Musikverlag

Author

Antony Tornver

Published

February 26, 2025

Das Musikverlagswesen ist ein Geschäftszweig, der sich mit der Verwaltung, Vermarktung und Monetarisierung von Musikwerken befasst. Verlage sorgen dafür, dass Songwriter für die Nutzung ihrer Kompositionen bezahlt werden, und helfen bei der Organisation der Aufführung und Verbreitung dieser Kompositionen.

Das Verlagswesen ist einer der ältesten Bereiche des Musikgeschäfts. Es existierte schon lange vor der Erfindung der ersten Aufnahmegeräte und spielte bereits zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine wichtige Rolle in der Musikindustrie. Damals war die Veröffentlichung von Noten die wichtigste Form des Musikvertriebs. Verlage druckten Noten, vertrieben sie an Geschäfte und zahlten den Autoren einen Anteil am Verkaufserlös, wodurch deren Einkommen gesichert war.

Mit dem technologischen Fortschritt hat sich die Musikindustrie erheblich verändert. Das Aufkommen von Radio, Schallplatten, Magnetbändern, CDs, digitalen Downloads und Streaming-Diensten hat die Art und Weise, wie Musik konsumiert wird, völlig verändert. Der Kern des Musikverlagswesens ist jedoch derselbe geblieben: Verlage vertreten Komponisten und Songwriter und sorgen dafür, dass sie für die kommerzielle Nutzung ihrer Werke bezahlt werden. Heute verwalten Verlage weltweit Urheberrechte, kümmern sich um Lizenzen und ziehen Tantiemen ein. Während die Einnahmen früher aus dem Verkauf gedruckter Alben stammten, verfolgen Verlage heute Zahlungen von Streaming-Diensten, Radiosendern, Konzerten und anderen Quellen. In den folgenden Abschnitten werden wir erläutern, wie diese Mechanismen funktionieren.

Zwei Arten von Musikurheberrechten: Komposition und Master-Aufnahme

In der Musikindustrie wird das Urheberrecht in zwei Kategorien unterteilt: Kompositionsrechte und Master-Aufnahmerechte. Diese Begriffe werden in der Branche häufig verwendet, aber wenn Sie sich noch nicht sicher sind, was sie bedeuten, lassen Sie uns sie einmal genauer betrachten.

Eine Komposition ist die musikalische Idee selbst, einschließlich Melodie, Harmonie und gegebenenfalls Text. Denken Sie an Noten oder Texte in einem Notizbuch – das ist die Grundlage des Stücks, etwas, das auf viele verschiedene Arten aufgeführt werden kann.
Eine Masteraufnahme ist die spezifische, aufgezeichnete Version einer Komposition, die von einem Künstler oder Produzenten erstellt wurde. Das sind die Aufnahmen, die wir auf digitalen Plattformen, im Radio oder auf physischen Medien hören.

Aufgrund dieser Unterscheidung hat jeder Song effektiv zwei Arten von Urheberrechten: eines für die Komposition selbst und eines für die spezifische Aufnahme. In einigen Fällen liegen beide Rechte bei derselben Person, beispielsweise wenn der Künstler den Song selbst geschrieben und aufgenommen hat.

Häufiger jedoch werden die Rechte zwischen verschiedenen Personen und Organisationen aufgeteilt. Wenn Sie beispielsweise ein Cover eines Beatles-Songs aufnehmen, besitzen Sie nur die Masteraufnahme, während die Rechte an der Komposition selbst bei den Eigentümern des Bandkatalogs verbleiben. In noch komplexeren Fällen, wenn ein Song von einer Gruppe von Autoren geschaffen wurde, Elemente aus anderen Titeln verwendet oder Samples enthält, wird die Verteilung der Rechte zu einem echten Puzzle. Gleichzeitig erfordert der Prozess der Erstellung und anschließenden Vermarktung einer Komposition einen völlig anderen Ansatz als die Arbeit an einer Masteraufnahme. Beide Bereiche sind wichtig, aber heute konzentrieren wir uns speziell auf die Rechte an Kompositionen, die den Songwritern gehören und von Verlagen verwaltet werden.

Drei Arten von Musikverlags-Tantiemen, die Sie verstehen müssen

Das System zur Berechnung von Tantiemen für Musik unterliegt dem Urheberrecht, und jedes Land kann seine eigenen Regeln haben. Die Grundprinzipien des Verlagsgeschäfts sind jedoch weltweit ähnlich. In diesem Artikel werden wir uns mit der Funktionsweise des Tantiemensystems in den Vereinigten Staaten befassen, da dort die größten Verlage ansässig sind. Auch wenn sich die Details in anderen Ländern unterscheiden können, bleiben die Grundprinzipien doch dieselben.

In den Vereinigten Staaten liegt das Urheberrecht an einem Musikstück beim Urheber, sobald zwei Bedingungen erfüllt sind: Es ist ein Original (d. h. vom Urheber von Grund auf geschaffen) und es ist auf einem materiellen Träger aufgezeichnet. Dies kann eine Notenschrift, eine digitale Datei oder sogar eine Textnachricht mit einer Melodie sein.

Sobald der Urheber die Rechte an seinem Werk besitzt, hat er das ausschließliche Recht:

seine Musik zu vervielfältigen und zu verbreiten;
sie öffentlich aufzuführen oder zu senden;
neue Versionen auf der Grundlage des Originalwerks zu erstellen.

Diese Rechte ermöglichen es dem Eigentümer zu entscheiden, wer seine Musik unter welchen Bedingungen nutzen darf. Wenn jemand das Werk reproduzieren, aufführen oder überarbeiten möchte, benötigt er eine Lizenz, und der Urheber erhält dafür Tantiemen. In der Praxis werden Tantiemen für die Veröffentlichung von Musik in drei Hauptkategorien unterteilt, die jeweils mit bestimmten Aspekten des Urheberrechts an der Komposition verbunden sind. Wie genau dieses System funktioniert und welche Zahlungen der Urheber erhalten kann, werden wir im Folgenden erläutern.

Mechanische Tantiemen: Wie sie funktionieren

Mechanische Lizenzgebühren sind Zahlungen, die Songwriter für die Vervielfältigung ihrer Kompositionen erhalten. Diese Zahlungen stammen von Dritten, die Musikwerke aufnehmen, veröffentlichen und vertreiben möchten. Ursprünglich war diese Art von Lizenzgebühren mit der Produktion physischer Medien wie Schallplatten und CDs verbunden, daher auch der Name. Heute, im digitalen Zeitalter, sind Streaming-Dienste die Hauptquelle für mechanische Lizenzgebühren.

