Estrutura da canção

As ideias do compositor são, por si só, apenas a base para a futura composição, uma espécie de estrutura sobre a qual os elementos principais devem ser colocados. O verdadeiro trabalho começa com o arranjo – ele transforma um conjunto de ideias musicais numa obra completa que pode cativar o ouvinte e conduzi-lo por todas as ideias do autor. Quanto mais interessante e agradável for esse percurso musical, mais provável será que o ouvinte queira voltar a essa música repetidas vezes.

Um arranjo pode ser comparado a um mapa a partir do qual uma música é criada. Esse mapa geralmente inclui soluções e rotas comprovadas que compositores e arranjadores usam repetidamente. Isso não significa que eles abordam o assunto de forma estereotipada — pelo contrário, essas estruturas e fórmulas foram testadas por muitos sucessos e continuam a funcionar, ajudando a criar novas obras-primas musicais.

Estrutura típica de uma música popular

Para entender como funciona uma estrutura típica de música, é importante entender suas partes básicas. Normalmente, uma música consiste nos seguintes oito elementos:

• Introdução/Intro;
• Verso;
• Pré-refrão/ponte;
• Refrão;
• Pós-refrão/Tag;
• Interlúdio;
• Pausa;
• Outro.

Nem todas estas partes estão necessariamente presentes em todas as composições, e algumas podem ser repetidas várias vezes, dependendo da intenção do compositor e da carga semântica que transportam.

Introdução

A introdução de uma música é a parte que chega primeiro ao ouvinte. O seu principal objetivo é preparar o público para a composição e conduzir suavemente ao primeiro verso. A percepção geral de toda a música depende em grande parte do quão interessante e emocionante é a introdução. Se a introdução atrair imediatamente a atenção, a probabilidade de o ouvinte ouvir a faixa até ao fim aumenta significativamente.

A menos que esteja a trabalhar nos géneros rock progressivo ou math metal, tente não tornar a introdução muito longa, para não cansar o ouvinte.

Em termos de conteúdo, a introdução pode ser variada – tudo depende da criatividade do autor. Ela pode consistir em um ou dois elementos da faixa principal, como melodia e bateria ou baixo e teclados, ou repetir a estrutura do refrão. A duração da introdução também varia dependendo da ideia do compositor, mas geralmente leva 2, 4 ou 8 compassos.

Verso

Um verso é a parte semântica central de qualquer música, onde o texto principal é revelado e a mensagem informativa da composição é apresentada. O verso não apenas transmite a ideia principal, mas também prepara o ouvinte para as partes seguintes da música.

Ao contrário do refrão ou da ponte, o texto do verso geralmente muda de um para o outro, adicionando variedade e profundidade à narrativa. No entanto, não é necessário seguir rigorosamente essa regra — há muitas canções maravilhosas na história da música em que os versos são simples e repetitivos, mas ao mesmo tempo permanecem eficazes e memoráveis.

Um exemplo de estrutura e arranjo de uma música pode ser assim: a composição começa com uma introdução, seguida por dois versos, depois quatro refrões repetitivos, seguidos por um solo ou interlúdio instrumental, e a música termina com um final. A duração da faixa é de cerca de 3 minutos e 30 segundos, o que permite uma composição rica e dinâmica que mantém a atenção do ouvinte do início ao fim.

Pré-refrão/ponte

A ponte, também conhecida como pré-refrão, serve como uma ligação entre o verso e o refrão. Como o refrão é geralmente a parte mais memorável e emocional da música, a ponte ajuda a suavizar a transição do verso para o refrão, reduzindo o contraste entre eles.

Se a harmonia do verso e do refrão for baseada nos mesmos acordes, a ponte pode adicionar variedade, alterando a progressão de acordes e adicionando novos elementos musicais. Do ponto de vista do ouvinte, o pré-refrão torna a composição mais interessante e dinâmica, preparando para o clímax no refrão.

