Wie man Musik macht

Bis vor kurzem musste jeder, der sich für die Frage interessierte, wie man Musik macht, verstehen, dass der Prozess selbst sorgfältige Vorbereitung und Übung erfordert. Das Fehlen von Plug-ins und Mehrspur-Sequenzern machte es notwendig, das Material wiederholt zu proben, bis es fast automatisch ablief. Im Studio musste alles fehlerfrei, synchron und ohne Fehler gespielt werden.

Mit dem Aufkommen von Computerprogrammen erhielten Musiker jedoch die Möglichkeit, mehrere Takes aufzunehmen und Tracks mühelos mit nur wenigen Mausklicks zu bearbeiten. Heutzutage kann man ganz bequem von zu Hause aus einen Hit produzieren, wie viele zeitgenössische Sänger durch ihre Erfahrungen bewiesen haben.

Was sind die Voraussetzungen, um Musik zu machen?

Zweifellos bietet ein professionelles High-End-Studio erhebliche Vorteile, was die Ausstattung angeht. Diese Studios verfügen in der Regel über geräumige, schallisolierte Räume mit hervorragender Akustik sowie hochwertige Kompressoren und Equalizer, eine große Auswahl an Mikrofonen, eine analoge Konsole, einen gut ausgestatteten Kontrollraum mit mehreren Monitorleitungen und vieles mehr.

Ein Heimstudio hat jedoch seine eigenen Vorteile in Bezug auf Budget und Effizienz. Wenn Sie elektronische Musik mit einem Computer und Plug-ins erstellen, benötigen Sie keine schalldichten Räume oder eine Vielzahl von Mikrofonen. Schließlich werden Sie kein komplettes Orchester, kein Schlagzeug und keinen Flügel aufnehmen. Sie müssen sich lediglich auf das Wesentliche konzentrieren und loslegen. Welche Ausrüstung benötigen Sie also, um ein komplettes Heimstudio einzurichten?

• Computer
• Sequenzer mit Plug-ins;
• Audio-Interface;
• Monitore;
• Kopfhörer;
• Mikrofon;
• MIDI-Keyboard;
• Gitarre, Bassgitarre (falls Sie spielen);
• Dämpfungsraum;
• Racks und Kabel.

Heutzutage müssen Sie nicht mehr Gigabytes an Software auf Ihrem Computer installieren, um Ihre eigene Musik zu komponieren. Mit einem Sequenzer wie Amped Studio können Sie Musik direkt in Ihrem Webbrowser produzieren, da alle wichtigen Funktionen, Tools und Plug-ins bereits enthalten sind. In diesem Online-Sequenzer finden Sie einen Audio-Editor, einen MIDI-Editor, Synthesizer, Sampler und Bearbeitungseffekte. Daher können Sie mit einem Online-Sequenzer in der Realität ohne zusätzliche Software arbeiten.

Welche weiteren Geräte sind für die Musikproduktion nicht erforderlich? Monitore können durch hochwertige Kopfhörer ersetzt werden, sodass keine akustische Raumbehandlung erforderlich ist. Wenn Sie kein MIDI-Keyboard haben, können Sie Noten einfach mit einem Bleistift im MIDI-Editor zeichnen. In Amped Studio können Sie sogar ganze Akkorde mit nur einem Klick zeichnen. Ein Mikrofon ist zwar für die Aufnahme von Gesang nützlich, aber nicht erforderlich.

Letztendlich benötigen Sie zum Musikmachen also nur einen Computer, Kopfhörer, ein Audio-Interface und eine Internetverbindung. Wenn Sie jedoch keine Monitore oder kein Mikrofon haben, können Sie auch auf das Audio-Interface verzichten. Ist es möglich, Musik ganz ohne Computer zu machen? Heutzutage ist dies mit mobiler Musikproduktion auf einem Smartphone oder Tablet möglich.

Wie kann man Musik ohne Computer erstellen?