Tantiemen fallen an, wenn ein Nutzer einen bestimmten Song auf einer digitalen Plattform abspielt. Es ist die Möglichkeit, einen Titel auszuwählen, die die Notwendigkeit von Zahlungen an die Urheber begründet. Nicht-interaktive Dienste wie Pandora Radio generieren jedoch keine mechanischen Tantiemen, da die Musik ohne Auswahlmöglichkeit seitens des Hörers abgespielt wird.

Der Zahlungsmechanismus hängt vom Format der Musikverteilung ab. Im Falle von Streaming überweisen Dienste wie Spotify und Apple Music die Lizenzgebühren direkt an die Verlage. Bei Downloads und physischen Verkäufen werden die Zahlungen zunächst an den Eigentümer der Masteraufnahme, d. h. das Label, geleistet und dann an den Verlag weitergeleitet.

Mechanische Lizenzgebühren werden von spezialisierten Organisationen verteilt. In den USA übernimmt dies die Harry Fox Agency, im Vereinigten Königreich die Mechanical Copyright Protection Society. In einer Reihe von europäischen Ländern werden ähnliche Funktionen von Organisationen wahrgenommen, die sowohl für mechanische Zahlungen als auch für Lizenzgebühren für öffentliche Aufführungen zuständig sind. Diese Strukturen bieten Autoren und Verlagen eine Vergütung für die Nutzung ihrer Kompositionen auf verschiedenen Medien und Plattformen.

In den USA werden die mechanischen Lizenzgebühren vom Copyright Board (CRB) reguliert und hängen vom Format der Musikverteilung ab. Für digitale Downloads und physische Medien wird ein Pauschalpreis von 9,1 Cent pro Kopie festgelegt, wenn der Song nicht länger als fünf Minuten ist. Ist der Titel länger, wird ein berechneter Preis von 1,75 Cent pro Minute angewendet.
Für interaktives Streaming sind die Berechnungen komplizierter. Die CRB legt den sogenannten All-In Royalty Pool fest – den Betrag, den der Dienst an die Songwriter zahlen muss. Er wird anhand von drei Formeln ermittelt, aus denen der Höchstbetrag ausgewählt wird:

Ein Prozentsatz der Gesamteinnahmen der Plattform. Derzeit beträgt er 11,8 %, aber der Satz steigt schrittweise an und sollte bis 2022 15,1 % erreichen.
Ein Prozentsatz des an Plattenlabels gezahlten Betrags. Derzeit beträgt er 21–22 % und steigt bis 2022 auf 26 %;
Ein Mindestpauschalbetrag von 50 Cent für jeden Abonnenten des Dienstes.

Der Streaming-Dienst wendet alle drei Formeln an und wählt diejenige aus, die den höchsten Betrag ergibt. Das Ergebnis ist der All-In-Royalty-Pool – der Gesamtbetrag der Lizenzgebühren, den der Dienst zahlen muss. Von diesem Betrag werden zunächst die Gebühren für öffentliche Aufführungen abgezogen, die in Verhandlungen mit Verwertungsgesellschaften (PROs) festgelegt werden. Der Restbetrag ist eine mechanische Lizenzgebühr, die dann ähnlich wie die Zahlungen an die Eigentümer der Masteraufnahmen an die Songwriter entsprechend ihrem Anteil an den Kompositionen verteilt wird.

Tantiemen für öffentliche Aufführungen

Tantiemen für öffentliche Aufführungen werden an Autoren und Urheberrechtsinhaber für die Nutzung ihrer Musik an öffentlichen Orten, im Radio, Fernsehen, Streaming-Diensten und anderen Rundfunkkanälen gezahlt. Diese Zahlungen entschädigen für den Teil des Urheberrechts, der mit der öffentlichen Aufführung oder Darstellung eines Musikwerks verbunden ist.

Die Lizenzgebühren fallen jedes Mal an, wenn ein Song im Radio, in einem Café oder über einen Streaming-Dienst gespielt wird. Selbst wenn Sie einen Titel über Streaming auf Ihren Kopfhörern abspielen, gilt dies ebenfalls als öffentliche Aufführung.

Die Einziehung und Verteilung dieser Zahlungen wird von Verwertungsgesellschaften (PROs) übernommen. In den USA sind dies ASCAP, BMI und SESAC, im Vereinigten Königreich ist es PRS. Die Zahlungen stammen aus zwei Hauptquellen: Streaming-Dienste und traditionelle Rundfunkanstalten.

Streaming-Plattformen wie Spotify und Apple Music zahlen einen Prozentsatz ihrer Einnahmen an die PROs. Dieser Betrag wird dann unter allen im System registrierten Rechteinhabern aufgeteilt. Der genaue Anteil der Zahlungen wird durch Verhandlungen zwischen den Diensten und der PRO festgelegt, beträgt jedoch in der Regel etwa 6-7 % der Gesamteinnahmen der Plattform.

Zu den traditionellen Rundfunkanstalten gehören Radiosender, Fernsehsender, Cafés, Bars, Konzertlokale und andere Veranstaltungsorte, die Musik verwenden. Für die legale öffentliche Aufführung erwerben sie eine sogenannte Voll-Lizenz von der PRO, die ihnen das Recht gibt, jede registrierte Musik abzuspielen. Die Kosten für eine solche Lizenz hängen von der Größe des Publikums ab: Je mehr potenzielle Zuhörer, desto höher die Zahlungen.

Die Musiknutzung wird auf verschiedene Weise erfasst: Playlist-Checklisten, Sendeprotokolle und andere Berichte. Selbst Straßenmusiker, die in der U-Bahn auftreten, müssen Daten zu den von ihnen gespielten Songs bereitstellen, wenn der Veranstaltungsort, an dem sie spielen, den entsprechenden Vorschriften unterliegt.

Anschließend berechnet die PRO unter Berücksichtigung vieler Faktoren die Zahlungen an Autoren und Verleger. So bringt beispielsweise die Aufführung eines Songs auf einem nationalen Fernsehsender zur Hauptsendezeit den Urheberrechtsinhabern deutlich mehr Tantiemen ein als die Ausstrahlung in einem Studentenradiosender in der Nacht. Das gesamte System ist so konzipiert, dass die Tantiemen sich nach dem Umfang und der Häufigkeit der Musiknutzung richten.

Tantiemen fallen jedes Mal an, wenn ein Song im Radio, in einem Café oder über einen Streaming-Dienst gespielt wird. Selbst wenn Sie einen Titel über Streaming auf Ihren Kopfhörern abspielen, gilt dies ebenfalls als öffentliche Aufführung.

