Musikalische Arrangements

Das Arrangieren von Musik gibt es schon seit vielen Jahren und ist ein wesentliches Merkmal jedes Musikstils oder Genres. Einige der größten Musiker haben Teile ihrer Werke in anderen Werken arrangiert und/oder die Werke anderer Musiker adaptiert.

Bach, Beethoven, Korsakov, Ravel und viele andere haben zum Bereich der Musikarrangements beigetragen, aber es ist wichtig zu verstehen, dass dieser Prozess in der modernen Musikproduktion eine andere Bedeutung haben kann.

Arrangieren ist die Schaffung von Musik unter Verwendung bestehender Musikstücke. Dazu gehören beispielsweise Arrangements eines bestimmten Instruments in einem Popsong oder die Neuanordnung eines Songs durch die Neuzusammenstellung der verschiedenen Teile oder Abschnitte eines Songs.

In verschiedenen Musikstilen gibt es unterschiedliche Arrangementstrukturen, wie beispielsweise die A/A/B/A-Form mit 32 Takten und Rhythmuswechseln im Jazz oder die 12-taktige Bluesstruktur, und innerhalb dieser Struktur können Akkordvoicings, Rhythmusgefühl und Tempo das musikalische Arrangement einzigartig machen.

Es gibt drei Arten von Arrangements, die Sie berücksichtigen müssen, um Ihre eigene Musik von hoher Qualität zu machen.

1. Strukturell, was die Bewegung von Energie, Abschnitten und Übergängen in Ihrer Musik bedeutet.
2. Instrumental, d. h. wie Noten, Akkorde und Melodien von den verschiedenen Instrumenten gespielt werden sollen. Denken Sie daran, dass sich dies im Laufe Ihres Tracks ändern kann! Wenn Sie eine Melodie vom Gesang auf den Synthesizer verlagern, kann sie neu und erfrischend klingen.
3. Positionsarrangement, d. h. wie der Klang in Ihrem Mix positioniert ist. Definieren Sie deren Lautstärke, Panorama, Tiefe und Präsenz.

In diesem Artikel erklären wir Ihnen ausführlich, wie wichtig Arrangements in der Musikproduktion sind.

Tipps für angehende Arrangeure im Popbereich

Stellen Sie sicher, dass der Song für sich allein funktioniert

Funktioniert der Song für sich allein, wenn Sie ihn nur auf dem Klavier oder der Gitarre spielen und dazu singen? Wenn der Song für sich allein noch nicht „großartig” ist, kann das auch kein noch so gutes Arrangement oder keine noch so gute Musikproduktionstechnik ändern.

Stellen Sie sich folgende Fragen:

• Haben Sie einen starken Refrain?
• Ist die Hauptmelodie vorhanden?
• Haben Sie einen guten melodischen oder harmonischen „Hook”?
• Hat der Song einen rhythmischen Puls (selbst Balladen haben einen starken Puls)?

Arbeiten Sie an Ihrem Song, bis er „nackt”, nur mit Klavier/Gitarre und Gesang, großartig klingt. Es ist äußerst wichtig, diesen Schritt zu befolgen. Ein schlechter Song bleibt schlecht, selbst mit den besten Arrangements und der besten Produktion. Ein guter Song bleibt ein guter Song.

Überprüfen Sie, welche Genres der Song abdeckt

Bevor Sie mit dem Arrangieren von Musik oder einem Song beginnen, sollten Sie sich fragen: Zu welchem Genre gehört er?

Sobald das entschieden ist, kann es sehr hilfreich sein, ein paar Referenztitel zu finden. Referenztitel sind sowohl in der Arrangement-/Produktionsphase als auch in der Mixing-/Mastering-Phase jeder Aufnahme unglaublich wichtig. Manche Leute sagen vielleicht: „Ich möchte niemanden kopieren, weil ich vollkommen originell sein möchte.“

Aber die Wahrheit ist, dass selbst die Profis an der Spitze, die sehr originell sind, sich ständig auf anderes Material beziehen. Machen Sie sich keine Sorgen darüber, jemanden zu kopieren, es sei denn, Sie kopieren buchstäblich Note für Note, Instrument für Instrument usw.

