Musikverwaltung

Wie wird man Musikmanager?

Man kann nicht einfach so aus dem Nichts in den Beruf des Musikmanagers einsteigen – man braucht Verbindungen in der Musikbranche, ein tiefes Verständnis für Musik und Kenntnisse über die Vorlieben des Publikums. Wenn Sie noch keine Erfahrung haben, beginnen Sie mit der Arbeit mit aufstrebenden Künstlern: Viele von ihnen stellen ihre Freunde, Bekannten oder von anderen Musikern empfohlene Personen als Manager ein. Eine andere Möglichkeit ist, von Profis zu lernen, um Kontakte zu knüpfen, das notwendige Wissen zu erwerben und Künstler kennenzulernen, was später zu einer Vollzeitstelle in der Branche führen kann.

Wie ist das Team eines Künstlers aufgebaut?

Der persönliche Manager des Künstlers ist eine Schlüsselfigur, die mit dem Musiker selbst interagiert und die Arbeit des gesamten Teams koordiniert. Unabhängig davon, ob er die Aufgaben selbst ausführt oder an andere delegiert, besteht seine Hauptaufgabe darin, das Bindeglied zwischen dem Künstler und allen anderen Teammitgliedern zu sein.

Der Produzent ist für das musikalische Material verantwortlich. Je nach Bekanntheitsgrad des Künstlers kann es mehrere Produzenten geben, die sich jeweils mit der Fertigstellung der Tracks, den Arrangements, der Platzierung der Songs im Album und anderen Aspekten befassen. In Russland ist der Produzent oft ein Tontechniker, der das Material abmischt.

Der Marketingmanager ist für alle digitalen Plattformen zuständig: Versand von Werbematerialien, Zusammenarbeit mit den Medien, Organisation von Aktivitäten, Pflege sozialer Netzwerke und Interaktion mit dem Publikum. Seine Aufgabe ist es, die Musik zu promoten und die Popularität des Künstlers zu steigern.

Der Zielgruppenforscher ist für die Werbung in sozialen Netzwerken verantwortlich. Er definiert die Zielgruppe, analysiert die Wirksamkeit von Werbekampagnen und entscheidet, wie die Musik am besten beworben werden kann.

Ein Konzertdirektor organisiert Shows, entwickelt Tourstrategien und sorgt dafür, dass Konzerte rentabel sind.

Ein Anwalt ist ein unverzichtbares Mitglied des Teams. Er prüft Verträge mit Plattenlabels, hilft bei der Erstellung von Dokumenten für Konzerte, kennt sich mit Urheberrechtsfragen aus und berät in rechtlichen Angelegenheiten, was besonders wichtig ist, um mögliche Probleme zu vermeiden.

Ein Buchhalter ist für Steuern und die Finanzberichterstattung zuständig.

Warum braucht ein Musiker ein Management?

Das Künstlermanagement ist ein komplexer Prozess, an dem je nach ihren Funktionen und Rollen verschiedene Spezialisten beteiligt sind. Mit wachsenden Anforderungen des Künstlers kommen neue Mitarbeiter hinzu, die diese Anforderungen erfüllen können. Wenn ein Musiker gerade seine Karriere beginnt, kann sein persönlicher Manager alle Aufgaben selbst übernehmen, oder der Künstler kümmert sich selbst um sein Management.

Der Manager fungiert als Vermittler zwischen dem Künstler und der Außenwelt und verwaltet seine musikalischen, Image- und Konzertressourcen.

Die musikalischen Ressourcen umfassen das Schreiben von Songs, die Aufnahme und die Produktion von Tonträgern. Der Manager arbeitet in allen Phasen mit diesen Ressourcen – von der Idee bis zur fertigen Masterkopie der Titel.

Die Image-Ressource betrifft die Fangemeinde, das öffentliche Image des Künstlers und das Interesse der Medien an ihm. Der Manager entwickelt diese Ressource und trägt so zum Wachstum der Popularität des Musikers bei.

Die Konzertressource steht im Zusammenhang mit Auftritten bei verschiedenen Veranstaltungen, von Solokonzerten bis hin zu Werbeveranstaltungen.

Haben alle Künstler Manager?

