Tempo in der Musik

Das Tempo ist neben Konzepten wie Rhythmus, Harmonie, Melodie, Modus und anderen eines der Schlüsselelemente der musikalischen Ausdruckskraft. Das Erlernen dieser Komponenten ist für jeden Musiker unerlässlich, ähnlich wie das Erlernen des Notenlesens. Heute tauchen wir in die Grundlagen der Musiktheorie ein, um das Konzept des Tempos zu verstehen, und versuchen dabei, den Prozess so unterhaltsam wie möglich zu gestalten.

Das Tempo (vom italienischen „Tempo”) bestimmt die Geschwindigkeit, mit der metrische Einheiten in einer Komposition durchlaufen werden, oder einfacher gesagt, die Geschwindigkeit ihrer Ausführung. Es ist ähnlich wie beim Lesen eines Gedichts: Man kann es schnell oder langsam lesen, und das verändert die Wahrnehmung erheblich. In der Musik beeinflusst das Tempo nicht nur den Text, sondern auch den Klang der gesamten Komposition.

Das Tempo wird in der Regel am Anfang eines Musikstücks angegeben und dient dem Interpreten als Hinweis auf die gewünschte Geschwindigkeit der Wiedergabe. So bekommt man eine Vorstellung davon, wann man mit dem nächsten Teil des Stücks beginnen und wie man seinen Gesang mit dem Rhythmus koordinieren soll.

In der modernen Musik bleibt das Tempo meist während des gesamten Songs konstant. In der klassischen Musik findet man jedoch häufig Tempowechsel, bei denen sich die Geschwindigkeit der Darbietung von schnell zu langsam und umgekehrt ändert. Dies verleiht den Werken Dynamik und emotionale Vielfalt.

Musikwerke sind in Takte einer bestimmten Größe unterteilt, die betonte und unbetonte Schläge enthalten. Das Tempo gibt an, wie viele Schläge in einem bestimmten Zeitraum auftreten. Um das Tempo genau zu bestimmen, wird eine BPM-Skala (Beats per Minute) verwendet, die die Anzahl der Schläge in 60 Sekunden angibt.

Pulsieren der Musik

Ist Ihnen die Ähnlichkeit zwischen dem Tempo einer Musikkomposition und dem menschlichen Herzschlag aufgefallen? Eine der wichtigsten Ähnlichkeiten ist die Messung in Schlägen pro Minute. Das durchschnittliche Tempo der Musik entspricht oft der normalen Ruheherzfrequenz eines Menschen, die bei 60-80 Schlägen pro Minute liegt. Langsame Melodien haben ein Tempo von etwa 40 bis 58 Schlägen, während schnellere Lieder die 90-Schlag-Marke überschreiten. Bei intensiver körperlicher Aktivität kann unser Herz mit einer Frequenz von etwa 200 Schlägen pro Minute schlagen, wobei das Empfinden davon, ähnlich wie bei Musik, je nach Vorliebe variiert.

Erfahrene Musiker bei ihren Auftritten zu beobachten, kann für neue Künstler sowohl inspirierend als auch einschüchternd sein. Es ist erstaunlich, wie Profis jede Nuance mühelos einfangen und dabei präzise dem Rhythmus und Tempo folgen. Dieses Niveau zu erreichen, ist jedoch nicht so schwierig, wie es auf den ersten Blick erscheinen mag. Das Geheimnis liegt darin, die Grundlagen zu verstehen und regelmäßig zu üben.

Metronom

Die musikalische Struktur besteht aus Takten, in denen nicht nur Töne, sondern auch Pausen vorkommen, die eine wichtige Rolle spielen. Sie helfen, bestimmte Punkte hervorzuheben, bieten den Zuhörern eine Pause und geben den Interpreten die Möglichkeit, sich auf den nächsten Abschnitt vorzubereiten.

