Struktur des Liedes

Die Ideen des Komponisten sind an sich nur die Grundlage für die zukünftige Komposition, eine Art Gerüst, auf das die Hauptelemente gelegt werden sollen. Die eigentliche Arbeit beginnt mit dem Arrangement – es verwandelt eine Reihe von musikalischen Ideen in ein vollständiges Werk, das den Zuhörer fesseln und ihn durch alle Ideen des Autors führen kann. Je interessanter und unterhaltsamer dieser musikalische Weg ist, desto wahrscheinlicher ist es, dass der Zuhörer immer wieder zu diesem Lied zurückkehren möchte.

Ein Arrangement kann mit einer Karte verglichen werden, aus der ein Lied entsteht. Diese Karte enthält oft bewährte Lösungen und Wege, die Komponisten und Arrangeure immer wieder verwenden. Das bedeutet nicht, dass sie die Sache formelhaft angehen – im Gegenteil, diese Strukturen und Formeln haben sich in vielen Hits bewährt und funktionieren weiterhin, indem sie dazu beitragen, neue musikalische Meisterwerke zu schaffen.

Typische Songstruktur in der Popmusik

Um zu verstehen, wie eine typische Songstruktur funktioniert, ist es wichtig, ihre grundlegenden Teile zu verstehen. In der Regel besteht ein Song aus den folgenden acht Elementen:

• Einleitung/Intro;
• Strophe;
• Pre-Chorus/Bridge;
• Refrain;
• Post-Chorus/Tag;
• Zwischenspiel;
• Break;
• Outro.

Nicht alle diese Teile sind notwendigerweise in jeder Komposition vorhanden, und einige können je nach Absicht des Komponisten und ihrer semantischen Bedeutung mehrmals wiederholt werden.

Intro

Das Intro eines Songs ist der Teil, der den Zuhörer als erstes erreicht. Sein Hauptzweck besteht darin, das Publikum auf die Komposition vorzubereiten und nahtlos zum ersten Vers überzuleiten. Die Gesamtwahrnehmung des gesamten Songs hängt weitgehend davon ab, wie interessant und spannend das Intro ist. Wenn das Intro sofort Aufmerksamkeit erregt, steigt die Wahrscheinlichkeit, dass der Zuhörer den Titel bis zum Ende anhört, erheblich.

Sofern Sie nicht im Bereich Progressive Rock oder Math Metal arbeiten, sollten Sie das Intro nicht zu lang gestalten, um den Zuhörer nicht zu ermüden.

Inhaltlich kann das Intro sehr unterschiedlich sein – alles hängt von der Kreativität des Autors ab. Es kann aus einem oder zwei Elementen des Haupttitels bestehen, wie Melodie und Schlagzeug oder Bass und Keyboards, oder die Struktur des Refrains wiederholen. Die Länge des Intros variiert ebenfalls je nach Idee des Komponisten, beträgt aber in der Regel 2, 4 oder 8 Takte.

Strophe

Ein Vers ist der zentrale semantische Teil eines jeden Songs, in dem der Haupttext offenbart und die informative Botschaft der Komposition gelegt wird. Der Vers vermittelt nicht nur die Hauptidee, sondern bereitet den Zuhörer auch auf die folgenden Teile des Songs vor.

Im Gegensatz zum Refrain oder zur Bridge ändert sich der Text der Strophe in der Regel von einer zur nächsten und verleiht der Erzählung Abwechslung und Tiefe. Eine strikte Einhaltung dieser Regel ist jedoch nicht erforderlich – es gibt viele wunderbare Songs in der Musikgeschichte, in denen die Strophen einfach und repetitiv sind, aber dennoch wirkungsvoll und einprägsam bleiben.

Ein Beispiel für eine Songstruktur und ein Arrangement könnte wie folgt aussehen: Die Komposition beginnt mit einem Intro, gefolgt von zwei Strophen, dann vier sich wiederholenden Refrains, gefolgt von einem Solo oder einem instrumentalen Zwischenspiel, und der Song endet mit einem Outro. Die Laufzeit des Tracks beträgt etwa 3 Minuten und 30 Sekunden, was eine reichhaltige und dynamische Komposition ermöglicht, die die Aufmerksamkeit des Zuhörers von Anfang bis Ende fesselt.

Pre-Chorus/Bridge

Die Bridge, auch als Pre-Chorus bekannt, dient als Verbindung zwischen Strophe und Refrain. Da der Refrain in der Regel der einprägsamste und emotionalste Teil des Songs ist, hilft die Bridge dabei, den Übergang von der Strophe zum Refrain zu glätten, indem sie den Kontrast zwischen beiden verringert.

Wenn die Harmonie von Strophe und Refrain auf denselben Akkorden basiert, kann die Bridge für Abwechslung sorgen, indem sie die Akkordfolge ändert und neue musikalische Elemente hinzufügt. Aus Sicht des Zuhörers macht der Pre-Chorus die Komposition interessanter und dynamischer und bereitet auf den Höhepunkt im Refrain vor.