Ein Online-Sequenzer läuft in einem Webbrowser auf einem Computer, Laptop, Tablet oder Smartphone und ermöglicht es Ihnen, jedes mit dem Internet verbundene mobile Gerät zum Komponieren von Musik zu verwenden. Diese Programme haben keine besonderen Systemanforderungen und erfordern keinen Download von Software, Sampler-Bibliotheken oder virtuellen Instrumenten und Effekt-Plug-ins.

Das Online-Format optimiert den Prozess der Musikkomposition und ermöglicht es Ihnen, musikalische Ideen schnell festzuhalten, auch wenn Sie nicht an Ihrem Computer mit einem Sequenzer sitzen. Öffnen Sie einfach die Website auf Ihrem Smartphone oder Tablet und notieren Sie sich eine Melodie, einen Beat oder einen Hook. Später, wenn Sie wieder an Ihrem Computer sitzen, können Sie Ihr Projekt ganz einfach fertigstellen.

Amped Studio, ein Online-Sequenzer, ist unglaublich benutzerfreundlich und bietet eine Vielzahl von Funktionen zur Musikkomposition. Es arbeitet im Multitrack-Format, nimmt Audio und MIDI von externen Quellen auf und bearbeitet Audio- und MIDI-Clips. Darüber hinaus bietet es eine Vielzahl von Loops, Samplern und MIDI-Patterns und enthält integrierte virtuelle Instrumente und Plug-ins. Mit diesen Funktionen ist es bereits möglich, Musik ausschließlich mit ihrer Hilfe zu erstellen. Hier ist eine Liste der Grundausstattung:

• Synthesizer;
• Sampler;
• Drum Machine ;
• Kompressor;
• Equalizer;
• Delay;
• Hall;
• Horus;
• Verzerrer.

Darüber hinaus ermöglicht Amped Studio den Anschluss von VSTs von einem Computer, was normalerweise keine Funktion von Online-Sequenzern ist. Außerdem bietet es eine einzigartige Funktion, die eine gesungene Melodie in eine Folge von MIDI-Noten umwandelt. Darüber hinaus ermöglicht Amped Studio mehreren Benutzern die Zusammenarbeit an demselben Projekt von verschiedenen Computern aus, was eine Funktion ist, die in stationären Programmen nicht häufig zu finden ist.

Diese Software ist besonders vorteilhaft für Beatmaker, Komponisten und Songwriter, die schnell und effizient Musik erstellen möchten. Sie eignet sich auch hervorragend zum Arrangieren von Musik, und Sänger, Gitarristen und Keyboarder werden die Tonaufzeichnungsfunktion besonders nützlich finden. Selbst Mix-Ingenieure können die Funktionen von Amped Studio nutzen, um Tracks auszugleichen und Effekte auf sie anzuwenden.

Braucht man Musiktheoriekenntnisse, um Musik zu machen?

Es mag Sie enttäuschen, aber gewisse Kenntnisse der Musiktheorie sind für einen Musiker unerlässlich. Die gute Nachricht ist jedoch, dass Sie sich nicht alles merken müssen. Wenn Sie in die Welt der Musik eintauchen, werden Sie sich ganz natürlich mit ihren Konzepten und Gesetzen vertraut machen. Selbst wenn Sie mit der Terminologie nicht vertraut sind, hindert Sie das nicht daran, eine Melodie zu komponieren. Einige Musiker haben Techniken perfektioniert und können schnell interessante Ideen entwickeln, ohne deren technische Bezeichnungen zu kennen.

Wenn Sie Musik machen, müssen Sie zwischen Dur- und Moll-Tonleitern (und anderen Modi), Intervallen, Taktarten, Akkorden usw. unterscheiden können. Vielleicht können Sie die Stimmungen unterscheiden, die eine Quarte oder eine Sexte hervorrufen, auch wenn Sie deren Namen nicht kennen. Es ist überhaupt nicht notwendig, irgendwelche Begriffe zu kennen. Wenn Sie das Tempo mit einer Zahl angeben können, z. B. 120 bpm, warum müssen Sie sich dann merken, was „Adagio”, „Moderato”, „Allegro” usw. bedeuten?