Refrão

O refrão é uma das partes culminantes da música, que deve ser memorável, mas não intrusiva. O ideal é incluir de 2 a 4 refrões de comprimentos variados na composição. Como o refrão é a parte mais repetida da faixa, ele concentra as principais ideias líricas e musicais e também contém a mensagem principal da música e o gancho musical que atrai a atenção do ouvinte.

É importante não sobrecarregar a composição com refrões repetidos. Afinal, estamos a criar algo único, e não um sucesso típico que atrai a atenção apenas pela sua intrusão.

Como regra geral, o primeiro refrão consiste em 8 compassos, criando uma única repetição. O segundo refrão pode duplicar, ocupando 16 compassos e incluindo pequenas alterações para manter o interesse. O refrão final, que aparece no final da música, pode variar de 16 a 32 compassos. No entanto, por experiência própria, é melhor limitar-se a um número menor de refrões no final da composição, a fim de manter a sua dinâmica e o interesse do ouvinte.

Pós-refrão/Tag

Às vezes, a última linha de um refrão pode se estender além dos compassos atribuídos a ela, o que pode ser um problema, especialmente se a letra da próxima seção da música, como um verso, começar com uma introdução. Para evitar a sobreposição de palavras e garantir uma transição suave entre as seções da composição, compositores e arranjadores costumam adicionar um descanso de 2 a 4 compassos. Isso permite que o vocalista faça uma pequena pausa antes de continuar a música e torna a narrativa musical mais fluida.

O pós-refrão, tal como o pré-refrão, pode assumir qualquer forma: desde uma repetição de elementos do refrão ou uma introdução com um canto simples dos vocalistas de apoio até uma pausa instrumental ou uma variação da melodia principal. Tudo depende da intenção criativa do arranjador e do compositor, bem como da atmosfera que pretendem criar na canção.

O que é música popular?

Quando falamos de música popular, muitas vezes há confusão, e muitos acreditam que estamos a falar exclusivamente de música pop. No entanto, isso é um equívoco. Os termos “música popular” e “música pop” não são sinónimos e referem-se a gêneros musicais diferentes.

A música pop refere-se a um género específico que se caracteriza pela facilidade de perceção, melodias simples e foco no público em massa.

Ao mesmo tempo, o termo «música popular» abrange uma ampla variedade de estilos musicais que são populares entre um público amplo, mas não estão necessariamente associados ao género pop. Isso inclui rock, fusion, rhythm and blues, industrial, disco, rock and roll, reggae, nu metal, alternativo e muitos outros estilos. Assim, a música popular é uma variedade de estilos voltados para o público em massa.

Ponte (Middle 8)

Na música ocidental, a ponte no final de uma canção é frequentemente chamada de Middle 8, que se traduz literalmente como «meio oito». Às vezes, os músicos também chamam a ponte de Middle 8. Esta parte da composição é geralmente destinada à seção instrumental: solos ou partes e melodias alteradas podem ser ouvidos aqui, adicionando dinâmica e variedade.

O principal objetivo do Middle 8 é criar um clímax para a composição antes do último refrão ou break. Ao longo da música, a dinâmica e a energia aumentam gradualmente, atingindo o seu pico nesta ponte. Como o nome sugere, a sua duração é geralmente de 8 compassos, embora também existam versões mais longas.

Break

Após a introdução, às vezes é inserida uma breve pausa, chamada de break (do inglês Break – interrupção, pausa). O break serve para dar ao ouvinte um breve descanso. A saturação constante da composição pode ser cansativa, e o break ajuda a equilibrar a energia da música.

A presença de um break e de uma introdução depende do contexto. Se a composição tiver um solo, então é lógico usar um break calmo para criar um contraste. No entanto, ninguém proíbe adicionar outra introdução instrumental ou vocal após o solo ou mesmo voltar ao verso.

O break é geralmente minimalista e baseia-se nos mesmos acordes e melodia do refrão. Às vezes, pode funcionar como um pequeno pré-refrão antes do refrão final. A duração do break varia de 4 a 16 compassos.