Refrain

Der Refrain ist einer der wichtigsten Höhepunkte des Songs, der einprägsam, aber nicht aufdringlich sein sollte. Optimal ist es, 2-4 Refrains unterschiedlicher Länge in die Komposition einzubauen. Da der Refrain der am häufigsten wiederholte Teil des Tracks ist, konzentriert er die wichtigsten lyrischen und musikalischen Ideen und enthält auch die Hauptbotschaft des Songs und den musikalischen Hook, der die Aufmerksamkeit des Zuhörers auf sich zieht.

Es ist wichtig, die Komposition nicht mit wiederholten Refrains zu überladen. Schließlich schaffen wir etwas Einzigartiges und keinen typischen Hit, der nur durch seine Aufdringlichkeit Aufmerksamkeit erregt.

In der Regel besteht der erste Refrain aus 8 Takten und wird einmal wiederholt. Der zweite Refrain kann doppelt so lang sein, also 16 Takte umfassen, und kleine Änderungen enthalten, um das Interesse aufrechtzuerhalten. Der letzte Refrain, der am Ende des Songs erscheint, kann zwischen 16 und 32 Takten variieren. Erfahrungsgemäß ist es jedoch besser, sich am Ende der Komposition auf eine geringere Anzahl von Refrains zu beschränken, um die Dynamik und das Interesse des Zuhörers aufrechtzuerhalten.

Post-Chorus/Tag

Manchmal kann die letzte Zeile eines Refrains über die dafür vorgesehenen Takte hinausgehen, was ein Problem darstellen kann, insbesondere wenn der Text des nächsten Abschnitts des Songs, z. B. einer Strophe, mit einem Pickup beginnt. Um Wortüberlappungen zu vermeiden und einen reibungslosen Übergang zwischen den Abschnitten der Komposition zu gewährleisten, fügen Komponisten und Arrangeure oft eine Pause von 2 bis 4 Takten ein. Dies ermöglicht dem Sänger eine kurze Pause, bevor er den Song fortsetzt, und macht die musikalische Erzählung flüssiger.

Der Post-Chorus kann, wie der Pre-Chorus, jede Form annehmen: von einer Wiederholung von Elementen des Refrains oder einer Einleitung mit einem einfachen Gesang der Backgroundsänger bis hin zu einem Instrumentalbreak oder einer Variation der Hauptmelodie. Es hängt alles von der kreativen Absicht des Arrangeurs und Komponisten sowie von der Atmosphäre ab, die sie in dem Song schaffen möchten.

Was ist Popmusik?

Wenn wir über Popmusik sprechen, kommt es oft zu Verwirrung, und viele glauben, dass wir ausschließlich über Popmusik sprechen. Dies ist jedoch ein Irrtum. Die Begriffe „Popmusik” und „Popmusik” sind nicht synonym und beziehen sich auf unterschiedliche Musikgenres.

Popmusik bezieht sich auf ein bestimmtes Genre, das sich durch leichte Wahrnehmbarkeit, einfache Melodien und eine Ausrichtung auf das Massenpublikum auszeichnet.

Der Begriff „Populärmusik” umfasst hingegen eine Vielzahl von Musikstilen, die bei einem breiten Publikum beliebt sind, aber nicht unbedingt mit dem Pop-Genre in Verbindung gebracht werden. Dazu gehören Rock, Fusion, Rhythm and Blues, Industrial, Disco, Rock and Roll, Reggae, Nu Metal, Alternative und viele andere Stile. Populärmusik ist also eine Vielzahl von Stilen, die sich an ein Massenpublikum richten.

Bridge (Middle 8)

In der westlichen Musik wird die Bridge gegen Ende eines Songs oft als Middle 8 bezeichnet, was wörtlich übersetzt „mittlere Acht“ bedeutet. Manchmal bezeichnen Musiker die Bridge auch als Middle 8. Dieser Teil der Komposition ist in der Regel für den Instrumentalteil vorgesehen: Hier sind Soli oder veränderte Parts und Melodien zu hören, die für Dynamik und Abwechslung sorgen.

Der Hauptzweck von Middle 8 ist es, vor dem letzten Refrain oder Break einen Höhepunkt in der Komposition zu schaffen. Im Laufe des Songs nehmen Dynamik und Energie allmählich zu und erreichen in dieser Bridge ihren Höhepunkt. Wie der Name schon sagt, ist sie in der Regel 8 Takte lang, es gibt jedoch auch längere Versionen.

Break

Nach dem Intro wird manchmal eine kurze Pause eingefügt, die als Break (vom englischen Break – Unterbrechung, Pause) bezeichnet wird. Der Break dient dazu, dem Zuhörer eine kurze Verschnaufpause zu gönnen. Die ständige Sättigung der Komposition kann ermüdend sein, und der Break hilft, die Energie des Songs auszugleichen.

