Aranżacje muzyczne

Aranżowanie muzyki istnieje od wielu lat i jest istotną cechą każdego stylu lub gatunku muzycznego. Niektórzy z najwybitniejszych muzyków aranżowali fragmenty swoich utworów w innych kompozycjach i/lub adaptowali utwory innych muzyków.

Bach, Beethoven, Korsakov, Ravel i wielu innych przyczyniło się do rozwoju dziedziny aranżacji muzycznych, ale warto zrozumieć, że proces ten może mieć inne znaczenie w przypadku współczesnej twórczości muzycznej.

Aranżacja to tworzenie muzyki przy użyciu istniejących utworów muzycznych. Obejmuje to na przykład aranżacje konkretnego instrumentu w piosence popowej lub rearanżowanie piosenki poprzez ponowne złożenie różnych części lub sekcji utworu.

W różnych stylach muzycznych istnieją różne struktury aranżacyjne, takie jak 32-taktowa forma zmian rytmicznych w jazzie lub 12-taktowa struktura bluesowa, a w ramach tej struktury brzmienie akordów, rytmika i tempo mogą sprawić, że aranżacja muzyczna będzie wyjątkowa.

Aby stworzyć własną muzykę wysokiej jakości, należy wziąć pod uwagę trzy rodzaje aranżacji.

1. Strukturalny, co oznacza ruch energii, sekcje i przejścia w muzyce.
2. Instrumentalny, czyli sposób, w jaki nuty, akordy i melodie są grane przez różne instrumenty. Pamiętaj, że może się to zmieniać w trakcie utworu! Przeniesienie melodii z wokalu na syntezator może sprawić, że zabrzmi ona nowocześnie i świeżo.
3. Aranżacja pozycji, czyli sposób rozmieszczenia dźwięków w miksie. Określenie ich głośności, panoramy, głębi i poczucia obecności.

W tym artykule opowiemy szczegółowo o znaczeniu aranżacji w produkcji muzycznej.

Wskazówki dla początkujących aranżerów muzyki pop

Upewnij się, że utwór działa samodzielnie

Czy utwór brzmi dobrze samodzielnie, gdy grasz go na pianinie lub gitarze, śpiewając? Jeśli utwór nie brzmi jeszcze „świetnie” samodzielnie, żadne aranżacje ani techniki produkcji muzycznej tego nie naprawią.

Zastanów się nad następującymi pytaniami:

• Czy refren jest mocny?
• Czy główna melodia jest na swoim miejscu?
• Czy masz dobry „hak” melodyczny lub harmoniczny?
• Czy utwór ma rytmiczny puls (nawet ballady mają silny puls)?

Pracuj nad swoją piosenką, aż będzie brzmiała świetnie „na surowo”, tylko z fortepianem/gitarą i głosem. Bardzo ważne jest, aby wykonać ten krok. Zła piosenka pozostanie zła, nawet przy najlepszych aranżacjach i produkcji. Dobra piosenka pozostanie dobrą piosenką.

Sprawdź, jakie gatunki obejmuje piosenka

Zanim zaczniesz aranżować muzykę lub piosenkę, powinieneś zadać sobie pytanie – jakie gatunki obejmuje?

Kiedy już to ustalisz, bardzo pomocne może być znalezienie kilku utworów referencyjnych. Utwory referencyjne są niezwykle ważne zarówno na etapie aranżacji/produkcji, jak i miksowania/masteringu każdego nagrania. Niektórzy mogą powiedzieć: „Nie chcę nikogo kopiować, ponieważ chcę być całkowicie oryginalny”.

Ale prawda jest taka, że nawet najlepsi profesjonaliści, którzy są bardzo oryginalni, nieustannie odwołują się do innych materiałów. Nie martw się o kopiowanie innych, chyba że dosłownie kopiujesz nutę po nucie, instrument po instrumencie itp.

Upewnij się, że utwór ma odpowiednią długość

Ten krok jest nieco podobny do pierwszego. Jednak aranżer/producent może chcieć zmienić kształt utworu na potrzeby nagrania. Czasami sposób, w jaki wykonawca wykonuje utwór na żywo, może różnić się od wersji studyjnej. W przypadku wersji nagranej bardzo ważne jest, aby utwór był jak najbardziej zwięzły.

Upewnij się, że masz przyzwoity wokal główny

Nagranie głównego wokalu pomoże Ci podjąć decyzje podczas aranżacji. Na przykład bez odsłuchania głównego wokalu łatwo jest stworzyć zbyt gęstą aranżację muzyczną. W rezultacie nie tylko doprowadzi to do mniej przyjemnego brzmienia końcowego nagrania, ale także znacznie utrudni pracę podczas miksowania. Najlepsze nagrane utwory mają aranżacje, które charakteryzują się idealną równowagą gęstości produkcji.

