Struktura utworu

Pomysły kompozytora są same w sobie jedynie podstawą przyszłej kompozycji, rodzajem szkieletu, na którym mają zostać ułożone główne elementy. Prawdziwa praca zaczyna się wraz z aranżacją – przekształca ona zbiór pomysłów muzycznych w kompletne dzieło, które może urzekać słuchacza i poprowadzić go przez wszystkie idee autora. Im bardziej interesująca i przyjemna jest ta muzyczna podróż, tym większe prawdopodobieństwo, że słuchacz będzie chciał wracać do tej piosenki wielokrotnie.

Aranżację można porównać do mapy, na podstawie której powstaje utwór. Mapa ta często zawiera sprawdzone rozwiązania i trasy, z których kompozytorzy i aranżerzy korzystają wielokrotnie. Nie oznacza to, że podchodzą do sprawy w sposób schematyczny – wręcz przeciwnie, struktury i schematy te zostały sprawdzone przez wiele hitów i nadal działają, pomagając tworzyć nowe muzyczne arcydzieła.

Typowa struktura utworu w muzyce popularnej

Aby zrozumieć, jak działa typowa struktura utworu, należy zapoznać się z jego podstawowymi elementami. Zazwyczaj utwór składa się z następujących ośmiu elementów:

• Wprowadzenie/Intro;
• zwrotka;
• Przed refrenem/Bridge;
• Refren;
• Refren końcowy/tag;
• Interludium;
• Przerwa;
• Outro.

Nie wszystkie z tych części muszą występować w każdej kompozycji, a niektóre mogą się powtarzać kilka razy, w zależności od intencji kompozytora i znaczenia, jakie niosą.

Intro

Intro do utworu to część, która jako pierwsza dociera do słuchacza. Jego głównym celem jest przygotowanie publiczności do kompozycji i płynne przejście do pierwszej zwrotki. Ogólne postrzeganie całego utworu w dużej mierze zależy od tego, jak interesujące i ekscytujące jest intro. Jeśli intro od razu przyciąga uwagę, prawdopodobieństwo, że słuchacz wysłucha utworu do końca, znacznie wzrasta.

O ile nie tworzysz muzyki z gatunku rocka progresywnego lub math metalu, staraj się nie przedłużać intro, aby nie zmęczyć słuchacza.

Pod względem treści intro może być zróżnicowane – wszystko zależy od kreatywności autora. Może składać się z jednego lub dwóch elementów głównego utworu, takich jak melodia i perkusja lub bas i klawisze, lub powtarzać strukturę refrenu. Długość intro również różni się w zależności od pomysłu kompozytora, ale zazwyczaj zajmuje 2, 4 lub 8 taktów.

Zwrotka

Zwrotka jest centralną częścią semantyczną każdej piosenki, w której ujawniany jest główny tekst i przekazywana jest informacja zawarta w kompozycji. Zwrotka nie tylko przekazuje główną ideę, ale także przygotowuje słuchacza do kolejnych części utworu.

W przeciwieństwie do refrenu lub mostka, tekst zwrotki zazwyczaj zmienia się z jednej do drugiej, dodając różnorodności i głębi narracji. Jednak ścisłe przestrzeganie tej zasady nie jest konieczne – w historii muzyki istnieje wiele wspaniałych piosenek, w których zwrotki są proste i powtarzalne, ale jednocześnie pozostają skuteczne i zapadają w pamięć.

Przykładowa struktura i aranżacja utworu może wyglądać następująco: kompozycja rozpoczyna się intro, po którym następują dwie zwrotki, cztery powtarzające się refreny, a następnie solo lub interludium instrumentalne, a utwór kończy się outro. Czas trwania utworu wynosi około 3 minut i 30 sekund, co pozwala na stworzenie bogatej i dynamicznej kompozycji, która przykuwa uwagę słuchacza od początku do końca.

Przed refrenem/przejście

Bridge, znany również jako pre-chorus, służy jako łącznik między zwrotką a refrenem. Ponieważ refren jest zazwyczaj najbardziej zapadającą w pamięć i emocjonalną częścią utworu, bridge pomaga w płynnym przejściu od zwrotki do refrenu, zmniejszając kontrast między nimi.

Jeśli harmonia zwrotki i refrenu opiera się na tych samych akordach, bridge może urozmaicić utwór, zmieniając progresję akordów i dodając świeże elementy muzyczne. Z punktu widzenia słuchacza pre-chorus sprawia, że kompozycja jest bardziej interesująca i dynamiczna, przygotowując do kulminacyjnego momentu w refrenie.

