Schlagzeug-Programmierung
Das Beherrschen der Drum-Programmierung ist ein Schlüsselelement im Repertoire eines jeden Musikproduzenten. Diese Praxis begann mit dem Aufkommen der ersten Drum-Maschinen in den 1980er Jahren, die schnell an Popularität gewannen, Live-Schlagzeuger ersetzten und den Einsatz von Schlagzeug in der Musikproduktion erweiterten.
Da moderne Musik heute so stark vom Rhythmus abhängt, kann die Fähigkeit, Drums effektiv zu programmieren, den Erfolg eines Musikproduzenten entscheidend beeinflussen. Menschen spüren instinktiv einen guten Rhythmus, ohne sich dessen bewusst zu sein. Selbst ohne Musikkenntnisse erkennt man einen Song mit hochwertiger Drum-Programmierung.
Professionelle Drum-Programmierer betonen die Bedeutung der Liebe zum Detail. Ein konventionelles Drum-Pattern wie „Four to the Floor” mit Standard-808-Patterns mag kitschig klingen. Wenn man es jedoch mit einzigartigen Samples, Synkopen, Effekten und anderen Elementen ergänzt, erhält es eine neue Note und weckt das Interesse des Zuhörers.
Begleiten Sie uns auf unserer Entdeckungsreise durch die Feinheiten des Drum-Programmierens und lernen Sie, wie Sie professionelle Techniken in Ihren Projekten anwenden können. Es ist erwähnenswert, dass sich das Drum-Programmieren vom Synthesizing unterscheidet: Es geht nicht immer darum, Samples oder Sounds von Grund auf neu zu erstellen, obwohl viele Produzenten Drum-Synthesizing in ihren Workflow integrieren. Die Hauptaufgabe besteht darin, Drum-Patterns zu erstellen und zu manipulieren und daraus Permutationen, Loops und Variationen zu generieren.
Die Bedeutung einer exzellenten Drum-Programmierung
Es ist schwer zu erklären, warum uns ein bestimmter Drum-Loop mehr anspricht als ein anderer, aber das Wort, das dieses Gefühl am besten beschreibt, ist „Groove”. Groove ist für Musik unverzichtbar, denn ohne ihn ist es schwierig, sich auf den Rhythmus des Tanzes und der Bewegung einzulassen.
Für fast jeden Track, den Sie produzieren, ist der Groove die Grundlage, außer wenn es sich um ungewöhnliche, ambientartige oder experimentelle Werke handelt. Höchstwahrscheinlich ist es Ihr Ziel, die Menschen zum Tanzen zu bringen und sie zu Bewegungen anzuregen, während sie Ihre Tracks hören.
Glücklicherweise gibt es nicht nur einen richtigen Weg, um diesen Groove zu finden, sondern viele verschiedene Ansätze, egal ob du an einem 100-BPM-Hip-Hop-Track oder einem 175-BPM-Drum-and-Bass-Track arbeitest.
Grundlagen der Drum-Programmierung
Um zu verstehen, wie ein Groove funktioniert, ist es wichtig, zunächst die Grundlagen der Drum-Programmierung zu erlernen. Durch die Analyse und Aufschlüsselung erfolgreicher Grooves können Sie bedeutende Erfolge erzielen. Wie bereits erwähnt, sind Drums die Grundlage fast aller modernen Musik. Der Produzent muss lernen, wie man diese Grundlage schafft, bevor er sich den komplexeren Aspekten der Drum-Programmierung zuwendet.
Vor diesem Hintergrund wollen wir uns nun die verschiedenen Elemente eines typischen Drum-Grooves genauer ansehen und wie diese Komponenten zusammenwirken können, um das rhythmische Gerüst eines Tracks zu bilden.
Kick
Die Kick-Drum, oder Kick, dient oft als Grundlage für die meisten Drum-Grooves. In Genres von Rock über Hip-Hop bis House ist die Kick-Drum das Element, das unsere Aufmerksamkeit fesselt und uns mit dem Rhythmus der Komposition verbindet. Ich betrachte die Kick gerne als das kraftvollste und wirkungsvollste Element eines Drum-Kits.
Wenn ich Drum-Parts programmiere, halte ich die Kick gerne strikter innerhalb des rhythmischen Rasters als andere Drum-Elemente. Die Kick hat einen großen Einfluss auf die klanglichen Eigenschaften eines Tracks, einschließlich seines Genres und seiner stilistischen Merkmale.
