerem a artystą waha się od 10 do 20% dochodów. W przypadku supergwiazd procent ten wynosi zazwyczaj około 10%, natomiast w przypadku początkujących artystów – 20%. Ważne jest, aby wziąć pod uwagę, od jakiej kwoty jest obliczany ten procent: od przychodów brutto (wszystkich dochodów artysty) czy od zysku netto. Jeśli menedżer otrzymuje procent od wszystkich wpływających pieniędzy, ważne jest, aby zrozumieć, jakie wydatki ponosi artysta. W niektórych przypadkach dochody mogą być minimalne, a wydatki znaczne, i wtedy sensowne jest uzgodnienie bardziej elastycznych warunków. Na przykład menedżer może otrzymać 15% całkowitego dochodu artysty, ale nie więcej niż 50% jego zysków netto, aby zapewnić sprawiedliwy podział dochodów.

Dlaczego menedżer musi dostosowywać się do zmian w branży

Role w zespole artysty znacznie się zmieniły w ostatnich latach i nie jest to coś, czego uczy się w szkołach muzycznych lub tradycyjnych podręcznikach. Branża jest tak dynamiczna, że wszystko zmienia się co sześć miesięcy. Informacje, które były aktualne kilka lat temu, mogą być dziś nieaktualne i nieskuteczne. Ważne jest, aby menedżer stale aktualizował swoją wiedzę i śledził najnowsze trendy.

Zmiany technologiczne miały również duży wpływ na proces nagrywania muzyki. Obecnie jakość dźwięku nie zależy już od kosztów sprzętu studyjnego. Coraz więcej artystów tworzy udane albumy w domu, co sprawia, że menedżer skupia się na ujawnianiu talentu artysty, a nie na warunkach nagrywania.

Proces wydawania muzyki również uległ radykalnej zmianie. Dystrybucja stała się bardziej dostępna dzięki pojawieniu się wielu niezależnych wytwórni i agregatorów. Coraz więcej niszowych artystów znajduje swoich słuchaczy w różnych gatunkach muzycznych. Wytwórnie nie inwestują już ogromnych kwot w promocję nowych gwiazd, ale skupiają się na analizie mediów społecznościowych. W tych warunkach artystom lepiej jest rozpocząć samodzielną działalność, zamiast czekać na pomoc wytwórni. Zmienił się również wiek, w którym można wejść do branży. Jeśli wcześniej młodzi artyści często stali się gwiazdami, to dziś nawet po 30-35 latach, wydając swoje pierwsze hity nagrane za własne środki, stają się odnoszącymi sukcesy muzykami.

Znaczącym zmianom uległa również monetyzacja wydawnictw. Obecnie artyści otrzymują tantiemy nie tylko ze sprzedaży i streamingu muzyki, ale także z kont w sieciach społecznościowych, filmów na YouTube i innych platformach cyfrowych. Aby zwiększyć dochody i popularność, ważne jest, aby jak najszerzej rozpowszechniać treści na wszystkich dostępnych platformach.

Sieci społecznościowe radykalnie zmieniły mechanizm interakcji między artystą a publicznością. Obecnie muzyk nie jest postacią nieosiągalną, ale może codziennie komunikować się ze swoimi fanami, otrzymując od nich opinie i opowiadając o sobie. Stwarza to jednak również nowe wyzwania, ponieważ muzycy zaczynają być postrzegani jako zwykli ludzie, co może komplikować pracę z fanami.

W erze cyfrowej zmienia się nawet księgowość i zarządzanie dokumentami. Pojawia się coraz więcej usług online, które upraszczają obliczenia podatkowe i sprawozdawczość finansową. Jednak przepisy prawne nie zawsze nadążają za tymi zmianami i często trzeba pracować z dużą ilością dokumentów.

Jak długo trwa nauka?

Nauka w branży muzycznej to ciągły proces. Branża ta nieustannie się zmienia, pojawiają się nowe platformy dystrybucyjne, miejsca koncertowe i festiwale. Ważne jest, aby być przygotowanym na ciągłą naukę i dostosowywanie się, tak jak w każdym innym zawodzie.