Jak tworzyć muzykę

Do niedawna każdy, kto interesował się tworzeniem muzyki, musiał zrozumieć, że sam proces wymaga starannego przygotowania i praktyki. Brak wtyczek i sekwencerów wielościeżkowych sprawiał, że konieczne było wielokrotne ćwiczenie materiału, aż stał się on niemal automatyczny. W studiu wszystko musiało być zagrane bezbłędnie, synchronicznie i bez żadnych pomyłek.

Jednak wraz z pojawieniem się programów komputerowych muzycy zyskali możliwość nagrywania wielu ujęć i łatwej edycji utworów za pomocą kilku kliknięć myszką. Obecnie można z łatwością wyprodukować przebój w zaciszu własnego domu, co potwierdziło wielu współczesnych piosenkarzy.

Jakie są wymagania dotyczące tworzenia muzyki?

Bez wątpienia profesjonalne studio wysokiej klasy ma znaczną przewagę, jeśli chodzi o sprzęt. Studia te zazwyczaj zapewniają przestronne, dźwiękoszczelne pomieszczenia o doskonałej akustyce, a także wysokiej jakości kompresory i korektory, szeroki wybór mikrofonów, konsolę analogową, dobrze wyposażoną reżyserkę z wieloma liniami monitorowymi i wiele więcej.

Jednak studio domowe ma swoje zalety pod względem budżetu i wydajności. Jeśli tworzysz muzykę elektroniczną przy użyciu komputera i wtyczek, nie potrzebujesz dźwiękoszczelnych pomieszczeń ani wielu mikrofonów. W końcu nie zamierzasz nagrywać całej orkiestry, perkusji ani fortepianu. Wystarczy skupić się na tym, co najważniejsze, i zacząć działać. Jakiego sprzętu potrzebujesz, aby stworzyć kompletne domowe studio produkcyjne?

• Komputer;
• Sekwencer z wtyczkami;
• Interfejs audio;
• Monitory;
• Słuchawki;
• Mikrofon;
• Klawiatura MIDI;
• Gitara, gitara basowa (jeśli grasz);
• Ciche pomieszczenie;
• Stojaki i przewody.

W dzisiejszych czasach nie musisz już instalować gigabajtów oprogramowania na swoim komputerze, aby komponować własną muzykę. Dzięki sekwencerowi, takiemu jak Amped Studio, możesz tworzyć muzykę bezpośrednio w przeglądarce internetowej, ponieważ zawiera on wszystkie niezbędne funkcje, narzędzia i wtyczki. W tym sekwencerze online znajdziesz edytor audio, edytor MIDI, syntezatory, samplery i efekty przetwarzania. Dlatego w rzeczywistości sekwencer online pozwala na pracę bez dodatkowego oprogramowania.

Jakie inne urządzenia nie są potrzebne do tworzenia muzyki? Monitory można zastąpić wysokiej jakości słuchawkami, co eliminuje potrzebę akustycznej obróbki pomieszczenia. Jeśli nie masz klawiatury MIDI, możesz po prostu narysować nuty ołówkiem w edytorze MIDI. W Amped Studio możesz nawet narysować całe akordy za pomocą jednego kliknięcia. Mikrofon jest przydatny do nagrywania wokalu, ale nie jest wymagany.

W rezultacie do tworzenia muzyki potrzebny jest tylko komputer, słuchawki, interfejs audio i połączenie internetowe. Jeśli jednak nie masz monitorów ani mikrofonu, możesz również zrezygnować z interfejsu audio. Czy można tworzyć muzykę całkowicie bez komputera? Obecnie jest to możliwe dzięki mobilnej produkcji muzycznej na smartfonie lub tablecie.

Jakie są sposoby tworzenia muzyki bez użycia komputera?

Sekwencer online działa w przeglądarce internetowej na komputerze, laptopie, tablecie lub smartfonie, umożliwiając komponowanie muzyki na dowolnym urządzeniu mobilnym podłączonym do Internetu. Programy te nie mają żadnych specjalnych wymagań systemowych i nie wymagają pobierania oprogramowania, bibliotek samplerów ani wirtualnych instrumentów i wtyczek efektów.

