Arrangiamenti musicali

L'arrangiamento musicale esiste da molti anni ed è una caratteristica essenziale di qualsiasi stile o genere musicale. Alcuni dei più grandi musicisti hanno arrangiato parti delle loro opere in altri lavori e/o adattato il lavoro di altri musicisti.

Bach, Beethoven, Korsakov, Ravel e molti altri hanno contribuito al campo degli arrangiamenti musicali, ma è importante comprendere che il processo può avere un significato diverso quando si tratta della creazione musicale moderna.

L'arrangiamento è la creazione di musica utilizzando brani musicali esistenti. Ciò include, ad esempio, gli arrangiamenti di uno strumento particolare in una canzone pop o il riarrangiamento di una canzone riassemblando le diverse parti o sezioni di una canzone.

In diversi stili musicali esistono diverse strutture di arrangiamento, come la forma A/A/B/A a 32 battute dei cambiamenti di ritmo nel jazz o la struttura blues a 12 battute, e all'interno della struttura gli accordi, il senso ritmico e il tempo possono rendere unico l'arrangiamento musicale.

Ci sono tre tipi di arrangiamenti che devi considerare per creare musica di alta qualità.

1. Strutturale, che significa il movimento di energia, sezioni e transizioni nella tua musica.
2. Strumentale, ovvero il modo in cui le note, gli accordi e le melodie devono essere suonati dai vari strumenti. Ricorda che può cambiare nel corso del brano! Spostare una melodia dalla voce al sintetizzatore può renderla nuova e fresca.
3. Arrangiamento di posizione, che significa come il suono è posizionato nel tuo mix. Definire il loro volume, panning, profondità e senso di presenza.

In questo articolo vi spiegheremo in dettaglio l'importanza degli arrangiamenti nella produzione musicale.

Consigli per arrangiatori principianti nel pop

Assicuratevi che la canzone funzioni da sola

La canzone funziona da sola se la suoni solo al pianoforte o alla chitarra mentre canti? Se la canzone non è ancora "fantastica" da sola, nessuna tecnica di arrangiamento o produzione musicale potrà risolvere il problema.

Considera le seguenti domande:

• Hai un ritornello forte?
• La melodia principale è al posto giusto?
• Hai un buon "gancio" melodico o armonico?
• Ha un ritmo pulsante (anche le ballate hanno un ritmo pulsante)?

Lavora sulla tua canzone fino a quando non suona bene "nuda", solo con il pianoforte/chitarra e la voce. È estremamente importante seguire questo passaggio. Una canzone brutta rimarrà brutta, anche con i migliori arrangiamenti e la migliore produzione. Una buona canzone rimarrà una buona canzone.

Controlla quali generi copre la canzone

Prima di iniziare ad arrangiare la musica o una canzone, dovresti chiederti: quali generi copre?

Una volta deciso questo, può essere molto utile trovare un paio di brani di riferimento. I brani di riferimento sono incredibilmente importanti sia nella fase di arrangiamento/produzione che nella fase di missaggio/masterizzazione di qualsiasi registrazione. Alcuni potrebbero dire: "Non voglio copiare nessuno perché voglio essere completamente originale".

Ma la verità è che anche i professionisti di alto livello, che sono i più originali, fanno costantemente riferimento ad altro materiale. Non preoccuparti di copiare qualcun altro, a meno che tu non stia letteralmente copiando nota per nota, strumento per strumento, ecc.

Assicurati che la canzone sia di lunghezza sufficiente

Questo passaggio è un po' simile al primo. Tuttavia, l'arrangiatore/produttore potrebbe voler modificare la struttura della canzone per la registrazione. A volte il modo in cui un artista esegue una canzone dal vivo può essere diverso dalla versione in studio. Per la versione registrata, è molto importante che la canzone sia il più concisa possibile.