Viele Menschen fragen sich, ob es möglich ist, Musik zu machen, ohne Noten zu kennen. In Wirklichkeit ist es schwierig, einen Musikproduzenten zu finden, der in seiner Arbeit Noten verwendet und Punkte mit Fähnchen auf die Notenlinien setzt. Schnelles Notenlesen ist nur für Orchestermusiker nützlich, nicht aber für Komponisten und Arrangeure. Allerdings kann Wissen Ihre Arbeit einfacher, schneller und interessanter machen.

Manche Menschen machen Musik nach dem Zufallsprinzip und wählen die Noten nach Gehör aus. Das ist auch eine Methode, aber diejenigen, die mit dem Quarten- und Quintenzirkel, Intervallen, Bünden und der Anordnung von Kreuzen und Bs in verschiedenen Tonarten vertraut sind, können sich alle Noten leicht im Kopf vorstellen und sie schnell auf der Tastatur oder dem Griffbrett finden. Wenn einem Musiker die Inspiration fehlt, kann er sich auf Logik und Wissen verlassen, aber das sollte ihn niemals ausbremsen. Das Üben sollte immer an erster Stelle stehen.

Was sind die Bestandteile eines Songs?

Die meisten zeitgenössischen Songs, die für ein breites Publikum konzipiert sind, basieren auf sich wiederholenden Strukturen. Man muss keine komplizierten Arrangements und verworrenen Handlungsstränge wie in Kriminalromanen entwickeln, um Musik für Songs zu schreiben, außer bei Opern oder klassischen Werken. Die folgenden Elemente sind die Hauptkomponenten eines typischen Songs:

• Einleitung (Intro);
• Strophe (Verse);
• Einstieg in den Refrain (Pre-Chorus);
• Refrain;
• Playback (Bridge);
• Höhepunkt (Mitte, Aufbau);
• Wechsel (Drop, Solo);
• Abschluss (Outro, Coda).

Das Schreiben von Musik folgt nicht immer einem strengen Kodex oder einer Formel. Nicht alle Stücke müssen einen Höhepunkt enthalten oder einer bestimmten Struktur folgen. Einige Songs enden mit einem Solo oder Refrain, während andere nur eine Strophe und einen Refrain mit einem kontinuierlichen Arpeggio als Begleitung wiederholen. Selbst der Einsatz des Refrains ist nicht immer erforderlich. Trotzdem ist es wichtig, allen Elementen der Komposition sorgfältige Aufmerksamkeit zu schenken.

Einleitung. Für das Komponieren von Musik gibt es keine strengen Regeln. Einige populäre Songs beginnen mit einer Strophe, während andere mit einem Refrain beginnen. Die Standardstruktur eines Songs umfasst in der Regel eine Einleitung, eine Überleitung und eine Coda. Die Einleitung kann die Melodie des Refrains, eine bestimmte Melodie oder einen der Hooks wiederholen, sie kann aber auch völlig einzigartig sein.

Hauptteil. Der herkömmliche Ansatz beim Komponieren von Musik besteht darin, einfach zwischen Strophen und Refrains zu wechseln und jeden Abschnitt in der Regel zwei- oder dreimal zu wiederholen. Es ist jedoch wichtig, dennoch Dynamik und Dramatik einzubauen. Die Strophen sollten zurückhaltender, erzählerischer und geradliniger sein und oft in einem tieferen Tonbereich gesungen werden, um die Bühne für das Hauptereignis zu bereiten. Das Hauptereignis ist der Refrain, der dynamischer, lebhafter, kraftvoller, melodischer und reichhaltiger mit höheren Tönen arrangiert sein sollte. Im Wesentlichen führt der gesamte Song zum Refrain hin.

Pre-Chorus. Der Pre-Chorus ist ein Bestandteil, der beim Komponieren von Musik oft übersehen wird. Die Einbindung eines Pre-Chorus kann jedoch die Dramatik verstärken und die Musik interessanter machen. Der Pre-Chorus verändert die Stimmung des Verses und schafft eine intensivere Atmosphäre. Er dient als Brücke zwischen dem ruhigen und dem explosiven Teil des Songs und bereitet den Zuhörer auf die Veränderung vor. Er ist vergleichbar mit einer gelben Ampel, die anzeigt, dass etwas Aufregendes bevorsteht.