Nicht alle. Aufstrebende Künstler machen oft alles selbst, da ihre Hauptaufgabe darin besteht, Musik zu schreiben und aufzutreten. Ein Manager wird benötigt, um Musik in ein Produkt zu verwandeln und es auf den Markt zu bringen. Er ist die Person, die den Künstler mit dem Publikum und der Welt des Musikgeschäfts verbindet. Musiker haben in der Regel nicht genug Zeit, um all diese Aufgaben zu erledigen.

Welche Eigenschaften muss ein Manager mitbringen?

Ein Künstlermanager muss ein Generalist sein, der verschiedene Aufgaben bewältigen kann. Er muss in der Lage sein, Verträge zu prüfen, Feedback zum Sound zu geben und sowohl mit Marken als auch mit Fans zu interagieren. Er muss zwar kein professioneller Anwalt sein, aber es ist wichtig, dass er rechtliche Feinheiten versteht und die Arbeit von Spezialisten überwacht.

Unabhängigkeit ist eine wichtige Eigenschaft eines Managers. Ein Musiker weiß oft nicht genau, was sein Manager tun soll, daher sind mangelnde Initiative und Passivität hier inakzeptabel. Außerdem muss ein Manager sich in der Musikindustrie gut auskennen, sich mit Streaming-Fragen, Urheberrecht, Werbung und anderen Aspekten der Arbeit auskennen. Wenn er Aufgaben an andere Spezialisten delegiert, muss er diese bis ins kleinste Detail verstehen.

Ein Manager oder ein Team?

Die meisten angehenden Künstler haben einen Manager, der alle Aufgaben übernimmt. Mit zunehmender Popularität des Musikers kann er oder sie ein Team haben, in dem jedes Mitglied seine eigene Rolle hat. Beispielsweise haben erfolgreiche Künstler, die bereits ein großes Publikum haben, oft einen separaten Tourmanager. Bei Künstlern, die bei einem Major-Label unter Vertrag stehen, wird in der Regel eine hybride Managementoption verwendet, bei der das Label und ein persönlicher Manager zusammenarbeiten.

Warum ist es wichtig, die Positionierung des Künstlers zu erarbeiten?

Eine klare Positionierung des Künstlers ist die Grundlage für seinen Erfolg. Der Künstler muss verstehen, welches Publikum er anspricht, und eine klare Botschaft vermitteln. Die Positionierung muss zu seinem Charakter passen: Man kann nicht versuchen, aus einer bescheidenen Person einen gewagten Rockstar zu machen – das würde unnatürlich wirken.

Das Gleiche gilt für Veröffentlichungen. Der Manager muss die Stimmung der kommenden Single oder des Albums einschätzen, verstehen, was der Künstler den Zuhörern vermitteln möchte, und prüfen, inwieweit die visuelle Komponente zur Musik passt. Angesichts der riesigen Menge an neuer Musik ist es wichtig, das Produkt wettbewerbsfähig zu machen. Der Manager muss Wege finden, um den Künstler von der Masse abzuheben – dies kann eine ungewöhnliche Positionierung, kreative Lösungen in sozialen Netzwerken oder ein auffälliges Image sein, das Aufmerksamkeit erregt. Eine gut entwickelte Positionierung hilft dem Musiker, seine Nische zu finden und die Aufmerksamkeit des Publikums zu behalten, trotz der hohen Konkurrenz in der Musikindustrie.

Woher weiß man, ob man mit der Musik eines Künstlers Geld verdienen kann?

Das ist schwierig. Natürlich gibt es Manager, die anhand eines einzigen Titels erkennen können, ob ein Künstler kommerziell erfolgreich sein kann, aber dafür braucht man viel Erfahrung und ein gutes Verständnis des Marktes und des Publikums. In den meisten Fällen entwickelt sich dieses Verständnis im Laufe der Arbeit. Während dieser Zeit rät sie, die Dynamik des Publikumswachstums, die Gagen, die dem Künstler für Auftritte angeboten werden, die Anzahl der verkauften Konzertkarten und das Interesse der Werbekunden zu beobachten. Wenn das Publikum nicht wächst, die Werbekunden zögern und sich die Tickets nicht gut verkaufen, muss man entweder die Werbestrategie überarbeiten oder sich vom Künstler trennen.