Format online usprawnia proces komponowania muzyki, umożliwiając szybkie uchwycenie pomysłów muzycznych, nawet gdy nie masz dostępu do komputera z sekwencerem. Wystarczy otworzyć stronę internetową na smartfonie lub tablecie i zapisać melodię, rytm lub refren. Później, po powrocie do komputera, możesz łatwo sfinalizować swój projekt.

Amped Studio, sekwencer online, jest niezwykle przyjazny dla użytkownika i oferuje szeroki zakres funkcji do komponowania muzyki. Działa w formacie wielościeżkowym, nagrywa audio i MIDI ze źródeł zewnętrznych oraz edytuje klipy audio i MIDI. Dodatkowo zapewnia różnorodne pętle, samplery i wzorce MIDI oraz zawiera wbudowane instrumenty wirtualne i wtyczki. Dzięki tym funkcjom można już tworzyć muzykę wyłącznie przy ich pomocy. Oto podstawowa lista sprzętu:

• Syntezator;
• Sampler;
• Maszyna perkusyjna ;
• Kompresor;
• Korektor;
• Opóźnienie;
• Pogłos;
• Horus;
• Zniekształcenie.

Ponadto Amped Studio umożliwia podłączenie VST z komputera, co nie jest typową funkcją sekwencerów online. Co więcej, oferuje unikalną funkcję, która konwertuje śpiewaną melodię na sekwencję nut MIDI. Dodatkowo Amped Studio umożliwia wielu użytkownikom współpracę nad tym samym projektem z różnych komputerów, co jest funkcją rzadko spotykaną w programach stacjonarnych.

Oprogramowanie to jest szczególnie przydatne dla beatmakerów, kompozytorów i autorów tekstów, którzy chcą tworzyć muzykę szybko i efektywnie. Doskonale nadaje się również do aranżacji muzyki, a wokaliści, gitarzyści i klawiszowcy uznają funkcję nagrywania dźwięku za szczególnie przydatną. Nawet inżynierowie dźwięku mogą wykorzystać możliwości Amped Studio do zrównoważenia ścieżek i zastosowania do nich efektów.

Czy do tworzenia muzyki potrzebna jest wiedza z zakresu teorii muzyki?

Może to Cię rozczarować, ale posiadanie pewnej wiedzy z zakresu teorii muzyki jest niezbędne dla muzyka. Dobrą wiadomością jest jednak to, że nie trzeba zapamiętywać wszystkiego. Zanurzając się w świecie muzyki, w naturalny sposób zapoznasz się z jej koncepcjami i prawami. Nawet jeśli nie znasz terminologii, nie przeszkadza to w tworzeniu melodii. Niektórzy muzycy opanowali techniki i potrafią szybko wymyślać ciekawe pomysły, nie znając ich technicznych nazw.

Tworząc muzykę, musisz rozróżniać skale durową i molową (oraz inne tryby), interwały, metrum, akordy itp. Możesz być w stanie rozróżnić nastroje wywoływane przez kwartę lub sekstę, nawet jeśli nie znasz ich nazw. Nie ma potrzeby znajomości żadnych terminów. Jeśli potrafisz wskazać tempo za pomocą liczby, np. 120 bpm, po co zapamiętywać znaczenie słów „adagio”, „moderato”, „allegro” itp.

Wiele osób zastanawia się, czy można tworzyć muzykę bez znajomości notacji muzycznej. W rzeczywistości trudno jest znaleźć producenta muzycznego, który używa notacji muzycznej w swojej pracy i umieszcza kropki z flagami na pięciolinii. Szybkie czytanie nut jest przydatne tylko dla muzyków orkiestry, ale nie dla kompozytorów i aranżerów. Chociaż wiedza może ułatwić pracę, przyspieszyć ją i uczynić bardziej interesującą.

Niektórzy tworzą muzykę losowo, wybierając nuty na słuch. Jest to również metoda, ale osoby zaznajomione z kręgiem kwart i kwint, interwałami, progami, rozmieszczeniem krzyżyków i bemoli w różnych tonacjach mogą łatwo wyobrazić sobie wszystkie nuty w głowie i szybko znaleźć je na klawiaturze lub gryfie. Kiedy muzykowi brakuje inspiracji, może polegać na logice i wiedzy, ale nie powinno to nigdy spowalniać jego pracy. Praktyka powinna być zawsze na pierwszym miejscu.