Aufbau. Diese Methode kann die dramatische Entwicklung eines Musikstücks verstärken. Sie schafft einen Moment der Ruhe, eine Verlangsamung und eine Veränderung der Stimmung. In einigen Fällen kann der Schlagzeugpart weggelassen werden, während die Gesangsmelodie in der Regel eine Veränderung durchläuft. Für diesen Abschnitt gibt es verschiedene Möglichkeiten, darunter der Wechsel von Moll zu Dur, die Veränderung des Rhythmus, die Schaffung eines Breakdowns oder der Übergang zu einer anderen Tonart. Es ist jedoch auch möglich, diesen Teil ganz wegzulassen.

Solo oder Drop. Beim Schreiben von Musik mit einer Gitarre ist es wichtig, endlose Soli zu vermeiden. Denken Sie daran, dass es eine bestimmte Stelle gibt, an der die Leadgitarre glänzen kann. Elektronische Stile haben in der Regel keine Soli, aber sie haben Drops, bei denen die Musik von einem ruhigen oder langsamen Abschnitt zu einem kraftvollen Tanzrhythmus mit schweren Synthesizern übergeht. An dieser Stelle kann es einen Rap oder einfach nur eine Wiederholung der Strophe geben.

Coda. Der letzte Teil der Komposition wird oft übersehen. An dieser Stelle können Sie entweder die Bridge wieder einführen, das Solo zu einem Höhepunkt bringen oder den Refrain wiederholen, um einen Abschluss für den Song zu schaffen. Die Wahl liegt bei Ihnen. Sie haben die Möglichkeit, ein unvergessliches Ende zu schaffen, indem Sie einen einzigartigen und kreativen Schlussabschnitt komponieren.

Brücken und Ausschnitte. Es kann eine Herausforderung sein, Musik zu komponieren, die nahtlos von einem Teil zum nächsten übergeht, und nicht alle Zuhörer wissen dies zu schätzen. Es kann effektiv sein, nach einem kraftvollen Refrain eine kurze Pause oder ein Zwischenspiel einzufügen, beispielsweise eine Akkordfolge oder ein Solo in der Bridge. Oft werden innerhalb jedes Abschnitts Drum-Fills, Hooks oder kleine harmonische Verschiebungen hinzugefügt, um das Interesse zu wecken und den Song spannend zu halten.

Entwicklung ist eines der Grundprinzipien des Musikmachens. Es stimmt, dass viele Songs aus sich wiederholenden Teilen bestehen, aber das bedeutet nicht, dass sie monoton sein müssen. Jeder Teil, einschließlich der zweiten Strophe und des Refrains, sollte dennoch eine gewisse Entwicklung oder Abwechslung zum vorherigen Teil aufweisen, um die Spannung aufrechtzuerhalten. Dies kann durch Hinzufügen neuer Elemente oder durch Veränderungen erreicht werden. Tatsächlich ist es ideal, bei jedem Beat etwas Neues einzuführen, um das Interesse des Zuhörers aufrechtzuerhalten.

Wie können Sie in Ihren Strophen für Abwechslung sorgen? Sie können dem zweiten Vers ein melodisches Instrument mit Kontrapunkt hinzufügen, Percussion, Backing Vocals oder eine zweite Gitarre einbauen, den Bass verdichten, die Hi-Hat leicht anpassen, das Gitarrenarpeggio ändern, ein Fill Pad einfügen oder den Bass zusätzliche Fills spielen lassen. Diese Techniken können auch auf den Refrain angewendet werden.

Sie müssen nicht alle diese Tricks auf einmal anwenden. Es gibt unendlich viele Möglichkeiten, interessante Musik zu schaffen, und etwas Neues zu erfinden ist die Essenz der Kreativität. Je origineller und innovativer Ihre Ideen sind, desto besser. Allerdings sind Wiederholungen auch wichtig, damit Ihr Song im Gedächtnis des Zuhörers haften bleibt.