Anschließend berechnet die PRO unter Berücksichtigung vieler Faktoren die Zahlungen an Autoren und Verleger. So bringt beispielsweise die Aufführung eines Songs in einer nationalen Fernsehsendung zur Hauptsendezeit den Urheberrechtsinhabern deutlich mehr Tantiemen ein als die Ausstrahlung in einem Studentenradiosender in der Nacht. Das gesamte System ist so konzipiert, dass die Tantiemen sich nach dem Umfang und der Häufigkeit der Musiknutzung richten.

Synchronisationsgebühren

Diese Art von Einnahmen hängt mit dem Recht zusammen, abgeleitete Werke auf der Grundlage einer Musikkomposition zu schaffen. Wenn ein Song in einem Film, einer Fernsehserie, einer Werbung, einem Computerspiel oder einer anderen Art von Inhalt verwendet wird, müssen die Urheber die Genehmigung der Urheberrechtsinhaber einholen. Dieser Vorgang wird als Synchronisation bezeichnet, und die Zahlungen für die Nutzung der Musik werden als Synchronisationslizenzen bezeichnet.

Im Gegensatz zu mechanischen Lizenzgebühren und Lizenzgebühren für öffentliche Aufführungen gibt es bei der Synchronisation zwei wichtige Unterschiede. Erstens wird sie immer durch individuelle Vereinbarungen formalisiert. Während die öffentliche Aufführung von Musik durch allgemeine Lizenzen und Standardzahlungen geregelt ist, erfordert die Synchronisation eine Vereinbarung zwischen dem Musiknutzer und dem Urheberrechtsinhaber. Beispielsweise kostet die Ausstrahlung eines Titels im Radio für alle Künstler gleich viel, aber die Kosten für eine Lizenz zur Verwendung desselben Songs in der Werbung können um das Tausendfache variieren. Berühmte Künstler wie Drake verlangen enorme Lizenzgebühren für die Nutzung ihrer Musik in kommerziellen Projekten, während die Rechte an einem Titel eines unbekannten Künstlers um ein Vielfaches weniger kosten können.

Der zweite Unterschied besteht darin, dass eine Synchronisationslizenz eine Vereinbarung zwischen zwei Parteien erfordert: dem Eigentümer der Komposition (den Autoren und dem Verlag) und dem Eigentümer der Aufnahme (dem Label oder Künstler). Dies macht die Synchronisation zu einem einzigartigen Teil des Musikgeschäfts, da die Geldflüsse zwischen verschiedenen Branchenakteuren aufgeteilt werden.

Es gibt noch andere Arten von Zahlungen im Verlagsgeschäft, wie z. B. Tantiemen für Songtexte, aber diese sind im Vergleich zu Synchronisations-, mechanischen Tantiemen und Tantiemen für öffentliche Aufführungen gering. Nachdem nun die Haupteinnahmequellen der Verlage klar sind, lohnt es sich zu verstehen, was Musikverlage genau tun und welche Rolle sie in der Branche spielen.

Was ist eine Verwertungsgesellschaft?

Eine Verwertungsgesellschaft (Performing Rights Organization, PRO) zieht im Namen von Komponisten und Songwritern Lizenzgebühren für die öffentliche Aufführung von Musikwerken ein. Diese Organisationen sind in einem bestimmten Land oder einer bestimmten Region tätig und überwachen die Zahlung von Lizenzgebühren für die Nutzung von Musik im Radio, Fernsehen, Streaming-Diensten, Veranstaltungsorten und anderen öffentlichen Räumen.

Jedes Land hat seine eigene PRO. In Großbritannien ist es PRS, in den USA sind es ASCAP, BMI und SESAC. Um Tantiemen zu erhalten, muss sich ein Autor oder Komponist bei einer dieser Organisationen registrieren oder diese Aufgabe an seinen Musikverlag delegieren.

Wie unterscheidet sich eine PRO von einem Musikverlag?

PROs werden von Autoren, Komponisten und Musikverlegern gegründet und kontrolliert. Ihre Hauptaufgabe besteht darin, die Lizenzierung und Einziehung von Lizenzgebühren für die Aufführung von Millionen von Songs zu verwalten, wodurch der Zahlungsprozess vereinfacht und die Kosten für die Rechteinhaber gesenkt werden. Sie bündeln Urheberrechte, was effizientere Verhandlungen mit digitalen Diensten, Radiosendern, Fernsehsendern und Veranstaltungsorten ermöglicht.

PROs erheben jedoch keine mechanischen Lizenzgebühren. Diese werden von separaten Organisationen wie MCPS in Großbritannien, MLC und der Harry Fox Agency in den USA verwaltet. Musikverlage sind in der Regel Mitglieder beider Arten von Organisationen, um sicherzustellen, dass Autoren alle möglichen Lizenzgebühren für die Nutzung ihrer Kompositionen erhalten.

Verwaltung geistigen Eigentums in der Musikindustrie

Musikverlage und Verlagsgesellschaften sind dafür verantwortlich, dass Songwriter und Komponisten für die Nutzung ihrer Werke bezahlt werden. Dieser Prozess basiert auf einem Verlagsvertrag, in dem der Urheber seine Rechte an der Komposition an den Verlag überträgt. Im Gegenzug kümmert sich das Unternehmen um die Lizenzierung, kontrolliert, wo und wie die Musik verwendet wird, zieht die Lizenzgebühren ein und verteilt sie an die Urheber.

Verlage arbeiten auch daran, Musik zu promoten. Sie helfen dabei, Kompositionen in Filmen, Fernsehserien und Werbespots zu platzieren und bieten sie Interpreten für Aufnahmen an. Manchmal organisieren Verlage die Erstellung von maßgeschneiderter Musik und bieten Autoren Aufträge für ihre Arbeit an.

Urheberrechte an Musikwerken sind die wichtigste Form des geistigen Eigentums in der Branche. Neben den Rechten an den Kompositionen gibt es auch das Urheberrecht an der Masteraufnahme, das meist bei Plattenfirmen liegt. Verlage spielen eine Schlüsselrolle bei der Verwaltung dieser Vermögenswerte und sorgen dafür, dass die Autoren für die Nutzung ihrer Musik fair vergütet werden.

Die Rolle der Musikverlage

Musikverlage sind für die Lizenzierung von Musik und die Verwaltung der Urheberrechte von Komponisten und Songwritern verantwortlich. Sie schließen Verträge mit den Urheberrechtsinhabern ab, um die Nutzung ihrer Kompositionen zu kontrollieren und sicherzustellen, dass Lizenzgebühren aus allen verfügbaren Quellen eingezogen werden.