Stellen Sie sicher, dass der Song ausreichend lang ist

Dieser Schritt ähnelt ein wenig dem ersten. Allerdings möchte der Arrangeur/Produzent möglicherweise die Form des Songs für die Aufnahme ändern. Manchmal unterscheidet sich die Art und Weise, wie ein Künstler einen Song live aufführt, von der Studioversion. Für die aufgezeichnete Version ist es sehr wichtig, dass der Song so prägnant wie möglich ist.

Stellen Sie sicher, dass Sie eine gute Leadstimme haben

Die Aufnahme einer Leadstimme hilft Ihnen, während des Arrangierens Entscheidungen zu treffen. Ohne die Leadstimme zu hören, kann es beispielsweise leicht passieren, dass das Arrangement der Musik zu dicht wird. Dies führt nicht nur zu einer weniger angenehmen endgültigen Aufnahme, sondern erschwert auch die Arbeit beim Abmischen erheblich. Die besten aufgenommenen Songs haben Arrangements, die eine perfekte Balance zwischen Produktionsdichte und Klangbild aufweisen.

Alle verschiedenen Elemente des Arrangements/der Produktion sollten ihren eigenen Raum und ihren eigenen Klangbereich haben.

Beispielsweise sollten der Bass und das Keyboard nicht dieselbe Tonlage spielen.

Schlagzeug und andere rhythmische Komponenten

Neben dem Gesang sind die Percussion-/Rhythmuskomponenten des Songs der wichtigste Teil des Musikarrangements. Sie nehmen den größten Teil des Klangraums ein, verleihen dem Song seinen „Groove” und bestimmen maßgeblich die Stimmung des Songs.

Wenn der Track einen echten Schlagzeuger beinhaltet, sollte Ihr Arrangement lediglich die allgemeine Richtung vorgeben, in die der Schlagzeuger spielen soll.

Konzentrieren Sie sich nicht zu sehr darauf, den Track mit Beats zu programmieren. Ein guter Schlagzeuger wird diese Entscheidungen für Sie treffen.

Das bringt uns zu einem weiteren Punkt. Wenn Sie akustische Drums hinzufügen möchten, brauchen Sie einen wirklich guten Schlagzeuger, der im Takt spielen kann. Die Aufnahmen müssen perfekt sein.

Wenn die Drums nicht perfekt aufgenommen sind, werden das Feeling und der Song stark beeinträchtigt, und beim Bearbeiten wird es schwieriger, die Abschnitte aufeinander abzustimmen. Denken Sie daran, dass Sie den Sound jederzeit rauer oder im Lo-Fi-Stil gestalten können. Wählen Sie einfach aus, wie viele Mikrofonkanäle in den finalen Mix einfließen und welche Art der Bearbeitung verwendet wird.

Wenn Sie die Drums selbst programmieren, was Sie ganz einfach im Online-Sequenzer von Amped Studio tun können, sollten Sie wie ein Schlagzeuger denken und über Übergänge in den verschiedenen Songabschnitten nachdenken. Sie könnten im Refrain von der Hi-Hat zum Ride-Becken übergehen und zwischen den Abschnitten einen kleinen Fill einfügen. Versuchen Sie außerdem, bei der Programmierung ein für den Song geeignetes Drum-Kit zu verwenden. Sie möchten wahrscheinlich kein 808-Kit für einen Hardrock-Song verwenden, wenn Sie versuchen, einen Live-Schlagzeuger dieses Genres zu emulieren.

Wenn Sie mit der Programmierung von Drums nicht vertraut sind oder keine Erfahrung damit haben, halten Sie es einfach und achten Sie darauf, dass der Drum-Part den Song unterstreicht und nicht davon ablenkt.