Wie ein Manager mit einer Musikressource arbeiten sollte

Viele Künstler arbeiten unabhängig mit einer Musikressource zusammen und möchten nicht, dass ein Manager an diesem Prozess beteiligt ist. Manchmal besteht die Rolle des Managers nur darin, ein Studio zu buchen oder einen Beat für einen Song zu kaufen, aber es gibt auch Situationen, in denen der Manager aktiver in den kreativen Prozess involviert ist: Er oder sie kümmert sich beispielsweise vollständig um die Organisation der Zeit des Künstlers, kontrolliert Termine, schafft angenehme Bedingungen für ihn und sucht nach einem Gleichgewicht zwischen Ermutigung und angemessener Kritik. Bei der Arbeit mit den musikalischen Ressourcen des Künstlers ist es für den Manager wichtig zu verstehen, wie unabhängig sein Kunde ist und welche Art von Hilfe er benötigt. Die persönliche Arbeit mit dem Künstler ähnelt manchmal der Arbeit eines Psychologen: Das Schreiben von Musik ist der wichtigste Prozess, in dem es wichtig ist, die Arbeitsethik aufrechtzuerhalten. Bei der Arbeit an dem Material befindet sich der Künstler in einem besonders verletzlichen Zustand. Sie müssen den Musiker inspirieren und ihm helfen. Es ist sehr wichtig, dem Künstler ein angenehmes Umfeld zu schaffen. Denken Sie daran, dass Sie immer auf seiner Seite stehen: Selbst wenn er völlig falsch liegt, sollten Gespräche mit Unterstützung beginnen. Gleichzeitig ist es wichtig, einem eigenen Burnout vorzubeugen: Der Manager sollte einen Arbeitsplan und Regeln für die Zusammenarbeit einführen.

Ok, wie viel kann man verdienen?

Wenn ein Künstler einen Manager hat, arbeitet dieser in der Regel für einen Prozentsatz der Gage des Musikers – normalerweise 10-20 %. Wenn der Künstler ein Team hat, kann das Vergütungssystem komplizierter sein. In einigen Fällen werden die Gagen des Künstlers, egal wie hoch sie sind, unter dem gesamten Team des Musikers aufgeteilt. In anderen Fällen erhalten einige Mitarbeiter einen festen Satz und andere einen Prozentsatz des Einkommens. Beispielsweise erhält ein Tourmanager einen Teil der Einnahmen aus Konzerten und ein Pressesprecher (d. h. eine Person, die für die Kommunikation mit den Medien und Werbekunden zuständig ist) ein Gehalt.

Okay, wo fängt man an zu arbeiten?

Eine der ersten Aufgaben eines Managers ist es, die Musik des Künstlers auf so vielen Plattformen wie möglich zu verbreiten: in sozialen Netzwerken, in den Medien und natürlich auf Streaming-Diensten. Diese können die Musik des Künstlers über ihr Empfehlungssystem bewerben und in führende Playlists aufnehmen, was dem Musiker hilft, ein neues Publikum zu gewinnen. Die Zusammenarbeit mit Streaming-Partnern zu vereinbaren und ihnen zu erklären, warum gerade Ihr Künstler beworben werden muss, ist genau die Aufgabe des Managers.

Wie man die Arbeit an Promo-Veröffentlichungen organisiert

Die Vorbereitungen für die Promotion einer bevorstehenden Veröffentlichung sollten lange vor dem Veröffentlichungstermin beginnen. So haben die Medien Zeit, sich mit dem Material vertraut zu machen, und der Manager hat die Möglichkeit, Kontakte zu Musikdiensten zu knüpfen und alle notwendigen Informationen für verschiedene Plattformen vorzubereiten. Jeder Distributor hat seine eigenen Anforderungen an Promo-Anwendungen, und es ist wichtig, sich im Voraus mit diesen vertraut zu machen, um Verzögerungen zu vermeiden. Im Rahmen von Werbekampagnen werden Instrumente wie gezielte Werbung und Advertising Seeding eingesetzt, die dabei helfen, die Zielgruppe zu erreichen.

Obwohl der Einfluss traditioneller Medien auf die Hörer nicht mehr so groß ist wie früher, sollten Sie die Presse, Blogs, Fernsehsender und das Radio nicht ignorieren. Radiosender können beispielsweise die Anzahl der Shazams deutlich erhöhen, insbesondere für Titel aus den Genres Dance oder Popmusik. Jede Ressource kann ihre eigenen einzigartigen Vorteile bieten, und es ist wichtig, diese maximal zu nutzen. Darüber hinaus können die Medien ein Image des Künstlers schaffen, das er selbst nur schwer aufbauen kann.