Der Prozess des Musikmachens erfordert ein Gleichgewicht zwischen bewährten Techniken und dem Experimentieren mit neuen. Es geht darum, Erwartungen zu wecken und diese dann zu unterlaufen, um das Interesse des Zuhörers aufrechtzuerhalten. Wiederholungen erzeugen einen hypnotischen Effekt, der den Zuhörer in den Bann zieht, aber das Durchbrechen dieses Musters kann ihn überraschen und begeistern. Letztendlich geht es darum, das Erlebnis des Zuhörers durch den sorgfältigen Einsatz von Wiederholungen und Variationen zu steuern.

Instrumentierung und Arrangement. Aus dynamischer Perspektive haben wir untersucht, wie man Musik macht, indem man die Instrumente und Instrumentengruppen in einem synchronen Aspekt betrachtet. Jeder Song hat eine einzigartige Kombination von Instrumenten, die während der gesamten Komposition spielen, und der Kern des Songs sollte nicht verändert werden, da er sonst unzusammenhängend klingt. Woraus besteht dieser Kern also?

Die Instrumentierung eines Songs lässt sich in mehrere Schlüsselkomponenten unterteilen, darunter:

• Das Hauptinstrument, das entweder der Gesang oder ein Lead-Synthesizer sein kann und als Mittelpunkt des Songs dient;
• Rhythmusgruppe, bestehend aus Schlagzeug und Bass, die den grundlegenden Groove und Puls der Musik liefern;
• Begleitinstrumente, zu denen Rhythmusgitarre, Klavier, Orgel oder andere Instrumente gehören können, die harmonische und rhythmische Unterstützung bieten;
• Zweites Soloinstrument, das eine Leadgitarre, ein Synth-Lead, der mit dem Hauptinstrument interagiert, oder ein anderes melodisches Instrument sein kann, das für den Drop oder andere Abschnitte verwendet wird;
• Füllelemente, darunter Pads, Effekte, Percussion und andere Elemente, die der Musik Textur und Atmosphäre verleihen.

Um angenehme und zusammenhängende Musik zu schreiben, müssen alle Teile in derselben Tonart komponiert werden und Dissonanzen sollten vermieden werden. Wenn zwei Instrumente gleichzeitig dissonante Intervalle wie Tritonus oder Septimen spielen, kann dies für das Ohr unangenehm sein. Wenn diese Intervalle jedoch von einem einzigen Instrument in einem bestimmten Stil und Kontext gespielt werden, können sie großartig klingen. Außerdem sollte rhythmische Verwirrung vermieden werden.

Beim Komponieren von Musik werden Instrumentalstimmen miteinander verwoben, wobei nur die Vorstellungskraft des Komponisten Grenzen setzt. Der Dialog und gemeinsame Melodien zwischen Instrumenten sowie das Unisono-Spiel sind gängige Techniken, insbesondere zwischen Gitarre und Bass. Um einen klaren Beat zu erzeugen, sollten alle Elemente auf den Rhythmus abgestimmt werden, wobei die Bassgitarre oft teilweise die Gesangsmelodie wiederholt und das Schlagzeug den Rhythmus vorantreibt.

Es ist wichtig, sich beim Komponieren an Stilnormen zu halten, aber es gibt immer Raum für Experimente. Funk-Bass ist beispielsweise für seine Synkopen bekannt, und im Metal bildet ein sich wiederholender Riff das Muster des Songs anstelle von Akkorden.

Das Verständnis der Musiktheorie ist für eine effektive Komposition unerlässlich, aber es ist wichtig, sie im Kontext der praktischen Anwendung zu lernen. Fachbegriffe wie „Synkope“, „schwacher Schlag“, „Septime“ und „Kontrapunkt“ müssen möglicherweise geklärt werden, aber ihre Beherrschung durch gezieltes Üben ist der Schlüssel zum Behalten des Wissens.

Wie entsteht ein Song?