Wszystkie elementy aranżacji/produkcji powinny mieć swoją przestrzeń i zakres dźwiękowy.

Na przykład nie chcesz, aby bas grał jedną linię, a klawisze inną w tym samym zakresie.

Perkusja i inne elementy rytmiczne

Oprócz głównego wokalu, najważniejszą częścią aranżacji muzycznej są elementy perkusyjne/rytmiczne utworu. Zajmują one większość przestrzeni dźwiękowej, nadają słuchaczowi „groove” i w dużej mierze determinują klimat utworu.

Jeśli w utworze ma grać prawdziwy perkusista, aranżacja powinna po prostu nakreślić ogólny kierunek, w jakim powinien grać perkusista.

Nie skupiaj się zbytnio na programowaniu utworu za pomocą beatów. Dobry perkusista podejmie te decyzje za Ciebie.

To prowadzi nas do kolejnej kwestii. Jeśli zamierzasz dodać perkusję akustyczną, potrzebujesz naprawdę świetnego perkusisty, który potrafi grać w rytmie. Musi ona być idealnie nagrana.

Jeśli perkusja nie zostanie idealnie nagrana, wpłynie to negatywnie na klimat utworu i utrudni edycję poszczególnych sekcji. Pamiętaj, że zawsze możesz nadać jej bardziej surowy lub lo-fi charakter. Wystarczy wybrać liczbę kanałów mikrofonowych, które trafią do ostatecznego miksowania, oraz rodzaj przetwarzania, które zostanie zastosowane.

Jeśli samodzielnie programujesz perkusję, co można łatwo zrobić w sekwencerze online Amped Studio, powinieneś myśleć jak perkusista i zastanowić się nad przejściami między różnymi sekcjami utworu. W refrenie możesz przejść od hi-hatu do talerza ride i dodać małe wypełnienie między sekcjami. Podczas programowania spróbuj również użyć zestawu perkusyjnego odpowiedniego do utworu. Prawdopodobnie nie chcesz używać zestawu 808 do utworu hard rockowego, jeśli próbujesz naśladować perkusistę grającego na żywo w tym gatunku.

Jeśli nie masz doświadczenia w programowaniu perkusji, postaw na prostotę i upewnij się, że partia perkusji wzbogaca utwór, a nie odwraca od niego uwagę.

Niektórzy doświadczeni producenci często manipulują brzmieniem, przesuwając perkusję o kilka milisekund do przodu względem rytmu i cofając hi-hat. Zależy to od utworu i należy to robić z wyczuciem. Istnieją wspaniałe wtyczki „groove” dla MIDI, które subtelnie zmieniają prędkość i timing podczas programowania perkusji. Jedyna zasada – eksperymentuj!

Bas i elementy basowe

Po określeniu partii perkusji w aranżacji muzycznej, w większości przypadków następnym elementem jest bas (lub elementy basowe).

Jeśli jest to standardowa piosenka popowa, należy upewnić się, że bas „otwiera się” w refrenie, to znaczy, że nie gra cicho w wysokim rejestrze, gdy refren się kończy.

Jeśli w utworze występuje „prawdziwy” basista, niezwykle ważne jest, aby był on profesjonalnie nagrany i odtwarzany tak samo jak perkusja. Nie ma nic gorszego dla utworu niż brak czystości basu i niskich częstotliwości. Upewnij się, że partia perkusji i partia basu współgrają ze sobą.

Jeśli w utworze występuje bas syntetyczny, należy uważać na subbas i stylowe presety. Jeśli subwoofer jest jedynym basem w utworze, patch powinien być zaprojektowany tak, aby zawierał harmoniczne w średnim zakresie, tak aby ucho mogło je wychwycić podczas słuchania głośników, które nie mają dobrych częstotliwości basowych.

Na przykład, niektórych patchów subwoofera nie słychać na laptopach, iPhone'ach, niektórych słuchawkach i samochodowych zestawach stereo. Dlatego przed sfinalizowaniem zawsze warto odsłuchać miks utworu na różnych urządzeniach.

To, co brzmi świetnie w studiu lub klubie z doskonałymi systemami wzmacniającymi niskie tony, na innych urządzeniach lub w innych miejscach może brzmieć zbyt „ciężko”.

Podczas pracy z jednym z ulubionych syntezatorów w Amped Studio można znaleźć preset basowy, który brzmi świetnie w izolacji, ale nie pasuje do aranżacji lub dominuje w utworze. Należy pamiętać o pracy z basami „stereo” i patchami zawierającymi dużo wysokich częstotliwości.

W większości przypadków potrzebujesz patch basu, który jest monofoniczny i nie ma zbyt wysokiego spektrum częstotliwości. Są jednak wyjątki! Doświadczenie pomoże Ci podjąć właściwe decyzje.

Ten artykuł opiera się na aranżacjach piosenek popowych, więc niektóre z tych wskazówek nie mają zastosowania w przypadku niektórych gatunków, zwłaszcza jeśli chodzi o bas i perkusję.