Der Künstler sollte einen Inhaltsplan haben, der alle Plattformen abdeckt – von Instagram und TikTok bis hin zu YouTube. Es ist auch wichtig, Fan-Aktivitäten in sozialen Netzwerken durchzuführen, wie z. B. Cover-Wettbewerbe, um das Interesse des Publikums aufrechtzuerhalten. Ohne ständige Interaktion mit der Fangemeinde kann diese allmählich schrumpfen. Je berühmter der Künstler, desto mehr Möglichkeiten für Kreativität. Obwohl Weltstars sich groß angelegte Werbeaktionen und Sonderprojekte leisten können, sollten auch aufstrebende Musiker sich in diese Richtung entwickeln. Auch ohne großen Ruhm kann man an Nischen-Sonderprojekten teilnehmen, thematische Compilations aufnehmen, Live-Versionen oder Remixe mit interessanten DJs erstellen.

Wie organisiert man Konzerte?

Für den Manager eines aufstrebenden Künstlers ist es wichtig, die Fähigkeiten zur selbstständigen Organisation von Konzerten zu beherrschen. Dieser Prozess umfasst vier Hauptphasen:

1. Festlegung des Zwecks und des Publikums der Veranstaltung. Wenn Sie wissen, wer Ihr potenzielles Publikum ist, können Sie sich besser vorbereiten und die richtigen Werbestrategien auswählen.
2. Auswahl eines Veranstaltungsortes. Der Veranstaltungsort sollte der Größe der Veranstaltung und den Erwartungen des Publikums entsprechen.
3. Berechnung des Kostenvoranschlags und Festlegung des Ticketpreises. In dieser Phase werden alle Kosten berechnet und ein Ticketpreis festgelegt, der sowohl für den Künstler als auch für das Publikum vorteilhaft ist.
4. Durchführung einer Werbekampagne. Dazu gehören Ankündigungen in sozialen Netzwerken, Nachrichten in den Medien, das Drucken von Plakaten und Flyern.

Was ist bei der Organisation eines Konzerts zu beachten?

Im Zeitalter des Streamings hat sich die Konzertbranche stark verändert. Musik ist leicht zugänglich und die Werbung erfolgt fast augenblicklich, aber das garantiert noch keinen Erfolg bei Konzerten. Ein Titel kann beispielsweise viral gehen, aber das bedeutet nicht, dass der Künstler bei einem Live-Auftritt ein großes Publikum anziehen kann. Im Gegenteil, eine Rockband, die im Streaming nicht sehr beliebt ist, kann große Hallen füllen, während die Autoren von Dance- und Rap-Hits mit Millionen von Plays nur ein kleines Publikum bei Live-Shows anziehen können.

Die Werbung für Konzerte basiert auf denselben Prinzipien wie die Werbung für Veröffentlichungen. Für den Manager ist es wichtig, einen zuverlässigen Auftragnehmer zu finden, der Werbekampagnen effektiv aufbaut und den Ticketverkauf sicherstellt. Konzerte bieten auch eine hervorragende Gelegenheit, Merchandise-Artikel zu verkaufen, und der Manager muss deren Lieferung und Verkauf vor Ort im Voraus organisieren. Bei der Planung einer Tournee sollte ein Manager alle Details berücksichtigen: die Logistik durchdenken, einen Tourneeplan erstellen, sorgfältig die hauswirtschaftlichen und technischen Anforderungen aufschreiben, ein Gleichgewicht zwischen dem Komfort des Künstlers und den Kosten wahren sowie die Ticket-Systeme studieren und einen Ticketverkaufsprozess festlegen.

Konzerte und Vertrieb von Tonträgern – ist das alles?