Auch heute noch ist das Schreiben von Musik eine herausfordernde Aufgabe. Für den Durchschnittsmenschen ist der magischste, komplexeste und entscheidendste Aspekt des Prozesses die Komposition selbst. Dies mag für Autoren zutreffen, die ihre Musik nicht selbst produzieren. In Wirklichkeit durchläuft ein Song jedoch mehrere Verfeinerungsstufen, bevor er einem breiten Publikum vorgestellt wird. Die Verfeinerung einer groben Idee umfasst mehrere Schritte:

• Songwriting;
• Arrangement;
• Tonaufnahme;
• Bearbeitung;
• Abmischen;
• Mastering.

Im Idealfall sind verschiedene Rollen am Entstehungsprozess von Musik beteiligt: Der Autor schreibt die Musik, der Arrangeur übernimmt das Arrangement, der Toningenieur kümmert sich um die Aufnahme, der Assistenz-Toningenieur um die Bearbeitung, der Mix-Ingenieur um das Abmischen und schließlich der Mastering-Ingenieur um den letzten Schliff. In der Realität arrangiert der Autor jedoch oft seine eigenen Songs, und ein einziger Toningenieur ist möglicherweise für die Aufnahme, Bearbeitung und das Abmischen verantwortlich.

Songwriting. Die Person, die die Musikkomposition erstellt, wird als Autor bezeichnet. Der Autor ist für die Gestaltung der Gesangsmelodie und die Erstellung einer grundlegenden Begleitung auf dem Klavier oder der Gitarre verantwortlich. In dieser Phase kann eine andere Person für das Schreiben der Texte zuständig sein. Sobald die Grundlage des Songs festgelegt ist, sendet der Autor in der Regel den Rohentwurf an einen erfahrenen Arrangeur, der ihn weiter verfeinert.

Arrangement. In Wirklichkeit findet der magischste Teil der Musikproduktion während der Arrangementphase statt. Der Arrangeur ist für die Auswahl der Instrumente, die Fertigstellung der Harmonien, die Entwicklung musikalischer Ideen, die Erstellung von Übergängen und Hooks verantwortlich. Erst nachdem das Arrangement fertiggestellt ist, erwacht die Musik in ihrer ganzen Pracht zum Leben.

Tonaufnahme. Sobald das Arrangement fertig ist, müssen mindestens die Gesangsaufnahmen gemacht werden. Wenn Sie Musik mit Live-Instrumenten geschrieben haben, müssen Sie auch Schlagzeug, Gitarren, Violinen, Trompeten, Flügel und alle anderen Instrumente aufnehmen, die der Arrangeur in den Song integriert hat. Dazu sind sowohl Musiker als auch ein Tonstudio erforderlich.

Bearbeitung. Das Quantisieren von MIDI-Parts ist ein unkomplizierter Vorgang, aber der Umgang mit Mikrofon-Tracks kann eine Herausforderung sein. Selbst wenn Sie nur mit Gesangsaufnahmen arbeiten, müssen Sie die Takes sorgfältig auswählen, ihr Timing und ihre Lautstärke anpassen, eventuelle Tonhöhenprobleme korrigieren und unerwünschte Geräusche wie Klicks, Knackser und Hintergrundgeräusche entfernen.

Mischen. Sobald alle Spuren perfekt ausgefeilt sind, beginnt der Toningenieur mit der Arbeit daran. Er passt die Lautstärke an und verwendet Equalizer, Kompressoren, Saturatoren und Hall, um die Spuren zu bearbeiten. Auch dies ist ein zeitaufwändiger Prozess, und manchmal kann das Mischen genauso anspruchsvoll sein wie das Komponieren der Musik.

Mastering. Wenn der Toningenieur die Arbeit mit mehreren Tracks abgeschlossen hat, erhält der Mastering-Ingenieur eine einzige Datei – den fertigen Mix. Seine Aufgabe ist es, den Klang mit Hilfe von erstklassigen Monitoren, hochwertiger Ausrüstung und einem akustisch optimal behandelten Raum zu perfektionieren.