Backbeat
Eines der ersten Elemente, die ein Produzent normalerweise zu einem Kick-Drum-Loop hinzufügt, ist ein Backbeat. Der Backbeat, auch bekannt als die zweite und vierte Schlagzeugschlag, wird normalerweise mit einer Snare Drum oder einem Clap gespielt. Dieses Element dient als wichtige Form der Synkopierung und verleiht dem Drum-Pattern mehr Drive und Energie, wodurch der Groove besser definiert wird. Später werden wir uns auch damit befassen, wie Backbeats manipuliert werden können, um ihnen einen natürlicheren Klang zu verleihen.
Becken
Becken nehmen den oberen Bereich des traditionellen Schlagzeugs ein. Die Verwendung von Sechzehntelnoten oder asynchronen Patterns auf dem Hi-Hat kann dem gesamten Drum-Pattern zusätzliche Energie verleihen, während Crash-Becken und andere Arten von Becken dazu beitragen, verschiedene Teile des Tracks hervorzuheben und seine Dynamik zu verstärken.
Ich mag es, andere hochfrequente rhythmische Instrumente in diese Kategorie aufzunehmen, wie zum Beispiel Tamburin und Shaker. Diese zusätzlichen Percussion-Instrumente können verwendet werden, um Standard-Grooves Swing und texturale Nuancen zu verleihen.
Percussion-Sounds
Neben Shakers und Tamburinen gibt es viele andere Percussion-Instrumente, die synkopische Akzente setzen, Ebenen schaffen und Ihren Drum-Patterns einzigartige strukturelle Elemente hinzufügen können. Das Schöne an Percussion im Zusammenhang mit Drum-Programmierung ist die große Bandbreite an Möglichkeiten für die Auswahl und Platzierung von Samples.
Die Auswahl an Percussion-Instrumenten ist riesig: von Bongos bis zu Triangeln, von Woodblocks bis zu Marimbas und vielem mehr. Der Schlüssel liegt darin, hochwertige Samples auszuwählen, die harmonisch zusammenpassen, Dynamik verleihen und sich natürlich in den Gesamtgroove einfügen.
Erwägen Sie die Verwendung von Loops
Wenn Sie neu in der Musikproduktion sind oder gerade diesen Artikel lesen, sind Sie vielleicht auf einige negative Meinungen über die Verwendung von Loops in der Musikproduktion gestoßen. Allerdings können gesampelte Loops ein wertvolles Werkzeug sein, um Ihrem Drum-Programming mehr Komplexität zu verleihen und es zu beleben.
Ich glaube auch, dass gesampelte Loops besonders nützlich sein können, um Audio- und MIDI-Kombinationen zu vermitteln. Selbst wenn Sie nicht vorhaben, sie in den endgültigen Mix aufzunehmen, kann ein gut ausgewählter Loop die Kreativität anregen und den Musikproduktionsprozess beschleunigen.
Wenn Sie Loops aufgrund ihres unverdienten schlechten Rufs nicht verwenden, berauben Sie sich selbst eines wichtigen Werkzeugs in Ihrem Workflow und schaffen unnötige Hindernisse.
Über das Konventionelle hinausgehen
Sobald Sie die Grundkenntnisse der Drum-Programmierung beherrschen, können Sie sich an die fortgeschritteneren Aspekte dieser Kunst wagen. Durch die Einführung von Synkopen, einzigartigen rhythmischen Mustern und subtilen Nuancen können Sie Ihren Drum-Groove auf die nächste Stufe heben.
Es ist sicherlich hilfreich, mit klassischen Drum-Patterns zu beginnen, aber mit der Zeit werden Sie wahrscheinlich auch unkonventionellere Methoden der Drum-Programmierung ausprobieren wollen. Dadurch heben sich Ihre Tracks von anderen ab und nehmen einen einzigartigen Platz unter den übrigen Musikstücken ein.
Synkopierung
Synkopierung kann sehr nützlich sein, wenn Sie sich tiefer mit einem Thema beschäftigen. In diesem Artikel möchte ich einen kurzen Überblick über Synkopierung geben und zeigen, wie sie Ihren kreativen Horizont erweitern und Sie dazu anregen kann, Musik aus einer unkonventionellen Perspektive zu betrachten.