Natürlich nicht. Die Arbeit eines Musikmanagers beschränkt sich nicht nur auf die Organisation von Konzerten und den Vertrieb von Tonträgern. Ein wichtiger Teil der Tätigkeit ist die Zusammenarbeit mit Marken, die Teilnahme an Sponsoring-Projekten und Kooperationen. Heutzutage suchen Marken aktiv nach Künstlern für Kooperationen und bieten ihnen an, Botschafter zu werden, an Festivals oder Sonderprojekten auf verschiedenen Plattformen teilzunehmen. Eine weitere Möglichkeit, Geld zu verdienen, ist die Lizenzierung von Musik, darunter der Verkauf von Titeln für die Verwendung in Filmen, im Fernsehen oder in der Werbung. In diesem Fall muss der Manager in der Lage sein, effektiv mit Musikverlagen und Anwälten zusammenzuarbeiten.

Wie kommuniziert man mit Künstlern?

Die Kommunikation mit Künstlern sollte auf den Grundsätzen der Professionalität basieren. Es ist wichtig, persönliche und berufliche Beziehungen klar zu trennen und die Verantwortlichkeiten detailliert zu definieren, um mögliche Konflikte zu vermeiden. Künstler sind Menschen mit hoher emotionaler Sensibilität, und die Zusammenarbeit mit ihnen kann schwierig sein. Wie viele professionelle Manager sagen: „Ein guter Künstler ist eine Emotionsfabrik“, und die Interaktion mit ihnen wird unweigerlich mit gewissen Schwierigkeiten verbunden sein. Daher ist es eine der wichtigsten Aufgaben eines Managers, seine eigene emotionale Stabilität und Objektivität zu bewahren. „Man sollte immer einen kühlen Kopf bewahren“, bemerken Experten. Gut aufgebaute Beziehungen zu einem Künstler helfen dem Manager auch, dessen Interessen im Falle einer Trennung zu schützen, sowohl in finanzieller als auch in reputationsbezogener Hinsicht.

Warum sollte ein Manager rechtliche Fragen verstehen?

Zunächst muss ein Manager sicherstellen, dass der Künstler ordnungsgemäß rechtlich registriert ist. Bleibt der Musiker eine Einzelperson, kann dies zu vielen Problemen mit Verträgen und Steuern führen. Daher wird empfohlen, den Künstler als Selbstständigen oder Einzelunternehmer (IE) zu registrieren.

Die Führung von Finanzunterlagen und die Überwachung von Steuerzahlungen gehören ebenfalls zu den Aufgaben des Managers, um Probleme mit dem Gesetz zu vermeiden. Solange der Künstler keine nennenswerten Beträge verdient, kann man die Steuererklärung aufschieben, aber sobald sein Einkommen zu steigen beginnt, wird dieses Thema zu einer Priorität.
Darüber hinaus muss der Manager die Lizenzierung von Titeln kontrollieren. Der Künstler, der den Song geschrieben hat, ist dessen Urheber und Eigentümer des Tonträgers. Um einen Titel zu monetarisieren, ist es notwendig, die Rechte an seiner Nutzung durch den Abschluss einer entsprechenden Vereinbarung an das Label oder den Vertreiber zu übertragen. Der Manager muss alle Nuancen solcher Vereinbarungen verstehen, um die Rechte seines Künstlers zu schützen und zu vermeiden, dass die Rechte an dem Titel für immer übertragen werden oder ungünstige Bedingungen vereinbart werden.

Warum es wichtig ist, die Bedingungen der Zusammenarbeit mit dem Künstler genau festzulegen

Einer der häufigsten Fehler, den Manager machen, ist das Fehlen eines formellen Vertrags mit dem Künstler für ihre Arbeit. Dies kann zu ernsthaften Problemen führen, da es jederzeit zu Konflikten oder Missverständnissen hinsichtlich der Bedingungen der Zusammenarbeit kommen kann. Um solche Situationen zu vermeiden, ist es notwendig, alle Vereinbarungen rechtlich abzusichern. Klar formulierte Bedingungen im Vertrag tragen dazu bei, eine solide Grundlage für eine erfolgreiche Zusammenarbeit zu schaffen und für Klarheit in der Beziehung zu sorgen.