Refren

Refren jest jedną z kluczowych kulminacyjnych części utworu, która powinna być zapadająca w pamięć, ale nie nachalna. Optymalnym rozwiązaniem jest umieszczenie w kompozycji 2-4 refrenów o różnej długości. Ponieważ refren jest najczęściej powtarzaną częścią utworu, skupia on główne idee tekstowe i muzyczne, a także zawiera główne przesłanie utworu i muzyczny motyw, który przyciąga uwagę słuchacza.

Ważne jest, aby nie przeładowywać kompozycji powtarzającymi się refrenami. W końcu tworzymy coś wyjątkowego, a nie typowy hit, który przyciąga uwagę tylko swoją nachalnością.

Z reguły pierwszy refren składa się z 8 taktów, tworząc pojedyncze powtórzenie. Drugi refren może być dwukrotnie dłuższy, zajmując 16 taktów i zawierając niewielkie zmiany, aby utrzymać zainteresowanie. Ostatni refren, pojawiający się na końcu utworu, może mieć długość od 16 do 32 taktów. Jednak z doświadczenia wynika, że lepiej jest ograniczyć się do mniejszej liczby refrenów na końcu kompozycji, aby zachować jej dynamikę i zainteresowanie słuchacza.

Post-refren/tag

Czasami ostatnia linijka refrenu może wykraczać poza przydzielone jej takty, co może stanowić problem, zwłaszcza jeśli tekst kolejnej części utworu, np. zwrotki, zaczyna się od pickup. Aby uniknąć nakładania się słów i zapewnić płynne przejście między częściami kompozycji, kompozytorzy i aranżerzy często dodają 2-4 takty pauzy. Pozwala to wokalistom na krótką przerwę przed kontynuowaniem utworu i sprawia, że narracja muzyczna jest bardziej płynna.

Post-refren, podobnie jak pre-refren, może przybierać dowolną formę: od powtórzenia elementów refrenu lub wprowadzenia z prostym śpiewem chóru, po przerwę instrumentalną lub wariację głównej melodii. Wszystko zależy od kreatywnych intencji aranżera i kompozytora, a także od atmosfery, jaką chcą stworzyć w utworze.

Czym jest muzyka popularna?

Kiedy mówimy o muzyce popularnej, często pojawia się zamieszanie i wielu uważa, że mówimy wyłącznie o muzyce pop. Jest to jednak błędne przekonanie. Terminy „muzyka popularna” i „muzyka pop” nie są synonimami i odnoszą się do różnych gatunków muzycznych.

Muzyka pop odnosi się do konkretnego gatunku, który charakteryzuje się łatwością odbioru, prostymi melodiami i skupieniem się na masowej publiczności.

Jednocześnie termin „muzyka popularna” obejmuje szeroki zakres stylów muzycznych, które są popularne wśród szerokiej publiczności, ale niekoniecznie kojarzą się z gatunkiem pop. Obejmuje to rock, fusion, rhythm and blues, industrial, disco, rock and roll, reggae, nu metal, alternative i wiele innych stylów. Muzyka popularna to zatem różnorodność stylów skierowanych do masowej publiczności.

Bridge (Middle 8)

W muzyce zachodniej bridge pod koniec utworu jest często nazywany Middle 8, co dosłownie oznacza „środkowa ósemka”. Czasami muzycy nazywają Middle 8 również bridge. Ta część kompozycji jest zazwyczaj przeznaczona dla sekcji instrumentalnej: można tu usłyszeć solówki lub zmienione partie i melodie, które dodają dynamiki i urozmaicenia.

Głównym celem Middle 8 jest stworzenie kulminacyjnego punktu kompozycji przed ostatnim refrenem lub przerwą. W trakcie utworu dynamika i energia stopniowo rosną, osiągając szczyt w tym bridge'u. Jak sama nazwa wskazuje, jego długość wynosi zazwyczaj 8 taktów, choć dostępne są również dłuższe wersje.

Przerwa

Po intro czasami wstawia się krótką przerwę, zwaną breakiem (z angielskiego Break – przerwa, pauza). Break służy do dania słuchaczowi krótkiej chwili wytchnienia. Ciągłe nasycenie kompozycji może być męczące, a break pomaga zrównoważyć energię utworu.

Obecność przerwy i intro zależy od kontekstu. Jeśli kompozycja zawiera solo, logiczne jest użycie spokojnej przerwy, aby stworzyć kontrast. Jednak nikt nie zabrania dodania kolejnego instrumentalnego lub wokalnego intro po solo, a nawet powrotu do zwrotki.