Outro

O outro ou outro é a parte final da música. Pode ecoar a introdução ou ser seu oposto completo. O outro pode ser várias repetições do refrão com um fade out gradual (Fade Out) ou ser completamente único e diferente de outras partes da composição.

É importante não prolongar o outro: se for muito longo, o ouvinte pode se cansar e começar a pensar: “Quando isso vai acabar?” O que será o outro depende da natureza da música como um todo. Em faixas energéticas, pode ser apropriado terminar a composição repetindo os refrões, e em baladas, outros acordes podem ser usados para criar um acento final. Em última análise, a escolha do outro fica a critério do compositor.

A estrutura final de uma música na música popular

A música pode ser visualizada como um gráfico, onde o movimento da música e a sua dinâmica se assemelham a uma parábola, com subidas e descidas alternadas na tensão.

Ao longo da composição, a energia musical aumenta gradualmente, atinge o seu pico no clímax e, em seguida, diminui suavemente até ao final, criando uma conclusão harmoniosa. Esse gráfico mostra claramente como a música conduz o ouvinte por picos e vales emocionais, tornando cada parte da música significativa e interligada.

Parte da música	Duração possível
Introdução	2-8 compassos
Verso	8-32 compassos
Pré-refrão/Ponte	2-16 compassos
Refrão	8-16 compassos
Pós-refrão/Tag	2-4 compassos
Ponte	8 compassos (às vezes 16)
Pausa	4-16 compassos
Outro	2-4 compassos

Não se deve fazer todas as partes da futura música com a mesma duração, por exemplo, 32 compassos cada – cada elemento da composição tem a sua própria duração ideal que deve ser levada em consideração. Cada música é única e requer uma abordagem individual, por isso é importante não sobrecarregar o arranjo e não tentar incluir todos os elementos possíveis nele. Uma distribuição equilibrada das partes manterá o interesse do ouvinte e criará uma estrutura harmoniosa da composição.

Estrutura típica de uma música na música eletrónica

Ao contrário da música popular, a estrutura das faixas eletrónicas tem características próprias. Uma das razões para isso é a influência dos formatos de rádio, onde as faixas devem se encaixar em um determinado tempo de transmissão, o que exclui o uso de mixagens intermináveis.

Além disso, o arranjo da música dance e eletrónica deve proporcionar conforto aos dançarinos. Seções longas nessas faixas alternam-se com seções curtas para dar aos dançarinos a oportunidade de descansar. Normalmente, uma composição dance consiste em sete partes principais:

• Batida introdutória;
• Breakdown;
• Build-up;
• Drop;
• Intervalo no meio;
• Segundo drop;
• Batida final.

Um exemplo dessa estrutura típica é a faixa “United We Dance”, de Vicetone, que ilustra bem como exatamente os elementos são construídos na música eletrônica, dance e club.

Esta é uma secção composta por dezasseis ou mais compassos de bateria ou percussão. As características da introdução na música eletrónica são o minimalismo no uso de instrumentos, a ênfase no ritmo e o aparecimento gradual e sem pressa da melodia principal. O principal objetivo da batida de introdução é proporcionar ao DJ a oportunidade de misturar suave e cuidadosamente a nova faixa com a anterior, mantendo a harmonia da setlist.

Breakdown

Um breakdown é o momento em que a composição retorna aos seus elementos principais. Nesta secção, a bateria está frequentemente ausente, criando mais espaço para outros componentes musicais. O breakdown geralmente inclui a linha melódica principal da faixa, que se intensifica gradualmente e é preenchida com instrumentos adicionais, aumentando a densidade do som. A duração do breakdown pode variar – de 16 a 32 compassos ou mais.

Build-Up

O build-up serve como uma preparação para o refrão, semelhante ao pré-refrão na música popular. Esta secção da composição cria gradualmente tensão devido à aceleração das partes de bateria e ao uso de risers – sons de sintetizador que aumentam suavemente em volume e tom, tornando-se o elemento central do arranjo.

