Arreglos musicales

La composición musical existe desde hace muchos años y es una característica esencial de cualquier estilo o género musical. Algunos de los mejores músicos han adaptado partes de su obra a otras obras y/o han adaptado la obra de otros músicos.

Bach, Beethoven, Korsakov, Ravel y muchos otros contribuyeron al campo de los arreglos musicales, pero vale la pena comprender que el proceso puede tener un significado diferente cuando se trata de la creación musical moderna.

El arreglo es la creación de música utilizando piezas musicales existentes. Esto incluye, por ejemplo, los arreglos de un instrumento concreto en una canción pop o la reorganización de una canción mediante el reensamblaje de las diferentes partes o secciones de la misma.

En los diferentes estilos musicales hay diferentes estructuras de arreglos, como la forma A/A/B/A de 32 compases de cambios de ritmo en el jazz o la estructura de blues de 12 compases, y dentro de la estructura, las voces de los acordes, el sentido rítmico y el tempo pueden hacer que el arreglo musical sea único.

Hay tres tipos de arreglos que debes tener en cuenta para crear tu propia música de alta calidad.

1. Estructural, que se refiere al movimiento de la energía, las secciones y las transiciones en tu música.
2. Instrumental, que es cómo se tocan las notas, los acordes y las melodías con los distintos instrumentos. Recuerda que puede cambiar a lo largo de la pista. Pasar una melodía de la voz al sintetizador puede hacer que suene nueva y refrescante.
3. Arreglo de posición, que se refiere a cómo se posiciona el sonido en tu mezcla. Definir su volumen, panoramización, profundidad y sensación de presencia.

En este artículo, te explicaremos en detalle la importancia de los arreglos musicales en la producción musical.

Consejos para arreglistas principiantes en pop

Asegúrate de que la canción funciona por sí sola

¿Funciona la canción por sí sola si la tocas solo con el piano o la guitarra mientras cantas? Si la canción aún no es «genial» por sí sola, ninguna técnica de arreglo o producción musical lo solucionará.

Ten en cuenta las siguientes preguntas:

• ¿Tienes un estribillo potente?
• ¿La melodía principal está bien construida?
• ¿Tienes un buen «gancho» melódico o armónico?
• ¿Tiene un pulso rítmico (incluso las baladas tienen un pulso fuerte)?

Trabaja en tu canción hasta que suene bien «desnuda», solo con el piano/guitarra y la voz. Es muy importante seguir este paso. Una mala canción seguirá siendo mala, incluso con los mejores arreglos y producción. Una buena canción seguirá siendo una buena canción.

Comprueba qué géneros abarca la canción

Antes de empezar a arreglar la música o una canción, debes preguntarte: ¿qué género(s) abarca?

Una vez decidido esto, puede ser muy útil encontrar un par de pistas de referencia. Las pistas de referencia son increíblemente importantes tanto en la fase de arreglo/producción como en la fase de mezcla/masterización de cualquier grabación. Algunas personas podrían decir: «No quiero copiar a nadie porque quiero ser completamente original».

Pero la verdad es que incluso los profesionales más destacados, que son los más originales, consultan constantemente otros materiales. No te preocupes por copiar a otra persona, a menos que estés copiando literalmente nota por nota, instrumento por instrumento, etc.

Asegúrate de que la canción tenga la duración suficiente

Este paso es un poco parecido al primero. Sin embargo, es posible que el arreglista/productor quiera cambiar la forma de la canción para la grabación. A veces, la forma en que un intérprete interpreta una canción en directo puede ser diferente de la versión de estudio. Para la versión grabada, es muy importante que la canción sea lo más concisa posible.

Asegúrate de tener una voz principal decente

Grabar una voz principal te ayudará a tomar decisiones durante el arreglo. Por ejemplo, sin escuchar la voz principal, es fácil hacer un arreglo musical demasiado denso. Como resultado, esto no solo dará lugar a una grabación final menos agradable, sino que también hará que sea mucho más difícil trabajar con ella durante la mezcla. Las mejores canciones grabadas tienen arreglos que logran el equilibrio perfecto en cuanto a la densidad de la producción.

Todos los diferentes elementos del arreglo/producción deben tener su propio espacio y rango sonoro.

Por ejemplo, no es conveniente que el bajo toque una línea y los teclados toquen otra en el mismo rango.

Batería y otros componentes rítmicos

Además de la voz principal, la parte más importante del arreglo musical son los componentes percusivos/rítmicos de la canción. Ocupan la mayor parte del espacio sonoro, proporcionan al oyente un «groove» y determinan en gran medida el sentimiento de la canción.

Si la pista va a contar con un baterista real, tu arreglo debe limitarse a esbozar la dirección general de lo que debe tocar el baterista.