Przerwa jest zazwyczaj minimalistyczna i opiera się na tych samych akordach i melodii, co refren. Czasami może pełnić rolę małego przedrefrenu przed ostatnim refrenem. Długość przerwy waha się od 4 do 16 taktów.

Outro

Outro lub outro to końcowa część utworu. Może ono stanowić echo intro lub być jego całkowitym przeciwieństwem. Outro może składać się z kilku powtórzeń refrenu z stopniowym wyciszeniem (Fade Out) lub być całkowicie unikalne i niepodobne do innych części kompozycji.

Ważne jest, aby nie przeciągać outro: jeśli jest zbyt długie, słuchacz może się zmęczyć i zacząć myśleć: „Kiedy to się skończy?”. To, jak będzie wyglądało outro, zależy od charakteru całej piosenki. W energicznych utworach odpowiednie może być zakończenie kompozycji powtórzeniem refrenów, a w balladach można użyć innych akordów, aby stworzyć końcowy akcent. Ostatecznie wybór outro pozostaje w gestii kompozytora.

Ostateczna struktura utworu w muzyce popularnej

Utwór można przedstawić w formie wykresu, na którym ruch muzyki i jej dynamika przypominają parabolę, z naprzemiennymi wzrostami i spadkami napięcia.

W trakcie kompozycji energia muzyczna stopniowo rośnie, osiąga szczyt w kulminacyjnym momencie, a następnie płynnie maleje pod koniec, tworząc harmonijne zakończenie. Taki wykres wyraźnie pokazuje, w jaki sposób muzyka prowadzi słuchacza przez emocjonalne wzloty i upadki, sprawiając, że każda część utworu jest znacząca i powiązana z pozostałymi.

Część utworu	Możliwa długość
Intro	2-8 taktów
Zwrotka	8–32 takty
Przed refrenem/Bridge	2-16 taktów
Refren	8-16 taktów
Po refrenie/tag	2-4 takty
Bridge	8 taktów (czasami 16)
Przerwa	4-16 taktów
Outro	2-4 takty

Nie należy tworzyć wszystkich części przyszłej piosenki o jednakowej długości, na przykład po 32 takty – każdy element kompozycji ma swoją optymalną długość, którą należy wziąć pod uwagę. Każda piosenka jest wyjątkowa i wymaga indywidualnego podejścia, dlatego ważne jest, aby nie przeładowywać aranżacji i nie próbować zawrzeć w niej wszystkich możliwych elementów. Zrównoważony rozkład części pozwoli utrzymać zainteresowanie słuchacza i stworzyć harmonijną strukturę kompozycji.

Typowa struktura utworu w muzyce elektronicznej

W przeciwieństwie do muzyki popularnej, struktura utworów elektronicznych ma swoje własne cechy charakterystyczne. Jedną z przyczyn tego stanu rzeczy jest wpływ formatów radiowych, w których utwory muszą mieścić się w określonym czasie emisji, co wyklucza stosowanie niekończących się miksów.

Ponadto aranżacja muzyki tanecznej i elektronicznej powinna zapewniać komfort tancerzom. Długie sekcje w takich utworach przeplatają się z krótkimi, aby dać tancerzom szansę na odpoczynek. Zazwyczaj kompozycja taneczna składa się z siedmiu kluczowych części:

• Intro;
• Przerwa;
• Build-up;
• Drop;
• Przerwa środkowa;
• Drugi drop;
• Ostatni beat.

Przykładem takiej typowej struktury jest utwór „United We Dance” autorstwa Vicetone, który dobrze ilustruje, w jaki sposób elementy są budowane w muzyce elektronicznej, tanecznej i klubowej.

Jest to sekcja składająca się z szesnastu lub więcej taktów perkusji lub instrumentów perkusyjnych. Charakterystycznymi cechami intro w muzyce elektronicznej są minimalizm w użyciu instrumentów, nacisk na rytm oraz stopniowe, niespieszne pojawianie się głównej melodii. Głównym celem intro beat jest zapewnienie DJ-owi możliwości płynnego i starannego zmiksowania nowego utworu z poprzednim, zachowując harmonię setlisty.

Breakdown

Breakdown to moment, w którym kompozycja powraca do swoich głównych elementów. W tej sekcji perkusja jest często całkowicie nieobecna, co tworzy więcej przestrzeni dla innych elementów muzycznych. Breakdown zazwyczaj zawiera główną linię melodyczną utworu, która stopniowo się intensyfikuje i jest zagłuszana przez dodatkowe instrumenty, zwiększając gęstość brzmienia. Czas trwania breakdownu może być różny – od 16 do 32 taktów lub więcej.