Drop

Um drop é o clímax de uma faixa, semelhante a um refrão na música popular. Tem como objetivo causar uma forte impressão no ouvinte com grooves poderosos, um baixo pulsante, uma batida densa e um gancho de sintetizador brilhante, que é o tema musical principal de toda a faixa.

Intervalo

Um intervalo intermédio é a parte central da composição, contendo elementos musicais únicos que não vão além da melodia principal. Esta secção é frequentemente usada para fazer uma transição suave para o próximo build-up, que geralmente é mais curto que o primeiro. Um intervalo intermédio pode ser uma variação do tema do primeiro breakdown ou drop, mas muitas vezes difere de outras partes da faixa, trazendo novas ideias e mudanças ao som.

Esta faixa começará com um refrão, definindo imediatamente o clima e a energia. Depois disso, seguir-se-ão dois versos diferentes, cada um trazendo novos elementos e variedade à história da música. No meio da composição, será inserido um solo ou interlúdio instrumental para adicionar dinâmica e profundidade ao som. A faixa terminará com várias tags – pequenos interlúdios que vêm imediatamente após o refrão, o que irá realçar o efeito e fixar as ideias musicais principais da composição na memória do ouvinte.

Segundo Drop

O segundo drop geralmente tem uma estrutura e energia semelhantes ao primeiro, mas inclui algumas mudanças que adicionam variedade à composição. Essas diferenças podem ser na forma de um gancho diferente, uma nova linha de baixo ou uma batida modificada, o que ajuda a refrescar o som e manter o ouvinte interessado.

Batida de Outro

Semelhante à batida de introdução, a batida de encerramento desempenha um papel importante na música dance, ajudando o DJ a misturar suavemente a faixa final com a próxima do set. É por isso que esta parte da composição é frequentemente a mais longa, proporcionando o espaço necessário para a transição.

Estrutura da música de encerramento na música eletrónica

Para se adequar ao formato de rádio, as versões originais das faixas de clube, que podem durar de 5 a 10 minutos, são editadas. Como resultado, todas as partes da composição são encurtadas para que a faixa final não exceda 3-4 minutos. Isso permite uma estrutura mais compacta, semelhante a uma música pop padrão, mantendo os elementos-chave e a energia do original.

Parte da música	Duração possível
Introdução Batida	a partir de 16 compassos
Breakdown	16-32 compassos
Aumento	16-32 compassos
Queda	16 compassos
Intervalo	16-32 compassos
Segundo Drop	16-32 compassos
Batida final	a partir de 16 compassos

Formas básicas de estrutura musical: ABA, AABA, AAA e ABABCB

Ao planear um arranjo, compositores e arranjadores recorrem frequentemente a uma das quatro formas comuns: ABA, AABA, AAA e ABABCB.

A forma ABA é a estrutura musical mais popular. Quando as pessoas falam sobre o padrão padrão verso-refrão-verso, geralmente se referem à forma ABA. Uma característica desta forma é a presença de duas secções idênticas (A) e uma secção contrastante (B). O contraste na secção B é criado pela alteração da harmonia, tonalidade, ritmo ou alteração do clima geral da música. Na forma ABA, as secções A e B podem ser qualquer parte da música: versos, refrões, pontes ou solos.

Verso 1 (A)	Refrão 1 (A)	Refrão (B)	Interlúdio (B)	Verso 2 (A)	Refrão 2 (A)

Refrão 2 (A)	Verso 1 (A)	Pausa (B)	Pré-refrão (B)	Refrão 3 (A)	Verso 2 (A)

Um ótimo exemplo da forma ABA é o clássico do jazz “I Got Rhythm”, de George Gershwin. Nesta composição, as secções A são tocadas na tonalidade de Si bemol, com dois acordes por compasso, o que dá energia e dinâmica à música. Na secção B, a tonalidade muda, o ritmo fica mais lento — um acorde se estende por dois compassos e a música se torna menos dinâmica, criando um contraste com as secções A.

