Was ist Indie-Rock?

Indie-Rock entstand in den frühen 1980er Jahren in Großbritannien, den USA und Neuseeland. Damals bezog sich der Begriff auf Musik, die von unabhängigen Labels veröffentlicht wurde, aber bald stand er für eine breitere Ästhetik – roh, experimentell und eher von Visionen als von kommerziellen Formeln getrieben.

Eine der frühesten Grundlagen des Genres war der „Dunedin Sound” aus Neuseeland mit Bands wie The Chills und The Clean. In den USA trugen College-Radiosender maßgeblich zur Förderung von Künstlern wie The Smiths und R.E.M. bei, indem sie Musik sendeten, die sich außerhalb des Mainstreams bewegte. Mitte der 80er Jahre begann sich Indie-Rock als eigene Szene zu etablieren, gefördert durch die britische NME C86-Compilation und den Underground-Aufstieg von Bands wie Sonic Youth und Dinosaur Jr. in den USA.

Die 90er Jahre brachten eine Welle neuer Subgenres mit sich:

• Slowcore mit seinen melancholischen, langgezogenen Tempi;
• Midwest Emo , bekannt für seine gefühlvollen Texte;
• Slacker Rock , geprägt von einer entspannten Darbietung und Lo-Fi-Ästhetik;
• Shoegaze , definiert durch den intensiven Einsatz von Gitarreneffekten und introspektiven Vocals.

Als Grunge und Britpop an Fahrt gewannen, begann der Mainstream, Indie-Sounds zu übernehmen. Große Plattenlabels nutzten das „Indie-Image” als Marketinginstrument, was zu einer Spaltung führte: Einige Bands nutzten die Aufmerksamkeit, andere verstärkten ihre Bemühungen, unter dem Radar zu bleiben.

In den 2000er Jahren gelang dem Indie-Rock ein weiterer Sprung ins Rampenlicht. Acts wie The Strokes, The Libertines, Arctic Monkeys und The Killers brachten eine Post-Punk-Revival-Energie mit, die eine neue Generation ansprach. Dieser Boom führte zu einer Explosion ähnlich klingender Bands – eine Welle, die die britische Presse später als „Landfill Indie” bezeichnete.

Trotz all dieser Veränderungen ist der Indie-Rock seinen Wurzeln treu geblieben – im Mittelpunkt stehen kreative Freiheit, DIY-Spirit und der Instinkt, Normen in Frage zu stellen.

Was macht einen Song indie: Sound, Spirit und Stil

Der Begriff „Indie” tauchte erstmals Ende der 1970er Jahre in Manchester auf, als die Band Buzzcocks ihre EP Spiral Scratch ohne die Hilfe eines Major-Labels veröffentlichte. Dieser Moment markierte den Beginn einer neuen Art musikalischer Unabhängigkeit.

Bei Indie geht es nicht nur darum, wer die Musik veröffentlicht, sondern auch um kreative Kontrolle. Die Künstler verwalten ihre eigenen Aufnahmen, ihre Ausrichtung und ihren Sound, ohne Druck von den großen Akteuren der Branche. Diese Freiheit führt zu Musik, die sich von Formeln löst und persönlicher und origineller wirkt.

Stilistisch bedient sich Indie aus allen Bereichen: Punk, Grunge, Pop, Hip-Hop, sogar Psych Rock. So entstehen Bands wie The White Stripes, die Garagenrock mit Blues vermischen, oder Young the Giant, die eingängige Hooks mit vielschichtigen Gitarrenklängen kombinieren.

The White Stripes

Young the Giant

Trotz dieser Vielfalt hat Indie-Musik immer noch eine unverkennbare Energie. Sie ist roh, ehrlich und wird von der Vision des Künstlers angetrieben – nicht von Trends oder kommerziellen Charts.

Charakteristische Merkmale des Indie-Rock: Sound, Vision und Kontrast

Indie-Rock ist mehr als nur ein Genre – es ist eine Denkweise, eine Art, Musik zu machen und zu teilen. Das Wort „Indie“ kommt von „independent“ und bezog sich ursprünglich auf Künstler und Bands, die ihre Musik bei kleinen, Low-Budget-Labels veröffentlichten. Selbst wenn der Vertrieb über große Unternehmen erfolgte, wollten diese Künstler ihre kreative Kontrolle behalten und sich nicht von den Trends der Branche lenken lassen.

Diese Unabhängigkeit öffnete die Tür für Experimente – mit Sound, Themen und Emotionen –, die oft weit von dem entfernt waren, was die Mainstream-Musik zu bieten hatte. Indie-Rock hat sich schon immer aus einer Vielzahl von Einflüssen gespeist:

• Punk und Post-Punk (Buzzcocks, Wire, Television);
• Psychedelia und Garagenrock der 60er Jahre (Velvet Underground, The Doors);
• Art Rock und Lo-Fi-Ästhetik;
• Einflüsse aus Country und Folk.

Laut AllMusic umfasst Indie-Rock Künstler, deren musikalischer Ansatz oft im Widerspruch zum Mainstream-Geschmack steht. Er reicht von gitarrenlastigem Grunge über Folk-Punk bis hin zu Avantgarde-Rock. Was all diese Stilrichtungen verbindet, ist nicht der Stil selbst, sondern das gemeinsame Streben nach Autonomie und Originalität.

In seinem Buch hebt Brent Luvaas hervor, wie sehr Indie-Rock in Nostalgie verwurzelt ist – für den Sound der 60er Jahre, für den DIY-Spirit und für Texte, die oft literarische Tiefe haben. Dieser Einfluss ist bei Bands wie The Smiths und The Stone Roses zu hören, die sowohl Atmosphäre als auch Storytelling betonten.