Der erste Schritt in der Arbeit eines Verlags besteht darin, die Werke bei einer Verwertungsgesellschaft (CMO) zu registrieren. Dies ist notwendig, damit die Urheber Zahlungen für öffentliche Aufführungen, mechanische Lizenzgebühren und Synchronisationen erhalten können.

1. Verlagsverwaltung: Registrierung, Einziehung und Kontrolle der Lizenzgebühren

Die Registrierung einer Komposition bei PROs und MROs ist technisch nicht schwierig. In den USA gibt es ASCAP, BMI, SESAC und HFA, während es in Großbritannien PRS und MCPS gibt. Durch die Registrierung können Autoren Zahlungen für mechanische Vervielfältigungen und öffentliche Aufführungen erhalten, während Lizenzgebühren für Synchronisationen eine separate Registrierung erfordern. Das scheint ausreichend zu sein, aber in Wirklichkeit ist der Prozess viel komplizierter.

Die Verwertungsgesellschaften konzentrieren sich auf die Einziehung von Lizenzgebühren, führen jedoch keine detaillierte Überprüfung der Zahlungsverteilung durch. Ihr Ziel ist es, Gelder anzusammeln, nicht sicherzustellen, dass das Geld jeden Urheberrechtsinhaber erreicht. Aus diesem Grund geht ein erheblicher Teil der Einnahmen verloren oder bleibt nicht beansprucht. In der Branche gibt es sogar das Konzept einer „Black Box” für Tantiemen – Geld, das aus verschiedenen Gründen nicht ausgezahlt wurde. Verschiedenen Schätzungen zufolge landen jedes Jahr 10 bis 25 % aller eingenommenen Gelder darin. Die Gründe für solche Verluste sind vielfältig: Fehler in den Metadaten, doppelte Anträge, strittige Ansprüche oder sogar Versuche, das System zu manipulieren. Im Laufe ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit Künstlern sind Verlage auf Hunderte von Fällen von Chaos bei der Lizenzgebührenabrechnung gestoßen. So kann beispielsweise ein Song von mehreren Unternehmen gleichzeitig beansprucht werden, wobei jedes von ihnen 35 % der Rechte beansprucht. Infolgedessen erhält die Streaming-Plattform Forderungen in Höhe von 140 % der Komposition. Wie reagiert sie darauf? Ganz einfach – niemand bekommt Geld, weil es unmöglich ist, die Zahlungen korrekt zu verteilen.

Zusätzlich zu den inländischen Einnahmen können Songwriter Tantiemen für die Nutzung ihrer Kompositionen im Ausland verdienen. Theoretisch tauschen Verwertungsgesellschaften (CMOs) in verschiedenen Ländern Daten aus und überweisen Zahlungen untereinander. In der Praxis ist dieser Prozess jedoch alles andere als ideal. Aufgrund der Komplexität der Abrechnung und ständiger Meinungsverschiedenheiten in der Verlagsbranche erreicht ein erheblicher Teil der internationalen Tantiemen die Urheber nicht.

Um alle fälligen Zahlungen zu erhalten, müssen sich Songwriter bei Verwertungsgesellschaften in jedem Land registrieren lassen, in dem ihre Musik aufgeführt wird. Da dies allein kaum zu bewältigen ist, übernehmen Verlage die Registrierung, überprüfen die Rückstellungen, beantragen Zahlungen und klären Streitigkeiten. Im Wesentlichen fungiert der Verlag als Vertreter, der sicherstellt, dass kein Teil der Einnahmen verloren geht.

Aufgrund der Komplexität der internationalen Lizenzgebührenabrechnung ist eine effektive Verwaltung nur mit globaler Reichweite möglich. Aus diesem Grund liegt die Rechteverwaltung meist in den Händen großer globaler Unternehmen. Unabhängige Verlage lagern ihren Katalog häufig über Subverlagsverträge an internationale Konzerne aus. Bei dieser Vereinbarung verwaltet ein lokaler Verlag die Lizenzgebühren in seinem Heimatland und lagert dann die Rechte an große Akteure wie Sony ATV, Warner Chappell, BMG, UMG, Peermusic, Downtown Music Publishing (Songtrust) oder Kobalt aus, um den globalen Markt zu bedienen. Diese Unternehmen übernehmen die internationale Verwaltung im Austausch gegen einen kleinen Prozentsatz der Lizenzgebühren und ermöglichen den Autoren so den Zugriff auf ihre Einnahmen aus aller Welt.

2. A&R-Abteilung in einem Musikverlag: Talente finden und die Karriere von Songwritern fördern

Die Rolle eines Musikverlags in der Karriere eines Künstlers hängt von dessen kreativer Arbeit ab. Für viele Interpreten ist das Veröffentlichen von Songs nur eine zusätzliche Einnahmequelle. Wenn beispielsweise eine Band ihre eigene Musik schreibt und aufnimmt, stammen die Haupteinnahmen aus dem Verkauf von Tonträgern, Konzerten, Merchandise-Artikeln und anderen kommerziellen Aktivitäten. In diesem Fall übernimmt der Verlag eher eine administrative Rolle und hilft bei der Registrierung von Rechten, dem Einzug von Tantiemen und der Lizenzierung von Songs.

Die Situation ändert sich jedoch, wenn es um Musiker geht, die nicht nur für sich selbst, sondern auch für andere Interpreten schreiben und außerdem Soundtracks für Filme, Fernsehserien und Videospiele komponieren. Ein eindrucksvolles Beispiel dafür ist Ed Sheeran. Viele kennen ihn durch die Hits „Shape of You” und „Perfect”, aber nicht jeder weiß, dass er auch Songwriter für Künstler wie Justin Bieber und Major Lazer ist.

Es gibt auch diejenigen, die sich ganz darauf konzentrieren, Musik für andere zu schreiben. Diese Songwriter bleiben hinter den Kulissen der Branche, aber ihr Einfluss auf den globalen Musikmarkt ist enorm. Max Martin zum Beispiel ist ein Name, der der breiten Öffentlichkeit wenig bekannt ist, aber seine Songs sind in jedem Winkel der Welt zu hören. Er hat mit Katy Perry, The Weeknd, den Backstreet Boys und vielen anderen Künstlern zusammengearbeitet und einige der bekanntesten Hits der letzten Jahrzehnte geschaffen.