Z czego składa się piosenka?

Większość współczesnych piosenek przeznaczonych dla szerokiej publiczności jest zbudowana z powtarzających się struktur. Nie trzeba wymyślać skomplikowanych aranżacji i zawiłych fabuł, jak w powieściach kryminalnych, aby tworzyć muzykę do piosenek, z wyjątkiem opery lub utworów klasycznych. Oto podstawowe elementy typowej piosenki:

• Wprowadzenie (Intro);
• Kwarta (zwrotka);
• Wstęp do refrenu (Pre-chorus);
• Refren;
• Przejście (Bridge);
• Kulminacja (środek, narastanie);
• Zmiana (Drop, Solo);
• Zakończenie (Outro, Coda).

Tworzenie muzyki nie zawsze podlega ścisłym zasadom lub formułom. Nie wszystkie utwory muszą zawierać kulminację lub mieć określoną strukturę. Niektóre piosenki mogą kończyć się solówką lub refrenem, podczas gdy inne powtarzają tylko zwrotkę i refren z ciągłym arpeggio w tle. Nawet refren nie zawsze jest wymagany. Mimo to ważne jest, aby zwracać baczną uwagę na wszystkie elementy kompozycji.

Wprowadzenie. Nie ma ścisłych zasad, których należy przestrzegać podczas tworzenia muzyki. Niektóre popularne utwory zaczynają się od zwrotki, a inne od refrenu. Standardowa struktura utworu zazwyczaj obejmuje intro, bridge i kodę. Intro może powtarzać melodię refrenu, konkretną melodię lub jeden z hooków, ale może też być całkowicie unikalne.

Część główna. Tradycyjne podejście do komponowania muzyki polega po prostu na naprzemiennym powtarzaniu zwrotki i refrenu, zazwyczaj dwa lub trzy razy. Jednak ważne jest, aby nadal uwzględniać dynamikę i dramatyzm. Zwrotki powinny być bardziej stonowane, narracyjne i proste, często śpiewane w niższym zakresie, aby przygotować grunt pod główne wydarzenie. Głównym wydarzeniem jest refren, który powinien być bardziej dynamiczny, żywy, mocny, melodyjny i bogato zaaranżowany z wyższymi nutami. Zasadniczo cała piosenka prowadzi do refrenu.

Przedrefren. Przedrefren jest elementem, który często jest pomijany podczas tworzenia muzyki. Jednak włączenie przedrefrenu może wzmocnić dramatyzm i uczynić muzykę bardziej intrygującą. Przedrefren zmienia nastrój zwrotki i tworzy bardziej intensywną atmosferę. Służy jako pomost między spokojną a eksplozją części utworu, przygotowując słuchacza na zmianę. Jest podobny do żółtego światła sygnalizacji świetlnej, wskazującego, że coś ekscytującego ma się wydarzyć.

Build-up. Ta metoda może wzmocnić dramatyczny rozwój utworu muzycznego. Tworzy moment spokoju, spowolnienia i zmiany nastroju. W niektórych przypadkach partia perkusji może zostać pominięta, podczas gdy melodia wokalna zazwyczaj ulega zmianie. Istnieje wiele możliwości dla tej sekcji, w tym przejście z tonacji molowej do durową, zmiana rytmu, stworzenie breakdownu lub przejście do innej tonacji. Możliwe jest jednak również całkowite pominięcie tej części.

Solo lub drop. Podczas komponowania muzyki na gitarze ważne jest, aby unikać niekończących się solówek. Należy pamiętać, że istnieje wyznaczone miejsce, w którym gitara prowadząca będzie błyszczeć. Style elektroniczne zazwyczaj nie zawierają solówek, ale mają dropy, w których muzyka przechodzi od spokojnej lub powolnej sekcji do mocnego rytmu tanecznego z ciężkimi syntezatorami. W tym momencie może pojawić się rap lub po prostu powtórzenie zwrotki.

Coda. Zazwyczaj ostatnia część kompozycji muzycznej jest często pomijana. W tym momencie można ponownie wprowadzić bridge, doprowadzić solo do punktu kulminacyjnego lub powtórzyć refren, aby stworzyć zakończenie utworu. Wybór należy do Ciebie. Masz możliwość stworzenia niezapomnianego zakończenia, tworząc unikalną i kreatywną sekcję finałową.