Der internationale Standard für die Zusammenarbeit zwischen einem Manager und einem Künstler liegt zwischen 10 und 20 % des Einkommens. Bei Superstars liegt dieser Prozentsatz in der Regel bei etwa 10 %, bei Anfängern bei 20 %. Es ist wichtig zu berücksichtigen, auf welcher Grundlage dieser Prozentsatz berechnet wird: auf der Bruttoeinnahme (alle Einkünfte des Künstlers) oder auf dem Nettogewinn. Wenn der Manager einen Prozentsatz aller eingehenden Gelder erhält, ist es wichtig zu verstehen, welche Ausgaben der Künstler trägt. In einigen Fällen können die Einnahmen minimal und die Ausgaben erheblich sein, und dann ist es sinnvoll, flexiblere Bedingungen zu vereinbaren. Beispielsweise kann ein Manager 15 % des Gesamteinkommens eines Künstlers erhalten, jedoch nicht mehr als 50 % seines Nettogewinns, um eine faire Verteilung der Einnahmen zu gewährleisten.

Warum es für einen Manager wichtig ist, sich an Veränderungen in der Branche anzupassen

Die Rollen im Team eines Künstlers haben sich in den letzten Jahren erheblich verändert, und das wird weder an Musikschulen noch in traditionellen Lehrbüchern vermittelt. Die Branche ist so dynamisch, dass sich alle sechs Monate alles ändert. Informationen, die vor einigen Jahren noch relevant waren, können heute veraltet und unwirksam sein. Für einen Manager ist es wichtig, sein Wissen ständig zu aktualisieren und die neuesten Trends zu verfolgen.

Technologische Veränderungen haben auch den Prozess der Musikaufnahme stark beeinflusst. Heute hängt die Klangqualität nicht mehr von den Kosten für die Studioausstattung ab. Immer mehr Künstler produzieren erfolgreiche Alben zu Hause, wodurch sich der Manager darauf konzentrieren kann, das Talent des Künstlers zu entdecken, und nicht auf die Aufnahmebedingungen.

Auch der Prozess der Musikveröffentlichung hat sich dramatisch verändert. Dank der Entstehung vieler unabhängiger Labels und Aggregatoren ist der Vertrieb zugänglicher geworden. Immer mehr Nischenkünstler finden ihre Zuhörer in einer Vielzahl von Genres. Labels investieren nicht mehr riesige Summen in die Förderung neuer Stars, sondern konzentrieren sich auf Social-Media-Analysen. Unter diesen Umständen ist es für einen Künstler besser, selbstständig zu arbeiten, als auf die Hilfe von Labels zu warten. Auch die Altersgrenze für den Einstieg in die Branche hat sich verändert. Während früher oft junge Künstler zu Stars wurden, sind heute sogar 30- bis 35-Jährige, die ihre ersten Hits mit eigenen Mitteln aufgenommen haben, erfolgreiche Musiker.

Auch die Monetarisierung von Veröffentlichungen hat sich erheblich verändert. Heute erhalten Künstler Tantiemen nicht nur aus dem Verkauf und Streaming von Musik, sondern auch aus Konten in sozialen Netzwerken, Videos auf YouTube und anderen digitalen Plattformen. Es ist wichtig, Inhalte so weit wie möglich auf allen verfügbaren Plattformen zu verbreiten, um das Einkommen und die Popularität zu steigern.

Soziale Netzwerke haben den Mechanismus der Interaktion zwischen einem Künstler und seinem Publikum radikal verändert. Heute ist ein Musiker keine unerreichbare Figur mehr, sondern kann täglich mit seinen Fans kommunizieren, Feedback von ihnen erhalten und über sich selbst berichten. Dies schafft jedoch auch neue Herausforderungen, da Musiker zunehmend als normale Menschen wahrgenommen werden, was die Arbeit mit einer Fangemeinde erschweren kann.

Selbst die Buchhaltung und das Dokumentenmanagement verändern sich im digitalen Zeitalter. Es gibt immer mehr Online-Dienste, die die Steuerberechnung und Finanzberichterstattung vereinfachen. Die Gesetzgebung hält jedoch nicht immer mit diesen Veränderungen Schritt, sodass man oft mit einer großen Anzahl von Dokumenten arbeiten muss.

Wie lange dauert das Lernen?

Das Lernen in der Musikbranche ist ein fortlaufender Prozess. Die Branche verändert sich ständig, es entstehen neue Vertriebsplattformen, Veranstaltungsorte und Festivals. Es ist wichtig, bereit zu sein, kontinuierlich zu lernen und sich anzupassen, genau wie in jedem anderen Beruf auch.