Synkopierung mit Akzenten auf dem zweiten und vierten Schlag wurde im letzten Jahrhundert populär. Dieser Stil ist so tief in der modernen Musik verwurzelt, dass es schwer vorstellbar ist, dass er einst nicht führend in der Synkopierung war. Bei der Synkopierung liegt die Betonung in der Regel auf dem „zweiten und vierten“ Schlag, im Gegensatz zu den traditionellen „ersten und dritten“ Schlägen.
Durch das Experimentieren mit einem Standard-Backbeat können Sie Dynamik, Amplitude oder andere Eigenschaften hinzufügen, die erforderlich sind, um den gewünschten atmosphärischen Effekt zu erzielen.
Offbeat
Off-Beat-Synkopierung wird verwendet, um einen Rhythmus zu betonen, der außerhalb des normalen Downbeat-Musters liegt. Oft werden Becken und andere perkussive Elemente verwendet, um eine Off-Beat-Synkopierung zu erzeugen. Wenn Sie sich die meisten House-Tracks anhören, werden Sie einige Offbeat-Synkopen in den Hi-Hats bemerken. Diese Hi-Hats befinden sich in der Regel auf dem „i“ im 1-2-3-4-Takt – zwischen 1 und 2, 3 und 4.
Suspension
Suspensive Synkopen können eine deutliche Betonung erzeugen, indem sie ein Element aus dem vorherigen Takt in den nächsten hineinziehen oder verlängern. Diese Art der Synkope ist insofern einzigartig, als sie gegen konventionelle Vorstellungen von Rhythmus verstößt und einen Kaskadeneffekt erzeugt. Dadurch werden die Takte miteinander verbunden und die Musikkomposition erhält mehr Flexibilität und Fluidität.
Ausgelassener Schlag
Diese Art der Synkope gehört zu meinen Favoriten, weil sie an unerwarteten Stellen Akzente setzt. Mit Hilfe der Skipping-Synkope lassen sich ungewöhnliche und originelle Drum-Grooves erzeugen, die den Zuhörer dazu verleiten, Drum- oder Percussion-Schläge zu erwarten, die entweder ausbleiben oder etwas früher als erwartet kommen.
Dies macht sich besonders in der Trap-Musik bemerkbar, wo Produzenten Kick-Drums oft an unerwarteten Stellen platzieren und so ein Gefühl der Vorfreude oder Spannung erzeugen.
Drum-Envelopes
Einer der wichtigsten, aber oft übersehenen Aspekte der Drum-Programmierung sind die Pausen zwischen den Schlägen. Die Konzepte von Raum und Stille spielen in der Musik eine wichtige Rolle und müssen bei der Erstellung von Musikwerken sorgfältig berücksichtigt werden.
Bedenken Sie, dass ohne den effektiven Einsatz von EQ und Kompression die meisten Mixe nicht harmonisch klingen werden. Ebenso werden die meisten Drum-Grooves ohne sorgfältige Abstimmung der Hüllkurven nicht ihr volles Potenzial entfalten können.
Beispielsweise können lange perkussive Elemente in einem schnellen Groove ein Gefühl von Langsamkeit oder Distanz erzeugen. Ein langes Drum-Sample in einem 160-BPM-Track kann sich langsam anfühlen.
Mit modernen DAWs, die mit Samplern ausgestattet sind, können die ADSR-Hüllkurven von Samples manipuliert werden, um straffere oder lockerere Grooves zu erzeugen, die den dringend benötigten Raum in Drum-Arrangements schaffen.
In einem schnellen Track können Sie die Dauer der Drums verkürzen, um Überschneidungen mit anderen Samples zu vermeiden. In einem langsamen Track hingegen können Sie die Dauer des Kicks verlängern, um die Lücke zwischen den Haupthits zu füllen.
Dies verbessert nicht nur die Dichte und Sicherheit Ihrer Grooves, sondern schafft auch mehr Raum für verschiedene Samples, ohne dass sie sich gegenseitig überlappen.
Melodische Percussion
Viele Drum-Produzenten schenken melodischen Percussion-Instrumenten nicht genügend Aufmerksamkeit, obwohl sie eine wichtige Rolle bei der Schaffung einzigartiger melodischer Hooks spielen können, ohne auf traditionelle Melodieinstrumente wie Synthesizer, Keyboards oder Gitarren zurückzugreifen.