Mostki i wycięcia. Tworzenie muzyki, która płynnie przechodzi z jednej części do drugiej, może być trudne i nie wszyscy słuchacze mogą to docenić. Skutecznym rozwiązaniem może być włączenie krótkiej pauzy lub interludium po mocnym refrenie, na przykład progresji akordów lub solówki w mostku. W każdej sekcji często dodaje się wypełnienia perkusyjne, haczyki lub niewielkie zmiany harmoniczne, aby zwiększyć zainteresowanie i utrzymać zaangażowanie słuchacza.

Rozwój jest jedną z podstawowych zasad tworzenia muzyki. To prawda, że wiele utworów składa się z powtarzających się części, ale nie oznacza to, że muszą one być monotonne. Każda część, w tym druga zwrotka i refren, powinna nadal wykazywać pewną ewolucję lub różnicę w stosunku do poprzedniej, aby utrzymać zainteresowanie słuchacza. Można to osiągnąć poprzez dodanie nowych elementów lub wprowadzenie zmian. W rzeczywistości idealnym rozwiązaniem jest wprowadzanie czegoś nowego w każdym takcie, aby utrzymać zaangażowanie słuchacza.

Jak można urozmaicić muzykę, jeśli chodzi o zwrotki? Można dodać instrument melodyczny z kontrapunktem do drugiej zwrotki, włączyć perkusję, chórki lub drugą gitarę, pogrubić bas, nieznacznie dostosować hi-hat, zmienić arpeggio gitary, wstawić wypełnienie lub sprawić, by bas grał dodatkowe wypełnienia. Techniki te można również zastosować do refrenu.

Nie musisz używać wszystkich tych sztuczek naraz. Istnieje nieskończona liczba możliwości tworzenia interesującej muzyki, a wymyślanie nowych rzeczy jest istotą kreatywności. Im bardziej oryginalne i innowacyjne są Twoje pomysły, tym lepiej. Jednak powtarzalność jest również niezbędna, aby utwór zapadł w pamięć słuchacza.

Proces tworzenia muzyki wymaga równowagi między stosowaniem sprawdzonych technik a eksperymentowaniem z nowymi. Polega on na budowaniu oczekiwań, a następnie ich podważaniu, aby utrzymać zainteresowanie słuchacza. Powtarzalność tworzy hipnotyczny efekt, który przyciąga słuchacza, ale odejście od tego schematu może go zaskoczyć i podekscytować. Ostatecznie chodzi o kontrolowanie wrażeń słuchacza poprzez ostrożne stosowanie powtórzeń i wariacji.

Instrumentacja i aranżacja. Z perspektywy dynamiki zbadaliśmy, jak tworzyć muzykę, biorąc pod uwagę instrumenty i grupy instrumentalne w aspekcie synchronicznym. Każda piosenka ma unikalny zestaw instrumentów, które grają w całej kompozycji, a jej rdzeń nie powinien być zmieniany, ponieważ spowoduje to, że utwór będzie brzmiał niespójnie. Z czego więc składa się ten rdzeń?

Instrumentację utworu można podzielić na kilka kluczowych elementów, w tym:

• Instrument główny, którym może być wokal lub syntezator prowadzący, stanowiący centralny punkt utworu;
• Sekcja rytmiczna, składająca się z perkusji i basu, która zapewnia podstawowy groove i puls muzyki;
• Instrumenty wspierające, które mogą obejmować gitarę rytmiczną, fortepian, organy lub inne instrumenty zapewniające wsparcie harmoniczne i rytmiczne;
• Drugi instrument solowy, którym może być gitara prowadząca, syntezator prowadzący, który współdziała z instrumentem głównym, lub inny instrument melodyczny używany w dropie lub innych sekcjach;
• Wypełniacze, które obejmują podkłady, efekty, perkusję i inne elementy, które dodają tekstury i atmosfery muzyce.

Aby skomponować przyjemną i spójną muzykę, wszystkie partie muszą być skonstruowane w tej samej tonacji i należy unikać dysonansów. Jeśli dwa instrumenty grają jednocześnie dysonansowe interwały, takie jak trytony lub septymy, może to być nieprzyjemne dla ucha. Jednakże, jeśli są one grane przez jeden instrument w określonym stylu i kontekście, interwały te mogą brzmieć świetnie. Dodatkowo należy unikać rytmicznej niejasności.