Der Musikwissenschaftler Matthew Bannister beschrieb das Genre einmal als „kleine Gruppen weißer Männer mit Gitarren”, die sich an Punk und Rock der 60er Jahre orientierten, sich aber bewusst von kommerziellen Normen distanzierten. Die Anthropologin Wendy Fonarow identifizierte zwei wichtige Indie-Mindset:

• die „Puristen“ – die Minimalismus, Rohheit und emotionale Ehrlichkeit bevorzugen;
• die „Romantiker“ – die eher expressiv, exzentrisch und stilistisch gewagt sind.

Diese Spaltung war besonders in den 1990er Jahren sichtbar. Britische Bands tendierten zu Performance und ästhetischem Flair, während viele amerikanische Acts einen lo-fi, ungeschliffenen Sound als Zeichen der Authentizität bevorzugten.

Indie-Rock eröffnete auch mehr Raum für Frauen. Die Riot-Grrrl-Bewegung, angeführt von Bands wie Bikini Kill, Bratmobile und Team Dresch, stellte Normen nicht nur durch ihre Bühnenpräsenz in Frage, sondern auch durch die Gestaltung der Ideen hinter der Musik. Dennoch hat sich, wie Courtney Harding feststellt, diese Gleichberechtigung nicht auf Führungspositionen ausgeweitet – Frauen, die Indie-Labels leiten, sind auch heute noch in der Minderheit.

Bikini Kill

Indie-Rock umfasst eine breite Palette von Stilen – von synthgetriebenem Indie-Pop über rohen Post-Punk bis hin zu Hip-Hop-Einflüssen –, aber die meisten Indie-Bands teilen einige Grundwerte in ihrer Herangehensweise an Musik.

• DIY-Ethos . Die meisten Indie-Künstler arbeiten ohne die finanzielle Unterstützung großer Labels. Sie bezahlen die Studiozeit aus eigener Tasche oder nehmen zu Hause mit den ihnen zur Verfügung stehenden Geräten auf. Dieser praktische Ansatz gewährleistet vollständige Unabhängigkeit – vom ersten Demo bis zur endgültigen Veröffentlichung.
• Lo-Fi-Ästhetik . Bevor Software wie Pro Tools und Logic weit verbreitet war, konnten sich Indie-Musiker oft keine professionellen Studios leisten. Daraus entstand ein unverkennbarer Lo-Fi-Sound – raue Gitarren, Hintergrundgeräusche und ein bewusst grober Klang. Auch heute noch halten einige Künstler bewusst an dieser Textur fest und nutzen Unvollkommenheiten als Teil ihrer künstlerischen Identität.
• Eigenes Songwriting . Im Gegensatz zu Pop oder Mainstream-Hip-Hop, wo Songs oft von Teams aus Produzenten und Songwritern geschrieben werden, wird Indie-Musik in der Regel von den Künstlern selbst geschrieben. Das können Solosänger und Songwriter wie Phoebe Bridgers sein oder ganze Bands wie Fugazi oder Sleater-Kinney, wo das Songwriting eine Gruppenleistung ist und nicht an Profis ausgelagert wird.
• Authentizität statt Effekthascherei . Bei Indie-Rock geht es nicht um rasante Soli oder vokale Akrobatik. Der Fokus liegt auf ehrlichen, menschlichen Darbietungen. Viele Indie-Bands können ihren aufgenommenen Sound problemlos live reproduzieren, ohne ein Backup-Team von Studiomusikern zu benötigen – und genau diese rohe, ungefilterte Darbietung ist es, die die Fans anspricht. Es geht weniger um Perfektion als vielmehr um echte Emotionen.

Wie die Indie-Rock-Szene entstand: Von den Buzzcocks zum Dunedin Sound

Die BBC-Dokumentation „Music for Misfits: The Story of Indie” führt den Ursprung des Begriffs „Indie” auf die Veröffentlichung von „Spiral Scratch” im Jahr 1977 zurück, einer selbst finanzierten EP der Punkband Buzzcocks aus Manchester, die über ihr eigenes Label New Hormones herausgebracht wurde. Dieser Schritt löste eine Welle von DIY-Aktivitäten aus – Bands begannen, ihre eigene Musik aufzunehmen, zu drucken und zu vertreiben. Gruppen wie Swell Maps, „O” Level, Television Personalities und Desperate Bicycles folgten bald darauf.

Buzzcocks

Der Vertrieb wuchs mit Hilfe von The Cartel, einem Netzwerk kleiner Vertriebsfirmen wie Red Rhino und Rough Trade Records, die dazu beitrugen, Indie-Veröffentlichungen in Plattenläden in ganz Großbritannien zu bringen. Diese Infrastruktur verschaffte der Independent-Musik eine physische Präsenz in den Läden und ermöglichte es ihr, mit den Veröffentlichungen der Major-Labels zu konkurrieren.

Indie-Labels sorgten auch außerhalb Großbritanniens für Aufsehen. In den USA veröffentlichte Beserkley Records das Debütalbum von The Modern Lovers, und Stiff Records brachte New Rose von The Damned heraus, das als erste britische Punk-Single gilt. In Australien veröffentlichten The Saints (I’m) Stranded über ihr eigenes Label Fatal Records, gefolgt von The Go-Betweens, die mit der Indie-Single Lee Remick debütierten.

Ein wichtiges Kapitel in der Entwicklung des Indie spielte sich in Dunedin, Neuseeland, ab. In den frühen 80er Jahren wurde Flying Nun Records gegründet, das zur Heimat einer Generation von Künstlern wurde, die den sogenannten Dunedin Sound prägten. Laut Audioculture war eine der ersten Bands dieser Szene The Enemy, gegründet von Chris Knox und Alek Bathgate. Obwohl die Band nur kurz existierte, hinterließ sie einen bleibenden Eindruck auf jüngere Musiker wie Shayne Carter, der später DoubleHappys und Straitjacket Fits gründete.

Nach der Auflösung von The Enemy gründete Knox Toy Love und später Tall Dwarfs, eine der ersten Bands, die sich der Heimaufnahme und der Lo-Fi-Ästhetik verschrieben hatten – Schlüsselelemente dessen, was später zum Indie-Sound werden sollte.