No te concentres demasiado en programar la pista con ritmos. Un buen baterista tomará esas decisiones por ti.

Esto nos lleva a otro punto. Necesitas un baterista realmente bueno que pueda tocar a tiempo si vas a añadir batería acústica. Tiene que estar perfectamente grabada.

Si la batería no se graba a la perfección, el sentimiento y la canción se ven muy afectados y, si se edita, resulta más difícil alinear las secciones. Recuerda que siempre puedes hacer que suene más áspero o con un estilo lo-fi. Solo tienes que elegir cuántos canales de micrófono se incluyen en la mezcla final y qué tipo de procesamiento se utilizará.

Si programas la batería tú mismo, lo cual puedes hacer fácilmente en el secuenciador online Amped Studio, debes pensar como un baterista y tener en cuenta las transiciones entre las diferentes secciones de la canción. Puedes pasar del hi-hat al ride en el estribillo y añadir un pequeño relleno entre secciones. Además, intenta utilizar una batería adecuada para la canción cuando programes. Probablemente no querrás utilizar un kit 808 para una canción de hard rock si intentas emular a un baterista en directo de ese género.

Si no estás familiarizado o no tienes experiencia con la programación de batería, hazlo sencillo y asegúrate de que la parte de batería realza la canción y no distrae de ella.

Algunos productores experimentados suelen manipular el ritmo moviendo ligeramente la batería unos milisegundos por delante del compás y retrasando el hi-hat. Esto depende de la canción y debe elegirse con buen gusto. Existen maravillosos plugins de «groove» para MIDI que cambian sutilmente la velocidad y el tiempo mientras programas la batería. La única regla es: ¡experimenta!

Bajo y elementos de bajo

Una vez especificada la batería en el arreglo musical, lo siguiente en la mayoría de los casos es el bajo (o los elementos de bajo).

Si se trata de una canción pop estándar, debes asegurarte de que el bajo «se abra» en el estribillo, es decir, que el bajo no suene en un registro alto cuando el estribillo baja.

Si tu pista tiene un bajista «real», es extremadamente importante que se grabe y se toque de forma profesional, al igual que la batería. No hay nada peor para tu pista que la falta de claridad del bajo y las frecuencias bajas. Asegúrate de que la parte de bombo de la batería y la parte del bajo funcionan juntas.

Si tu pista tiene bajo sintetizado, ten cuidado con los subgraves y los presets elegantes. Si el subwoofer es el único bajo de tu pista, el patch debe estar diseñado para tener armónicos en el rango medio, de modo que el oído pueda encontrarlos mientras se escucha en altavoces que no tienen buenas frecuencias graves.

Por ejemplo, es posible que no escuches ciertos patches de subwoofer en ordenadores portátiles, iPhones y algunos auriculares y equipos de sonido para coches. Por eso siempre es bueno escuchar la mezcla de una canción en diferentes dispositivos antes de finalizarla.

Lo que suena muy bien en un estudio o en una discoteca con sistemas de graves potentes, en otros dispositivos o lugares puede sonar demasiado «agudo».

Puedes encontrar un preset de bajos mientras trabajas con uno de tus sintetizadores favoritos en Amped Studio que suena genial de forma aislada, pero que no es adecuado para el arreglo o domina la canción. Ten cuidado al trabajar con bajos «estéreo» y patches que contienen muchas frecuencias agudas.

En la mayoría de los casos, lo que quieres es un patch de bajo que sea monofónico y no demasiado alto en el espectro de frecuencias. Sin embargo, ¡hay excepciones! La experiencia te ayudará a tomar las decisiones correctas.

Este artículo se basa en arreglos de canciones pop, por lo que algunos de estos consejos no son válidos para ciertos géneros, especialmente en lo que se refiere al bajo y la batería.

El principal componente armónico impulsor

Esta parte del arreglo musical puede ser bastante abierta y libre, pero debes abordar este punto con gran responsabilidad. Para comprender qué instrumentos puedes utilizar, vale la pena escuchar tus canciones favoritas.

En muchas canciones, el instrumento principal que complementa la voz principal es la guitarra o el piano. Estos instrumentos son los que más probablemente se toquen a lo largo de la canción. Una vez que hayas decidido este tema, puedes completar el arreglo con el material elegido.

Aprender a hacerlo solo con leer un artículo es extremadamente difícil. Se trata de prueba y error y experiencia. Entonces tendrás libertad para utilizar tus instrumentos armónicos para formar el esbozo de la canción. Las voces de los acordes, las transiciones entre acordes y los tonos principales son buenas herramientas para mejorar la estructura básica de los acordes en un arreglo. Si eres nuevo en el mundo de los acordes, prueba Chord Creator en Amped Studio para ver y escuchar cómo funcionan los acordes y las progresiones. Es un buen punto de partida para aprender sobre la estructura armónica.