Promotion. Obwohl diese Phase nicht den Prozess des Komponierens selbst umfasst, ist sie ebenso wichtig. Es ist unerlässlich, ein bestimmtes Budget für Werbung, Werbekampagnen und die Veröffentlichung des Songs auf Streaming-Plattformen bereitzustellen. Ohne angemessene Promotion kann selbst ein potenzieller Superhit unbemerkt bleiben. Daher ist es wichtig, dies bei der Arbeit an Musik im Hinterkopf zu behalten.

Einige Tipps, die Sie beachten sollten

1. Lassen Sie sich nicht von der Theorie zurückhalten . Der Einstieg in das Schreiben von Musik ist einfach, wenn Sie sich nicht davon aufhalten lassen, dass Sie nicht genug wissen oder nicht über die erforderlichen Fähigkeiten verfügen. Verwenden Sie die Theorie nur bei Bedarf und greifen Sie darauf zurück, wenn Sie das Gefühl haben, dass Sie mehr Wissen benötigen.
2. Analysieren Sie Ihre Lieblingssongs . Eine gute Möglichkeit, Ihre Fähigkeiten als Songwriter zu verbessern, ist die Analyse von Hits. Wenn Sie die Logik hinter erfolgreichen Songs verstehen, können Sie lernen, wie ein Profi zu schreiben. Zerlegen Sie beliebte Titel in ihre Bestandteile und versuchen Sie, sie nachzubilden, wobei Sie interessante Lösungen notieren sollten. Die Bezugnahme auf erfolgreiche Songs kann auch hilfreich sein, wenn Sie an Ihrem eigenen Material arbeiten.
3. Streben Sie nach Originalität . Viele Menschen glauben, dass erfolgreiche Musikschaffende bestimmten universellen Regeln folgen. Wenn Sie jedoch einige zeitlose Hits untersuchen, werden Sie feststellen, dass jeder von ihnen seinen eigenen einzigartigen Charakter hat. Scheuen Sie sich daher nicht, zu experimentieren und versuchen Sie, etwas zu entwickeln, das das Publikum mit seiner Originalität fesselt.
4. Beobachten Sie Trends . Versuchen Sie, die Vorlieben des heutigen Publikums zu erkunden, um Musik zu schaffen, die beliebt sein wird. Es ist zwar wichtig, Ihrem eigenen Musikstil treu zu bleiben, aber Sie können Inspiration finden, indem Sie herausfinden, was bei den Zuhörern auf dem heutigen Markt Anklang findet.
5. Schreiben Sie Musik mit Leichtigkeit . Verstricken Sie sich nicht zu lange in der Arrangierung von Musik. Versuchen Sie, sie schnell fertigzustellen, und vermeiden Sie es, sich in diesem Prozess zu verzetteln. Viele Musiker kämpfen mit unvollendeten Demos, weil sie sich zu sehr darauf konzentrieren, sie perfekt zu machen. Es ist wichtig zu wissen, wann man die Fertigstellung über den Perfektionismus stellen muss.

Der wichtigste Ratschlag ist, einfach loszulegen. Warten Sie nicht, bis Sie die Musiktheorie perfekt beherrschen, teure Geräte oder Plugins angeschafft haben. Übung und Erfahrung bringen Ihnen mehr als jedes theoretische Wissen oder jedes Werkzeug.

Wenn Sie keine Studiomonitore haben, verwenden Sie Kopfhörer. Wenn Sie sich keine Software leisten können, verwenden Sie den kostenlosen Sequenzer. Heute können Sie mit der Musikproduktion online beginnen, indem Sie einfach Ihren Computer einschalten. Irgendwann werden Sie sich die gewünschte Ausrüstung zulegen, aber konzentrieren Sie sich in der Zwischenzeit darauf, Ihre Fähigkeiten mit dem zu entwickeln, was Sie haben. Wer weiß, vielleicht sind Sie schon ein großartiger Produzent, wenn Sie Ihre Traumausrüstung bekommen. Es liegt ganz bei Ihnen.