Der Dunedin-Sound zeichnete sich durch klirrende Gitarren, gedämpfte Vocals und eine melancholische Stimmung aus. Er erlangte größere Bekanntheit durch die Single „Tally-Ho!“ von The Clean aus dem Jahr 1981 und die Compilation „Dunedin Double“ aus dem Jahr 1982, auf der The Chills, Sneaky Feelings, The Verlaines und The Stones vertreten waren. Der Stil verbreitete sich bald über Dunedin hinaus in Städte wie Christchurch und Auckland und trug dazu bei, den Indie-Rock als eigenständige kulturelle Bewegung zu etablieren.

In den USA wurden College-Radiosender in den 1980er Jahren zu einer wichtigen Plattform für aufstrebende Independent-Musik. Sie spielten Alternative Rock, Post-Punk, Post-Hardcore und New Wave – Musik, die im kommerziellen Radio selten zu hören war. Diese Bands wurden gemeinsam als College-Rock bezeichnet, ein Begriff, der eher mit der Plattform als mit einem bestimmten Genre verbunden war.

Künstler wie R.E.M. und The Smiths waren besonders einflussreich. Der Musikwissenschaftler Matthew Bannister betrachtet sie als einige der ersten echten Indie-Bands. Ihr Einfluss ist in Gruppen wie Let’s Active, The Housemartins und The La’s zu hören. Zu dieser Zeit begann der Begriff „Indie-Rock” nicht nur für Labels, sondern auch für Künstler zu gelten, die ihre Musik unabhängig veröffentlichten.

Der Journalist Steve Taylor wies auch auf die Paisley-Underground-Szene als frühen Teil der Indie-Geschichte hin. Das Genre wurde durch Künstler wie The Jesus and Mary Chain und Jean-Paul Sartre Experience, die beide mit Flying Nun in Verbindung standen, düsterer und atmosphärischer.

Nachdem Lobbyarbeit seitens NPR zu einer Verringerung der Anzahl von College-Radiosendern geführt hatte, begann der Begriff „College Rock“ schließlich zu verblassen. An seine Stelle trat ein flexibleres und dauerhafteres Label – Indie –, das eine ganze Musikgeneration definieren sollte, die Kreativität, Unabhängigkeit und Selbstbestimmung in den Vordergrund stellte.

Jesus and Mary Chain

Die Entwicklung des Indie-Rock: Von C86 zu Grebo und Shoegaze

In Großbritannien kam es zu einem entscheidenden Wendepunkt für die Indie-Szene mit der Veröffentlichung von C86, einer Compilation-Kassette, die 1986 von NME zusammengestellt wurde. Sie enthielt Titel von Primal Scream, The Pastels, The Wedding Present und anderen, die Jangle Pop, Post-Punk und Phil Spector-artige „Wall of Sound”-Produktionen miteinander verbanden. Später bezeichnete der Kritiker Bob Stanley sie als „den Beginn der Indie-Musik”. Der Begriff C86 wuchs schnell über die Kassette hinaus und wurde zum Synonym für eine ganze Welle von Bands mit luftigen Lo-Fi-Sounds – oft als Anorak Pop oder Shambling Indie bezeichnet. Während einige Acts wie Soup Dragons, Primal Scream und The Wedding Present Chart-Erfolge feierten, gerieten viele andere in Vergessenheit.

In den USA bot der Aufstieg von R.E.M. eine Alternative zur Intensität des Hardcore und öffnete die Tür für neue Musiker – insbesondere für diejenigen, die später die Post-Hardcore-Szene prägen sollten, wie Minutemen. Die großen Plattenlabels wurden darauf aufmerksam und nahmen kurzzeitig Bands wie Hüsker Dü und The Replacements unter Vertrag, obwohl deren Veröffentlichungen nicht an den kommerziellen Erfolg von R.E.M. heranreichten. Dennoch war ihr Einfluss nachhaltig. Ende der 80er Jahre veröffentlichten Acts wie Sonic Youth, Dinosaur Jr. und Unrest ihre Musik über Indie-Labels, und bis zum Ende des Jahrzehnts hatten Sonic Youth und Pixies selbst Verträge mit Major-Labels abgeschlossen.

Zu dieser Zeit entstand Shoegaze als Subgenre des Indie-Rock, das den von The Jesus and Mary Chain begründeten „Wall of Sound”-Stil weiterentwickelte. Shoegaze verband diese Textur mit Elementen von Dinosaur Jr. und Cocteau Twins und schuf eine dunkle, verschwommene Atmosphäre, in der die Instrumente oft miteinander verschmolzen. My Bloody Valentine waren mit ihren EPs und ihrem Debütalbum Isn’t Anything frühe Pioniere und inspirierten eine neue Welle von Bands aus London und dem Thames Valley wie Chapterhouse, Moose und Lush. 1990 bezeichnete Steve Sutherland vom Melody Maker diese Szene bekanntlich als „die Szene, die sich selbst feiert”.

Unterdessen entstand Madchester als eine Mischung aus Indie-Rock im C86-Stil, Dance-Musik und hedonistischer Rave-Kultur, wobei psychedelische Elemente eine große Rolle spielten. Die Bewegung hatte ihren Ursprung in Manchester und konzentrierte sich auf den Nachtclub Haçienda, der 1982 von Factory Records eröffnet wurde. Sie bezog ihre Energie aus Acts wie New Order, Cabaret Voltaire und The Smiths. Bis 1989 hatten „Bummed“ von den Happy Mondays und das Debütalbum von The Stone Roses die Szene geprägt. Acts wie The Charlatans, 808 State und Inspiral Carpets folgten bald darauf.