Das Metronom ist ein Hilfsmittel, das diese rhythmische Struktur visualisiert und es Musikern ermöglicht, das Tempo ihrer Darbietung zu synchronisieren. Zu den Metronom-Einstellungen gehört die Festlegung des Tempos und der Taktart des Songs, wobei die Taktart als 4/4, 2/2 usw. angegeben wird und die Schläge innerhalb des Takts angibt. Eine BPM-Skala (Beats per Minute), z. B. 70 oder 80, synchronisiert die Metronomschläge mit den akzentuierten Schlägen, wodurch es einfacher wird, dem Rhythmus zu folgen.

Das berühmte Metronom, benannt nach seinem Erfinder, dem deutschen Pianisten und Mechaniker Maelzel, gilt als Standard für die Angabe des Tempos. Die Verwendung eines Mälzel-Metronoms (M. M) fördert die Entwicklung des Rhythmusgefühls, indem es Musikern beibringt, sich mit dem Gehör an das Tempo einer Komposition anzupassen.

Dieses Gerät wurde 1815 erfunden und bildete die Grundlage für die genaue Messung des Tempos in der Musik, die von Komponisten wie L. van Beethoven sowie von Autoren des 20. und 21. Jahrhunderts verwendet wurde. Während der Romantik bevorzugten viele Menschen verbale Anweisungen für das Tempo.

Moderne Metronome gibt es sowohl in elektronischer als auch in mechanischer Ausführung, wobei traditionelle Designelemente wie Federn und Gewichte beibehalten wurden. Auch die neuesten Versionen sind gefragt – Anwendungen für mobile Geräte und Online-Metronome, die nach einem ähnlichen Prinzip funktionieren.

Andere Optionen zur Tempoangabe

In Situationen, in denen keine hohe Tempogenauigkeit erforderlich ist, werden spezielle musikalische Begriffe verwendet, die in drei Hauptkategorien unterteilt sind: langsame, mittlere und schnelle Tempi.

Die ersten Tempoangaben wurden im 16. Jahrhundert in spanischen Musikakademien verwendet. Es gibt verschiedene sprachliche Adaptionen dieser Tempoangaben: Italienisch, Deutsch, Englisch, Russisch und Französisch, die jeweils ähnliche musikalische Konzepte vermitteln. Trotz der Vielfalt der Sprachen haben sie alle entsprechende numerische Werte auf dem Metronom, mit denen Sie die Geschwindigkeit des Stücks genau bestimmen können.

• Langsam : largo (weit), larghetto (ziemlich weit), lento (lang), adagio (langsam), adagietto (ziemlich langsam), grave (schwer);
• Mäßig : andante (ruhig), andantino (etwas schneller), moderato (mäßig), sostenuto (zurückhaltend), allegretto (lebhaft), allegro moderato (mäßig schnell);
• Schnell : Allegro (schnell), Vivo (flott), Vivace (lebhafter), Presto (schnell), Prestissimo (noch schneller).

Wie bereits erwähnt, bleibt das Tempo in Musikstücken in der Regel konstant, aber manchmal kann es sich innerhalb derselben Komposition ändern. Um solche dynamischen Veränderungen zu bezeichnen, gibt es spezielle musikalische Begriffe: accelerando (Beschleunigung), ritenuto (leichte Verlangsamung), ritardando (deutliche Verlangsamung) und andere.

Diese Begriffe sind die grundlegenden Markierungen für Geschwindigkeitsänderungen, aber es gibt auch subtilere Nuancen des Tempos in der Musik, für die bestimmte Wörter verwendet werden, um die Eigenschaften des Rhythmus genauer wiederzugeben.

Zum Beispiel:

• assai – sehr;
• commodo – bequem;
• non troppo – nicht zu viel;
• molto – sehr;
• mosso – beweglich;
• maestoso – feierlich;
• animando – lebhaft;
• agitato – aufgeregt;
• sempe – die ganze Zeit.

Die Debatte über die bevorzugten Methoden zur Angabe der Geschwindigkeit von Musikaufführungen hält weiterhin an. Unter Interpreten und Komponisten gibt es eine Spaltung zwischen denen, die numerische Tempoangaben bevorzugen, und denen, die eher verbale Begriffe verwenden. In Partituren wird oft eine Kombination dieser Ansätze verwendet: Eine italienische oder russische verbale Tempoangabe wird zusammen mit einem numerischen Wert auf einer Metronomskala angegeben.