Wie schafft es ein Songwriter, vom Schreiben für eine lokale Band zur Zusammenarbeit mit globalen Stars zu gelangen? Hier kommt das Publishing A&R ins Spiel. Für Songwriter und Produzenten, die für andere Künstler arbeiten, ist das Publishing mehr als nur ein administrativer Partner, es ist ein wichtiges Bindeglied in ihrer beruflichen Entwicklung.

Im Allgemeinen sind die Funktionen von A&R im Verlagswesen und bei Plattenlabels ähnlich. Sie sind dafür verantwortlich, Talente zu finden, Verträge abzuschließen und Songwriter zu fördern, indem sie ihnen helfen, Kontakte zu Künstlern, Produzenten und Managern auf der ganzen Welt zu knüpfen. Es gibt jedoch einen wichtigen Unterschied zwischen den beiden, der die Besonderheiten des Publishing A&R ausmacht.

Das Hauptziel von A&R (Artists and Repertoire) ist es, die langfristigen Gewinne zu maximieren, die mit Künstlern und ihrer Musik erzielt werden können. Es ist jedoch wichtig zu verstehen, dass A&R in Plattenfirmen und A&R im Verlagswesen unterschiedliche Ziele verfolgen. Als Ed Sheeran beispielsweise den Song „Love Yourself” für Justin Bieber schrieb, verdiente sein Label keinen Cent daran. Sein Verlag hingegen verdiente Millionen an Tantiemen und Lizenzen.

Während sich ein A&R bei einem Plattenlabel auf den Erfolg einer bestimmten Platte konzentriert, konzentriert sich ein A&R bei einem Verlag darauf, sicherzustellen, dass der Song selbst (unabhängig vom Künstler) Geld einbringt. Obwohl sich ihre Funktionen überschneiden, unterscheiden sich ihre Prioritäten und damit auch ihre Herangehensweise an die Arbeit.

Um den Unterschied in den Aufgaben eines A&R zu verstehen, betrachten wir zwei Künstler: einen Beatmaker (alias Produzent, wenn wir über Hip-Hop sprechen) und einen Rapper. Wenn sie gemeinsam an einem Track arbeiten, würden ihre Anteile wie folgt aufgeteilt werden:

Ein Beatmaker/Produzent erhält:

50 % der Verlagsrechte an einem Song für den von ihm komponierten Instrumentalteil;
Einen Anteil an den Master-Aufnahmen (etwa 2–3 % der Hauptrechte).

Ein Rapper erhält:

50 % der Veröffentlichungsrechte für das Schreiben der Texte;
Den Hauptanteil der Einnahmen aus der Masteraufnahme (in der Regel zusammen mit dem Label).

Da ihre Einnahmen aus unterschiedlichen Quellen stammen, arbeiten die A&Rs dieser Künstler in unterschiedlichen Richtungen. Der A&R eines Rappers konzentriert sich auf die erfolgreiche Veröffentlichung und Promotion eines Tracks. Er organisiert den Aufnahmeprozess, formt das Image des Künstlers und beschäftigt sich mit der Marketingstrategie und der Promotion der Veröffentlichung.

Der A&R eines Beatmakers hingegen konzentriert sich darauf, seine Komposition an den beliebtesten Künstler zu bringen. Je bekannter der Name des Künstlers ist, desto wahrscheinlicher ist es, dass der Song Geld einbringt. Wenn es gelingt, eine Zusammenarbeit mit einem Top-Künstler wie Drake auszuhandeln, ist der Erfolg fast garantiert.

Für einen A&R, der mit Songwritern zusammenarbeitet, sind Verbindungen in der Branche entscheidend. Komponisten und Beatmaker erzielen selten allein Erfolg – ihre Karrieren basieren auf Kooperationen. Je mehr Kontakte sie zu berühmten Künstlern haben, desto höher ist die Wahrscheinlichkeit, dass ihre Musik gefragt ist und Geld einbringt. Tatsächlich ist der Schlüssel zum Erfolg, einen Song für jemanden zu schreiben, der bereits Spitzenpositionen in den Charts belegt.

3. Verhandlungen über Musikrechte

Eine der wichtigsten Aufgaben eines Musikverlegers ist es, die Interessen der Songwriter zu schützen und die für sie günstigsten Konditionen zu erzielen. Dies ist besonders wichtig, wenn mehrere Personen an einer Komposition arbeiten. Stellen Sie sich eine Situation vor, in der vier Autoren an einem Song arbeiten und die Rechte standardmäßig zu gleichen Teilen zwischen ihnen aufgeteilt werden, unabhängig davon, wer welchen Beitrag geleistet hat. Eine solche Aufteilung ist jedoch bei weitem nicht immer fair. In solchen Fällen treten Verleger in Verhandlungen, um zu bestimmen, welcher Anteil jedem Beteiligten zusteht.

Bei der Entstehung moderner Hits kann die Verteilung der Rechte noch komplizierter sein. Manchmal werden Songwriter hinzugezogen, um an einem bestimmten Teil eines Titels zu arbeiten. Ein Spezialist ist für das Schreiben des Refrains verantwortlich, ein anderer für das Instrumentalriff, ein dritter arbeitet an den Texten der Strophen, und der Produzent, der ursprünglich für das Arrangement engagiert wurde, schlägt plötzlich eine Zeile vor, die zum Schlüssel für das gesamte Werk wird. In solchen Fällen wird die Frage der Verteilung der Rechte zum Gegenstand komplexer Verhandlungen. Dies ist besonders wichtig, wenn der Song plötzlich populär wird und erhebliche Einnahmen erzielt. Denken Sie an die Geschichte der Urheberrechtsstreitigkeiten um „Truth Hurts“ – das sind die Fälle, von denen wir sprechen. Neben der klassischen Urheberschaft gibt es auch die sogenannte indirekte Zusammenarbeit. Moderne Musik ist voller Anleihen und Neuinterpretationen. Komponisten und Produzenten verwenden oft Elemente bestehender Titel und schaffen auf dieser Grundlage neue Kompositionen. Sampling hat längst den Hip-Hop und die elektronische Musik verlassen und ist zu einem gängigen Werkzeug in einer Vielzahl von Genres geworden. Aus urheberrechtlicher Sicht erhält jedoch der Urheber der Originalkomposition automatisch einen Anteil an den Rechten an dem neuen Werk, sobald ein Sample in einem Song erscheint. Dies gilt nicht nur für Audiofragmente, sondern auch für Melodielinien oder sogar entlehnte Texte.