Das Vorhandensein eines Breaks und eines Intros hängt vom Kontext ab. Wenn die Komposition ein Solo enthält, ist es logisch, einen ruhigen Break zu verwenden, um einen Kontrast zu schaffen. Es ist jedoch niemandem verboten, nach dem Solo ein weiteres instrumentales oder vokales Intro hinzuzufügen oder sogar zum Vers zurückzukehren.

Der Break ist in der Regel minimalistisch und basiert auf denselben Akkorden und derselben Melodie wie der Refrain. Manchmal kann er als kleiner Pre-Chorus vor dem letzten Refrain fungieren. Die Länge des Breaks variiert zwischen 4 und 16 Takten.

Outro

Das Outro oder Outro ist der letzte Teil des Songs. Es kann das Intro widerspiegeln oder dessen komplettes Gegenteil sein. Das Outro kann aus mehreren Wiederholungen des Refrains mit einem allmählichen Ausblenden (Fade Out) bestehen oder völlig einzigartig sein und sich von anderen Teilen der Komposition unterscheiden.

Es ist wichtig, das Outro nicht in die Länge zu ziehen: Wenn es zu lang ist, kann der Zuhörer müde werden und anfangen zu denken: „Wann hört das endlich auf?“ Wie das Outro aussehen wird, hängt von der Art des gesamten Songs ab. Bei energiegeladenen Titeln kann es angebracht sein, die Komposition mit einer Wiederholung des Refrains zu beenden, und bei Balladen können andere Akkorde verwendet werden, um einen letzten Akzent zu setzen. Letztendlich bleibt die Wahl des Outros dem Komponisten überlassen.

Die endgültige Struktur eines Songs in der Popmusik

Der Song kann als Grafik visualisiert werden, in der die Bewegung der Musik und ihre Dynamik einer Parabel ähneln, mit abwechselnden Spannungsanstiegen und -abfällen.

Im Laufe der Komposition nimmt die musikalische Energie allmählich zu, erreicht ihren Höhepunkt und nimmt dann gegen Ende sanft ab, wodurch ein harmonischer Abschluss entsteht. Ein solches Diagramm zeigt deutlich, wie die Musik den Zuhörer durch emotionale Höhen und Tiefen führt und jeden Teil des Songs bedeutungsvoll und miteinander verbunden macht.

Teil des Songs	Mögliche Länge
Intro	2-8 Takte
Strophe	8–32 Takte
Pre-Chorus/Bridge	2–16 Takte
Refrain	8–16 Takte
Post-Refrain/Tag	2–4 Takte
Bridge	8 Takte (manchmal 16)
Break	4–16 Takte
Outro	2–4 Takte

Sie sollten nicht alle Teile des zukünftigen Songs gleich lang gestalten, beispielsweise jeweils 32 Takte – jedes Element der Komposition hat seine eigene optimale Länge, die berücksichtigt werden sollte. Jeder Song ist einzigartig und erfordert eine individuelle Herangehensweise. Daher ist es wichtig, das Arrangement nicht zu überladen und nicht zu versuchen, alle möglichen Elemente darin unterzubringen. Eine ausgewogene Verteilung der Teile hält das Interesse des Zuhörers aufrecht und schafft eine harmonische Struktur der Komposition.

Typische Songstruktur in der elektronischen Musik

Im Gegensatz zur Popmusik hat die Struktur elektronischer Tracks ihre eigenen Besonderheiten. Einer der Gründe dafür ist der Einfluss von Radioformaten, bei denen die Tracks in eine bestimmte Sendezeit passen müssen, was die Verwendung endloser Mixes ausschließt.

Darüber hinaus sollte das Arrangement von Dance- und elektronischer Musik den Tänzern Komfort bieten. Lange Abschnitte in solchen Tracks wechseln sich mit kurzen ab, um den Tänzern eine Verschnaufpause zu ermöglichen. Typischerweise besteht eine Dance-Komposition aus sieben Hauptteilen:

• Einleitender Beat;
• Breakdown;
• Aufbau;
• Drop;
• Mittlerer Break;
• Zweiter Drop;
• Finaler Beat.

Ein Beispiel für eine solche typische Struktur ist der Track „United We Dance” von Vicetone, der gut veranschaulicht, wie genau die Elemente in elektronischer Musik, Dance- und Clubmusik aufgebaut sind.

Dies ist ein Abschnitt, der aus sechzehn oder mehr Takten mit Schlagzeug oder Percussion besteht. Charakteristische Merkmale des Intros in der elektronischen Musik sind Minimalismus im Einsatz der Instrumente, eine Betonung des Rhythmus und ein allmähliches, gemächliches Einsetzen der Hauptmelodie. Der Hauptzweck des Intro-Beats besteht darin, dem DJ die Möglichkeit zu geben, den neuen Track reibungslos und sorgfältig mit dem vorherigen zu mischen und dabei die Harmonie der Setlist aufrechtzuerhalten.