Build-up

Build-up służy jako przygotowanie do refrenu, podobnie jak pre-chorus w muzyce popularnej. Ta sekcja kompozycji stopniowo buduje napięcie dzięki przyspieszeniu partii perkusji i wykorzystaniu riserów – dźwięków syntezatora, które płynnie zwiększają głośność i wysokość, stając się centralnym elementem aranżacji.

Drop

Drop jest kulminacją utworu, podobnie jak refren w muzyce popularnej. Ma on wywrzeć silne wrażenie na słuchaczu dzięki mocnym groove'om, pompującemu basowi, gęstemu beatowi i jasnemu hookowi syntezatora, który jest głównym motywem muzycznym całego utworu.

Środkowa przerwa

Middle break to centralna część kompozycji, zawierająca unikalne elementy muzyczne, które nie wykraczają poza główną melodię. Sekcja ta jest często wykorzystywana do płynnego przejścia do kolejnego build-upu, który zazwyczaj jest krótszy od pierwszego. Middle break może być wariacją na temat pierwszego breakdownu lub dropu, ale często różni się od innych części utworu, wnosząc świeże pomysły i zmiany w brzmieniu.

Utwór rozpocznie się refrenem, który od razu nada mu odpowiedni nastrój i energię. Następnie pojawią się dwie różne zwrotki, z których każda wnosi nowe elementy i urozmaicenie do historii utworu. W środkowej części kompozycji zostanie wstawiona solówka lub interludium instrumentalne, aby dodać dynamiki i głębi brzmieniu. Utwór zakończy się kilkoma tagami – krótkimi interludiami, które pojawiają się bezpośrednio po refrenie, co wzmocni efekt i utrwali kluczowe idee muzyczne kompozycji w pamięci słuchacza.

Drugi drop

Drugi drop ma zazwyczaj podobną strukturę i energię do pierwszego, ale zawiera kilka zmian, które dodają różnorodności kompozycji. Różnice te mogą mieć formę innego hooka, nowej linii basu lub zmodyfikowanego beat'u, co pomaga odświeżyć brzmienie i utrzymać zainteresowanie słuchacza.

Outro Beat

Podobnie jak beat intro, beat outro odgrywa ważną rolę w muzyce tanecznej, pomagając DJ-owi płynnie połączyć końcowy utwór z następnym w secie. Dlatego ta część kompozycji jest często najdłuższa, zapewniając niezbędną przestrzeń dla przejścia.

Struktura utworu outro w muzyce elektronicznej

Aby dopasować się do formatu radiowego, oryginalne wersje utworów klubowych, które mogą trwać od 5 do 10 minut, są edytowane. W rezultacie wszystkie części kompozycji są skracane, tak aby ostateczny utwór nie przekraczał 3-4 minut. Pozwala to na uzyskanie bardziej zwartej struktury, podobnej do standardowej piosenki popowej, przy zachowaniu kluczowych elementów i energii oryginału.

Część utworu	Możliwa długość
Intro Beat	od 16 taktów
Przerwa	16-32 takty
Budowanie napięcia	16-32 takty
Spadek	16 taktów
Przerwa środkowa	16-32 takty
Drugi spadek	16–32 takty
Outro Beat	od 16 taktów

Podstawowe formy struktury utworu: ABA, AABA, AAA i ABABCB

Planując aranżację, kompozytorzy i aranżerzy często sięgają po jedną z czterech popularnych form: ABA, AABA, AAA i ABABCB.

Forma ABA jest najpopularniejszą strukturą utworu. Kiedy ludzie mówią o standardowym schemacie zwrotka-refren-zwrotka, zazwyczaj mają na myśli formę ABA. Charakterystyczną cechą tej formy jest obecność dwóch identycznych sekcji (A) i jednej kontrastującej sekcji (B). Kontrast w sekcji B jest tworzony poprzez zmianę harmonii, tonacji, rytmu lub ogólnego nastroju utworu. W formie ABA sekcje A i B mogą stanowić dowolną część utworu: zwrotki, refreny, mostki lub solówki.

Zwrotka 1 (A)	Refren 1 (A)	Refren (B)	Interludium (B)	Zwrotka 2 (A)	Refren 2 (A)

Refren 2 (A)	Zwrotka 1 (A)	Przerwa (B)	Przedrefren (B)	Refren 3 (A)	Zwrotka 2 (A)

Doskonałym przykładem formy ABA jest jazzowy klasyk „I Got Rhythm” George'a Gershwina. W tej kompozycji sekcje A są grane w tonacji B-dur, z dwoma akordami na takt, co nadaje muzyce energię i dynamikę. W sekcji B tonacja ulega zmianie, rytm zwalnia – jeden akord rozciąga się na dwa takty, a muzyka staje się mniej dynamiczna, tworząc kontrast z sekcjami A.

