Sounddesign im Film
Im Kino (wie George Lucas in dem oben genannten Zitat betonte), wo Ton neben Bild und Handlung eine wichtige Rolle spielt. Vergessen Sie nicht, dass der erste Tonfilm, The Jazz Singer, vor 90 Jahren, im Jahr 1927, herauskam, während das erste Spiel mit Ton, Pong, erst 45 Jahre später, im Jahr 1972, erschien. Deshalb möchte ich Ihnen heute ein paar Geschichten über herausragendes Sounddesign in Filmen erzählen.
Rainbow Spring Slinky half dem Sprachroboter Wall-E
Beginnen wir mit einem Überblick über das Sounddesign in Filmen. Einer meiner Lieblingskanäle auf YouTube zum Thema Kino, Cinefix, hat eine Auswahl von 10 Filmen mit gutem Sounddesign veröffentlicht. Auf dieser Liste wurden Filme wie Star Wars, Stalker, Gravity und Wall-E rezensiert.
Besonders fasziniert hat mich die Geschichte von Ben Burtt, einem der Pioniere des neuen Film-Sounds, der einen Namen für seinen Beruf erfunden hat – Sound Designer. Das geschah 1977, als er die Aufgabe übernahm, Star Wars zu vertonen. Ich werde später noch mehr über seine Arbeit erzählen, aber vorerst möchte ich nur erwähnen, dass Ben damals noch keine digitalen Synthesizer hatte und daher die meisten Sounds von Hand erstellte und aufnahm! Um die Stimme von R2-D2 zu kreieren, ging er noch einen Schritt weiter und nahm seine eigene Stimme auf, die er dann mit einem analogen ARP 2600-Synthesizer umwandelte.
Nachdem er an sechs Filmen der Sternensaga mitgearbeitet und 29 Jahre lang daran gearbeitet hatte, beschloss Ben, dass er keine Roboter mehr synchronisieren wollte. Doch nur eine Woche später überzeugte Pixar ihn, ihnen bei dem Animationsfilm Wall-E zu helfen. Es war eine völlig einzigartige Herausforderung: Wallys „Stimme“ wurde von Grund auf neu geschaffen, ohne Schauspieler oder reale Quellen, und Wally sprach kein einziges Wort (alle seine Emotionen mussten nur durch künstlich erzeugte Klänge vermittelt werden). Gleichzeitig war Valli mit seinem eigenen Charakter der eigentliche Protagonist des Films. Dank des Sounddesigns hat Ben diese Figur auf der Leinwand wirklich zum Leben erweckt. Und es ist lustig, dass er bei der Erstellung der Geräusche für Valli die Slinky-Feder verwendet hat, mit der wir als Kinder gespielt haben, indem wir sie die Treppe hinaufrollen ließen.
Die Entstehung der Geräusche für das Original von Star Wars wird auf dem YouTube-Kanal von Kaptain Kristian detailliert beschrieben
1977 stand Sounddesigner Ben Burt vor einem technischen Problem: Science-Fiction-Geräusche gab es in der realen Welt nicht. Welches Geräusch sollte man beispielsweise für einen Lichtschwertstrahl wählen?
Nur 15 % der endgültigen Tonspur des Films wurden während der Dreharbeiten vor Ort aufgenommen, die restlichen 85 % musste Ben selbst erstellen. Der Film enthielt viele Szenen, die ohne die entsprechenden Geräusche unverständlich gewesen wären, insbesondere die Weltraumschlachten. Damals hatten Kinos noch nicht einmal Stereoton, geschweige denn Surround-Sound in den 70er Jahren.
Dank der geschickten Arbeit von Ben wurde diese Aufgabe brillant gelöst. Er nahm die Geräusche von zwei oszillierenden Filmprojektoren und einer Kathodenstrahlröhre auf, um den Klang eines Lichtschwerts zu erzeugen. Dieser Klang ist zum Standard für die gesamte Star Wars-Saga geworden und zu einem Symbol der Science-Fiction. Im Video selbst gibt es übrigens eine Lichtschwert-Kampfszene ohne hinzugefügten Ton, die naiv und lustig wirkt. Ohne Bens Beitrag hätte Star Wars also seine epische Atmosphäre verloren.
Bei der Erstellung der Geräusche für Godzilla wurde beschlossen, vollständig auf die Verwendung von Geräuschen lebender Tiere zu verzichten: Alle Geräusche wurden speziell für den Film erstellt und aufgenommen.
Der neueste Godzilla-Film ist wie ein Lara-Croft-Spiel: toller Sound, aber der Film selbst lässt zu wünschen übrig. Dieses Videointerview von Michael Coleman mit den Sounddesignern Eric Adahl und Ethan Van der Ryn konzentriert sich auf den Sound in Godzilla.
Eine besonders interessante Geschichte ist die Synchronisation des ursprünglichen japanischen Godzilla aus dem Jahr 1954. Der Sounddesigner Akira Ifukube reiste durch ganz Japan und nahm viele Tiergeräusche auf, aber keines davon passte. Um das Brüllen des ursprünglichen Godzilla aufzunehmen, verwendete er schließlich das Geräusch von Lederhandschuhen, die an den Saiten eines Kontrabasses quietschten!
Die Sounddesigner des neuen Godzilla-Films verraten nicht alle ihre Geheimnisse, aber das Video zeigt, wie sie den Kaiju im Film vertont haben (ich empfehle, sich den Ausschnitt von etwa 1:50 bis 3:50 anzuhören). So wurden das Knarren von Turnschuhen auf der Trommel und das Knirschen von Kleiderbügeln zur Stimme des fliegenden Kaiju im Film. Sehen und hören Sie sich das einfach an.