Assicurati di avere una voce solista decente

Registrare una voce solista vi aiuterà a prendere decisioni durante l'arrangiamento. Ad esempio, senza ascoltare la voce solista, è facile rendere l'arrangiamento della musica troppo denso. Di conseguenza, questo non solo porterà a una registrazione finale poco piacevole, ma renderà anche molto più difficile lavorare durante il mixaggio. Le canzoni registrate migliori hanno arrangiamenti che presentano un perfetto equilibrio nella densità della produzione.

Tutti i diversi elementi dell'arrangiamento/produzione dovrebbero avere il proprio spazio e la propria gamma sonora.

Ad esempio, non è auspicabile che il basso suoni una linea e le tastiere ne suonino un'altra nella stessa gamma.

Batteria e altri componenti ritmici

Oltre alla voce solista, la parte più importante dell'arrangiamento musicale è costituita dalle percussioni/componenti ritmiche della canzone. Queste occupano la maggior parte dello spazio audio, danno all'ascoltatore un "groove" e determinano in larga misura l'atmosfera della canzone.

Se la traccia prevede un batterista reale, il tuo arrangiamento dovrebbe semplicemente delineare la direzione generale di ciò che il batterista dovrebbe suonare.

Non concentratevi troppo sulla programmazione della traccia con i battiti. Un buon batterista prenderà queste decisioni per voi.

Questo ci porta a un altro punto. Se vuoi aggiungere una batteria acustica, hai bisogno di un batterista davvero bravo che sappia suonare a tempo. Deve essere registrata alla perfezione.

Se la batteria non è registrata alla perfezione, il feeling e la canzone ne risentono notevolmente e, in caso di editing, diventa più difficile allineare le sezioni. Ricorda, puoi sempre renderla più grezza o in stile lo-fi. Basta scegliere quanti canali microfonici inserire nel mix finale e che tipo di elaborazione utilizzare.

Se state programmando la batteria da soli, cosa che potete fare facilmente nel sequencer online Amped Studio, dovreste pensare come un batterista e considerare le transizioni nelle diverse sezioni della canzone. Potreste passare dall'hi-hat al ride cymbal nel ritornello e inserire un piccolo fill tra le sezioni. Inoltre, cercate di utilizzare una batteria appropriata alla canzone durante la programmazione. Probabilmente non vorrai usare un kit 808 per un brano hard rock se stai cercando di emulare un batterista dal vivo in quel genere.

Se non hai familiarità o esperienza con la programmazione della batteria, mantieni le cose semplici e assicurati che la parte di batteria valorizzi il brano e non distragga dall'ascolto.

Alcuni produttori esperti spesso manipolano il feeling spostando leggermente la batteria in avanti di pochi millisecondi rispetto al battito e ritardando l'hi-hat. Questo dipende dal brano e dovrebbe essere scelto con gusto. Esistono meravigliosi plugin "groove" per MIDI che modificano sottilmente la velocità e il timing durante la programmazione della batteria. L'unica regola è: sperimenta!

Basso ed elementi di basso

Dopo aver specificato la batteria nell'arrangiamento musicale, nella maggior parte dei casi si passa al basso (o agli elementi di basso).

Se si tratta di una canzone pop standard, è necessario assicurarsi che il basso "si apra" nel ritornello, ovvero che non suoni in modo sommesso in un registro acuto quando il ritornello si abbassa.

Se la tua traccia ha un bassista "reale", è estremamente importante che sia registrato e suonato in modo professionale, come la batteria. Non c'è niente di peggio per la tua traccia della mancanza di chiarezza del basso e delle basse frequenze. Assicurati che la parte di batteria e quella di basso funzionino insieme.

Se la tua traccia ha un basso sintetizzato, fai attenzione al sub-basso e ai preset stilistici. Se il subwoofer è l'unico basso nella tua traccia, la patch dovrebbe essere progettata per avere armoniche nella gamma media in modo che l'orecchio possa trovarle mentre ascolta altoparlanti che non hanno buone frequenze basse.

Ad esempio, potresti non sentire determinati patch subwoofer su laptop, iPhone, alcune cuffie e autoradio. Per questo è sempre bene riascoltare il mix di una canzone su diversi dispositivi prima di finalizzarlo.