Tworzenie muzyki polega na splataniu linii instrumentalnych, ograniczonych jedynie wyobraźnią kompozytora. Dialog i wspólna melodia między instrumentami, a także gra unisono, są powszechnie stosowanymi technikami, zwłaszcza między gitarą a basem. Aby stworzyć wyraźny rytm, wszystkie elementy powinny być dostosowane do rytmu, przy czym gitara basowa często częściowo powtarza melodię wokalną, a perkusja nadaje rytm.

Podczas komponowania muzyki ważne jest przestrzeganie norm stylistycznych, ale zawsze jest miejsce na eksperymenty. Na przykład bas funkowy znany jest z wykorzystania synkopowania, a w metalu powtarzający się riff tworzy wzór utworu zamiast akordów.

Zrozumienie teorii muzyki jest niezbędne do skutecznego komponowania, ale ważne jest, aby uczyć się jej w kontekście praktycznego zastosowania. Terminy techniczne, takie jak „synkopa”, „słaby rytm”, „septima” i „kontrapunkt” mogą wymagać wyjaśnienia, ale opanowanie ich poprzez celową praktykę jest kluczem do utrwalenia wiedzy.

Jak powstaje utwór?

Nawet dzisiaj pisanie muzyki pozostaje trudnym zadaniem. Dla przeciętnego człowieka najbardziej magicznym, złożonym i kluczowym aspektem tego procesu jest sama kompozycja. Może to być prawdą w przypadku autorów, którzy nie produkują swojej muzyki samodzielnie. Jednak w rzeczywistości, zanim utwór zostanie wydany dla szerokiej publiczności, przechodzi kilka etapów udoskonalania. Udoskonalenie wstępnego pomysłu obejmuje kilka etapów:

• Pisanie tekstów;
• Aranżacja;
• Nagrywanie dźwięku;
• Edycja;
• Miksowanie;
• Mastering.

W idealnym scenariuszu w procesie tworzenia muzyki biorą udział różne osoby: autor pisze muzykę, aranżer zajmuje się aranżacją, inżynier dźwięku odpowiada za nagranie, asystent inżyniera dźwięku zajmuje się edycją, inżynier miksowania dba o miksowanie, a na koniec inżynier masteringu dodaje ostatnie szlify. Jednak w rzeczywistości autor często sam aranżuje swoje utwory, a za nagranie, edycję i miksowanie może odpowiadać tylko jeden inżynier dźwięku.

Komponowanie piosenek. Osoba, która tworzy kompozycję muzyczną, nazywana jest autorem. Autor jest odpowiedzialny za stworzenie melodii wokalnej i podstawowego akompaniamentu na fortepianie lub gitarze. Na tym etapie inna osoba może zająć się pisaniem tekstu. Po ustaleniu podstawy utworu autor zazwyczaj wysyła wstępną wersję do doświadczonego aranżera w celu dalszego dopracowania.

Aranżacja. W rzeczywistości najbardziej magiczna część tworzenia muzyki ma miejsce na etapie aranżacji. Aranżer jest odpowiedzialny za wybór instrumentów, dopracowanie harmonii, opracowanie pomysłów muzycznych, stworzenie przejść i refrenów. Dopiero po zakończeniu aranżacji muzyka naprawdę ożywa w całej swojej okazałości.

Nagrywanie dźwięku. Po zakończeniu aranżacji należy nagrać czysty wokal. Jeśli skomponowano muzykę z wykorzystaniem instrumentów na żywo, należy również nagrać perkusję, gitary, skrzypce, trąbki, fortepian i wszelkie inne instrumenty, które aranżer włączył do utworu. Wymaga to zarówno muzyków, jak i studia nagraniowego.

Edycja. Kwantyzacja partii MIDI jest prostym procesem, ale praca z ścieżkami mikrofonowymi może być trudna. Nawet jeśli pracujesz tylko z nagraniami wokalnymi, musisz starannie wybrać ujęcia, dostosować ich timing i głośność, skorygować wszelkie problemy z wysokością dźwięku i usunąć niepożądane szumy, takie jak trzaski, trzaski i dźwięki w tle.