Der Madchester-Sound – eine Mischung aus gitarrenlastigem Indie und tanzbaren Beats – wurde als Indie Dance oder genauer gesagt als Baggy-Subgenre bekannt. Einer der prägenden Momente der Bewegung war das Spike Island-Konzert von The Stone Roses am 27. Mai 1990. Mit 28.000 Fans und einer Laufzeit von 12 Stunden war es das erste große Event dieser Art, das von einer unabhängigen Band organisiert wurde.

Zur gleichen Zeit entwickelte sich in Stourbridge eine eigenständige Szene, bekannt als Grebo. Die Bands mischten Einflüsse aus Punk, Elektronik, Folk und sogar Hip-Hop und schufen einen härteren, dreckigeren Sound. Angeführt von Pop Will Eat Itself, The Wonder Stuff und Ned's Atomic Dustbin war die Bewegung weniger ein Genre als vielmehr ein lokales kulturelles Phänomen. Ihre Singles landeten in den Charts – Wise Up! Sucker und Can U Dig It? von Pop Will Eat Itself schafften es beide in die britischen Top 40 – und Stourbridge wurde für kurze Zeit zu einem Pilgerort für Indie-Fans.

Zwischen 1989 und 1993 erschienen die wichtigsten Alben der Grebo-Szene: Hup und Never Loved Elvis von The Wonder Stuff; God Fodder und Are You Normal? von Ned’s Atomic Dustbin; sowie This Is the Day… This Is the Hour… This Is This! und The Looks or the Lifestyle? von Pop Will Eat Itself. Diese Bands wurden zu Stammgästen beim Reading Festival, verkauften Millionen von Platten und zierten die Titelseiten von NME und Melody Maker.

Was Grebo auszeichnete, waren nicht nur seine eklektischen Einflüsse, sondern auch seine Ablehnung der polierten oder melancholischen Stimmung, die einen Großteil des Indie-Rock prägte. Es umfasste Verzerrung, Prahlerei und eine härtere Note. Ähnliche Bands aus dem nahe gelegenen Leicester – Bomb Party, Gaye Bykers on Acid, Crazyhead, Hunters Club und Scum Pups – schlossen sich bald der Bewegung an und festigten Grebos kurzen, aber lautstarken Platz in der Indie-Geschichte.

Die Spaltung zwischen Mainstream und Underground im Indie-Rock: die 1990er Jahre

In den frühen 1990er Jahren eroberte die Grunge-Szene aus Seattle den Mainstream. Bands wie Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden und Alice in Chains wurden zu bekannten Namen, wobei der Durchbruch von Nirvana massive Aufmerksamkeit auf den Indie-Rock lenkte. Infolgedessen wurde der Begriff Indie-Rock zunehmend durch Alternative Rock ersetzt – ein Label, das im Laufe der Zeit seine ursprüngliche gegenkulturelle Bedeutung verlor. Was einst mit Unabhängigkeit und Außenseiterstatus assoziiert wurde, wurde zum Synonym für eine kommerziellere Version des gitarrenlastigen Rocks, der nun die Charts anführte.

Carl Swanson schrieb im New York Magazine, dass sogar der Begriff „Ausverkauf” in dieser neuen Landschaft an Bedeutung verlor, da Grunge bewies, dass selbst die nischigsten oder radikalsten Bewegungen vom Mainstream absorbiert werden konnten. Was entstand, war eine zersplitterte, individualistische Kultur, die immer noch unter dem Einfluss der großen Plattenlabels und Medien stand.

Der Medienwissenschaftler Roy Shuker stellte in seinem Buch „Popular Music: The Key Concepts” fest, dass Grunge im Wesentlichen zur Mainstream-Version der nordamerikanischen Indie-Rock-Ästhetik der 80er Jahre geworden war. Er vermutete, dass „Unabhängigkeit” zu diesem Zeitpunkt ebenso sehr zu einem Marketinginstrument geworden war wie jede erkennbare klangliche Eigenschaft. Diese Verschiebung führte zu einer klaren Spaltung in der Indie-Rock-Welt: Einige Bands orientierten sich an der Zugänglichkeit des Alternative-Rock-Radios, während andere verstärkt experimentierten und fest im Underground verblieben. Laut AllMusic wurde Indie-Rock in dieser Zeit enger definiert – er bezog sich speziell auf Underground-Acts, während ihre kommerziell erfolgreicheren Kollegen als Alternative neu definiert wurden.

Eine der deutlichsten musikalischen Reaktionen auf diesen Wandel war Slowcore, der sich in den USA als direkter Kontrast zur zunehmenden Dominanz des Grunge entwickelte. Die Grenzen des Slowcore sind zwar verschwommen, aber typischerweise zeichnet er sich durch langsame Tempi, spärliche Instrumentierung und melancholische Texte aus. Galaxie 500 – insbesondere ihr 1989 erschienenes Album On Fire – hatte einen großen Einfluss auf das Genre. Wie Robert Rubsam für Bandcamp Daily schrieb, waren sie „der Ausgangspunkt für alles, was danach kam“. Zur ersten Welle der Slowcore-Bands gehörten Red House Painters, Codeine, Bedhead, Ida und Low. Das Genre war nicht an eine bestimmte Stadt oder Szene gebunden, und viele seiner Künstler entwickelten sich relativ isoliert voneinander.

Um 1991 begann sich eine jüngere, rauere Abspaltung der Grebo-Bewegung zu bilden. Diese Bands wurden als „Fraggle“ bezeichnet – ein etwas ironischer Name für Gruppen, die stark vom Punk und Nirvanas Bleach beeinflusst waren und oft Drum Machines einsetzten. Stephen Klain von Gigwise beschrieb den Sound als „schmutzige Gitarren, noch schmutzigere Haare und T-Shirts, die nur eine Mutter waschen würde“. Zu den bekanntesten Fraggle-Bands gehörten Senseless Things, Mega City Four und Carter the Unstoppable Sex Machine. Sie trugen den Indie-Spirit weiter, aber mit einer chaotischeren Energie und einem visuellen Stil, der trotzig ungeschliffen war.