Die Verwendung melodischer Percussion-Instrumente zur Erstellung eines melodischen Hooks in einem Song kann Ihrem Groove eine einzigartige und fesselnde Ebene hinzufügen. Es gibt mehrere Ansätze, die ich häufig in meinen Kompositionen verwende, aber der Schlüssel liegt darin, Percussion-Instrumente mit einer ausgeprägten Tonalität zu finden.
Zahlreiche Percussion-Instrumente, wie Steel Drums und Marimbas, haben eine ausgeprägte Tonalität, die es ermöglicht, sie zu Melodien zu formen. Es ist wichtig, diese melodischen Trommeln so zu stimmen, dass sie zu Ihrem Track passen, damit Sie sie zur Erstellung einfacher Melodien und Riffs verwenden können.
Auch wenn Sie melodische Percussion-Instrumente nicht verwenden, um eigenständige Melodien zu erzeugen, können sie dazu verwendet werden, reaktionsschnelle Rhythmusmuster zu erzeugen, mit bestimmten Melodien oder Phrasen in Ihrem Track zu interagieren oder als Layer für Leads wie Gesang oder Synth-Melodien zu dienen, wodurch die Gesamtkomposition an Energie gewinnt.
Percussion-Instrumente sind besonders effektiv in Genres wie Techno und House. In Stilen, die sich auf Tanzrhythmen konzentrieren, können melodische Percussion-Instrumente eine raffiniertere Möglichkeit bieten, Melodien zu erstellen.
Melodische Percussion
Viele Drum-Produzenten schenken melodischen Percussion-Instrumenten nicht genügend Aufmerksamkeit, obwohl sie eine wichtige Rolle bei der Erstellung einzigartiger melodischer Hooks spielen können, ohne auf traditionelle Melodieinstrumente wie Synthesizer, Keyboards oder Gitarren zurückzugreifen.
Die Verwendung melodischer Percussion-Instrumente zur Schaffung eines melodischen Hooks in einem Song kann Ihrem Groove eine einzigartige und fesselnde Ebene hinzufügen. Es gibt mehrere Ansätze, die ich oft in meinen Kompositionen verwende, aber der Schlüssel liegt darin, Percussion-Instrumente mit einer ausgeprägten Tonalität zu finden.
Zahlreiche Percussion-Instrumente, wie Steel Drums und Marimbas, haben eine ausgeprägte Tonalität, die es ermöglicht, sie zu Melodien zu formen. Es ist wichtig, diese melodischen Trommeln so zu stimmen, dass sie zu Ihrem Track passen, damit Sie sie zur Erstellung einfacher Melodien und Riffs verwenden können.
Auch wenn Sie melodische Percussion-Instrumente nicht verwenden, um eigenständige Melodien zu erzeugen, können sie dazu verwendet werden, reaktionsschnelle Rhythmusmuster zu erzeugen, mit bestimmten Melodien oder Phrasen in Ihrem Track zu interagieren oder als Layer für Leads wie Gesang oder Synth-Melodien zu dienen, wodurch die Gesamtkomposition an Energie gewinnt.
Percussion-Instrumente sind besonders effektiv in Genres wie Techno und House. In Stilen, die sich auf Tanzrhythmen konzentrieren, können melodische Percussion-Instrumente eine raffiniertere Möglichkeit bieten, Melodien zu erzeugen.
Seien Sie ein Schlagzeuger
Eines der wichtigsten, aber einfachen Prinzipien beim Programmieren realistischer Drums ist es, wie ein echter Schlagzeuger zu denken. Es kann zwar Spaß machen, mit ungewöhnlichen und extravaganten Rhythmen zu experimentieren, aber um Realismus zu erreichen, müssen Sie sicherstellen, dass Ihre Drum- und Percussion-Parts von einem Live-Schlagzeuger gespielt werden können.
Das Programmieren von Drum-Parts, die über die menschlichen Fähigkeiten hinausgehen, kann unbeabsichtigt die Verwendung der Software offenbaren. Zum Beispiel werden nur wenige echte Schlagzeuger in der Lage sein, einen 64-Noten-Groove auf einem Hi-Hat mit 150 BPM zu spielen, während ein einfacher Four-on-the-Floor-Rhythmus im gleichen Tempo durchaus machbar ist.