Einige erfahrene Produzenten manipulieren oft das Feeling, indem sie die Drums um einige Millisekunden vor den Beat verschieben und die Hi-Hat zurücknehmen. Dies hängt vom Song ab und sollte mit Geschmack gewählt werden. Es gibt wunderbare „Groove”-Plugins für MIDI, die die Geschwindigkeit und das Timing beim Programmieren Ihrer Drums subtil verändern. Die einzige Regel lautet: Experimentieren Sie!

Bass und Bass-Elemente

Nachdem die Drums im Musikarrangement festgelegt wurden, sind in den meisten Fällen als Nächstes der Bass (oder die Basselemente) an der Reihe.

Wenn es sich um einen Standard-Popsong handelt, müssen Sie darauf achten, dass sich der Bass im Refrain „öffnet”, d. h. der Bass spielt nicht leise in einem hohen Register, wenn der Refrain einsetzt.

Wenn Ihr Track einen „echten“ Bassisten hat, ist es äußerst wichtig, dass dieser professionell aufgenommen und wie die Drums gespielt wird. Nichts ist schlimmer für Ihren Track als ein unklarer Bass und unklare tiefe Frequenzen. Achten Sie darauf, dass der Drum-Kick-Part und der Bass-Part zusammenpassen.

Wenn Ihr Track einen synthetisierten Bass hat, seien Sie vorsichtig mit Subbass und stilvollen Presets. Wenn der Subwoofer der einzige Bass in Ihrem Track ist, sollte der Patch so gestaltet sein, dass er Obertöne im Mitteltonbereich hat, damit das Ohr sie auch beim Hören über Lautsprecher ohne gute Bassfrequenzen wahrnehmen kann.

Beispielsweise sind bestimmte Subwoofer-Patches auf Laptops, iPhones und einigen Kopfhörern und Autoradios möglicherweise nicht zu hören. Aus diesem Grund ist es immer gut, einen Song-Mix vor der Fertigstellung auf verschiedenen Geräten anzuhören.

Was in einem Studio oder Club mit hervorragenden Low-End-Systemen großartig klingt, klingt auf anderen Geräten oder an anderen Orten „toplastig”.

Es kann vorkommen, dass Sie bei der Arbeit mit einem Ihrer Lieblingssynthesizer in Amped Studio ein Bass-Preset finden, das isoliert fantastisch klingt, aber nicht zum Arrangement passt oder den Song dominiert. Seien Sie vorsichtig bei der Arbeit mit „Stereo”-Bässen und Patches, die viele hohe Frequenzen enthalten.

In den meisten Fällen benötigen Sie ein Bass-Patch, das monophon ist und nicht zu hoch im Frequenzspektrum liegt. Es gibt jedoch Ausnahmen! Erfahrung hilft Ihnen, die richtigen Entscheidungen zu treffen.

Dieser Artikel basiert auf Pop-Song-Arrangements, daher gelten einige dieser Tipps nicht für bestimmte Genres, insbesondere wenn es um Bass und Schlagzeug geht.

Die wichtigste harmonische Komponente

Dieser Teil des Musikarrangements kann recht offen und frei sein, aber Sie sollten diesen Punkt mit großer Verantwortung angehen. Um zu verstehen, welche Instrumente Sie verwenden können, lohnt es sich, Ihre Lieblingssongs anzuhören.

In vielen Songs ist das Hauptinstrument, das den Gesang ergänzt, die Gitarre oder das Klavier. Diese Instrumente werden höchstwahrscheinlich während des gesamten Songs gespielt. Sobald Sie sich in dieser Frage entschieden haben, können Sie das Arrangement mit dem von Ihnen ausgewählten Material ausstatten.