Senseless Things

Der Spin-Autor Charles Aaron beschrieb Pavement und Guided by Voices als „die beiden Bands, die den Indie-Rock dieser Ära geprägt haben und für viele immer noch verkörpern, was dieser Begriff bedeutet“. Beide Gruppen pflegten einen Lo-Fi-Produktionsstil, der ihre DIY-Ethik widerspiegelte und romantisierte. Das 1992 erschienene Album Slanted and Enchanted von Pavement wurde zu einem Meilenstein des Slacker-Rock-Subgenres. Rolling Stone bezeichnete es als „das Indie-Rock-Album schlechthin“ und nahm es in seine Liste der 500 besten Alben aller Zeiten auf.

Im Research Triangle in North Carolina wurde die Indie-Szene von Bands angeführt, die bei Merge Records unter Vertrag standen, darunter Superchunk, Archers of Loaf und Polvo. Diese Bands prägten eine regionale Bewegung, die sowohl vom Hardcore-Punk als auch vom Post-Punk beeinflusst war. Zu dieser Zeit bezeichneten Medien wie Entertainment Weekly Chapel Hill als „das nächste Seattle“. Die Single „Slack Motherfucker“ von Superchunk wurde vom Columbia Magazine als definierende Hymne des Indie-Rock der 90er Jahre und Symbol für das Slacker-Stereotyp hervorgehoben.

In Großbritannien drängte der Aufstieg des Britpop viele frühe Indie-Rock-Bands in den Hintergrund. Angeführt von Blur, Oasis, Pulp und Suede positionierten sich Britpop-Acts zunächst als Underground-Alternative – als Reaktion auf die Dominanz der amerikanischen Grunge-Szene. Obwohl der Britpop einen Großteil seines Stils dem Indie-Rock verdankte und als Teil dieser Tradition begann, lehnten viele Bands den frühen Anti-Establishment-Geist des Genres ab. Stattdessen brachten sie den Indie fest in den Mainstream, indem Acts wie Blur und Pulp Verträge bei großen Plattenlabels unterschrieben.

In ihrem Essay „Labouring the Point? The Politics of Britain in ‚New Britain‘“ argumentierte die Wissenschaftlerin und Politikerin Rupa Huq, dass Britpop „als Ableger der britischen Independent-Musikszene begann, diese aber letztendlich zerstört haben könnte, da Indie und Mainstream miteinander verschmolzen sind – wodurch das Protestelement, das einst die britische Indie-Musik geprägt hatte, ausgelöscht wurde“. Der Musikjournalist John Harris führt die Ursprünge des Britpop auf das Frühjahr 1992 zurück, als Blurs vierte Single „Popscene“ und Suedes Debütsingle „The Drowners“ fast zeitgleich veröffentlicht wurden. „Wenn Britpop irgendwo seinen Anfang nahm“, schrieb er, „dann in der Welle der Begeisterung, die die frühen Singles von Suede auslösten: kühn, triumphierend und unverkennbar britisch.“ Suede war die erste einer neuen Welle von Gitarrenbands, die von der britischen Musikpresse als britische Antwort auf den Grunge aus Seattle gefeiert wurden. Ihr selbstbetiteltes Debütalbum wurde zum damals am schnellsten verkauften Debütalbum in der Geschichte Großbritanniens.

Das Debütalbum Diary (1994) von Sunny Day Real Estate trug dazu bei, eine neue Welle des Emo einzuleiten, indem es emotionale Themen mit der Ästhetik des Indie-Rock verband. Neben Bands wie Piebald, The Promise Ring und Cap’n Jazz distanzierte sich die zweite Welle des Emo von ihren Hardcore-Wurzeln und entwickelte sich zu einem melodischeren und strukturell raffinierteren Genre.

Diese neuere Interpretation des Emo gelangte Anfang der 2000er Jahre mit Platin-Alben wie Bleed American (2001) von Jimmy Eat World und The Places You Have Come to Fear the Most (2001) von Dashboard Confessional in den Mainstream. Eine besonders einflussreiche Strömung dieser Bewegung entstand im Mittleren Westen, wo Bands wie American Football schimmernde Gitarrenklänge und Math-Rock-Elemente zu einem unverwechselbaren Sound verschmolzen. Die steigende Popularität des Emo trug auch dazu bei, die Sichtbarkeit von „Zwischenformen“ wie Death Cab for Cutie, Modest Mouse und Karate zu erhöhen – Bands, die nicht eindeutig in die Kategorien Emo oder Indie passten, sondern irgendwo in der Überschneidung florierten.

Unterdessen brachte das Kollektiv Elephant 6 – mit Apples in Stereo, Beulah, Circulatory System, Elf Power, The Minders, Neutral Milk Hotel und The Olivia Tremor Control – eine psychedelische Note in den Indie-Rock. In Gimme Indie Rock würdigte der Autor Andrew Earles das Kollektiv – insbesondere Neutral Milk Hotels On Avery Island (1996) – dafür, dass es den Indie in einer Zeit künstlerisch relevant hielt, in der andere Underground-Bewegungen zu verblassen begannen oder zum Mainstream wurden.

Indietronica (oder Indie-Elektronik) entstand als weiterer Fusionspunkt, der Indie-Rock-Strukturen mit elektronischer Produktion – Samplern, Synthesizern, Drumcomputern und Software – verband. Indietronica war weniger ein spezifisches Genre als vielmehr eine breitere Bewegung in den frühen 90er Jahren, die sich auf Krautrock, Synth-Pop und experimentelle Traditionen wie den BBC Radiophonic Workshop stützte. Zu den wegweisenden Acts gehörten die britischen Bands Disco Inferno, Stereolab und Space, wobei die meisten Künstler mit Labels wie Warp, Morr Music, Sub Pop oder Ghostly International verbunden waren.