Forma AABA jest rozwinięciem schematu ABA. W tej strukturze sekcja A jest powtarzana dwukrotnie, następnie następuje przejście do kontrastującej sekcji B, po czym kompozycja powraca do sekcji A. Takie podejście pozwala stworzyć kompozycję z wyraźnie wyrażonym tematem głównym i kontrastującą środkową częścią. Struktura utworu zgodna ze schematem AABA może wyglądać następująco: A (intro) – A (powtórzenie) – B (kontrast) – A (powrót do głównego tematu).

Zwrotka 1 (A)	Refren 1 (A)	Zwrotka 2 (A)	Refren 2 (A)	Refren (B)	Przejście (B)	Zwrotka 3 (A)	Refren 3 (A)

Refren 2 (A)	Zwrotka 1 (A)	Refren 3 (A)	Zwrotka 2 (A)	Przerwa (B)	Przedrefren (B)	Refren 3 (A)	Zwrotka 3 (A)

Chociaż forma AABA rozpoczyna się od dwóch identycznych sekcji A, nie oznacza to, że muszą one być identyczne. Kompozytorzy i aranżerzy często wprowadzają niewielkie zmiany w harmonii, melodii lub instrumentacji w miarę postępu sekcji, aby utrzymać zainteresowanie słuchacza. Czasami zmiany ograniczają się do poszczególnych części melodii, dzięki czemu stają się one bardziej wyraziste. Często spotyka się również połączenie form ABA i AABA, w których elementy obu struktur są ze sobą powiązane, aby urozmaicić kompozycję.

Forma AAA polega na użyciu trzech identycznych sekcji, czy to zwrotki, czy refrenów, z niewielkimi zmianami harmonicznymi lub melodycznymi. Pozwala to na spójną kompozycję z minimalnymi zmianami, jednocześnie utrzymując zainteresowanie słuchacza.

Forma ABABCB oferuje bardziej złożoną strukturę. Kompozytor zaczyna od standardowego schematu zwrotka-refren-zwrotka-refren, a następnie dodaje sekcję C, która może być mostkiem, solówką lub przerwą. Następnie kompozycja powraca do refrenu, tworząc zrównoważone połączenie powtórzeń i nowości.

Struktura utworu The Beatles – Back in the U.S.S.R.

Piosenka „Back in the U.S.S.R.” zespołu The Beatles została napisana jako swego rodzaju odpowiedź na hit Chucka Berry'ego „Back in the USA”. Utwór ten, stworzony w 1968 roku, nadal brzmi aktualnie i nowocześnie. Piosenka pojawiła się w okresie, gdy brytyjski premier Harold Wilson rozpoczął kampanię polityczną pod hasłem „I’m backing Britain” (Popieram Wielką Brytanię). Hasło to było szeroko rozpowszechnione na plakatach wyborczych w całym kraju. Paul McCartney, zainspirowany tą kampanią, wymyślił frazę „I’m backing (back in) the U.S.S.R.” (Popieram (powrót do) ZSRR), która stała się swego rodzaju satyryczną odpowiedzią na idee polityczne dominujące w ówczesnym społeczeństwie angielskim. Brytyjska publiczność doceniła ironię McCartneya, ale żart pozostał niezrozumiały dla wielu słuchaczy w Stanach Zjednoczonych. Kompozycja została napisana przez Paula McCartneya we współpracy z Johnem Lennonem i otwiera słynny, dwupłytowy album The Beatles z 1968 roku, znany również jako „The White Album”.

Osobliwością utworu „Back in the U.S.S.R.” jest jego klasyczna aranżacja dla muzyki pop i rockowej. Utwór jest wykonywany w tonacji C-moll, w tempie 120 uderzeń na minutę i metrum 4/4.

Ponieważ YouTube często ma problemy z publikowaniem utworów Beatlesów, zamiast wersji studyjnej proponujemy obejrzeć wykonanie na żywo tej kompozycji przez Paula McCartneya w Moskwie w 2002 roku. Jednak w poniższej dyskusji będziemy mówić o nagraniu studyjnym.

0:00. Intro

Piosenka rozpoczyna się charakterystycznym dźwiękiem lądującego samolotu, po którym następuje 4-taktowe intro na akordzie E7. Po tych czterech taktach na pierwszym uderzeniu rozbrzmiewa akord A, płynnie przechodząc w pierwszą zwrotkę.