Miksowanie. Po dopracowaniu wszystkich ścieżek do perfekcji, inżynier dźwięku rozpoczyna pracę nad nimi. Dostosowuje poziomy głośności, wykorzystuje korektory, kompresory, saturatory i pogłosy do przetwarzania ścieżek. Jest to również czasochłonny proces, a czasami miksowanie może być równie trudne jak komponowanie muzyki.

Mastering. Kiedy inżynier dźwięku zakończy pracę nad wieloma ścieżkami, inżynier masteringu otrzymuje jeden plik – gotowy miks. Jego zadaniem jest udoskonalenie dźwięku za pomocą najwyższej klasy monitorów, wysokiej jakości sprzętu i idealnie wygłuszonego pomieszczenia.

Promocja. Chociaż ten etap nie obejmuje samego procesu tworzenia muzyki, jest równie ważny. Konieczne jest przeznaczenie określonego budżetu na reklamę, kampanie promocyjne i wydanie utworu na platformach streamingowych. Bez odpowiedniej promocji nawet potencjalny super hit może pozostać niezauważony. Dlatego podczas pracy nad muzyką należy o tym pamiętać.

Kilka wskazówek, o których warto pamiętać

1. Nie pozwól, aby teoria Cię powstrzymywała . Rozpoczęcie pisania muzyki jest proste, jeśli nie pozwolisz sobie na utknięcie w przekonaniu, że nie wiesz wystarczająco dużo lub nie masz niezbędnych umiejętności. Korzystaj z teorii tylko w razie potrzeby i odwołuj się do niej, gdy czujesz, że potrzebujesz więcej wiedzy.
2. Analizuj swoje ulubione utwory . Świetnym sposobem na poprawę umiejętności pisania muzyki jest analiza hitów. Rozumiejąc logikę stojącą za popularnymi utworami, możesz nauczyć się pisać jak profesjonalista. Rozłóż popularne utwory na czynniki pierwsze i spróbuj je odtworzyć, zwracając uwagę na ciekawe rozwiązania. Odwoływanie się do popularnych utworów może być również pomocne podczas pracy nad własnym materiałem.
3. Dąż do oryginalności . Wiele osób uważa, że twórcy muzyczni odnoszący sukcesy przestrzegają pewnych uniwersalnych zasad. Jeśli jednak przyjrzysz się kilku ponadczasowym hitom, odkryjesz, że każdy z nich ma swój niepowtarzalny charakter. Dlatego nie bój się eksperymentować i próbuj wymyślać coś, co urzeknie publiczność swoją oryginalnością.
4. Obserwuj trendy . Rozważ zbadanie preferencji współczesnej publiczności, aby tworzyć muzykę, która będzie popularna. Chociaż ważne jest, aby pozostać wiernym własnemu stylowi muzycznemu, inspirację można znaleźć w odkrywaniu tego, co przemawia do słuchaczy na dzisiejszym rynku.
5. Twórz muzykę w łatwy sposób . Nie zagłębiaj się zbytnio w aranżowanie muzyki. Staraj się szybko ją ukończyć i unikaj utknięcia w tym procesie. Wielu muzyków boryka się z niedokończonymi demo, ponieważ zbytnio skupiają się na dążeniu do perfekcji. Ważne jest, aby wiedzieć, kiedy priorytetem jest ukończenie utworu, a nie perfekcjonizm.

Najważniejszą radą jest podjęcie działania. Nie czekaj, aż osiągniesz doskonałe zrozumienie teorii muzyki, nie kupuj drogiego sprzętu ani wtyczek. Praktyka i doświadczenie nauczą Cię więcej niż jakakolwiek wiedza teoretyczna lub narzędzia.

Jeśli nie masz monitorów studyjnych, używaj słuchawek. Jeśli nie stać Cię na oprogramowanie, korzystaj z darmowego sekwencera. Dzisiaj możesz zacząć tworzyć muzykę online, po prostu włączając komputer. W końcu zdobędziesz sprzęt, którego pragniesz, ale w międzyczasie skup się na wykorzystaniu tego, co masz, aby rozwijać swoje umiejętności. Kto wie, może zanim zdobędziesz wymarzony sprzęt, będziesz już świetnym producentem. Wszystko zależy od Ciebie.