Ciò che suona bene in uno studio o in un club con ottimi sistemi potenziati per le basse frequenze, su altri dispositivi o in altri luoghi può risultare troppo "pesante".

Mentre lavori con uno dei tuoi sintetizzatori preferiti in Amped Studio, potresti trovare un preset di basso che suona benissimo isolato, ma che non è adatto all'arrangiamento o domina la canzone. Fai attenzione quando lavori con bassi "stereo" e patch che contengono molte frequenze alte.

Nella maggior parte dei casi, è preferibile una patch di basso monofonica e non troppo alta nello spettro di frequenza. Tuttavia, ci sono delle eccezioni! L'esperienza vi aiuterà a prendere le decisioni giuste.

Questo articolo si basa sugli arrangiamenti delle canzoni pop, quindi alcuni di questi consigli non sono validi per determinati generi, specialmente quando si tratta di basso e batteria.

La principale componente armonica trainante

Questa parte dell'arrangiamento musicale può essere piuttosto aperta e libera, ma dovresti affrontare questo punto con grande responsabilità. Per capire quali strumenti puoi utilizzare, vale la pena ascoltare i tuoi brani preferiti.

In molte canzoni, lo strumento principale che accompagna la voce solista è la chitarra o il pianoforte. Questi strumenti sono quelli che più probabilmente vengono suonati durante tutta la canzone. Una volta deciso questo aspetto, potete arredare l'arrangiamento con il materiale scelto.

Imparare a farlo solo leggendo un articolo è estremamente difficile. Si tratta di tentativi ed errori ed esperienza. Sarai quindi libero di utilizzare i tuoi strumenti armonici per formare la struttura della canzone. I voicing degli accordi, le transizioni tra accordi e i toni principali sono ottimi strumenti per migliorare la struttura di base degli accordi in un arrangiamento. Se sei alle prime armi con gli accordi, prova Chord Creator in Amped Studio per vedere e ascoltare come funzionano gli accordi e le progressioni. È un ottimo punto di partenza per imparare la struttura armonica.

Ci sono delle tendenze nelle canzoni pop per quanto riguarda gli aspetti armonici, come nelle sezioni del ritornello, dove userete più strumenti o densità per rendere l'arrangiamento più compatto. Per quanto riguarda le sezioni della strofa, probabilmente le renderete più sparse.

Esempi classici sono la duplicazione delle chitarre nella sezione del ritornello (e il loro panning a destra e a sinistra) o la conversione di qualsiasi sorgente da mono a stereo.

Se decidete di utilizzare una sezione di fiati o archi nel vostro arrangiamento, dovete assicurarvi che le parti si adattino perfettamente alla canzone. La maggior parte delle canzoni non può avere un arrangiamento musicale complesso. Nella maggior parte dei casi, vorrete utilizzare strumenti a fiato per riempire gli spazi vuoti con linee deliziosamente semplici o per "completare" le parti cantate dal vocalist. Lo stesso vale per gli archi. Esistono alcune ottime librerie di campioni per archi e fiati, ma utilizzarle è difficile senza studiare e comprendere le relazioni di base tra gli accordi e l'arrangiamento degli archi e dei fiati. Se hai la fortuna di lavorare con un arrangiatore di archi esperto e di registrare una sezione di archi dal vivo o un ensemble di fiati, è un vero piacere ascoltare e sperimentare.

Una rassegna della musica pop moderna e dell'EDM

Quando si crea un arrangiamento musicale, è molto importante ascoltare molti brani di questo stile e capire come tutti i pezzi si incastrano tra loro.

Ci sono molti stili diversi all'interno dell'EDM, quindi è importante ascoltare e comprendere le caratteristiche di base dei brani che ti piacciono in uno stile specifico. Pensa al tempo, ai suoni del basso e della cassa, ai pattern ritmici del synth e agli hook. Ogni stile ha elementi specifici che lo caratterizzano per l'arrangiamento.