Den aktuellen Filmen von Marvel fehlt es definitiv an eingängigen Musikkompositionen
Tony Zhou hat in seinem Video-Essay die Soundtracks der Marvel-Studios-Filme sorgfältig analysiert. Machen wir ein kleines Experiment: Versuchen Sie sich an eine Melodie aus Star Wars zu erinnern. Sie können sie sogar laut summen. Sicher fällt Ihnen leicht die Imperial March oder die Hymne der Rebellen ein. Nun zum zweiten Teil des Experiments: Versuchen Sie, sich an eine Melodie aus den Marvel-Filmen zu erinnern. Das ist praktisch unmöglich, oder? Ich hatte das gleiche Problem (und ich habe alle Filme gesehen, auch den „dummen“ Thor). Vielleicht hat The Avengers eine beeindruckende Titelmelodie, aber sie ist nicht einprägsam.
Tony hat eine interessante Theorie, warum das so ist. Erstens versucht das moderne Kino, die Musik unauffällig zu halten und einfach die Emotionen auf der Leinwand zu betonen. Das funktioniert zwar, macht die Filme aber eintönig und langweilig.
Zweitens ist dies auf den neuen Trend zurückzuführen, bei der Bearbeitung temporäre Musik (Temp-Musik) zu verwenden. Mit dem Aufkommen der digitalen Bearbeitungstechnologie ist es einfach geworden, einen bestehenden Titel zu nehmen und ihn als temporäre Musik für neues Material zu verwenden. Filmemacher verwenden massiv Soundeffekte aus früheren erfolgreichen Filmen als temporäre Musik. Dann bitten sie die Komponisten, etwas sehr Ähnliches als Original-Soundtrack zu schreiben. Warum ist das so? Beispielsweise kann eine Szene so geschnitten werden, dass sie zu Musik mit einem bestimmten Tempo und Akzenten an bestimmten Stellen passt, und ohne einen solchen Soundtrack funktioniert die Szene möglicherweise einfach nicht.
Es ist schwer in Worte zu fassen, aber in dem Video gibt Tony konkrete Beispiele für Szenen aus verschiedenen Filmen, in denen die Melodien fast identisch sind. Ich war besonders überrascht, dass mein Lieblingsfilm des Jahrzehnts, Mad Max: Fury Road, das Thema aus Captain America: Civil War fast wortwörtlich übernommen hat. Aber in „Mad Max“ wurde dieses Thema einprägsamer, weil der Komponist Junkie XL es aggressiver, dynamischer und auffälliger gestaltet hat. Außerdem wurde der gesamte Mad-Max-Soundtrack speziell mit rauen und rohen Klängen komponiert, was ihn einprägsamer macht (und großartig!).
Edgar Wrights „Baby Driver“ ist einer meiner Lieblingsfilme dieses Sommers
In seiner Videoanalyse der Eröffnungsszene des Films (ich empfehle, sie sich ganz anzusehen) zerlegt Thomas Flyte sie Stück für Stück und erklärt, warum sie so erfolgreich ist. Regisseur Edgar Wright verkörpert viele verschiedene Techniken, aber eine davon ist die Grundlage des gesamten Films: Die Hauptfigur Baby flieht in seinem Auto vor der Polizei, und jede dieser Fluchten ist sorgfältig auf einen bestimmten Song abgestimmt. Wright schneidet diese Verfolgungsjagd zu ausgewählter Musik, wodurch die Szene harmonisch mit der musikalischen Untermalung verschmilzt und an das Musikvideo zu dem Song erinnert. Diese Technik macht die Musik einprägsam und beeindruckend. Wright wählt bewusst großartige Titel aus und integriert sie auf mehreren Ebenen in den Film.
Der Film „Dunkirk“ hat mich in dieser Sommersaison emotional am meisten beeindruckt.
Christopher Nolan vermittelt meisterhaft das Gefühl der Bedrohung und Spannung in „Dunkirk“. Jede Sekunde vermittelt den Eindruck, dass sich die Figuren in einer zunehmend hoffnungslosen Situation befinden. In einer Rezension auf dem Vox-Kanal erklärt Christoph Haubursin, wie der Filmton zu diesem Effekt beiträgt.
Der Komponist Hans Zimmer verwendet zwei Techniken, um dieses Ziel zu erreichen. Erstens dient das Ticken einer Uhr als Grundlage für die Melodie, die die Aufmerksamkeit des Zuschauers auf das Konzept der Zeit lenkt, die zum Hauptfeind für die am Strand von Dünkirchen eingeschlossenen Soldaten geworden ist. Zweitens erzeugt Zimmer die Illusion eines unendlich ansteigenden Musiktons, der die wachsende Gefahr symbolisiert. Die Tonalität der Musik steigt ständig an, als würde die Gefahr immer größer werden, ohne Grenzen.
Um diese Illusion zu erzeugen, nutzt Zimmer den Shepard-Effekt. Dabei werden drei Audiospuren mit ansteigenden Tönen kombiniert (jede Spur eine Oktave höher als die vorherige). Allmählich dämpft der Komponist die höchste Spur und erhöht gleichzeitig die Lautstärke der tiefsten Spur. Dadurch entsteht der Eindruck, dass die Tonhöhe der Melodie ständig ansteigt, was sich deutlich auf die emotionale Wahrnehmung auswirkt. Eine ähnliche Technik wurde zuvor von Shigeru Miyamoto in einem Mario-Spiel verwendet, um die Illusion einer endlosen Treppe zu erzeugen.