Um besser zu verstehen, was ein echter Schlagzeuger spielen kann und was nicht, ist es hilfreich, sich Live-Auftritte anzuhören. Hören Sie sich einige Ihrer Lieblingsstücke genau an und achten Sie dabei auf die verwendeten Drum-Rhythmen, um eine Vorstellung davon zu bekommen, was beim Schlagzeugspielen als realistisch gilt.
Verwendung eines MIDI-Instruments
Wenn man Drums programmiert, die alle mit derselben Lautstärke und perfekt getimed klingen, wird schnell klar, dass Software verwendet wurde. Eine Möglichkeit, den Sound realistischer zu gestalten, ist die Verwendung von MIDI-Instrumenten. Sie haben vielleicht keinen Zugang zu Live-Drum-Aufnahmen, aber Sie können ein elektronisches Drum-Kit verwenden, das mit dem Programm verbunden ist, um die Drums in Echtzeit zu spielen.
Ich bevorzuge diesen Ansatz oft, wenn ich mit Addictive Drums 2 arbeite, da er Realismus bietet, ohne dass man sich mit komplexen Einstellungen befassen muss. Wenn Sie kein Schlagzeuger sind, können Sie ein MIDI-Keyboard oder ein Drum-Pad verwenden.
Unabhängig von der verwendeten Hardware trägt die Erstellung von Drum-Patterns mit MIDI aufgrund der Variabilität von Timing und Dynamik dazu bei, dass Ihr Track viel realistischer klingt. Aber auch ohne MIDI-Instrumente lassen sich ähnliche Ergebnisse erzielen, auch wenn dies möglicherweise mehr Zeit und Mühe erfordert.
Übertreiben Sie es nicht mit der Quantisierung
Jeder erfahrene Schlagzeuger wird Ihnen sagen, dass der Schlüssel zum Schlagzeugspielen die Tempokontrolle ist. Aber selbst die besten Schlagzeuger sind nicht perfekt, und wenn Sie Live-Schlagzeug aufnehmen, werden Sie feststellen, dass einige Beats leicht vom rhythmischen Raster in Ihrer DAW abweichen. Diese leichte Schwankung im Tempo verleiht dem Rhythmus seinen Realismus.
Die meisten modernen DAWs bieten die Möglichkeit, MIDI-Noten zu quantisieren und sie in einem rhythmischen Raster zu fixieren. Durch die Quantisierung können Sie Ungenauigkeiten im Tempo korrigieren, indem Sie die Noten an ein Raster binden.
Quantisierung kann zwar dazu beitragen, den Groove zu verbessern, aber wenn man sie übermäßig einsetzt, kann sie den Tracks einen künstlichen, mechanischen Klang verleihen. Bei der manuellen Programmierung ist es besser, einige Noten leicht vom Raster versetzt zu lassen, damit sie natürlicher klingen. Sie können damit beginnen, das gesamte Drum-Pattern zu quantisieren, um seine Position zu fixieren, und dann die Noten manuell so anpassen, dass sie leicht vor oder hinter dem Beat liegen.
Die Entscheidung, ob Beats vor oder nach dem Takt platziert werden sollen, hängt von der Art des Tracks ab. Für einen dynamischeren Klang können Sie die Hi-Hats leicht vor dem Raster platzieren, für einen entspannteren Klang etwas dahinter.
Viele DAWs bieten verschiedene Quantisierungsstufen, sodass Produzenten wählen können, inwieweit die Noten an das Raster gebunden werden sollen. Niedrigere Quantisierungsstufen machen Grooves natürlicher, während höhere Quantisierungsstufen die Elemente fest an das rhythmische Raster binden.
Geschwindigkeitsanpassung
Ein weiteres wichtiges Element, um Drum-Parts realistischer klingen zu lassen, ist die Anpassung der Geschwindigkeit des Beats. Die MIDI-Notenvelocity bestimmt die Lautstärke, mit der das Sample getriggert wird. Eine Note, die mit hoher Geschwindigkeit gespielt wird, klingt lauter und energiegeladener, während eine Note, die mit niedriger Geschwindigkeit gespielt wird, leiser und sanfter klingt.
Sie können bestimmte Beats in Ihren Grooves betonen, indem Sie die Geschwindigkeit der Noten variieren. Dies ähnelt dem Ansatz eines Schlagzeugers, der die wichtigsten Schläge betont, indem er sie härter spielt. In einem typischen Punkrock-Groove liegt die Betonung beispielsweise oft auf dem zweiten und vierten Schlag jedes Takts, während in einem One-Beat-Reggae-Groove die Betonung normalerweise auf dem ersten Schlag liegt.