Hay tendencias en las canciones en los aspectos armónicos del pop, como en las secciones del estribillo, en las que se utilizan más instrumentos o densidad para que el arreglo sea más compacto. En cuanto a las secciones de la estrofa, probablemente las harás más escasas.

Algunos ejemplos clásicos son duplicar las guitarras en la sección del estribillo (y panoramizarlas a izquierda y derecha) o convertir cualquier fuente de mono a estéreo.

Si decides utilizar una sección de vientos o cuerdas en tu arreglo, debes asegurarte de que las partes encajen perfectamente con la canción. La mayoría de las canciones no pueden tener un arreglo musical complejo. En la mayoría de los casos, querrás utilizar instrumentos de viento para rellenar los huecos con líneas deliciosamente sencillas o para «complementar» las partes en las que canta el vocalista. Lo mismo ocurre con las cuerdas. Existen algunas bibliotecas de muestras excelentes para cuerdas y trompas, pero utilizarlas resulta difícil sin estudiar y comprender las relaciones básicas entre los acordes y los arreglos de cuerdas y trompas. Si tienes la suerte de trabajar con un arreglista de cuerdas experimentado y grabar una sección de cuerdas o un conjunto de trompas en directo, será todo un placer escucharlo y experimentarlo.

Una revisión de la música pop moderna y el EDM

Al crear un arreglo musical, es muy importante escuchar muchas canciones de este estilo y comprender cómo encajan todas las piezas.

Hay muchos estilos diferentes dentro del EDM, por lo que es importante escuchar y comprender las características básicas de las pistas que te gustan en un estilo específico. Piensa en el tempo, los sonidos de bajo y bombo, y los patrones rítmicos y ganchos del sintetizador. Cada estilo tiene elementos específicos que se incorporan al estilo para el arreglo.

La mayoría de las canciones pop básicas tienen una introducción, una estrofa, un estribillo (refrain o gancho), un puente y una salida.

Suplemento de efectos

¿Cuál es el paso final para aprender a arreglar música o una canción? Añadir los efectos.

En un arreglo acústico, esto podría ser la adición de percusión a diferentes partes del arreglo. Ejemplos clásicos serían la parte de shaker en la segunda estrofa y la pandereta en el puente.

En estilos más modernos, serían todos los «ruidos blancos» y efectos de sonido como breaks, risers, uplifters, down lifters, etc.

Al utilizar estos efectos, es muy importante que encajen con la canción.

Por ejemplo, no todos los paquetes de efectos funcionarán para todos los arreglos musicales. Aún mejor, si creas tu propio efecto especial para cada canción. Lleva más tiempo, pero puede dar grandes resultados. Si utilizas soluciones ya preparadas (lo cual está perfectamente bien), solo asegúrate de tener acceso a muchas bibliotecas diferentes para no limitarte a utilizar solo unas pocas favoritas.

Pasando al proceso de grabación y producción

Una vez que hayas terminado los arreglos musicales y vocales, estarás listo para pasar a la grabación y/o mezcla.

A menudo, en esa etapa, la pista puede cambiar ligeramente. Por ejemplo, el proceso de mezcla puede indicar que necesitas eliminar o añadir ciertos elementos del arreglo, y eso está perfectamente bien. Todos los procesos de grabación de canciones fluyen entre sí hasta cierto punto. Solo tienes que estar atento a cómo suena la canción en su conjunto. Escúchala justo después de escuchar una de tus canciones favoritas del estilo que estás tratando de emular.

El producto final es mucho más importante que todos los pequeños detalles que se comentan aquí, y es muy fácil confundirse con todos los detalles.

Una buena canción es una buena canción, así que asegúrate de que, en el proceso de arreglar y crear la música, estás mejorando la canción.

Una mala canción es una mala canción, y por muy bien que esté hecha, arreglada o mezclada, así que si te gusta el arreglo, reescribe la canción para que sea mejor.

Arreglos en la música clásica

El arte de arreglar y adaptar música existe desde hace siglos. Durante el Renacimiento, la tabulación (un tipo de arreglo) era muy popular. Se trataba de arreglar piezas vocales o de conjunto para que se tocaran en el teclado o el laúd solistas.

En el mismo periodo, se publicaron madrigales ingleses para diferentes voces, lo que indicaba que podían interpretarse de diferentes maneras. Sin embargo, se hicieron para su uso en varios mercados.