Breakdown

Ein Breakdown ist der Moment, in dem die Komposition zu ihren Hauptelementen zurückkehrt. In diesem Abschnitt fehlen oft die Drums vollständig, wodurch mehr Raum für andere musikalische Komponenten entsteht. Der Breakdown enthält in der Regel die Hauptmelodie des Tracks, die sich allmählich intensiviert und von zusätzlichen Instrumenten überlagert wird, wodurch die Dichte des Klangs zunimmt. Die Dauer des Breakdowns kann variieren – von 16 bis 32 Takten oder mehr.

Build-Up

Der Build-up dient als Vorbereitung auf den Refrain, ähnlich wie der Pre-Chorus in der Popmusik. Dieser Abschnitt der Komposition baut aufgrund der Beschleunigung der Schlagzeugparts und der Verwendung von Risers – Synthesizer-Sounds, die sanft an Lautstärke und Tonhöhe zunehmen und zum zentralen Element des Arrangements werden – allmählich Spannung auf.

Drop

Ein Drop ist der Höhepunkt eines Tracks, ähnlich wie ein Refrain in der Popmusik. Er soll den Hörer mit kraftvollen Grooves, einem pumpenden Bass, einem dichten Beat und einem hellen Synthesizer-Hook, dem musikalischen Hauptthema des gesamten Tracks, nachhaltig beeindrucken.

Middle Break

Ein Middle Break ist der zentrale Teil der Komposition und enthält einzigartige musikalische Elemente, die nicht über die Hauptmelodie hinausgehen. Dieser Abschnitt wird oft verwendet, um einen fließenden Übergang zum nächsten Build-up zu schaffen, der in der Regel kürzer ist als der erste. Ein Middle Break kann eine Variation des Themas des ersten Breakdowns oder Drops sein, unterscheidet sich jedoch oft von anderen Teilen des Tracks und bringt frische Ideen und Veränderungen in den Sound.

Dieser Track beginnt mit einem Refrain, der sofort die Stimmung und Energie bestimmt. Danach folgen zwei verschiedene Strophen, die jeweils neue Elemente und Abwechslung in die Geschichte des Songs bringen. In der Mitte der Komposition wird ein Solo oder ein instrumentales Zwischenspiel eingefügt, um dem Sound Dynamik und Tiefe zu verleihen. Der Track endet mit mehreren Tags – kurzen Zwischenspielen, die unmittelbar nach dem Refrain kommen, die Wirkung verstärken und die musikalischen Kernideen der Komposition im Gedächtnis des Zuhörers verankern.

Zweiter Drop

Der zweite Drop hat in der Regel eine ähnliche Struktur und Energie wie der erste, enthält jedoch einige Änderungen, die der Komposition Abwechslung verleihen. Diese Unterschiede können in Form eines anderen Hooks, einer neuen Bassline oder eines modifizierten Beats auftreten, was dazu beiträgt, den Sound aufzufrischen und das Interesse des Zuhörers aufrechtzuerhalten.

Outro-Beat

Ähnlich wie der Intro-Beat spielt der Outro-Beat eine wichtige Rolle in der Tanzmusik, da er dem DJ hilft, den letzten Track nahtlos in den nächsten Track des Sets zu mixen. Aus diesem Grund ist dieser Teil der Komposition oft der längste, um den notwendigen Raum für den Übergang zu schaffen.

Outro-Songstruktur in der elektronischen Musik

Um dem Radioformat zu entsprechen, werden die Originalversionen von Club-Tracks, die zwischen 5 und 10 Minuten lang sein können, bearbeitet. Infolgedessen werden alle Teile der Komposition gekürzt, sodass der endgültige Track nicht länger als 3-4 Minuten ist. Dies ermöglicht eine kompaktere Struktur, ähnlich wie bei einem Standard-Popsong, wobei die Schlüsselelemente und die Energie des Originals erhalten bleiben.

Songteil	Mögliche Länge
Intro-Beat	ab 16 Takten
Breakdown	16–32 Takte
Aufbau	16–32 Takte
Drop	16 Takte
Mittlerer Break	16–32 Takte
Zweiter Drop	16–32 Takte
Outro-Beat	ab 16 Takten

Grundlegende Songstrukturen: ABA, AABA, AAA und ABABCB

Bei der Planung eines Arrangements greifen Komponisten und Arrangeure häufig auf eine von vier gängigen Formen zurück: ABA, AABA, AAA und ABABCB.

Die ABA-Form ist die beliebteste Songstruktur. Wenn von dem Standardmuster Strophe-Refrain-Strophe die Rede ist, ist in der Regel die ABA-Form gemeint. Ein charakteristisches Merkmal dieser Form ist das Vorhandensein von zwei identischen Abschnitten (A) und einem kontrastierenden Abschnitt (B). Der Kontrast in Abschnitt B wird durch eine Änderung der Harmonie, der Tonart, des Rhythmus oder der Gesamtstimmung der Musik erzeugt. In der ABA-Form können die Abschnitte A und B beliebige Teile des Songs sein: Strophen, Refrains, Brücken oder Soli.