In solchen Fällen gilt die Standardregel der gleichmäßigen Aufteilung nicht. Die Eigentümer der Originalmusik verhandeln mit den Verlegern, um zu bestimmen, wie viel von den Urheberrechten ihnen zusteht. Der Anteil kann zwischen 5 und 100 Prozent liegen, je nachdem, wie prominent das Sample im neuen Song ist. Manchmal verlangen die Urheber des Originalmaterials überhaupt keine Vergütung, aber wenn Ihr Titel ein Sample aus einem Song von Notorious B.I.G. verwendet, können Sie sicher sein, dass Sie die Rechte teilen müssen. Verhandlungen über Samples sind oft ein komplizierter und langwieriger Prozess, aber sie lassen sich nicht vermeiden. Wenn Sie vorhaben, einen Track, der die Musik eines anderen verwendet, ohne offizielle Genehmigung zu monetarisieren, riskieren Sie, alle Rechte an Ihrem Song und alle Einnahmen daraus zu verlieren.

4. Wie Verlage zur Förderung von Musik beitragen

Viele Menschen kennen den Song „My Way“ von Frank Sinatra, aber seine Geschichte begann lange bevor er die Charts stürmte. Die Originalversion wurde vom französischen Komponisten Claude François geschrieben, und erst 1969 erwarb der kanadische Autor Paul Anka die Rechte, um ihn für symbolische 1 Dollar zu adaptieren. Der Deal hatte jedoch eine wichtige Bedingung: Die Autoren des Originals, Claude François und Jacques Revaux, behielten ihren Anteil an den Tantiemen für alle von Anka erstellten Versionen. Das bedeutet, dass jedes Mal, wenn „My Way“ im Radio gespielt wird – egal in welcher Version, von Sinatra bis Sid Vicious –, die Urheber der Originalmelodie die Einnahmen erhalten. Für Komponisten ist dies vergleichbar mit einer Goldmine, da ihr Werk über Jahrzehnte hinweg Geld einbringt.

Die Förderung musikalischer Werke ist ein wichtiger Teil der Arbeit eines Verlegers. Seine Aufgabe ist es, dafür zu sorgen, dass der von ihm verwaltete Katalog nicht nur existiert, sondern auch maximalen Gewinn einbringt. Dies wird durch Coverversionen, Sampling, Adaptionen und andere Formen der Nutzung der Komposition erreicht. Aktive Verleger warten nicht einfach auf Anfragen zur Nutzung eines Titels, sondern initiieren selbst Kooperationen. Sie wenden sich an Künstler, Produzenten und Unternehmen und bieten ihnen Kompositionen zur Interpretation und Einbindung in neue Projekte an. Je häufiger das Werk genutzt wird, desto höher ist sein kommerzieller Wert und desto mehr Einnahmen bringt es den Autoren. Allerdings benötigen nicht alle Autoren denselben Ansatz. Je nach Karriere und Zielen des Komponisten können unterschiedliche Verlagsverträge abgeschlossen werden. Im Laufe der Zeit haben sich in der Branche mehrere Standardtypen solcher Verträge herausgebildet, die es den Autoren ermöglichen, die für sie günstigsten Bedingungen für die Zusammenarbeit mit Verlagen zu wählen.

5. Wie es zu Streitigkeiten zwischen Autoren und Verlagen kommt

In der Musikindustrie werden Verlagsgebühren in der Regel im Verhältnis 70/30 aufgeteilt: 70 % gehen an den Songwriter und 30 % an den Verlag für seine Dienstleistungen. In der Praxis gibt es jedoch verschiedene Arten von Vereinbarungen, die für Komponisten nicht immer vorteilhaft sind. In einigen Fällen verlangen Interpreten einen Anteil an den Verlagsgebühren als Gegenleistung für die Auswahl eines Songs für eine Aufnahme, insbesondere wenn der Autor noch nicht bekannt ist. Manchmal wollen auch die Manager oder Produzenten der Künstler einen Teil der Rechte, wie es Norman Petty und Phil Spector getan haben. Und manchmal besteht der Verleger selbst darauf, in die Liste der Autoren aufgenommen zu werden, wie es bei Morris Levy mehr als einmal der Fall war. Solche Situationen reichen von der üblichen Branchenpraxis bis hin zu regelrecht skrupellosen Machenschaften.

Eine der zweifelhaftesten Arten von Verlegern sind die sogenannten Songsharks. Im Gegensatz zu seriösen Unternehmen tun diese Verleger wenig, um Komponisten zu fördern oder Geld mit Aufführungsgebühren für Songs zu verdienen. Stattdessen verdienen sie Geld mit unerfahrenen Autoren, indem sie ihnen kostenpflichtige „Dienstleistungen“ anbieten, die ein normaler Verleger kostenlos erbringen würde. Dabei kann es sich um Zahlungen für Demoaufnahmen, Arrangements oder sogar um fiktive Gebühren für das „Anhören“ und „Bewerten“ von Songs handeln. Natürlich gibt es Situationen, in denen die Bezahlung für ein professionelles Seminar oder eine Experten-Audition völlig gerechtfertigt ist, aber wenn ein Verlag Geld mit einem Komponisten verdient, anstatt ihm neue Möglichkeiten zu eröffnen, ist dies eher als betrügerisch anzusehen.

Veröffentlichungsfragen führen oft zu Konflikten zwischen Musikern und ihren Managern. 1958 trennte sich Buddy Holly wegen eines Streits um Musikrechte von seinem Manager Norman Petty. Fast ein Jahrzehnt später standen The Buckinghams vor einem ähnlichen Problem, als sie sich von ihrem Produzenten James William Guercio trennten. Eine der berühmtesten Rechtsstreitigkeiten in der Musikindustrie war die zwischen John Fogerty und seinem ehemaligen Verleger Saul Zaentz. Zaentz verklagte Fogerty mit der Begründung, dass einer seiner Solo-Songs einem Titel von Creedence Clearwater Revival aus dem Katalog des Verlegers zu ähnlich sei. Das Gericht gab Fogerty Recht, aber die Tatsache, dass eine solche Klage eingereicht wurde, zeigt, wie kompliziert die Beziehung zwischen Künstlern und den Eigentümern ihrer Songs sein kann.