0:15. Zwrotka 1

Kiedy Paul McCartney zaczyna śpiewać o bezsennej nocy i locie z Miami, utwór nabiera tempa. Pierwsza zwrotka składa się z 8 taktów, podzielonych na dwa 4-taktowe bloki, zbudowane na akordach A, D, C, D.

0:28. Refren 1

Refren składa się z sześciu taktów, co jest niezwykłe w muzyce pop. Pierwsze trzy takty oparte są na tych samych akordach co zwrotka (A, C, D), a tutaj pojawia się wokalny hook z frazą „Back in the USSR!”. Kolejne trzy takty płynnie prowadzą słuchacza do drugiej zwrotki, która powtarza strukturę i harmonię pierwszej.

0:52. Refren 2

Po drugiej zwrotce utwór ponownie przechodzi do refrenu, który jest identyczny pod względem struktury i harmonii z pierwszym. Powtarza się tu ten sam wokalny motyw przewodni i główny riff gitarowy. Jednak długość drugiego refrenu jest nieco inna – składa się on z 7,5 taktu: 7 taktów w metrum 4/4 i 1 takt w metrum 2/4.

1:04. Po refrenie i przerwa

W momencie 1:04 rozpoczyna się post-refren, który jest nową sekcją utworu. Ta część opiera się na harmoniach i chórkach w stylu The Beach Boys i zawiera progresję akordów D, A, D, Bm7, E7, D7, A, A. Post-refren składa się z ośmiu taktów, po których następuje dwutaktowa przerwa na akordach A i E, przygotowująca przejście do solówki gitarowej.

1:21. Solo gitarowe

Solówka gitarowa podąża za melodią wokalną i jest wspierana przez akordy z wersów. Ta sekcja jest podobna do poprzednich wersów i refrenów: 8 taktów wersu płynnie przechodzi w sześciotaktowy refren i kończy się kolejnym 10-taktowym post-refrenem.

2:01. Zwrotka 3

Ostatnia zwrotka jest identyczna jak poprzednie, ale z dodatkiem partii gitary prowadzącej, która gra na akordzie A. Trzecia zwrotka przechodzi w kolejny sześciotaktowy refren.

2:25. Outro

Finał utworu „Back in the U.S.S.R.” opiera się na bluesowym riffie z akordem A i harmoniami wokalnymi z powtarzającym się śpiewem „Woo-ooo-oo”. Ostatnia sekcja składa się z 6 taktów i powtarza się, aż do momentu, gdy w 2:40 pojawia się dźwięk lądującego samolotu, kończąc kompozycję.

Ostateczna struktura utworu The Beatles – Back in the U.S.S.R.

Część utworu	Długość
Intro	4 takty
Zwrotka 1	8 taktów
Refren 1	6 taktów
Zwrotka 2	8 taktów
Refren 2	7,5 taktu
Po refrenie	8 taktów
Przerwa	2 takty
Solo na gitarze	24 takty
Zwrotka 3	8 taktów
Refren 3	6 taktów
Outro	6 taktów

Struktura utworu 2Pac feat. Dr. Dre – California Love

Dr. Dre jest jednym z najbardziej wpływowych producentów muzycznych naszych czasów. Jego wyjątkowy talent i podejście do aranżacji sprawiły, że grupa hip-hopowa N.W.A. stała się prawdziwym idolem milionów. Dzięki Dre stało się oczywiste, że muzyka tworzona przez czarnych artystów może być nie tylko popularna, ale także odnosić sukces komercyjny wśród szerokiej publiczności.

Muzycy, którzy współpracowali z Dr. Dre, często zwracają uwagę na jego perfekcjonizm. Nie wydaje on utworu, dopóki nie jest absolutnie pewien jego jakości. Czasami praca nad kompozycją może trwać miesiące, a nawet lata, ale efekt końcowy zawsze spełnia oczekiwania, tworząc prawdziwe hity.

Jednak słynny utwór „California Love” został stworzony przez Dre w 1995 roku w ciągu zaledwie kilku tygodni. Początkowo piosenka ta była przygotowywana na jego solowy album „The Chronic II: A New World Odor (Poppa's Got A Brand New Funk)”, ale z wielu powodów album nigdy nie został ukończony. W tym samym czasie, w 1995 roku, z więzienia wyszedł bliski przyjaciel Dre, Tupac Shakur. Chcąc uczcić to wydarzenie i wesprzeć Tupaca, Dre postanowił wykorzystać długo przygotowywany podkład muzyczny i wraz z Rogerem Troutmanem rozpoczął pracę nad utworem, który wkrótce stał się legendarnym „California Love”.