Wenn Sie die Notengeschwindigkeit anpassen, sollten Sie darüber nachdenken, wie Sie den Groove in der Realität spielen würden. Es kann hilfreich sein, sich selbst beim Klopfen eines Rhythmus aufzunehmen, um zu sehen, welche Schläge Sie intuitiv betonen. Anschließend können Sie die Geschwindigkeit in Ihrem MIDI-Groove entsprechend anpassen, basierend auf den Merkmalen, die Sie in Ihrer Aufnahme bemerkt haben.
Humanisierung
Viele DAWs sind mit „Humanisierungs”-Funktionen ausgestattet, die subtile Anpassungen am Timing und der Geschwindigkeit von Noten vornehmen. Diese „Humanisierungs”-Funktion kann sehr effektiv sein, um MIDI-Grooves natürlicher klingen zu lassen, ohne dass sie roboterhaft wirken.
Bei der Verwendung der Humanisierungsfunktion müssen Sie jedoch vorsichtig sein, da die genaueste Methode zur Bestimmung akzentuierter Noten die Intuition ist. Für einen Computer kann es schwierig sein, Änderungen in Geschwindigkeit und Timing anhand des Gefühls genau zu erkennen, und die versehentliche Anwendung dieser subtilen Nuancen kann dazu führen, dass Ihre MIDI-Drums weniger überzeugend klingen.
Verwenden Sie echte Loops
Eine einfache und effektive Möglichkeit, Ihren MIDI-Drums mehr Realismus zu verleihen, ist die Verwendung vorgefertigter Loops. Ich finde oft, dass die Kombination von programmierten MIDI-Drums mit Live-Loops eine gute Balance zwischen Kontrolle und Realismus bietet.
Mit virtuellen Schlaginstrumenten wie Addictive Drums 2 oder Steven Slate Drums, die über integrierte MIDI-Grooves verfügen, können Sie diese vorgefertigten MIDI-Loops als Grundlage für Ihre Grooves verwenden. Diese MIDI-Grooves wurden von echten Schlagzeugern aufgenommen, sodass das perfekte Tempo und die perfekten Geschwindigkeitseigenschaften bereits abgestimmt sind.
Sie können dann einzelne Patterns aus diesen vorgefertigten MIDI-Loops in anderen Projekten verwenden und sie auf verschiedene Instrumente anwenden. Ein Drum-Pattern aus einer MIDI-Spur kann beispielsweise verwendet werden, um andere Samples zu triggern, wie z. B. den Klang eines Hoops oder eines Claps.
Es ist auch möglich, Ihre MIDI-Noten mit Live-Samples zu kombinieren, um eine einzigartige Ebene in Ihrem Drum-Groove zu schaffen. Oft ist es schwierig, realistische Hi-Hats zu programmieren, und hier kann die Verwendung von Live-Samples besonders hilfreich sein.
Verwenden Sie Ihren eigenen Hall
Viele professionelle Drum-Programmierprogramme verfügen über eine Reverb-Funktion. Die Anwendung von Reverb kann zwar für sich genommen effektiv sein, aber ich habe festgestellt, dass die gleichzeitige Verwendung verschiedener Reverbs aus unterschiedlichen Drum-Programmen zu inkonsistenten Klängen führen kann. Daher schalte ich den integrierten Reverb in der Regel aus und verwende lieber einen einzigen Reverb für den gesamten Mix.
Nachdem ich den gesamten Drum-Groove programmiert habe, leite ich jedes Element in unterschiedlichem Maße zu diesem einzigen Hall weiter. Das Ziel ist es, den Eindruck zu erwecken, als wären alle Elemente im selben Raum aufgenommen worden.
Anschließend können Sie verschiedene Parameter dieses Raumhall-Effekts anpassen, um sicherzustellen, dass er harmonisch zum Rest des Mixes passt, darunter Größe, Stil, EQ und andere Einstellungen.
Sättigung hinzufügen
Bei der Programmierung von Drum-Sounds in einem VST ist es manchmal sinnvoll, einen Sättigungseffekt hinzuzufügen, um zu verhindern, dass der Sound zu „sauber” klingt. Sättigung ist einer meiner Lieblingseffekte, da sie dem Sound natürliche Artefakte hinzufügt, die typisch für Live-Aufnahmen sind.