Einige Künstler versuchen, solche Probleme zu vermeiden, indem sie ihre eigenen Verlage gründen. So können sie ihre Rechte selbst kontrollieren und erhalten alle Gewinne aus der Nutzung ihrer Kompositionen. Allerdings gelingt dies nicht allen Musikern rechtzeitig, und der Verlust der Kontrolle über ihre Songs kann für sie katastrophale Folgen haben. Little Richard, eine der Schlüsselfiguren in der Geschichte des Rock 'n' Roll, wurde betrogen und verlor einen erheblichen Teil seiner Tantiemen. Die Beach Boys Brian Wilson und Mike Love erlebten einen echten Schock, als sie erfuhren, dass der Vater der Wilson-Brüder, Merry Wilson, den Verlag Sea of Tunes an A&M Records für einen Betrag verkauft hatte, der um ein Vielfaches unter dem tatsächlichen Wert lag.

Einer der bekanntesten Fälle von Verlust der Kontrolle über Verlagsrechte ist mit den Beatles verbunden. 1969 verkaufte ihr Verleger Dick James seinen Anteil an der Firma Northern Songs an Associated TeleVision (ATV) und erhielt dafür einen beträchtlichen Betrag. Dies führte dazu, dass die Beatles die Kontrolle über die Rechte an ihren eigenen Songs verloren. Die Versuche der Manager Lee Eastman und Allen Klein, dies zu verhindern, blieben erfolglos, und ATV wurde zum größten Eigentümer des Katalogs der Gruppe. Danach beschlossen John Lennon und Paul McCartney, ihre verbleibenden Anteile zu verkaufen und damit das Eigentum an ihren eigenen Werken aufzugeben, wobei sie nur das Recht auf Tantiemen behielten. George Harrison und Ringo Starr behielten kleine Anteile, aber diese gaben ihnen keinen Einfluss mehr.

Wie Musikverlagsverträge funktionieren

Jeder Verlagsvertrag beinhaltet die Übertragung eines Teils der Urheberrechte an den Verlag, der damit die Musik lizenzieren und Tantiemen einziehen kann. Im Gegenzug erhält der Urheber einen Prozentsatz dieser Gebühren. Das System der Rechteverteilung ist jedoch komplexer, als es auf den ersten Blick erscheinen mag.

Anteil des Autors vs. Anteil des Verlags

Jeder Song wird automatisch in zwei gleiche Teile aufgeteilt: 50 % gehen an den Autor und 50 % an den Verlag. Selbst wenn ein Song von einer Person geschrieben wurde, besteht er dennoch aus diesen beiden Anteilen. Der Anteil des Autors gehört immer dem Schöpfer des Werks und kann nicht auf eine andere Person übertragen werden – die Zahlungen erfolgen direkt über Verwertungsgesellschaften (PROs).

Der Verleger übernimmt die Aufgabe, die Einnahmen aus dem Verlagsanteil des Songs einzuziehen und zu steigern, wobei er die Interessen des Autors vertritt. Für seine Arbeit erhält er einen Prozentsatz der eingezogenen Tantiemen. Wenn der Komponist keinen Verleger oder keine eigene Firma hat, kann er nur mit dem Autorenanteil rechnen, also 50 % der möglichen Tantiemen.

Heutzutage ist es nicht mehr so schwierig, einen eigenen Verlag zu gründen. Organisationen, die Tantiemen von Autoren einziehen, wie PRO (zuständig für Tantiemen für öffentliche Aufführungen) und MRO (Einziehung mechanischer Tantiemen), bieten Autoren Instrumente zur Selbstverwaltung ihrer Rechte an. Dadurch können Musiker unabhängig von Dritten sein und Einnahmen aus allen Quellen erhalten.

Drei Arten von Musikverlagsverträgen

Die Beziehung zwischen einem Verlag und einem Songwriter sowie die Verantwortlichkeiten des Verlags hängen weitgehend von der Art des abgeschlossenen Vertrags ab. Im Laufe der Jahre hat die Musikindustrie mehrere Standardmodelle für die Zusammenarbeit entwickelt. Schauen wir uns die wichtigsten an.

1. Vollständige Verlagsverträge

Dieses Format war früher am weitesten verbreitet. Bei Abschluss eines solchen Vertrags überträgt der Autor 100 % seiner Rechte an dem geschriebenen Material an den Verlag. Der Vertrag umfasst alle während seiner Laufzeit entstandenen Werke und enthält in der Regel Mindestverpflichtungen hinsichtlich der Anzahl der Songs. Die Rechte an jeder im Rahmen eines solchen Vertrags übertragenen Komposition verbleiben auf Dauer beim Verlag.

Im Gegenzug übernimmt der Verlag die vollständige Unterstützung des Autors: Er fördert seine Songs, knüpft professionelle Kontakte und hilft beim Abschluss lukrativer Verträge. Außerdem zahlt er einen Vorschuss, der dann durch Tantiemen zurückgezahlt wird.

Obwohl dieses Format weniger verbreitet ist als vor 20 Jahren, wird es immer noch verwendet. Meistens werden solche Verträge mit angehenden Autoren abgeschlossen, die noch keinen ernsthaften Erfolg hatten. Der Verlag übernimmt finanzielle und reputationsbezogene Risiken, indem er in die Entwicklung des Autors investiert, und erhält dafür einen großen Anteil an den Einnahmen.

2. Gemeinsame Verlagsverträge

Heute ist diese Vertragsform bei Songwritern am beliebtesten. Bei einem solchen Vertrag veröffentlichen der Autor und der Verlag gemeinsam Musikmaterial und teilen den Anteil des Verlags zu gleichen Teilen auf. Dadurch erhält der Autor 75 % der Einnahmen: 50 % als Schöpfer des Werks und weitere 25 % aus dem Verlagsanteil, der seiner eigenen Kleinstunternehmen gehört.

Diese Art der Zusammenarbeit eignet sich für Autoren, die bereits über einen gewissen Erfolg und Einfluss verfügen, aber dennoch die Unterstützung eines Verlags benötigen. Im Gegensatz zu einem vollständigen Verlagsvertrag hat der Autor hier mehr Kontrolle über die Rechte, da er diese am Ende des Vertrags zurückerhalten kann. Die Dauer dieser Rechte ist individuell und variiert zwischen mehreren Jahren und mehreren Jahrzehnten.

Ansonsten ähnelt ein solcher Vertrag einem vollständigen Verlagsvertrag. Der Verlag gewährt einen Vorschuss, der dann aus den Einnahmen des Autors zurückgezahlt wird, wirbt für seine Songs, hilft beim Aufbau von Kontakten in der Branche, finanziert die Erstellung von Demoaufnahmen und organisiert die Zusammenarbeit mit bekannten Künstlern. Im Gegenzug verpflichtet sich der Autor, während der Vertragslaufzeit eine bestimmte Anzahl von Songs zu schreiben.