La maggior parte delle canzoni pop di base hanno un'introduzione, una strofa, un ritornello (refrain o hook), un bridge e una conclusione.

Effetti supplementari

Qual è il passo finale per imparare ad arrangiare musica o una canzone? Aggiungere gli effetti.

Per un arrangiamento acustico, questo potrebbe essere l'aggiunta di percussioni in diverse parti dell'arrangiamento. Esempi classici potrebbero essere la parte dello shaker nella seconda strofa e il tamburello nel bridge.

Negli stili più moderni si tratterebbe di tutti i "rumori bianchi" e gli effetti sonori come break, riser, uplifter, downlifter, ecc.

Quando si utilizzano questi effetti, è molto importante che siano in sintonia con la canzone.

Ad esempio, non tutti i pacchetti di effetti funzionano per ogni arrangiamento musicale. Ancora meglio sarebbe creare un effetto speciale personalizzato per ogni canzone. Ci vuole più tempo, ma può portare a ottimi risultati. Se si utilizzano soluzioni già pronte (il che va benissimo), è importante assicurarsi di avere accesso a molte librerie diverse, in modo da non essere vincolati all'uso di poche preferite.

Passiamo al processo di registrazione e produzione

Una volta terminati gli arrangiamenti musicali e vocali, sei pronto per passare alla registrazione e/o al missaggio.

Spesso, in questa fase, la traccia può subire lievi modifiche. Ad esempio, il processo di mixaggio potrebbe indicare la necessità di eliminare o aggiungere determinati elementi dall'arrangiamento, e questo va benissimo. Tutti i processi di registrazione delle canzoni si influenzano a vicenda in una certa misura. Basta tenere d'occhio il suono della canzone nel suo insieme. Ascoltala subito dopo aver ascoltato una delle tue tracce preferite nello stile che stai cercando di emulare.

Il prodotto finale è molto più importante di tutti i piccoli dettagli discussi qui, ed è molto facile confondersi con tutti i dettagli.

Una buona canzone è una buona canzone, quindi assicurati che durante il processo di arrangiamento e creazione della musica tu stia migliorando la canzone.

Una canzone brutta è una canzone brutta, e non importa quanto sia ben fatta, arrangiata o mixata, quindi se ti piace l'arrangiamento, riscrivi la canzone per migliorarla.

Arrangiamenti nella musica classica

L'arte di arrangiare e adattare la musica esiste da secoli. Durante il Rinascimento, la tabulazione (un tipo di arrangiamento) era piuttosto popolare. Si trattava di arrangiare brani vocali o d'insieme da suonare su tastiera solista o liuto.

Nello stesso periodo furono pubblicati madrigali inglesi per voci diverse, indicando che potevano essere suonati in modi diversi. Tuttavia, erano stati realizzati per essere utilizzati in diversi mercati.

L'arrangiamento musicale era popolare anche durante il periodo barocco, quando molti grandi musicisti prendevano in prestito da altri artisti o riarrangiavano le proprie opere. Un ottimo esempio di quell'epoca è Bach. Alcune delle sue opere erano arrangiamenti di brani di Antonio Vivaldi. Il remix non è una novità!

Anche altri musicisti, come George Friedrich Handel e Francesco Geminiani, hanno lasciato il segno nel periodo barocco per quanto riguarda gli arrangiamenti. Infatti, Handel era famoso soprattutto per aver rielaborato il proprio materiale.

Si possono vedere arrangiamenti nell'opera di Beethoven. Egli rielaborò alcuni dei temi delle Creazioni di Prometeo per adattarli al finale della Sinfonia eroica o Sinfonia n. 3.

Nel XIX secolo, con la crescente popolarità del pianoforte, anche gli arrangiamenti divennero più popolari che mai. Molte trascrizioni orchestrali e brani da camera furono arrangiati e pubblicati per essere eseguiti al pianoforte.

La rielaborazione musicale era una pratica frequente tra i grandi musicisti. Rimarrà forte anche in futuro.