Es ist äußerst schwierig, dies allein durch das Lesen eines Artikels zu lernen. Es geht um Ausprobieren und Erfahrung. Anschließend können Sie Ihre Harmonieinstrumente frei einsetzen, um den Grundriss des Songs zu gestalten. Akkordvoicings, Akkordübergänge und Leittöne sind gute Werkzeuge, um eine grundlegende Akkordstruktur in einem Arrangement zu verbessern. Wenn Sie noch keine Erfahrung mit Akkorden haben, probieren Sie Chord Creator in Amped Studio aus, um zu sehen und zu hören, wie Akkorde und Progressionen funktionieren können. Dies ist ein guter Ausgangspunkt, um mehr über harmonische Strukturen zu lernen.

Es gibt bestimmte Tendenzen in den harmonischen Aspekten von Pop-Songs, beispielsweise werden Sie im Refrain mehr Instrumente oder eine höhere Dichte verwenden, um das Arrangement dichter zu gestalten. Die Strophen werden Sie wahrscheinlich spärlicher gestalten.

Klassische Beispiele sind das Duplizieren von Gitarren im Refrain (und das Panning nach links und rechts) oder das Umwandeln einer Quelle von Mono zu Stereo.

Wenn Sie sich entscheiden, eine Bläsersektion oder Streicher in Ihrem Arrangement zu verwenden, müssen Sie sicherstellen, dass die Parts unglaublich gut zum Song passen. Die meisten Songs können kein kompliziertes Musikarrangement haben. In den meisten Fällen werden Sie Blasinstrumente verwenden wollen, um die Lücken mit köstlich einfachen Linien zu füllen oder die Parts zu „ergänzen”, in denen der Sänger singt. Das Gleiche gilt für Streicher. Es gibt einige großartige Sample-Bibliotheken für Streicher und Bläser, aber deren Verwendung ist schwierig, ohne die grundlegenden Akkordbeziehungen und das Arrangieren von Streichern und Bläsern zu studieren und zu verstehen. Wenn Sie das Glück haben, mit einem erfahrenen Streicher-Arrangeur zusammenzuarbeiten und eine Live-Streichersektion oder ein Bläserensemble aufzunehmen, ist das ein ganz besonderes Hörerlebnis.

Ein Rückblick auf moderne Popmusik und EDM

Bei der Erstellung eines Musikarrangements ist es sehr wichtig, viele Titel dieses Stils anzuhören und zu verstehen, wie alle Teile zusammenpassen.

Es gibt viele verschiedene Stile innerhalb der EDM, daher ist es wichtig, sich die grundlegenden Eigenschaften der Tracks anzuhören und zu verstehen, die Ihnen in einem bestimmten Stil gefallen. Denken Sie über Tempo, Bass- und Kick-Sounds sowie rhythmische Synth-Patterns und Hooks nach. Jeder Stil hat spezifische Elemente, die in das Arrangement einfließen.

Die meisten grundlegenden Popsongs haben ein Intro, eine Strophe, einen Refrain (Refrains oder Hooks), eine Bridge und ein Outro.

Effekte ergänzen

Was ist der letzte Schritt beim Erlernen des Arrangierens von Musik oder einem Song? Das Hinzufügen von Effekten.

Bei einem akustischen Arrangement könnte dies das Hinzufügen von Percussion zu verschiedenen Teilen des Arrangements sein. Klassische Beispiele wären der Shaker-Part im zweiten Vers und die Tamburin im Bridge.

In moderneren Stilen wären das alle „weißen Geräusche” und Soundeffekte wie Breaks, Risers, Uplifter, Downlifter usw.

Bei der Verwendung dieser Effekte ist es sehr wichtig, dass sie zum Song passen.

Beispielsweise eignet sich nicht jedes Effektpaket für jedes Musikarrangement. Noch besser ist es, wenn Sie für jeden Song Ihren eigenen Spezialeffekt erstellen. Das kostet zwar mehr Zeit, kann aber zu großartigen Ergebnissen führen. Wenn Sie fertige Lösungen verwenden (was völlig in Ordnung ist), stellen Sie einfach sicher, dass Sie Zugriff auf viele verschiedene Bibliotheken haben, damit Sie nicht nur auf einige wenige Favoriten beschränkt sind.