Piosenka została wydana w październiku 1995 roku na pierwszym albumie Tupaca „All Eyez on Me”. Singiel natychmiast wspiął się na szczyty wszystkich amerykańskich list przebojów i utrzymał się na pierwszym miejscu przez około dwa tygodnie. Następnie utwór został nominowany do kilku nagród Grammy i stał się jednym z najlepszych albumów G-Funk.

Podstawą utworu „California Love” była przerobiona próbka klawiszy z mało znanej piosenki Joe Cockera „Woman To Woman”. Kompozycja jest napisana w tonacji B-flat major, z jednym akordem, w takcie 4/4 i tempie 92 uderzeń na minutę.

0:00. Intro

Utwór rozpoczyna się od śpiewanego przez Rogera Troutmana frazy „California Love” przy akompaniamencie talkboxa. W 0:03 pojawia się rytm, a w ciągu następnych czterech taktów pojawiają się perkusja, bas, klawisze i sekcja dęta, grające główny motyw muzyczny utworu. Te cztery takty stanowią wprowadzenie do pozostałej części utworu, w którym motyw klawiszowy pozostaje niezmienny przez cały utwór, a pozostałe elementy muzyczne pojawiają się i znikają w aranżacji.

0:13. Refren 1

Po czterech taktach intro sekcja dęta zanika, ustępując miejsca przetworzonym wokalom, które prowadzą refren przez kolejne 12 taktów. Jedną z kluczowych cech refrenu są połyskujące syntezatory, które grają na początku każdego taktu, akcentując główny akord utworu (B-flat major) i podkreślając jego tonację. Refren płynnie przechodzi w pierwszą zwrotkę, która rozpoczyna się ruchem w górę instrumentów dętych.

0:45. Zwrotka 1

Pierwsza zwrotka trwa 16 taktów, podczas których Dr. Dre rapuje swoje teksty. Do aranżacji dodano gwizdy, a pierwsze osiem taktów zachowuje elementy obecne w intro. Drugie osiem taktów uzupełniają nowe partie syntezatora i śpiew wokalny, tworząc bogatsze brzmienie.

1:27. Refren 2

Drugi refren jest podobny do pierwszego, ale zawiera kilka zmian: pojawiają się dodatkowe frazy wokalne i żeńskie chórki. Przejście do kolejnej części kompozycji ponownie sygnalizują instrumenty dęte blaszane.

1:58. Bridge

Po drugim refrenie zamiast oczekiwanej zwrotki rozpoczyna się bridge. Przy słowach „Shake, shake it, baby” słychać riff klawiszowy i beat, uzupełnione odgłosami grzmotu w każdym takcie. Bridge trwa osiem taktów, tworząc kontrast z poprzednimi częściami kompozycji.

2:19. Zwrotka 2

Druga zwrotka jest identyczna jak pierwsza zarówno pod względem długości, jak i instrumentacji, ale tekst śpiewa 2Pac, co wnosi do utworu świeżą energię i dynamikę.

3:01. Refren 3

Trzeci refren pokrywa się z poprzednimi i płynnie przechodzi w kolejną przerwę, podobną do tej, która zabrzmiała po drugim refrenie.

3:54. Outro

Od 3:54 utwór zaczyna zmierzać ku końcowi. Dźwięk instrumentów stopniowo cichnie, a aranżacja staje się mniej nasycona. Outro to 20-taktowa pętla składająca się z elementów zwrotki i refrenu, z ciągłym powtarzaniem głównej linii utworu, stopniowo prowadząca słuchacza do końca kompozycji.

Ostateczna struktura utworu 2Pac feat. Dr. Dre — California Love

Część utworu	Długość
Intro	Takt + 4 takty
Refren 1	12 taktów
Zwrotka 1	16 taktów
Refren 2	12 taktów
Most 1	8 taktów
Zwrotka 2	16 taktów
Refren 3	12 taktów
Most 2	8 taktów
Outro	8 taktów

Aranżacja utworu „California Love” jest tak skonstruowana, że trudno jest oddzielić poszczególne części utworu od siebie: jego brzmienie jest monolityczne i nieco monotonne, tworząc wrażenie płynnego, ciągłego przepływu bez wyraźnych granic strukturalnych.

Ponadto „California Love” wyróżnia się nietypową strukturą. Zamiast standardowego schematu „intro-zwrotka-refren-zwrotka-refren”, zastosowano tu bardziej oryginalne podejście: „intro-refren-zwrotka-refren-most”. Taka przetasowana struktura dodaje kompozycji dynamiki i oryginalności, czyniąc ją wyjątkową w porównaniu z tradycyjnymi konstrukcjami muzycznymi.