Strophe 1 (A)	Refrain 1 (A)	Refrain (B)	Zwischenspiel (B)	Strophe 2 (A)	Refrain 2 (A)

Refrain 2 (A)	Strophe 1 (A)	Break (B)	Pre-Refrain (B)	Refrain 3 (A)	Strophe 2 (A)

Ein gutes Beispiel für die ABA-Form ist der Jazz-Klassiker „I Got Rhythm” von George Gershwin. In dieser Komposition werden die A-Abschnitte in der Tonart B-Dur mit zwei Akkorden pro Takt gespielt, was der Musik Energie und Dynamik verleiht. Im B-Abschnitt ändert sich die Tonart, der Rhythmus verlangsamt sich – ein Akkord wird über zwei Takte gedehnt, und die Musik wird weniger dynamisch, wodurch ein Kontrast zu den A-Abschnitten entsteht.

Die AABA-Form ist eine Weiterentwicklung des ABA-Schemas. In dieser Struktur wird der A-Teil zweimal wiederholt, dann folgt ein Übergang zu einem kontrastierenden B-Teil, woraufhin die Komposition zum A-Teil zurückkehrt. Mit diesem Ansatz lässt sich eine Komposition mit einem klar zum Ausdruck gebrachten Hauptthema und einem kontrastierenden Mittelteil schaffen. Die Struktur eines Songs nach dem AABA-Schema könnte wie folgt aussehen: A (Intro) – A (Wiederholung) – B (Kontrast) – A (Rückkehr zum Hauptthema).

Strophe 1 (A)	Refrain 1 (A)	Strophe 2 (A)	Refrain 2 (A)	Refrain (B)	Bridge (B)	Strophe 3 (A)	Refrain 3 (A)

Refrain 2 (A)	Strophe 1 (A)	Refrain 3 (A)	Strophe 2 (A)	Break (B)	Prechorus (B)	Refrain 3 (A)	Strophe 3 (A)

Obwohl die AABA-Form mit zwei identischen A-Abschnitten beginnt, bedeutet dies nicht, dass diese identisch sein müssen. Komponisten und Arrangeure nehmen oft geringfügige Änderungen an der Harmonie, Melodie oder Instrumentierung vor, um das Interesse des Zuhörers aufrechtzuerhalten. Manchmal beschränken sich die Änderungen auf einzelne Teile der Melodie, wodurch diese ausdrucksstärker werden. Häufig findet man auch eine Kombination aus ABA- und AABA-Form, bei der Elemente beider Strukturen miteinander verflochten sind, um Abwechslung in die Komposition zu bringen.

Die AAA-Form besteht aus drei identischen Abschnitten, seien es Strophen oder Refrains, mit geringfügigen harmonischen oder melodischen Variationen. Dies ermöglicht eine zusammenhängende Komposition mit minimalen Änderungen, während das Interesse des Zuhörers aufrechterhalten bleibt.

Die ABABCB-Form bietet eine komplexere Struktur. Der Komponist beginnt mit einem Standardmuster aus Strophe-Refrain-Strophe-Refrain und fügt dann einen C-Teil hinzu, der eine Bridge, ein Solo oder eine Pause sein kann. Die Komposition kehrt dann zum Refrain zurück und schafft so eine ausgewogene Kombination aus Wiederholung und Neuheit.

Songstruktur von The Beatles – Back in the U.S.S.R.

Der Song „Back in the U.S.S.R.” von den Beatles wurde als eine Art Antwort auf den Chuck-Berry-Hit „Back in the USA” geschrieben. Diese 1968 entstandene Komposition klingt auch heute noch aktuell und modern. Der Song erschien in der Zeit, als der britische Premierminister Harold Wilson eine politische Kampagne unter dem Slogan „I’m backing Britain” startete. Dieser Slogan war auf Wahlplakaten im ganzen Land zu sehen. Paul McCartney, inspiriert von dieser Kampagne, kam auf die Zeile „I’m backing (back in) the U.S.S.R.”, die zu einer Art satirischer Antwort auf die politischen Ideen wurde, die damals die englische Gesellschaft beherrschten. Die britische Öffentlichkeit schätzte McCartneys Ironie, aber für viele Zuhörer in den Vereinigten Staaten blieb der Witz unverständlich. Die Komposition wurde von Paul McCartney in Zusammenarbeit mit John Lennon geschrieben und eröffnet das berühmte, unbetitelte Doppelalbum der Beatles aus dem Jahr 1968, das auch als „The White Album“ bekannt ist.

Die Besonderheit von „Back in the U.S.S.R.“ ist sein klassisches Arrangement für Pop- und Rockmusik. Der Song wird in C-Moll mit einem Tempo von 120 Schlägen pro Minute und einem Takt von 4/4 gespielt.

Da YouTube oft Probleme mit der Veröffentlichung von Beatles-Songs hat, empfehlen wir Ihnen, anstelle der Studioversion eine Live-Aufführung des Songs von Paul McCartney in Moskau im Jahr 2002 anzusehen. In der folgenden Diskussion werden wir jedoch über die Studioaufnahme sprechen.