So können wir verstehen, warum der Schnellzug „Allegro” heißt und manchmal die Verpackung von Nudeln mit „Presto” beschriftet ist. Spaß beiseite, wie bereits erwähnt, spielt das Wissen um Tempobezeichnungen eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der Fähigkeit, Noten zu lesen und Musik präzise zu spielen.

Warum muss man sonst noch das Tempo der Musik kennen?

Dieser Aspekt wird in der bereits erwähnten Analogie zwischen dem musikalischen Tempo und dem menschlichen Puls erklärt. Eine angemessen ausgewählte Musikkomposition trägt dazu bei, die Effektivität sportlicher Aktivitäten zu steigern, da der Körper danach strebt, sich mit einem bestimmten Rhythmus zu synchronisieren.

Untersuchungen bestätigen, dass rhythmische Melodien die Trainingsleistung verbessern können. Sportler, die zu Musik trainieren, zeigen oft eine überlegene Geschwindigkeit und Ausdauer, und Menschen, die Krafttraining betreiben, können mehr Gewicht heben.

Die Wahl des optimalen Musiktempos, gemessen in Schlägen pro Minute (bpm), hängt von der Art der körperlichen Aktivität ab. Für Übungen wie Yoga, Pilates und Stretching sind Titel mit einem Tempo unter 120 bpm ideal. Musik mit einem Tempo von 125 bis 140 bpm eignet sich ideal zum Aufwärmen, für Step-Aerobic und zum Tanzen. Energischere Songs mit einem Tempo von 140 bis 190 bpm können hingegen zu herausragenden Leistungen bei intensiven Sportarten anregen und eignen sich für Cardio-Übungen wie Laufen.

Tempo moderner Musik

Das Tempo eines Stücks spielt eine wichtige Rolle bei der Gestaltung seiner Atmosphäre, seines Stils und seines Gesamteindrucks. Hohe Tempi werden in der Regel mit schneller Tanzmusik assoziiert, während niedrigere Tempi typisch für beruhigende Melodien sind. Das scheint offensichtlich, aber in Wirklichkeit sind die Regeln nicht so streng. In Ihren Musikprojekten haben Sie das Recht, mit jedem Tempo zu experimentieren und sich von traditionellen Normen zu entfernen. Allerdings gibt es allgemein akzeptierte Tempogrenzen für bestimmte Musikgenres.

• Popmusik – 110-140 bpm;
• Hip-Hop – 80-130 bpm;
• Techno – 140–160 bpm;
• Rock – 65–95 bpm;
• Drum and Bass – 140–200 bpm.

Die Beziehung zwischen Tempo und Musikgenres ist ebenso wichtig wie andere Ausdrucksmittel in der Musik. Auch wenn die Tempobereiche variieren können, ist ihr Einfluss auf das Musikgenre unbestreitbar. Aus diesem Grund ist das Verständnis der Musiktheorie für diejenigen, die ihre Zukunft in der Musik sehen, äußerst wichtig.

Das Beherrschen von Musikinstrumenten und die Kontrolle der Stimme erfordern ein tiefes Verständnis der musikalischen Prinzipien. Die Wahrnehmung des Tempos kann intuitiv und für jeden zugänglich sein. Die Fähigkeit, ein bestimmtes Tempo bei der Darbietung genau auszuwählen und zu befolgen, entwickelt sich jedoch durch kontinuierliches Üben. Daher sollten Sie den Solfeggio-Unterricht nicht vernachlässigen. Hören Sie sich die Musik aus Ihrer Playlist aufmerksam an und versuchen Sie, den Rhythmus zu spüren, in dem Ihre Lieblingskomposition „pulsiert”. Dies hilft Ihnen nicht nur dabei, Songs genau nachzuspielen, sondern kann auch zur Entstehung Ihres eigenen Musikhits führen.