A forma AABA é um desenvolvimento do esquema ABA. Nesta estrutura, a secção A é repetida duas vezes, depois há uma transição para uma secção B contrastante, após a qual a composição retorna à secção A. Esta abordagem permite criar uma composição com um tema principal claramente expresso e um meio contrastante. A estrutura de uma música de acordo com o esquema AABA pode ser assim: A (introdução) – A (repetição) – B (contraste) – A (retorno ao tema principal).

Verso 1 (A)	Refrão 1 (A)	Verso 2 (A)	Refrão 2 (A)	Refrão (B)	Ponte (B)	Verso 3 (A)	Refrão 3 (A)

Refrão 2 (A)	Verso 1 (A)	Refrão 3 (A)	Verso 2 (A)	Pausa (B)	Pré-refrão (B)	Refrão 3 (A)	Verso 3 (A)

Embora a forma AABA comece com duas secções A idênticas, isso não significa que elas tenham de ser idênticas. Compositores e arranjadores frequentemente fazem pequenas alterações na harmonia, melodia ou instrumentação à medida que a secção avança, para manter o interesse do ouvinte. Às vezes, as alterações limitam-se a partes individuais da melodia, tornando-as mais expressivas. Também é comum ver uma combinação das formas ABA e AABA, em que elementos de ambas as estruturas se entrelaçam para criar variedade na composição.

A forma AAA envolve o uso de três secções idênticas, sejam elas versos ou refrões, com pequenas variações harmónicas ou melódicas. Isso permite uma composição coesa com mudanças mínimas, mantendo o interesse do ouvinte.

A forma ABABCB oferece uma estrutura mais complexa. O compositor começa com um padrão padrão de verso-refrão-verso-refrão e, em seguida, adiciona uma seção C, que pode ser uma ponte, um solo ou uma pausa. A composição então retorna ao refrão, criando uma combinação equilibrada de repetição e novidade.

Estrutura da música dos Beatles – Back in the U.S.S.R.

A canção «Back in the U.S.S.R.» dos Beatles foi escrita como uma espécie de resposta ao sucesso de Chuck Berry «Back in the USA». Criada em 1968, esta composição ainda hoje soa relevante e moderna. A música surgiu durante o período em que o primeiro-ministro britânico Harold Wilson lançou uma campanha política com o slogan “I’m backing Britain” (Eu apoio a Grã-Bretanha). Esse slogan foi amplamente divulgado em cartazes de campanha por todo o país. Paul McCartney, inspirado por essa campanha, criou a frase “I’m backing (back in) the U.S.S.R.” (Eu apoio (de volta) a URSS), que se tornou uma espécie de resposta satírica às ideias políticas que dominavam a sociedade inglesa na época. O público britânico apreciou a ironia de McCartney, mas a piada permaneceu incompreensível para muitos ouvintes nos Estados Unidos. A composição foi escrita por Paul McCartney em colaboração com John Lennon e abre o famoso álbum sem título de dois discos dos Beatles de 1968, também conhecido como «The White Album».

A peculiaridade de “Back in the U.S.S.R.” é o seu arranjo clássico para música pop e rock. A canção é tocada na tonalidade de C menor, com um tempo de 120 batidas por minuto e um tamanho de 4/4.

Como o YouTube frequentemente tem problemas para publicar músicas dos Beatles, em vez da versão de estúdio, sugerimos assistir a uma apresentação ao vivo da composição por Paul McCartney em Moscovo, em 2002. No entanto, na discussão a seguir, falaremos sobre a gravação em estúdio.

0:00. Introdução

A música começa com o som característico de um avião a aterrar, seguido por uma introdução de 4 compassos no acorde E7. Após esses quatro compassos, o acorde A soa na batida forte, fazendo uma transição suave para o primeiro verso.

0:15. Verso 1

À medida que Paul McCartney começa a cantar sobre uma noite sem dormir e um voo de Miami, a música ganha ritmo. O primeiro verso consiste em 8 compassos, divididos em dois blocos de 4 compassos, construídos sobre os acordes A, D, C, D.