0:00. Intro

Der Song beginnt mit dem charakteristischen Geräusch eines landenden Flugzeugs, gefolgt von einem 4-taktigen Intro auf dem Akkord E7. Nach diesen vier Takten erklingt der Akkord A auf dem Downbeat und geht nahtlos in die erste Strophe über.

0:15. Strophe 1

Als Paul McCartney beginnt, über eine schlaflose Nacht und einen Flug von Miami zu singen, nimmt der Song an Tempo zu. Der erste Vers besteht aus 8 Takten, die in zwei 4-taktige Blöcke unterteilt sind und auf den Akkorden A, D, C, D aufgebaut sind.

0:28. Refrain 1

Der Refrain besteht aus sechs Takten, was für Popmusik ungewöhnlich ist. Die ersten drei Takte basieren auf denselben Akkorden wie die Strophe (A, C, D), und hier erscheint der Vocal Hook mit der Phrase „Back in the USSR!“. Die nächsten drei Takte führen den Zuhörer sanft zur zweiten Strophe, die die Struktur und Harmonie der ersten wiederholt.

0:52. Refrain 2

Nach der zweiten Strophe geht das Lied wieder in den Refrain über, der strukturell und harmonisch mit dem ersten identisch ist. Hier werden derselbe Vocal Hook und derselbe Haupt-Gitarrenriff wiederholt. Die Länge des zweiten Refrains ist jedoch etwas anders – er besteht aus 7,5 Takten: 7 Takte im 4/4-Takt und 1 Takt im 2/4-Takt.

1:04. Post-Refrain und Break

Bei 1:04 beginnt der Post-Chorus, ein neuer Abschnitt des Songs. Dieser Teil basiert auf Harmonien und Backing Vocals im Stil der Beach Boys und enthält die Akkordfolge D, A, D, Bm7, E7, D7, A, A. Der Post-Chorus besteht aus acht Takten, gefolgt von einem zweitaktigen Break auf den Akkorden A und E, der den Übergang zum Gitarrensolo vorbereitet.

1:21. Gitarrensolo

Das Gitarrensolo folgt der Gesangsmelodie und wird von den Akkorden aus den Strophen unterstützt. Dieser Abschnitt ähnelt den vorherigen Strophen und Refrains: Die 8 Takte der Strophe gehen fließend in einen 6-taktigen Refrain über und enden mit einem weiteren 10-taktigen Post-Chorus.

2:01. Strophe 3

Die letzte Strophe ist identisch mit den vorherigen, jedoch mit einem zusätzlichen Leadgitarrenpart, der auf dem A-Akkord spielt. Die dritte Strophe geht in einen weiteren sechs Takte langen Refrain über.

2:25. Outro

Das Finale von „Back in the U.S.S.R.“ basiert auf einem bluesigen Riff mit einem A-Akkord und Backing-Vocals mit einem wiederholten „Woo-ooo-oo“-Gesang. Der letzte Abschnitt besteht aus 6 Takten und wiederholt sich, bis um 2:40 Uhr das Geräusch eines landenden Flugzeugs zu hören ist, das das Stück beendet.

Die endgültige Struktur des Songs The Beatles – Back in the U.S.S.R.

Songteil	Länge
Intro	4 Takte
Strophe 1	8 Takte
Refrain 1	6 Takte
Strophe 2	8 Takte
Refrain 2	7,5 Takte
Nach dem Refrain	8 Takte
Pause	2 Takte
Gitarrensolo	24 Takte
Strophe 3	8 Takte
Refrain 3	6 Takte
Outro	6 Takte

Songstruktur 2Pac feat. Dr. Dre – California Love

Dr. Dre ist einer der einflussreichsten Musikproduzenten unserer Zeit. Sein einzigartiges Talent und seine Herangehensweise an Arrangements machten die Hip-Hop-Gruppe N.W.A. zu echten Idolen für Millionen von Menschen. Dank Dre wurde deutlich, dass Musik von schwarzen Künstlern nicht nur populär sein kann, sondern auch bei einem breiten Publikum kommerziell erfolgreich sein kann.

Musiker, die mit Dr. Dre zusammengearbeitet haben, heben oft seinen Perfektionismus hervor. Er veröffentlicht einen Song erst, wenn er sich seiner Qualität absolut sicher ist. Manchmal kann die Arbeit an einer Komposition Monate oder sogar Jahre dauern, aber das Endergebnis entspricht immer den Erwartungen und schafft echte Hits.

Der berühmte Track „California Love“ wurde jedoch 1995 von Dre in nur wenigen Wochen geschaffen. Ursprünglich war dieser Song für sein Soloalbum „The Chronic II: A New World Odor (Poppa's Got A Brand New Funk)“ vorgesehen, aber aus verschiedenen Gründen wurde das Album nie fertiggestellt. Zur gleichen Zeit, im Jahr 1995, wurde Tupac Shakur, ein enger Freund von Dre, aus dem Gefängnis entlassen. Um dieses Ereignis zu feiern und Tupac zu unterstützen, beschloss Dre, einen seit langem bestehenden Backing-Track zu verwenden, und begann zusammen mit Roger Troutman an einem Track zu arbeiten, der bald zum legendären „California Love” werden sollte.