Es ist zwar möglich, ein Sättigungs-Plugin, wie z. B. einen Tape-Emulator, direkt auf eine Drum-Sektion anzuwenden, aber ich habe festgestellt, dass parallele Sättigung mehr Kontrolle bietet und es ermöglicht, genau die richtige Menge an Verzerrung zu dosieren, damit die Drums sich effektiv im Mix durchsetzen.
Senden Sie dazu die Drum-Gruppe an eine Aux-Spur mit einem Sättigungs-Plugin. Hören Sie sich die Drum-Sounds an, während Sie den Sättigungsgrad des Plugins schrittweise erhöhen. Der Vorteil der parallelen Sättigung besteht darin, dass Sie die Sättigungs-Aux-Spur so stark „schmutzig“ machen können, wie es Ihnen angemessen erscheint, da das Hauptziel darin besteht, den Klang der Haupt-Drum-Gruppe nur geringfügig zu verbessern.
Bestimmen Sie, was Ihrem Schlagzeug fehlt, und erwägen Sie den Einsatz von Sättigung, um den Klang zu verbessern. Klingen Ihre Drums zu dünn? Dann können Sie die Sättigung bei den tiefen und mittleren Frequenzen erhöhen. Oder ist der Klang vielleicht zu dunkel? In diesem Fall hilft eine Erhöhung der hohen Frequenzen, einen helleren und klareren Klang zu erzielen.
Nachdem Sie den passenden Klang ausgewählt haben, drehen Sie den Pegel der Aux-Spur auf ein Minimum herunter und erhöhen Sie ihn langsam, bis Sie die optimale Kombination aus cleanem und schmutzigem Klang erreicht haben.
Fills hinzufügen
Sobald Sie einen anständigen Groove haben, der sich durch die verschiedenen Teile des Songs zieht (Strophen, Brücken, Refrains usw.), lohnt es sich, Fills hinzuzufügen, um diese Abschnitte miteinander zu verbinden. Ich füge oft etwa alle acht Takte Fills ein, um das rhythmische Muster des Drum-Grooves zu variieren und lange Abschnitte aufzubrechen oder zum nächsten Teil des Songs überzuleiten.
Das Programmieren einfacher Fills in einen Groove ist in der Regel nicht schwierig. Wenn Sie mit VST-Drums arbeiten, finden Sie wahrscheinlich eine Bibliothek mit vorgefertigten Fills mit einer Vielzahl von Mustern zur Auswahl.
Damit sich ein Fill harmonisch in ein bestehendes Muster einfügt, ist es wichtig, sicherzustellen, dass es nicht mit Elementen des Hauptgrooves in Konflikt steht. Wenn Sie beispielsweise ein Fill mit einer Snare hinzufügen, sollten Sie die Snare aus dem Hauptmuster entfernen, um Platz für das Fill zu schaffen. Gleichzeitig kann das Beibehalten anderer Elemente, wie Shaker oder Hi-Hats, dazu beitragen, einen zusammenhängenderen und kohärenteren Sound zu erzeugen.
Sobald der Fill an der richtigen Stelle platziert ist, müssen Sie ihn korrekt in den Mix einfügen und dabei besonders darauf achten, dass die Geschwindigkeit seiner Elemente mit der Geschwindigkeit des Hauptmusters übereinstimmt. Es ist wichtig, dass der Fill im Vergleich zum Hauptgroove nicht zu laut oder zu intensiv klingt.
Wenden Sie abschließend eine Quantisierung an oder passen Sie das Timing der Fill-Elemente an den gesamten Drum-Groove an. Wenn der Hauptgroove beispielsweise einen Swing hat, können die Fill-Elemente so verschoben werden, dass sie leicht hinter dem Raster liegen, wodurch der Gesamtrhythmus beibehalten wird.
Die besten Drum-Samples finden
Selbst wenn Sie Ihre Drum-Grooves meisterhaft programmiert und Ihre Drum-VST-Parameter sorgfältig eingestellt haben, können falsche Samples Ihre Mixe flach klingen lassen. Die Suche nach hochwertigen Samples für Ihre Tracks ist ein wichtiger Aspekt, den es zu berücksichtigen gilt.