0:28. Refrão 1

O refrão consiste em seis compassos, o que é incomum para a música pop. Os primeiros três compassos são construídos sobre os mesmos acordes do verso (A, C, D), e aqui aparece o gancho vocal com a frase «Back in the USSR!». Os três compassos seguintes conduzem suavemente o ouvinte ao segundo verso, que repete a estrutura e a harmonia do primeiro.

0:52. Refrão 2

Após o segundo verso, a música passa novamente para o refrão, que é estrutural e harmonicamente idêntico ao primeiro. O mesmo gancho vocal e o riff principal da guitarra são repetidos aqui. No entanto, a duração do segundo refrão é ligeiramente diferente – consiste em 7,5 compassos: 7 compassos em 4/4 e 1 compasso em 2/4.

1:04. Pós-refrão e break

Às 1:04, começa o pós-refrão, que é uma nova seção da música. Esta parte é baseada em harmonias e backing vocals no estilo dos Beach Boys e inclui a progressão de acordes D, A, D, Bm7, E7, D7, A, A. O pós-refrão consiste em oito compassos, seguidos por um break de dois compassos nos acordes A e E, preparando a transição para o solo de guitarra.

1:21. Solo de guitarra

O solo de guitarra segue a melodia vocal e é apoiado pelos acordes dos versos. Esta secção é semelhante aos versos e refrões anteriores: os 8 compassos do verso fazem uma transição suave para um refrão de seis compassos e terminam com outro pós-refrão de 10 compassos.

2:01. Verso 3

O último verso é idêntico aos anteriores, mas com a adição de uma parte de guitarra principal que toca no acorde A. O terceiro verso faz a transição para outro refrão de seis compassos.

2:25. Outro

O final de «Back in the U.S.S.R.» é construído sobre um riff bluesy com um acorde A e harmonias vocais de apoio com um canto repetido de «Woo-ooo-oo». A última secção consiste em 6 compassos e repete-se até que o som de um avião a aterrar aparece na marca de 2:40, terminando a composição.

A estrutura final da música The Beatles – Back in the U.S.S.R.

Parte da música	Duração
Introdução	4 compassos
Verso 1	8 compassos
Refrão 1	6 compassos
Verso 2	8 compassos
Refrão 2	7,5 compassos
Pós-refrão	8 compassos
Intervalo	2 compassos
Solo de guitarra	24 compassos
Verso 3	8 compassos
Refrão 3	6 compassos
Outro	6 compassos

Estrutura da música 2Pac feat. Dr. Dre – California Love

Dr. Dre é um dos produtores musicais mais influentes da nossa época. O seu talento único e abordagem aos arranjos transformaram o grupo de hip-hop N.W.A. em verdadeiros ídolos de milhões de pessoas. Graças a Dre, tornou-se óbvio que a música criada por artistas negros pode ser não só popular, mas também comercialmente bem-sucedida entre um público vasto.

Os músicos que trabalharam com Dr. Dre frequentemente destacam o seu perfeccionismo. Ele não lança uma música até ter certeza absoluta da sua qualidade. Às vezes, o trabalho em uma composição pode levar meses ou até anos, mas o resultado final sempre atende às expectativas, criando verdadeiros sucessos.

No entanto, a famosa faixa “California Love” foi criada por Dre em 1995 em apenas algumas semanas. Inicialmente, essa música foi preparada para o seu álbum solo “The Chronic II: A New World Odor (Poppa’s Got A Brand New Funk)”, mas por uma série de razões o álbum nunca foi concluído. Ao mesmo tempo, em 1995, Tupac Shakur, um amigo próximo de Dre, foi libertado da prisão. Querendo celebrar este evento e apoiar Tupac, Dre decidiu usar uma faixa de acompanhamento já estabelecida e, junto com Roger Troutman, começou a trabalhar numa faixa que logo se tornaria a lendária “California Love”.