Der Song wurde im Oktober 1995 auf Tupacs erstem Album „All Eyez on Me” veröffentlicht. Die Single stieg sofort an die Spitze aller amerikanischen Charts und hielt sich dort etwa zwei Wochen lang. Anschließend wurde der Track für mehrere Grammy Awards nominiert und wurde zu einer der besten G-Funk-Platten.

Die Grundlage für „California Love“ war ein überarbeitetes Keyboard-Sample aus einem wenig bekannten Song von Joe Cocker namens „Woman To Woman“. Die Komposition ist in B-Dur geschrieben, mit einem einzigen Akkord, im 4/4-Takt und einem Tempo von 92 Schlägen pro Minute.

0:00. Intro

Der Song beginnt mit Roger Troutman, der die Phrase „California Love“ über eine Talkbox singt. Bei 0:03 setzt der Beat ein und in den nächsten vier Takten kommen Schlagzeug, Bass, Keyboard und eine Bläsersektion hinzu, die das musikalische Hauptthema des Songs spielen. Diese vier Takte bilden die Grundlage für den Rest des Songs, wobei das Keyboard-Thema während des gesamten Tracks konstant bleibt und die anderen musikalischen Elemente in das Arrangement ein- und ausblenden.

0:13. Refrain 1

Nach vier Takten Intro blendet die Bläsersektion aus und macht Platz für bearbeitete Vocals, die den Refrain über die nächsten 12 Takte tragen. Eines der Hauptmerkmale des Refrains sind die schimmernden Synthesizer, die am Anfang jedes Takts spielen, den Hauptakkord des Tracks (B-Dur) betonen und seine Tonart hervorheben. Der Refrain geht nahtlos in die erste Strophe über, die mit einer Aufwärtsbewegung der Blechblasinstrumente beginnt.

0:45. Strophe 1

Die erste Strophe dauert 16 Takte, in denen Dr. Dre seinen Text rappt. Das Arrangement wird durch Pfeifen ergänzt, und die ersten acht Takte behalten die Elemente des Intros bei. Die zweiten acht Takte werden durch neue Synthesizer-Parts und einen Gesangschor ergänzt, wodurch ein reichhaltigerer Klang entsteht.

1:27. Refrain 2

Der zweite Refrain ähnelt dem ersten, weist jedoch einige Änderungen auf: Es kommen zusätzliche Gesangsphrasen und weibliche Backing Vocals hinzu. Der Übergang zum nächsten Teil der Komposition wird erneut durch Blechblasinstrumente angekündigt.

1:58. Bridge

Nach dem zweiten Refrain beginnt die Bridge anstelle des erwarteten Verses. Zu den Worten „Shake, shake it, baby” sind ein Keyboard-Riff und ein Beat zu hören, ergänzt durch Donnertöne in jedem Takt. Diese Bridge dauert acht Takte und bildet einen Kontrast zu den vorherigen Teilen der Komposition.

2:19. Strophe 2

Der zweite Vers ist in Länge und Instrumentierung identisch mit dem ersten, aber der Text wird von 2Pac gesungen, was dem Track neue Energie und Dynamik verleiht.

3:01. Refrain 3

Der dritte Refrain stimmt mit den vorherigen überein und geht nahtlos in ein weiteres Zwischenspiel über, ähnlich dem, das nach dem zweiten Refrain zu hören war.

3:54. Outro

Ab der 3:54-Marke nähert sich der Song seinem Ende. Der Klang der Instrumente wird allmählich leiser und das Arrangement weniger dicht. Das Outro ist eine 20-taktige Schleife, die aus Elementen des Verses und des Refrains besteht, wobei die Hauptmelodie des Songs ständig wiederholt wird und den Zuhörer allmählich zum Ende der Komposition führt.

Endgültige Struktur des Songs 2Pac feat. Dr. Dre – California Love

Songteil	Länge
Intro	Takt + 4 Takte
Refrain 1	12 Takte
Strophe 1	16 Takte
Refrain 2	12 Takte
Bridge 1	8 Takte
Strophe 2	16 Takte
Refrain 3	12 Takte
Bridge 2	8 Takte
Outro	8 Takte

Das Arrangement von „California Love“ ist so gestaltet, dass es schwierig ist, die einzelnen Teile des Songs voneinander zu trennen: Der Sound ist monolithisch und ein wenig monoton, wodurch ein Gefühl eines sanften, kontinuierlichen Flusses ohne offensichtliche strukturelle Grenzen entsteht.

Darüber hinaus zeichnet sich „California Love“ durch seine ungewöhnliche Struktur aus. Anstelle des üblichen Schemas „Intro-Strophe-Refrain-Strophe-Refrain“ wird hier ein originellerer Ansatz verwendet: „Intro-Refrain-Strophe-Refrain-Bridge“. Eine solche gemischte Struktur verleiht der Komposition Dynamik und Originalität und macht sie im Vergleich zu traditionellen musikalischen Konstruktionen einzigartig.