Weiter zum Aufnahme- und Produktionsprozess

Sobald Ihre Musik- und Gesangsarrangements fertig sind, können Sie mit der Aufnahme und/oder dem Abmischen fortfahren.

Häufig kann sich der Track in dieser Phase noch leicht verändern. Beispielsweise kann sich beim Abmischen herausstellen, dass Sie bestimmte Elemente aus dem Arrangement löschen oder hinzufügen müssen, und das ist völlig in Ordnung. Alle Songaufnahmen gehen bis zu einem gewissen Grad ineinander über. Achten Sie einfach darauf, wie der Song als Ganzes klingt. Hören Sie ihn sich direkt nach dem Anhören eines Ihrer Lieblingssongs in dem Stil an, den Sie nachahmen möchten.

Das Endprodukt ist viel wichtiger als all die kleinen Details, die hier besprochen werden, und es ist sehr leicht, sich von all den Details verwirren zu lassen.

Ein guter Song ist ein guter Song, also achten Sie beim Arrangieren und Komponieren der Musik darauf, dass Sie den Song verbessern.

Ein schlechter Song ist ein schlechter Song, egal wie gut er gemacht, arrangiert oder abgemischt ist. Wenn Ihnen das Arrangement gefällt, schreiben Sie den Song um, damit er besser wird.

Arrangements in der klassischen Musik

Die Kunst des Arrangierens und Adaptierens von Musik existiert seit Jahrhunderten. Während der Renaissance war die Tabulatur (eine Art Arrangement) sehr beliebt. Dabei ging es darum, Vokal- oder Ensemblewerke so zu arrangieren, dass sie auf dem Solo-Keyboard oder der Laute gespielt werden konnten.

In derselben Zeit wurden englische Madrigale für verschiedene Stimmen veröffentlicht, was darauf hindeutet, dass sie auf unterschiedliche Weise gespielt werden konnten. Sie wurden jedoch für den Einsatz in mehreren Märkten geschaffen.

Das Arrangieren von Musik war auch während des Barock beliebt, als viele große Musiker Anleihen bei anderen Künstlern nahmen oder ihre eigenen Werke neu arrangierten. Ein großartiges Beispiel für diese Epoche ist Bach. Einige seiner Werke waren Arrangements von Werken Antonio Vivaldis. Remixen ist nichts Neues!

Auch andere Musiker wie Georg Friedrich Händel und Francesco Geminiani haben in der Barockzeit ihre Spuren in Sachen Arrangements hinterlassen. Tatsächlich war Händel vor allem dafür bekannt, seine eigenen Werke zu überarbeiten.

Auch in Beethovens Werken finden sich Arrangements. Er überarbeitete einige Themen aus „Prometheus’ Creations“, um sie an das Ende der „Heroischen Symphonie“ oder Symphonie Nr. 3 anzupassen.

Im 19. Jahrhundert, mit der zunehmenden Popularität des Klaviers, wurden Arrangements ebenfalls beliebter denn je. Viele Orchester-Transkriptionen und Kammermusikstücke wurden für die Aufführung auf dem Klavier arrangiert und veröffentlicht.

Das Arrangieren von Musik war unter großen Musikern weit verbreitet. Auch in Zukunft wird es eine wichtige Rolle spielen.

Moderne Musik

Populäre Musikaufnahmen enthalten oft Teile von Kupferhörnern, Streichinstrumenten und anderen Instrumenten, die von Arrangeuren hinzugefügt und nicht von den ursprünglichen Songwritern komponiert wurden. Einige Pop-Arrangeure fügen sogar Abschnitte mit einem vollständigen Orchester hinzu, obwohl dies aufgrund der Kosten weniger verbreitet ist. Populäre Musikarrangements können auch neue Versionen bestehender Songs mit neuen musikalischen Bearbeitungen enthalten. Diese Änderungen umfassen Änderungen in Tempo, Größe, Tonalität, Instrumentierung und anderen musikalischen Elementen.