A música foi lançada em outubro de 1995 no primeiro álbum de Tupac, “All Eyez on Me”. O single subiu instantaneamente ao topo de todas as paradas americanas e manteve a liderança por cerca de duas semanas. Posteriormente, a faixa foi indicada a vários prêmios Grammy e se tornou um dos melhores discos de G-Funk.

A base para «California Love» foi uma amostra de teclado retrabalhada de uma canção pouco conhecida de Joe Cocker, «Woman To Woman». A composição é escrita na tonalidade de Si bemol maior, com um único acorde, o tamanho é 4/4 e o tempo é de 92 batidas por minuto.

0:00. Introdução

A música começa com Roger Troutman a cantar a frase «California Love» sobre um talkbox. Aos 0:03, a batida entra e, nos quatro compassos seguintes, surgem a bateria, o baixo, os teclados e uma secção de metais, tocando o tema musical principal da música. Esses quatro compassos preparam o terreno para o resto da música, com o tema do teclado permanecendo constante ao longo da faixa e os outros elementos musicais entrando e saindo do arranjo.

0:13. Refrão 1

Após quatro compassos de introdução, a secção de metais desaparece, dando lugar a vocais processados que conduzem o refrão nos 12 compassos seguintes. Uma das principais características do refrão são os sintetizadores cintilantes que tocam no início de cada compasso, acentuando o acorde principal da faixa (Si bemol maior) e enfatizando a sua tonalidade. O refrão transita suavemente para o primeiro verso, que começa com um movimento ascendente dos instrumentos de metal.

0:45. Verso 1

O primeiro verso dura 16 compassos, durante os quais Dr. Dre canta suas letras. Assobios são adicionados ao arranjo, e os primeiros oito compassos mantêm os elementos presentes na introdução. Os segundos oito compassos são complementados com novas partes de sintetizador e um canto vocal, criando um som mais rico.

1:27. Refrão 2

O segundo refrão é semelhante ao primeiro, mas com várias alterações: surgem frases vocais adicionais e backing vocals femininos. A transição para a parte seguinte da composição é novamente indicada pelos instrumentos de sopro.

1:58. Ponte

Após o segundo refrão, a ponte começa em vez do verso esperado. Nas palavras “Shake, shake it, baby” (Agite, agite, baby), ouve-se um riff de teclado e uma batida, complementados pelos sons de trovões em cada compasso. Esta ponte dura oito compassos, criando um contraste com as partes anteriores da composição.

2:19. Verso 2

O segundo verso é idêntico ao primeiro em duração e instrumentação, mas a letra é cantada por 2Pac, o que traz uma energia e dinâmica renovadas à faixa.

3:01. Refrão 3

O terceiro refrão coincide com os anteriores e faz uma transição suave para outro interlúdio, semelhante ao que soou após o segundo refrão.

3:54. Outro

A partir dos 3:54, a música começa a caminhar para o seu fim. O som dos instrumentos vai desaparecendo gradualmente e o arranjo torna-se menos saturado. O outro é um loop de 20 compassos composto por elementos do verso e do refrão, com uma repetição constante da linha principal da música, levando gradualmente o ouvinte ao fim da composição.

Estrutura final da música 2Pac feat. Dr. Dre — California Love

Parte da música	Duração
Introdução	Compasso + 4 compassos
Refrão 1	12 compassos
Verso 1	16 compassos
Refrão 2	12 compassos
Ponte 1	8 compassos
Verso 2	16 compassos
Refrão 3	12 compassos
Ponte 2	8 compassos
Outro	8 compassos

O arranjo de «California Love» é feito de tal forma que é difícil separar as partes individuais da música umas das outras: o seu som é monolítico e um pouco monótono, criando uma sensação de um fluxo suave e contínuo, sem limites estruturais óbvios.

Além disso, «California Love» destaca-se pela sua estrutura invulgar. Em vez do esquema padrão «Intro-verso-refrão-verso-refrão», é utilizada aqui uma abordagem mais original: «Intro-refrão-verso-refrão-ponte». Essa estrutura embaralhada adiciona dinamismo e originalidade à composição, tornando-a única em comparação com as construções musicais tradicionais.