Songstruktur Martin Garrix – Animals

Martin Garrix' „Animals”, veröffentlicht im Jahr 2014, wurde sofort zum Hit und sicherte sich einen Platz an der Spitze der weltweiten Charts. Trotz seiner Popularität hat der Song ein für das Genre typisches Arrangement: Der Schwerpunkt liegt auf einem kraftvollen 4/4-Beat und einem eingängigen Percussion-Riff, das jede Tanzfläche zum Kochen bringt.

Der Song ist in F-Moll geschrieben und hat ein Tempo von 128 Schlägen pro Minute, was für viele Dance-Tracks Standard ist.

Es kann schwierig sein, den Original-Mix von 5:04 auf YouTube zu finden, daher ist dem Material ein Videoclip mit einer Radioversion des Songs beigefügt. Bitte beachten Sie, dass die Zeitangaben möglicherweise nicht mit der Originalversion übereinstimmen. Wenn jemand einen Link zur Vollversion der Komposition hat, würden wir uns freuen, wenn Sie ihn in den Kommentaren teilen würden.

0:00. Intro-Beat

Die Komposition beginnt mit einem minimalistischen Intro, in dem die ersten 16 Takte von Kick und Ride dominiert werden, was an ein Metronom erinnert. Zusammen mit dem Rhythmus erklingt ein arpeggierter Synthesizer, dessen Klang reichlich mit Hall bearbeitet ist. Eine allmähliche Steigerung der Stärke und Kraft des Synthesizers führt den Zuhörer sanft zum nächsten Abschnitt der Komposition.

0:30. Bass-Intro

In dieser Phase setzt ein tiefer Bass ein, der auf den rhythmischen Schlägen der Kick basiert. Der arpeggierte Synthesizer tritt in den Hintergrund und ein neuer Synthesizer erscheint im Mix, dessen Klang allmählich an Stärke gewinnt. Gegen Ende dieses Intros ist ein invertierter Schlag auf dem Becken zu hören, der vor dem Übergang für zusätzliche Dramatik sorgt.

1:00. Mini-Break

Dieser kurze vier Takte lange Break dient als eine Art Pause, in der das Arrangement fast vollständig zum Stillstand kommt. Die einzigen Geräusche sind das Ticken einer Uhr, eine allmählich ausklingende Basslinie und ein Beckenschlag. Dieser Moment bereitet den Zuhörer auf das Einsetzen der Hauptmelodie vor.

1:08. Breakdown 1

Das Ticken einer Uhr verwandelt sich allmählich in einen Percussion-Part. Nach acht Takten sanfter Melodie kommt ein aggressiver Synthesizer hinzu, der das Hauptthema mit kraftvollen Akkorden wiederholt. Diese Synthesizer werden von Snare-Schlägen und Klatschen unterstützt, die jeden Schlag des Takts betonen.

1:37. Aufbau

Der acht Takte lange Aufbau erreicht einen Höhepunkt der Spannung und bereitet die Komposition auf den Drop vor. Beschleunigte Snare-Schläge, ein Synth-Riff und Laser-Sounds führen zu einem Höhepunkt, der mit einem Vocal-Sample endet.

1:53. Drop 1

Der erste Drop bietet eine interessante Lösung: Anstatt die Hauptmelodie zu verwenden, führt Garrix ein neues Riff ein, das von einem kraftvollen Beat und Anspielungen auf das Hauptthema der Komposition unterstützt wird.

2:30. Breakdown 2

Nach einem weiteren vier Takte langen Mini-Break kehrt der Synthesizer in den Mix zurück und spielt das Hauptthema des Tracks. Wie zuvor geht der Breakdown nahtlos in einen weiteren Build-up über.

3:15. Drop 2

Der zweite Drop ist fast identisch mit dem ersten, aber seine Dauer wird um 16 Takte verlängert. Nach den ersten acht Takten ertönt erneut das Vocal-Sample, zu dem Synth-Akkorde hinzukommen.

3:58. Outro

Nach einer kurzen Einblendung mit einer tickenden Uhr kehrt das Arrangement zu den Elementen des Intros zurück. Gegen Ende wird der Klang der Komposition weicher und subtiler. In den letzten Momenten des Tracks tritt der arpeggierte Synthesizer wieder in den Vordergrund und schafft einen Kontrast zwischen Anfang und Ende.

Endgültige Struktur des Songs Martin Garrix – Animals

Song-Abschnitt	Länge
Intro-Beat	Takt + 4 Takte
Bass-Intro	12 Takte
Mini-Break 1	4 Takte
Breakdown 1	12 Takte
Aufbau 1	8 Takte
Drop 1	16 Takte
Mini-Pause 2	4 Takte
Breakdown 2	8 Takte
Aufbau 2	8 Takte
Drop 2	32 Takte
Outro	32 Takte