Bekannte Beispiele für Rockmusik-Arrangements sind Joe Cockers Version von „With a Little Help from My Friends” der Beatles, „Crossroads” von Cream und Ike und Tina Turners Version von „Proud Mary” von Creedence Clearwater Revival. Die amerikanische Band Vanilla Fudge und die britische Band Yes gründeten ihre frühen Karrieren auf radikalen Überarbeitungen moderner Hits. Bonnie Poynter performte Disco- und Motown-Versionen von „Heaven Must Have Sent You“. Auch Remixe in der Tanzmusik können als Arrangements betrachtet werden.

Jazz

Arrangements von Musik für kleine Jazzkompositionen waren in der Regel informell, minimalistisch und wurden nicht in den Credits aufgeführt. Große Ensembles stellten tendenziell höhere Anforderungen an die Arrangements der Noten, obwohl die frühe Big Band von Count Basie für ihre vielen Arrangements bekannt ist, die von den Musikern selbst entwickelt und auswendig gelernt wurden („im Kopf der Musiker“). Die meisten Big-Band-Arrangements wurden jedoch aufgenommen und einem bestimmten Arrangeur zugeschrieben, wie beispielsweise die Werke von Sammy Nestico und Neil Hefty für die späteren Big Bands von Count Basie.

Don Redman leistete in den 1920er Jahren mit dem Fletcher Henderson Orchestra Pionierarbeit im Bereich der Jazzarrangements. Redmans Werke führten komplexere Melodien und Solopassagen für verschiedene Big-Band-Parts ein. Benny Carter wurde Anfang der 1930er Jahre Hendersons Hauptarrangeur und wurde neben seinem Talent als Musiker auch für seine Fähigkeiten auf diesem Gebiet berühmt.

Big-Band-Arrangements werden inoffiziell als Charts bezeichnet. In der Swing-Ära handelte es sich dabei entweder um Bearbeitungen populärer Songs oder um völlig neue Kompositionen. Die Arrangements von Duke Ellington und Billy Strayhorn für Duke Ellingtons Big Band waren in der Regel neue Kompositionen, und auch einige Werke von Eddie Soter für Benny Goodmans Band und Artie Shaw für seine eigene Band waren neue Kompositionen. Nach der Bop-Ära wurde es üblicher, Ausschnitte aus Jazz-Combo-Kompositionen für Big Bands zu arrangieren.

Nach 1950 ging die Zahl der Big Bands zurück. Dennoch machten einige Bands weiter. Gil Evans schrieb in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren eine Reihe von Arrangements für Big Bands, die nur für Studioaufnahmen gedacht waren.

Im 21. Jahrhundert erlebten Jazzarrangements ein bescheidenes Comeback. Gordon Goodwin, Roy Hargrove und Christian McBride stellten neue Big Bands vor, die sowohl Eigenkompositionen als auch neue Arrangements von Standardmelodien spielten.

Fazit

Das Musikanarrangement ist ein wichtiger Teil des Prozesses der Erstellung und Produktion von Tracks in der heutigen Welt und hat sich im Laufe der Jahrhunderte mit den großen Komponisten der Welt weiterentwickelt. Mit den oben genannten Tipps können Sie sofort mit Ihren ersten Arrangements beginnen. Sie benötigen dafür weder spezielle Kenntnisse noch spezielle Ausrüstung. Mit dem Online-Programm Amped Studio, das direkt über den Browser Ihres Computers verfügbar ist, können Sie hochwertige Arrangements für Ihre Songs erstellen. Hier finden Sie eine große Anzahl von Plug-ins, Instrumenten und Samples, und Sie können Ihre Arbeit mit nur wenigen Klicks mit Freunden oder Kollegen teilen.