Space Rock, ein weiterer Zweig des Indie, ließ sich von Psychedelic Rock, Ambient-Texturen und dem kosmischen Stil von Pink Floyd und Hawkwind inspirieren. Ausgehend von Spacemen 3 in den 80er Jahren verbreitete sich dieser Stil durch Bands wie Spiritualized, Flying Saucer Attack, Godspeed You! Black Emperor und Quickspace, die Drone, Atmosphäre und Indie-Strukturen miteinander verbanden.
 Als der Britpop Ende der 90er Jahre an Bedeutung verlor, schuf sich der Post-Britpop seinen eigenen Platz innerhalb des britischen Indie-Rock. Um 1997 wuchs die Enttäuschung über Cool Britannia, und Bands begannen, sich vom Britpop-Label zu distanzieren – auch wenn sie stilistische Verbindungen beibehielten. Mit dem Niedergang des Britpop erlangten neue Bands eine breitere Anerkennung durch Kritiker und Publikum. Urban Hymns (1997) von The Verve war ein weltweiter Hit und markierte den kommerziellen Höhepunkt der Band, bevor sie sich 1999 auflöste. Radiohead hatte unterdessen mit The Bends (1995) nur mäßigen Erfolg, schaffte aber mit OK Computer (1997) den Durchbruch, gefolgt von den genreübergreifenden Alben Kid A (2000) und Amnesiac (2001), die große Anerkennung fanden.

Stereophonics mischten Post-Grunge- und Hardcore-Einflüsse auf Alben wie Word Gets Around (1997) und Performance and Cocktails (1999), bevor sie sich auf Just Enough Education to Perform (2001) und späteren Veröffentlichungen einem melodischeren Songwriting zuwandten.

Feeder, ursprünglich im amerikanischen Post-Grunge verwurzelt, fanden mit ihrer Durchbruchssingle Buck Rogers und dem Album Echo Park (2001) zu einem härteren, radiofreundlicheren Sound. Nach dem Tod ihres Schlagzeugers Jon Lee schlug die Band mit Comfort in Sound (2002) eine introspektivere Richtung ein, die zu ihrem kommerziell erfolgreichsten Indie-Rock-Release wurde und eine Reihe von Hit-Singles hervorbrachte.

Die kommerziell erfolgreichste Indie-Rock-Band des neuen Jahrtausends war Coldplay, deren erste beiden Alben – „Parachutes“ (2000) und „A Rush of Blood to the Head“ (2002) – mit Multi-Platin ausgezeichnet wurden und die mit der Veröffentlichung von „X&Y“ im Jahr 2005 ihren Platz als globale Superstars festigten. Unterdessen wurde Chasing Cars von Snow Patrol (aus ihrem 2006 erschienenen Album Eyes Open) zum meistgespielten Song im britischen Radio des 21. Jahrhunderts.

Der Aufstieg des Indie-Rock zum Mainstream: Die 2000er Jahre

Der Aufstieg des Indie-Rock in den 2000er Jahren begann mit The Strokes und ihrem Debütalbum Is This It aus dem Jahr 2001. Die Band knüpfte an den Geist von Bands der 60er und 70er Jahre wie The Velvet Underground und The Ramones an und wollte, wie sie selbst sagten, wie „eine Gruppe aus der Vergangenheit klingen, die in die Zukunft gereist ist, um eine Platte aufzunehmen“. Das Album erreichte zwar nur Platz 33 in den US-Charts, blieb aber zwei Jahre lang in den Charts und debütierte in Großbritannien auf Platz 2. Zu dieser Zeit wurde der Mainstream-Rock von Post-Grunge, Nu-Metal und Rap-Rock dominiert, sodass das rohe Garage-Rock-Revival von The Strokes einen starken Kontrast bildete – und wie ein frischer Wind wirkte.

Der Erfolg der Band trug dazu bei, andere New Yorker Acts mit Vintage-Einflüssen ins Rampenlicht zu rücken, darunter Yeah Yeah Yeahs, Interpol und TV on the Radio. Zu dieser vom Garagenrock inspirierten Welle gehörten auch The White Stripes, The Vines und The Hives, die von den Medien schnell als „die“ Bands bezeichnet wurden. Rolling Stone hielt diesen Moment mit seiner Titelseite vom September 2002 fest, auf der es hieß: „Rock Is Back!“

Die Dynamik von The Strokes löste auch ein Revival der verblassenden Post-Britpop-Underground-Szene in Großbritannien aus. Inspiriert von ihrem Sound begann eine Welle britischer Bands, ihren Ansatz zu überarbeiten. Zu den frühen herausragenden Vertretern gehörten Franz Ferdinand, Kasabian, Maximo Park, The Cribs, Bloc Party, Kaiser Chiefs und The Others. Aber The Libertines, gegründet 1997, galten als die direkte Antwort Großbritanniens auf The Strokes. AllMusic beschrieb sie als „eine der einflussreichsten britischen Bands des 21. Jahrhunderts”, während The Independent feststellte: „The Libertines wollten eine wichtige Indie-Rock-Band sein, konnten aber nicht vorhersagen, wie sehr sie die Szene prägen würden.”

The Libertines verbanden Einflüsse von The Clash, The Kinks, The Smiths und The Jam und schufen einen Sound aus blechernen, höhenreichen Gitarren und Texten über das britische Leben, gesungen in unverkennbarem englischen Akzent. Ihr Stil verbreitete sich schnell unter Bands wie The Fratellis, The Kooks und The View, die alle großen kommerziellen Erfolg hatten. Aber keine Gruppe hatte einen größeren Einfluss als Arctic Monkeys aus Sheffield – eine der ersten Bands, die die Macht der sozialen Medien nutzte, um sich eine Fangemeinde aufzubauen. Ihr Debütalbum Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not aus dem Jahr 2006 wurde nach zwei Nummer-1-Singles zum am schnellsten verkauften Debütalbum in der Geschichte der britischen Charts.