Die Verteilung der Einnahmen aus der Lizenzierung von Musikmaterial in Werbung, Film und Fernsehen wird in jedem Einzelfall separat ausgehandelt. Der endgültige Anteil des Autors hängt von den Bedingungen ab, die er bei Abschluss des Vertrags vereinbaren konnte.

3. Administrative Verlagsverträge

Dieses Kooperationsformat unterscheidet sich von anderen dadurch, dass der Verleger hier nur eine Funktion ausübt – er sammelt und überprüft die Tantiemen. Der Autor behält die Rechte an seinen Werken vollständig, und der Verlag erhält 10 % bis 25 % der Provision als Verwaltungsgebühr. Bei einem solchen Vertrag erhält der Verlag nur während der Vertragslaufzeit einen Anteil und ist nach deren Ablauf nicht mehr an der Verteilung der Einnahmen beteiligt. Aus diesem Grund werden solche Verträge in der Regel für einen längeren Zeitraum als gemeinsame Verträge abgeschlossen – manchmal bis zu 5 Jahre.

Diese Option wird meist von erfahrenen Songwritern und Interpreten gewählt, die bereits fest in der Branche etabliert sind und keine zusätzliche Werbung benötigen. Bekannte Produzenten und Songwriter wie Max Martin benötigen beispielsweise keine Unterstützung durch einen Verlag, um Interpreten zu finden – sie verfügen bereits über etablierte Kontakte. Sie benötigen jedoch professionelle Hilfe bei der Registrierung von Werken bei verschiedenen Urheberrechtsgesellschaften, der Prüfung von Tantiemen und der Überprüfung der Verwendung von Kompositionen in Filmen und in der Werbung. Solche Verträge ermöglichen es bedeutenden Autoren und Künstlern, die volle Kontrolle über ihre Songs zu behalten und gleichzeitig eine maximale Lizenzgebührenabrechnung zu gewährleisten. Dieser Ansatz ist auch für Musiker praktisch, die Musik ausschließlich für sich selbst schaffen und nicht vorhaben, die Rechte an Dritte zu übertragen. Aus diesem Grund bieten viele digitale Vertriebsdienste wie TuneCore, CDBaby und Ditto Music neben dem Vertrieb von Musik auf Streaming-Plattformen auch administrative Verlagsdienstleistungen an.

Vorbereitung von Musik für die Synchronisation

Die Lizenzierung von Musik für die Synchronisation ist ein wichtiger Teil des Musikverlagswesens. Sie ermöglicht die Verwendung von Titeln in Kombination mit Videoinhalten, beispielsweise in Filmen, Werbespots oder Videospielen. Dieses Format bringt dem Urheber nicht nur Einnahmen aus der Lizenzierung, sondern erweitert auch sein Publikum erheblich.

Die Anbindung an Dienste, die mit Synchronisation arbeiten, eröffnet Musikern eine Vielzahl von Möglichkeiten. Dazu gehört die Platzierung von Songs in Filmen, Fernsehsendungen, Werbespots und Spieleprojekten. Synchronisationslizenzen können eine großartige Quelle für stabile Einnahmen sein und die Bekanntheit von Künstlern auf internationaler Ebene steigern.

Wie man mit einem Musikverlag zusammenarbeitet

Um seine Musik so effektiv wie möglich zu monetarisieren, muss der Urheber mit einem Verlag zusammenarbeiten, der sich um administrative Angelegenheiten kümmert. Dazu gehören die Registrierung von Songs bei Verwertungsgesellschaften, die Verfolgung von Tantiemen und die Einreichung von Musik für Sync.

Der Verlag übernimmt folgende Aufgaben:

Registriert Werke bei internationalen Organisationen, die die Rechte von Interpreten schützen;
Erfasst Musik in Datenbanken zur Erhebung mechanischer Tantiemen;
Kontrolliert und zieht Lizenzgebühren für öffentliche Aufführungen und mechanische Vervielfältigungen ein;
Er bietet Titel für die Verwendung in Filmen, Werbung und anderen Medienformaten an und sorgt für die Einziehung der Lizenzgebühren.

Die Zukunft des Musikverlagswesens

Das Musikverlagswesen bleibt ein wichtiger Teil der Karriere eines Songwriters, aber sein Format verändert sich erheblich. Die aktuellen Trends in der Branche erinnern in vielerlei Hinsicht an die Entwicklung der Plattenlabels.

Vor zwanzig Jahren unterschrieben die meisten Künstler Verträge bei großen Plattenlabels, die die Kosten für die Aufnahme und Promotion übernahmen und dafür einen erheblichen Anteil an den Verkaufserlösen erhielten. Gleichzeitig unterzeichneten Songwriter umfassende Verlagsverträge in der Hoffnung, dass ihre Songs im Radio gespielt würden, wo der größte Teil des Geldes verdient wird.

Das hat sich geändert: Die digitale Technologie hat Songwritern und Künstlern mehr Möglichkeiten zur Selbstvermarktung eröffnet. Anstatt wie früher in großen Studios zu arbeiten, werden Hits heute von kleinen Teams zu Hause produziert und über soziale Medien und Streaming-Dienste beworben.

Co-Publishing-Verträge mit Schwerpunkt auf der Förderung von Songwritern sind nach wie vor beliebt, aber immer mehr Songwriter entscheiden sich für Verwaltungsvereinbarungen. Dies ähnelt der Situation in der Musikindustrie, wo Künstler zunehmend mit Vertriebsgesellschaften statt mit Labels zusammenarbeiten. Unabhängigkeit wird zu einem entscheidenden Faktor, da Künstler so die Kontrolle über ihren Katalog behalten, anstatt ihn an große Unternehmen abzugeben.

Allerdings kommen auch völlig unabhängige Songwriter nicht ohne Verlagsverwaltung aus, genauso wie unabhängige Künstler die Dienste digitaler Distributoren benötigen. Neue Unternehmen wie Kobalt und Songtrust bewegen sich in diese Richtung und schaffen automatisierte Systeme für die Erhebung und Verteilung von Tantiemen.

Heute verschwimmen die Grenzen zwischen den verschiedenen Bereichen des Musikgeschäfts. Vertriebsunternehmen bieten zunehmend Dienstleistungen an, die traditionell den Labels vorbehalten waren, und Verlage könnten in Zukunft ihre Rolle ausweiten, indem sie Werbefunktionen übernehmen. Bald könnten neue Akteure auf dem Markt auftreten, die das Management von Songwritern mit Fähigkeiten kombinieren, die bisher nur den großen Verlagen vorbehalten waren.

Author

Antony Tornver

Published

February 26, 2025

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