Struktura utworu Martin Garrix – Animals

Utwór „Animals” Martina Garrixa, wydany w 2014 roku, natychmiast stał się hitem i zapewnił sobie miejsce na szczycie światowych list przebojów. Pomimo swojej popularności, utwór ma typową dla tego gatunku aranżację: główny nacisk kładziony jest na mocny rytm 4/4 i chwytliwy riff perkusyjny, który rozkręca każdą parkiet.

Utwór jest napisany w tonacji F-moll, z tempem 128 uderzeń na minutę, co jest standardem dla wielu utworów tanecznych.

Oryginalny miks 5:04 może być trudny do znalezienia na YouTube, dlatego do materiału dołączono klip wideo z radiową wersją utworu. Należy pamiętać, że synchronizacja może nie odpowiadać wersji oryginalnej. Jeśli ktoś posiada link do pełnej wersji kompozycji, będziemy wdzięczni za udostępnienie go w komentarzach.

0:00. Intro Beat

Kompozycja rozpoczyna się minimalistycznym intro, w którym pierwsze 16 taktów zdominowane jest przez kick i ride, przypominające metronom. Wraz z rytmem rozbrzmiewa arpeggiowany syntezator, którego brzmienie jest bogato przetworzone pogłosem. Stopniowy wzrost siły i mocy syntezatora płynnie prowadzi słuchacza do kolejnego segmentu kompozycji.

0:30. Intro basu

Na tym etapie pojawia się niski bas, oparty na rytmicznych uderzeniach kicku. Syntezator arpeggiowany schodzi na dalszy plan, a w miksie pojawia się nowy syntezator, stopniowo wzmacniając swoje brzmienie. Pod koniec tego intro słychać odwrócone uderzenie w talerz, które dodaje dramatyzmu przed przejściem.

1:00. Mini-przerwa

Ta krótka, czterotaktowa przerwa służy jako rodzaj pauzy, podczas której aranżacja niemal całkowicie zamiera. Jedynymi dźwiękami są tykanie zegara, stopniowo zanikająca linia basu i uderzenie talerza. Ten moment przygotowuje słuchacza na pojawienie się głównej linii melodycznej.

1:08. Przerwa 1

Tykanie zegara stopniowo przechodzi w partię perkusji. Po ośmiu taktach delikatnej melodii do kompozycji wkracza agresywny syntezator, powtarzający główny temat za pomocą potężnych akordów. Syntezatory są wspierane przez uderzenia werbla i klaskanie, akcentujące każdy takt.

1:37. Narastanie

Ośmiotaktowe narastanie osiąga szczyt napięcia, przygotowując kompozycję do dropu. Przyspieszające uderzenia werbla, riff syntezatora i wybuchy dźwięków laserowych prowadzą do kulminacji, która kończy się samplami wokalnymi.

1:53. Drop 1

Pierwszy drop oferuje ciekawe rozwiązanie: zamiast używać głównej linii melodycznej, Garrix wprowadza nowy riff, który jest wspierany przez mocny beat i nawiązania do głównego tematu kompozycji.

2:30. Breakdown 2

Po kolejnej czterotaktowej mini-przerwie syntezator powraca do miksowania, grając główny motyw utworu. Tak jak poprzednio, breakdown płynnie przechodzi w kolejną budowę napięcia.

3:15. Drop 2

Drugi drop jest prawie identyczny jak pierwszy, ale jego czas trwania został wydłużony o 16 taktów. Po pierwszych ośmiu taktach ponownie pojawia się sample wokalny, do którego dodane są akordy syntezatora.

3:58. Outro

Po krótkiej wstawce z tykającym zegarem aranżacja powraca do elementów intro. W miarę zbliżania się do końca brzmienie kompozycji staje się łagodniejsze i bardziej subtelne. W ostatnich chwilach utworu na pierwszy plan ponownie wysuwa się arpeggiowany syntezator, tworząc kontrast między początkiem a końcem.

Ostateczna struktura utworu Martin Garrix — Animals

Sekcja utworu	Długość
Intro Beat	Takt + 4 takty
Intro basowe	12 taktów
Mini przerwa 1	4 takty
Przerwa 1	12 taktów
Budowanie napięcia 1	8 taktów
Spadek 1	16 taktów
Mini przerwa 2	4 takty
Przerwa 2	8 taktów
Budowanie napięcia 2	8 taktów
Spadek 2	32 takty
Outro	32 takty