Diese Welle der Popularität verhalf traditionell eher undergroundigen Acts zum Durchbruch im Mainstream. Modest Mouse schaffte es mit „Good News for People Who Love Bad News“ (2004) in die US-Top 40 und erhielt eine Grammy-Nominierung. Bright Eyes landete 2004 zwei Nummer-1-Singles in den Billboard Hot 100 Single Sales Charts. „Plans“ (2005) von Death Cab for Cutie debütierte auf Platz 4 in den USA, blieb fast ein Jahr lang in den Billboard-Charts, wurde mit Platin ausgezeichnet und erhielt ebenfalls eine Grammy-Nominierung. Da „Indie“ plötzlich überall zu finden war – von Musik über Mode bis hin zu Filmen – begannen einige Kritiker zu argumentieren, dass der Begriff seine Bedeutung völlig verloren habe.

Unterdessen erlebten die USA eine zweite Welle von Indie-Bands, die weltweite Anerkennung fanden. Gruppen wie The Black Keys, Kings of Leon, The Shins, The Bravery, Spoon, The Hold Steady und The National waren sowohl bei Kritikern als auch kommerziell erfolgreich. Der größte Durchbruch gelang The Killers, die 2001 in Las Vegas gegründet wurden. Nachdem sie Is This It gehört hatten, verwarfen sie einen Großteil ihres frühen Materials und schrieben es unter dem Einfluss von The Strokes neu.

Ihre Debütsingle „Mr. Brightside“ wurde zu einem Phänomen. Bis April 2021 war der Titel 260 Wochen (fünf Jahre) in den britischen Single-Charts vertreten – länger als jeder andere Song. Bis 2017 war er in 11 der letzten 13 Jahre in den Charts vertreten, darunter 35 Wochen lang mit einer Höchstplatzierung auf Platz 49 in den Jahren 2016–2017. Bis Ende 2018 war er der meistgestreamte Indie-Rock-Song in der Geschichte Großbritanniens und wurde noch 2017 hunderte Male pro Woche heruntergeladen. Im März 2018 erreichte „Mr. Brightside“ einen weiteren Meilenstein: 200 Wochen in den britischen Top 100.

Der Erfolg von Bands wie The Strokes, The Libertines und Bloc Party löste eine Welle des Interesses der großen Plattenlabels an der Indie-Rock-Szene aus – ein Trend, der sich nach dem Durchbruch der Arctic Monkeys noch verstärkte. In den Jahren nach der Veröffentlichung von „Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not“ tauchte eine Flut neuer Bands auf, darunter The Rifles, The Pigeon Detectives und Milburn. Viele dieser Acts boten eine eher formelhafte, verwässerte Version des Sounds ihrer Vorgänger.

Am Ende des Jahrzehnts begannen Kritiker, diese Welle als „Landfill Indie“ zu bezeichnen – ein Begriff, der von Andrew Harrison vom Word Magazine geprägt wurde, um die Flut von ununterscheidbaren Gitarrenbands zu beschreiben, die den Mainstream überschwemmten. In einem Artikel von Vice aus dem Jahr 2020 wurde Razorlight-Frontmann Johnny Borrell als „der Mann, der Landfill Indie definiert, verkörpert und gelebt hat” bezeichnet. Obwohl Razorlight an die rohe Energie und das mythische Liebe-Hass-Chaos von The Libertines anknüpfte, galt die Band als Symbol für eine Band, die die Oberfläche, aber nicht die Seele der Bewegung verkörperte – „beeindruckend durchschnittlich”, wie es in dem Artikel hieß.
 In einer Kolumne im Guardian aus dem Jahr 2009 erklärte der Journalist Peter Robinson die Landfill-Indie-Ära offiziell für beendet. Er hob The Wombats, Scouting for Girls und Joe Lean & the Jing Jang Jong als letzte Nägel im Sarg hervor. „Wenn Landfill Indie ein Buckaroo-Spiel wäre“, schrieb er, „hätten diese drei die ganze Ladung radiofreundlicher Monotonie in die Luft gejagt.“

Landfill Indie wurde schließlich zum Symbol dafür, wie Indie-Rock, einst eine rebellische Alternative zum Mainstream, gesättigt, kommerzialisiert und seiner Schärfe beraubt worden war.

Der anhaltende Erfolg des Indie-Rock: 2010er Jahre bis heute

Der kommerzielle Erfolg des Indie-Rock setzte sich bis weit in die 2010er Jahre fort, mit großen Veröffentlichungen wie Arcade Fires The Suburbs (2010), „Turn Blue“ (2014) von The Black Keys, „Walls“ (2016) von Kings of Leon und „Wonderful Wonderful“ (2017) von The Killers, die sowohl die Billboard 200 in den USA als auch die offiziellen Albumcharts in Großbritannien anführten. „The Suburbs“ wurde 2011 sogar mit dem Grammy für das Album des Jahres ausgezeichnet. Andere Indie-Künstler – Florence and the Machine, The Decemberists und LCD Soundsystem – landeten in diesem Jahrzehnt auf Platz 1 der US-Single-Charts, während Bands wie Vampire Weekend, Bon Iver, Death Cab for Cutie, The Postal Service und Arctic Monkeys Platin-Verkaufszahlen erreichten.

Das dritte Album von Vampire Weekend, Modern Vampires of the City (2013), gewann 2014 den Grammy für das beste Alternative-Album, und 2019 beschrieb es der Consequence-Autor Tyler Clark als „das Aushängeschild des Indie-Rock in der breiteren Musikwelt“. „AM“ (2013) von Arctic Monkeys wurde zu einem der größten Indie-Rock-Alben des Jahrzehnts – es debütierte auf Platz 1 in Großbritannien, verkaufte sich in der ersten Woche 157.329 Mal und wurde zum zweitbestverkauften Album des Jahres. Mit „AM“ war die Band die erste Independent-Band, die mit ihren ersten fünf Alben auf Platz 1 in Großbritannien debütierte. Bis Juni 2019 war AM 300 Wochen lang in den Top 100 der britischen Albumcharts vertreten. Das Album erreichte außerdem Platz 1 in Australien, Belgien (Flandern), Kroatien, Slowenien, Dänemark, Irland, den Niederlanden, Neuseeland und Portugal und stieg in mehreren anderen Ländern in die Top 10 ein.