Estrutura da música Martin Garrix – Animals

“Animals”, de Martin Garrix, lançada em 2014, tornou-se instantaneamente um sucesso e garantiu seu lugar no topo das paradas mundiais. Apesar de sua popularidade, a música tem um arranjo típico do gênero: a ênfase principal está em uma batida poderosa de 4/4 e um riff de percussão cativante que anima qualquer pista de dança.

A música é escrita na tonalidade de Fá menor, com um tempo de 128 batidas por minuto, o que é padrão para muitas faixas de dança.

Pode ser difícil encontrar a mixagem original de 5:04 no YouTube, então um videoclipe com uma versão de rádio da música está anexado ao material. Observe que os tempos podem não corresponder à versão original. Se alguém tiver um link para a versão completa da composição, ficaríamos felizes se você o compartilhasse nos comentários.

0:00. Batida de introdução

A composição começa com uma introdução minimalista, onde as primeiras 16 barras são dominadas pelo kick e pelo ride, que lembram um metrónomo. Junto com o ritmo, soa um sintetizador arpejado, cujo som é abundantemente processado com reverberação. Um aumento gradual na força e no poder do sintetizador leva suavemente o ouvinte ao próximo segmento da composição.

0:30. Introdução do baixo

Nesta fase, entra um baixo grave, baseado nas batidas rítmicas do bumbo. O sintetizador arpejado desaparece para segundo plano e um novo sintetizador aparece na mistura, fortalecendo gradualmente o seu som. No final desta introdução, é possível ouvir uma batida invertida no prato, que adiciona drama antes da transição.

1:00. Mini-pausa

Este breve intervalo de quatro compassos serve como uma espécie de pausa, durante a qual o arranjo quase congela completamente. Os únicos sons são o tique-taque de um relógio, uma linha de baixo que desaparece gradualmente e uma batida no prato. Este momento prepara o ouvinte para o aparecimento da linha melódica principal.

1:08. Breakdown 1

O tique-taque de um relógio transforma-se gradualmente numa parte de percussão. Após oito compassos de melodia suave, um sintetizador agressivo entra na composição, repetindo o tema principal com acordes poderosos. Estes sintetizadores são apoiados por batidas de tarola e palmas, acentuando cada batida do compasso.

1:37. Crescimento

O build-up de oito compassos atinge um pico de tensão, preparando a composição para o drop. Batidas aceleradas de tarola, um riff de sintetizador e rajadas de sons de laser levam a um clímax, que termina com uma amostra vocal.

1:53. Drop 1

O primeiro drop oferece uma solução interessante: em vez de usar a linha melódica principal, Garrix introduz um novo riff, que é apoiado por uma batida poderosa e referências ao tema principal da composição.

2:30. Breakdown 2

Após outra mini pausa de quatro compassos, o sintetizador retorna à mixagem, tocando o tema principal da faixa. Como antes, o breakdown faz uma transição suave para outro build-up.

3:15. Drop 2

O segundo drop é quase idêntico ao primeiro, mas a sua duração é aumentada em 16 compassos. Após os primeiros oito compassos, a amostra vocal soa novamente, à qual são adicionados acordes de sintetizador.

3:58. Outro

Após uma breve inserção com um relógio a marcar as horas, o arranjo retorna aos elementos da introdução. À medida que se aproxima do fim, o som da composição torna-se mais suave e sutil. Nos momentos finais da faixa, o sintetizador arpejado volta a sobressair, criando um contraste entre o início e o fim.

Estrutura final da música Martin Garrix — Animals

Secção da música	Duração
Batida da introdução	Compasso + 4 compassos
Introdução do baixo	12 compassos
Mini pausa 1	4 compassos
Breakdown 1	12 compassos
Aumento 1	8 compassos
Queda 1	16 compassos
Mini pausa 2	4 compassos
Quebra 2	8 compassos
Build Up 2	8 compassos
Queda 2	32 compassos
Outro	32 compassos