Musica moderna

Le registrazioni di musica popolare spesso includono parti di corni in ottone, archi e altri strumenti che sono stati aggiunti dagli arrangiatori e non composti dagli autori originali. Alcuni arrangiatori pop aggiungono anche sezioni che utilizzano un'orchestra completa, anche se questo è meno comune a causa dei costi. Gli arrangiamenti di musica popolare possono anche includere nuove versioni di brani esistenti con nuovi trattamenti musicali. Questi cambiamenti comportano modifiche al tempo, alle dimensioni, alla tonalità, alla strumentazione e ad altri elementi musicali.

Esempi noti di arrangiamenti di musica rock includono la versione di Joe Cocker di "With a Little Help from My Friends" dei Beatles, "Crossroads" dei Cream e la versione di Ike e Tina Turner di "Proud Mary" dei Creedence Clearwater Revival. La band americana Vanilla Fudge e la band britannica Yes hanno basato le loro prime carriere su rielaborazioni radicali di successi moderni. Bonnie Poynter ha eseguito versioni disco e Motown di "Heaven Must Have Sent You". Anche i remix nella musica dance, ad esempio, possono essere considerati arrangiamenti.

Jazz

Gli arrangiamenti musicali per piccole composizioni jazz erano solitamente informali, minimi e non riportati nei crediti. I grandi ensemble tendevano ad avere esigenze più elevate in termini di arrangiamenti musicali, anche se la prima big band di Count Basie è nota per i suoi numerosi arrangiamenti, sviluppati dagli stessi musicisti e memorizzati ("nella testa del musicista"). Tuttavia, la maggior parte degli arrangiamenti delle big band venivano registrati e attribuiti a un particolare arrangiatore, come il lavoro di Sammy Nestico e Neil Hefty per le successive big band di Count Basie.

Don Redman innovò gli arrangiamenti jazz con la Fletcher Henderson Orchestra negli anni '20. Le opere di Redman introdussero un'intonazione melodica più complessa e assoli per varie parti della big band. Benny Carter divenne il principale arrangiatore di Henderson all'inizio degli anni '30, diventando famoso per le sue capacità in questo campo oltre che per il suo talento come esecutore.

Gli arrangiamenti per big band sono chiamati informalmente "chart". Nell'era dello swing, erano rielaborazioni di canzoni popolari o composizioni completamente nuove. Gli arrangiamenti di Duke Ellington e Billy Strayhorn per la big band di Duke Ellington erano solitamente composizioni nuove, e anche alcuni lavori di Eddie Soter per la band di Benny Goodman e di Artie Shaw per la sua band erano composizioni nuove. Dopo l'era del bop, divenne più comune arrangiare brani di composizioni jazz combo per big band.

Dopo il 1950, il numero delle big band diminuì. Ciononostante, diverse band continuarono la loro attività. Gil Evans scrisse una serie di arrangiamenti per big band tra la fine degli anni '50 e l'inizio degli anni '60, destinati esclusivamente alle registrazioni in studio.

Nel XXI secolo, gli arrangiamenti jazzistici hanno fatto un modesto ritorno. Gordon Goodwin, Roy Hargrove e Christian McBride hanno introdotto nuove big band con composizioni originali e nuovi arrangiamenti di brani standard.

Conclusione

L'arrangiamento musicale è una parte importante del processo di creazione e produzione di brani nel mondo di oggi e si è evoluto nel corso dei secoli con i grandi compositori del mondo. Utilizzando i suggerimenti di cui sopra, potete iniziare a realizzare i vostri primi arrangiamenti fin da subito. Non è necessario avere conoscenze particolari o attrezzature speciali. Con il programma online Amped Studio, disponibile direttamente dal browser del tuo computer, puoi realizzare arrangiamenti di buona qualità per le tue canzoni. Qui troverai un gran numero di plug-in, strumenti e campioni e potrai condividere il tuo lavoro con amici o colleghi in pochi clic.