In den USA verkaufte sich AM in der ersten Woche 42.000 Mal und debütierte auf Platz 6 der Billboard 200, womit es zum erfolgreichsten Album der Arctic Monkeys in den USA wurde. Bis August 2017 wurde das Album von der RIAA mit Platin ausgezeichnet, nachdem es sich in den USA über 1 Million Mal verkauft hatte. Bis zum 14. April 2023 wurden alle Titel des Albums von der BPI mit Silber oder höher ausgezeichnet, wobei „Mad Sounds“ als letzter Titel diesen Meilenstein erreichte.

Arcade Fire

In den frühen 2010er Jahren begann The 1975, Indie-Rock mit Pop-Elementen zu verbinden – ein Schritt, der die Kritiker zunächst polarisierte. Bei den NME Awards 2014 wurden sie zur „schlechtesten Band“ gekürt, aber 2017 nahmen sie den Preis für die „beste Live-Band“ mit nach Hause. Yasmine Summan von Alternative Press schrieb, wenn man die Jahre 2013 und 2014 für Fans von Indie- und Alternative-Musik in einem einzigen Album zusammenfassen könnte, wäre es das selbstbetitelte Debütalbum von The 1975. In The Guardian würdigte der Journalist Mark Beaumont die Band dafür, dass sie „Indie-Rock in den Mainstream gebracht hat“, und verglich den Einfluss von Frontmann Matty Healy mit dem von Pete Doherty von The Libertines. Pitchfork listete The 1975 ebenfalls als einen der einflussreichsten Acts in der Musik seit 1995 auf.

Der Erfolg der Band löste eine Welle von Indie-Pop-Acts mit ähnlichem Stil aus, eine Bewegung, die einige Kritiker als „Healywave“ bezeichneten. Zu den bekanntesten Namen gehörten Pale Waves, The Aces, Joan, Fickle Friends und No Rome. Unter ihnen stach Pale Waves kommerziell hervor. Ihr Debütalbum My Mind Makes Noises erreichte Platz 8 in den britischen Charts, Who Am I? (2021) Platz 3 und Unwanted (2022) Platz 4.

Etwa zur gleichen Zeit entwickelte sich Wolf Alice zu einer wichtigen Größe in der Szene. Ihr zweites Album Visions of a Life (2017) gewann 2018 den renommierten Mercury Prize, und ihr drittes Album, Blue Weekend (2021), wurde nominiert. Martin Young schrieb 2021 für Dork: „Man kann gar nicht genug betonen, wie wichtig Wolf Alice sind. Sie waren der Katalysator hinter fast jeder brillanten Band, über die Sie in den letzten fünf Jahren in Dork gelesen haben.“

Kultige Indie-Rock-Alben und -Songs

Als Buzzcocks 1977 Spiral Scratch veröffentlichten, war dies das erste Indie-Album im modernen Sinne. Ursprünglich in einer bescheidenen Auflage von nur 1.000 Exemplaren gepresst, waren die Band und die Branche schockiert, als die Nachfrage sie zwang, 15.000 weitere Exemplare zu drucken. Der Erfolg der EP markierte den Beginn einer wachsenden Gemeinschaft von Künstlern, die sich der Unabhängigkeit vom Major-Label-System verschrieben hatten.

Ein weiteres wegweisendes Indie-Album war Ten von Pearl Jam. Obwohl Ten eher mit Grunge in Verbindung gebracht wird, spielte es eine wichtige Rolle bei der Definition des Sounds der Seattle-Szene der 1990er Jahre und trug dazu bei, den Begriff „Grunge“ in den allgemeinen Sprachgebrauch zu bringen. Wie viele Indie- und Alternative-Veröffentlichungen dieser Zeit fand das Album zunächst nur langsam Anklang und brauchte etwa ein Jahr, um in die Billboard-Charts zu kommen.

Textlich hat sich Indie-Rock schon immer dem Storytelling verschrieben – oft sehr persönlich und emotional.
Nirvanas „Smells Like Teen Spirit“ fing die Angst und Verwirrung der unter Druck stehenden Jugend ein.

„Say It Ain’t So“ von Weezer erzählte die Geschichte einer durch Alkohol zerrütteten Familie, inspiriert von der Kindheit des Frontmanns Rivers Cuomo. „Mr.
Brightside“ von The Killers zeichnete ein lebhaftes Bild von Eifersucht und Herzschmerz – ein Mann, der von dem Gedanken verfolgt wird, seine Geliebte an jemand anderen zu verlieren.

Diese Songs mit ihren rohen Emotionen und klanglichen Experimenten trugen dazu bei, den Kern des Indie-Rock zu formen, und inspirieren auch heute noch neue Generationen von Musikern.

Die Zukunft des Indie-Rock

Da Indie-Musik immer zugänglicher und mainstreamiger wird, glauben viele, dass die Zukunft der Musikindustrie in den Händen unabhängiger Künstler liegen könnte. Mit weniger Gatekeepern sind Indie-Musiker frei, Grenzen zu überschreiten, neue Klänge zu erkunden und ihre eigene Identität nach ihren eigenen Vorstellungen zu entwickeln.

Die neue Welle von Künstlern wird oft als genreübergreifend beschrieben – sie verwischt die Grenzen zwischen Rock, Pop, Hip-Hop und mehr. Künstler wie Dominic Fike und Declan McKenna stehen für diesen Wandel und schaffen Musik, die sich einer einfachen Klassifizierung entzieht. Da die Musikindustrie und ihre Zuhörer immer vielfältiger und aufgeschlossener werden, wird Indie-Rock – in all seinen sich entwickelnden Formen – weiter wachsen, sich weiterentwickeln und neu definieren, was moderne Musik sein kann.