Los arreglos musicales también fueron populares durante el periodo barroco, cuando muchos grandes músicos tomaron prestadas obras de otros artistas o reinterpretaron sus propias obras. Un gran ejemplo de esa época es Bach. Algunas de sus obras eran arreglos de obras de Antonio Vivaldi. ¡Las remezclas no son nada nuevo!

Otros músicos, como George Friedrich Handel y Francesco Geminiani, también dejaron su huella en el periodo barroco en lo que respecta a los arreglos. De hecho, Handel era muy conocido por reelaborar su propio material.

Se pueden ver arreglos en la obra de Beethoven. Reelaboró algunos de los temas de Las creaciones de Prometeo para adaptarlos al final de la Sinfonía heroica o Sinfonía n.º 3.

En el siglo XIX, con la creciente popularidad del piano, los arreglos también se hicieron más populares que nunca. Se arreglaron y publicaron muchas transcripciones orquestales y piezas de cámara para su interpretación en el piano.

La adaptación musical era una práctica habitual entre los grandes músicos. Seguirá siendo importante en el futuro.

Música moderna

Las grabaciones de música popular suelen incluir partes de trompas de cobre, cuerdas frotadas y otros instrumentos que han sido añadidos por los arreglistas y no compuestos por los compositores originales. Algunos arreglistas pop incluso añaden secciones utilizando una orquesta completa, aunque esto es menos común debido al coste. Los arreglos de música popular también pueden incluir nuevas versiones de canciones existentes con nuevos tratamientos musicales. Estos cambios implican modificaciones en el tempo, el tamaño, la tonalidad, la instrumentación y otros elementos musicales.

Entre los ejemplos más conocidos de arreglos de música rock se encuentran la versión de Joe Cocker de «With a Little Help from My Friends» de los Beatles, «Crossroads» de Cream y la versión de Ike y Tina Turner de «Proud Mary» de Creedence Clearwater Revival. La banda estadounidense Vanilla Fudge y la banda británica Yes basaron sus primeras carreras en reelaboraciones radicales de éxitos modernos. Bonnie Poynter interpretó versiones disco y Motown de «Heaven Must Have Sent You». Las remezclas en la música dance, por ejemplo, también pueden considerarse arreglos.

Jazz

Los arreglos musicales para pequeñas composiciones de jazz solían ser informales, mínimos y no aparecían en los créditos. Las grandes formaciones solían tener mayores exigencias en cuanto a los arreglos de las partituras, aunque la primera big band de Count Basie es conocida por sus numerosos arreglos, que fueron desarrollados por los propios músicos y memorizados («en la cabeza del músico»). Sin embargo, la mayoría de los arreglos de big band se grabaron y se atribuyeron a un arreglista concreto, como el trabajo de Sammy Nestico y Neil Hefty para las últimas big bands de Count Basie.

Don Redman innovó en los arreglos de jazz con la Fletcher Henderson Orchestra en la década de 1920. Las obras de Redman introdujeron un tono melódico más complejo y actuaciones en solitario para varias partes de la big band. Benny Carter se convirtió en el principal arreglista de Henderson a principios de la década de 1930, y se hizo famoso por sus habilidades en este campo, además de por su talento como intérprete.

Los arreglos para big bands se denominan extraoficialmente «charts». En la era del swing, eran reinterpretaciones de canciones populares o composiciones totalmente nuevas. Los arreglos de Duke Ellington y Billy Strayhorn para la big band de Duke Ellington solían ser composiciones nuevas, y algunas obras de Eddie Soter para la banda de Benny Goodman y de Artie Shaw para su propia banda también eran composiciones nuevas. Después de la era del bop, se hizo más común arreglar fragmentos de composiciones de combos de jazz para big bands.

Después de 1950, el número de big bands disminuyó. Sin embargo, varias bandas continuaron. Gil Evans escribió varios arreglos para big bands a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, destinados únicamente a grabaciones de sesión.

En el siglo XXI, los arreglos de jazz experimentaron un modesto resurgimiento. Gordon Goodwin, Roy Hargrove y Christian McBride presentaron nuevas big bands con composiciones originales y nuevos arreglos de temas estándar.

Conclusión

El arreglo musical es una parte importante del proceso de creación y producción de temas en el mundo actual y ha evolucionado a lo largo de los siglos con los grandes compositores del mundo. Con los consejos anteriores, puedes empezar a hacer tus primeros arreglos ahora mismo. No es necesario tener conocimientos especiales ni equipos especiales. Con el programa en línea Amped Studio, disponible directamente desde el navegador de tu ordenador, puedes hacer arreglos de buena calidad para tus canciones. Aquí encontrarás una gran cantidad de plug-ins, instrumentos y muestras, y podrás compartir tu trabajo con amigos o colegas con solo unos pocos clics.