Es gibt heute viele großartige Samples und Kits, die für sich genommen hervorragend klingen. Aber selbst wenn ein Sample für sich genommen perfekt klingt, ist das keine Garantie dafür, dass es auch im Kontext Ihres Mixes gut klingt, insbesondere in Kombination mit anderen Sounds. Mixing-Tools wie EQ, Kompression und Envelope Shaping können zwar bei unvollkommenen Samples helfen, sind aber in ihren Möglichkeiten begrenzt.
Der Versuch, inkompatible Samples zu mischen, kann zusätzliche Arbeit verursachen und zu Komplikationen führen. Es ist wichtig, dass Ihre Drum-Loops und Samples von Anfang an so klingen, als wären sie füreinander gemacht. Kontinuität und Harmonie des Klangs sind äußerst wichtig, um die Aufmerksamkeit des Zuhörers aufrechtzuerhalten.
Auch wenn es verlockend sein mag, das erste Sample zu nehmen, das einem unterkommt, wird sich die Zeit, die Sie für die Suche nach den perfekten Sounds aufwenden, beim Mischen und Mastern Ihrer Tracks als unschätzbar wertvoll erweisen.
Drum-Stimmung
Technisch gesehen sind Drums inharmonische Instrumente, was bedeutet, dass ihre Obertöne keiner bestimmten Tonart folgen. Die meisten Drums haben jedoch einen Grundton, der diese inharmonischen Obertöne erzeugt.
Interessanterweise gibt es keine klar definierten Regeln für das Stimmen von Drum-Samples, was Raum für Experimente lässt. Oftmals fällt jedoch auf, wenn die Stimmung des Samples nicht zum Rest des Drum-Grooves passt.
Das wichtigste Element beim Stimmen ist die Kick-Drum, da eine falsch gestimmte Kick mit dem Bass und anderen tiefen Frequenzen in Konflikt geraten und zu Disharmonie im Mix führen kann. Dies ist besonders wichtig in Genres wie Trap und Hip-Hop, wo Tracks oft auf 808-Bass basieren. In Genres mit kürzeren Kicks kann es schwieriger sein, den spezifischen Ton der Kick-Drum zu bestimmen.
Wenn Sie Schwierigkeiten haben, den Grundton einer Trommel zu bestimmen, können Sie einen Spektrumanalysator verwenden. Neben der Beibehaltung der Tonalität kann das Stimmen der Trommeln auch das Gesamtgefühl des Sounds verändern. Wenn Sie beispielsweise die Tonhöhe einer Trommel senken, klingt sie dunkler und weicher, während eine Erhöhung der Tonhöhe sie heller und energiegeladener klingen lässt.
Experimentieren Sie mit dem Stimmen und Transponieren Ihrer Trommeln, um zu sehen, wie sie in den Gesamtkontext Ihrer Kompositionen passen.
Über das Genre hinaus
Die Verwendung von Samples aus atypischen Sets kann Ihren Grooves einen einzigartigen Kontrast verleihen. Beispielsweise können weiche und zarte Samples ohne harte Anschläge den schweren Trommeln des Dubstep Textur und Leichtigkeit verleihen.
Sie können auch eine Live-Hi-Hat in einem Techno-Groove verwenden, um ihm ein natürliches Gefühl zu verleihen, oder einen digitalen Kick über einen Live-Drum-Groove legen, um einen kraftvolleren Effekt zu erzielen.
Oft können unerwartete Samples, die nicht zu einem bestimmten Genre gehören, programmierte Drums interessanter machen. Selbst wenn Sie an einem Rockstück arbeiten, können Sie gerne mit aggressiven Snare-Samples aus den Bass-Music-Kits der Zukunft experimentieren.
Arrangement
Ordnen Sie die Drum-Elemente in Ihrem Track so an, dass sich die Energie von Anfang bis Ende allmählich aufbaut. Es ist zwar möglich, 20 verschiedene Drum-Elemente zusammenzufügen, um einen kraftvollen Groove in einem Hook zu erzeugen, aber es ist nicht notwendig, in jedem Hook eines Songs denselben vollständigen Satz von Elementen zu verwenden.
Stattdessen sollten Sie einen allmählichen Aufbau anstreben und in jedem Abschnitt neue Elemente hinzufügen oder einführen, um im letzten Hook, Refrain oder Drop maximale Energie zu erreichen. Ein energiegeladener Shaker kann beispielsweise für den allerletzten Refrain aufgehoben werden, um dessen Höhepunkt zu betonen.