Główny składnik harmoniczny

Ta część aranżacji muzycznej może być dość otwarta i swobodna, ale należy podchodzić do niej z dużą odpowiedzialnością. Aby zrozumieć, jakich instrumentów można użyć, warto posłuchać swoich ulubionych utworów.

W wielu utworach głównym instrumentem uzupełniającym wokal jest gitara lub fortepian. Instrumenty te są najczęściej grane w całym utworze. Po podjęciu decyzji w tej kwestii można uzupełnić aranżację wybranym materiałem.

Nauka tego wyłącznie na podstawie artykułu jest niezwykle trudna. Wszystko sprowadza się do prób i błędów oraz doświadczenia. Wtedy będziesz mógł swobodnie używać instrumentów harmonicznych do tworzenia zarysu utworu. Brzmienia akordów, przejścia akordów i tony przewodnie są dobrymi narzędziami do ulepszania podstawowej struktury akordów w aranżacji. Jeśli nie masz doświadczenia z akordami, wypróbuj Chord Creator w Amped Studio, aby zobaczyć i usłyszeć, jak działają akordy i progresje. To świetne miejsce, aby zacząć i dowiedzieć się więcej o strukturze harmonicznej.

W sekcji harmonicznej utworów popowych istnieją pewne tendencje, np. w refrenach używa się większej liczby instrumentów lub zwiększa gęstość, aby aranżacja była bardziej zwarta. Jeśli chodzi o zwrotki, prawdopodobnie będą one bardziej oszczędne.

Klasycznymi przykładami są powielanie gitar w refrenie (i panoramowanie ich w lewo i prawo) lub zamiana dowolnego źródła z mono na stereo.

Jeśli zdecydujesz się użyć sekcji instrumentów dętych lub smyczkowych w swoim aranżacji, musisz upewnić się, że partie te idealnie pasują do utworu. Większość utworów nie może mieć skomplikowanej aranżacji muzycznej. W większości przypadków warto użyć instrumentów dętych, aby wypełnić luki przyjemnie prostymi liniami lub „uzupełnić” partie śpiewane przez wokalistę. To samo dotyczy instrumentów smyczkowych. Istnieje kilka świetnych bibliotek próbek instrumentów smyczkowych i dętych, ale korzystanie z nich jest trudne bez studiowania i zrozumienia podstawowych relacji akordowych oraz aranżacji instrumentów smyczkowych i dętych. Jeśli masz szczęście pracować z doświadczonym aranżerem instrumentów smyczkowych i nagrywać na żywo sekcję smyczkową lub zespół instrumentów dętych, jest to prawdziwa przyjemność dla ucha i zmysłów.

Przegląd współczesnej muzyki pop i EDM

Podczas tworzenia aranżacji muzycznej bardzo ważne jest, aby posłuchać wielu utworów w tym stylu i zrozumieć, jak wszystkie elementy do siebie pasują.

W ramach EDM istnieje wiele różnych stylów, dlatego ważne jest, aby posłuchać i zrozumieć podstawowe cechy utworów, które lubisz w danym stylu. Pomyśl o tempie, brzmieniu basu i kicku oraz rytmicznych wzorcach syntezatora i hookach. Każdy styl ma specyficzne elementy, które wpływają na aranżację.

Większość podstawowych piosenek popowych ma intro, zwrotkę, refren (refren lub hook), bridge i outro.

Dodawanie efektów

Jaki jest ostatni krok w nauce aranżacji muzyki lub piosenki? Dodanie efektów.

W przypadku aranżacji akustycznej może to być dodanie perkusji do różnych części aranżacji. Klasycznymi przykładami są partia shakera w drugiej zwrotce i tamburyn w bridge'u.

W bardziej nowoczesnych stylach będą to wszystkie „białe szumy” i efekty dźwiękowe, takie jak przerwy, risery, uplifters, down lifters itp.

Korzystając z tych efektów, bardzo ważne jest, aby pasowały one do utworu.

Na przykład nie każdy zestaw efektów będzie pasował do każdego aranżacji muzycznej. Jeszcze lepiej jest stworzyć własny efekt specjalny dla każdej piosenki. Zajmuje to więcej czasu, ale może przynieść świetne rezultaty. Jeśli korzystasz z gotowych rozwiązań (co jest całkowicie w porządku), upewnij się, że masz dostęp do wielu różnych bibliotek, aby nie być ograniczonym do korzystania tylko z kilku ulubionych.

Przejście do procesu nagrywania i produkcji

Po zakończeniu aranżacji muzycznej i wokalnej możesz przejść do nagrywania i/lub miksowania.

Często na tym etapie utwór może ulec niewielkim zmianom. Na przykład proces miksowania może wskazać, że należy usunąć lub dodać pewne elementy z aranżacji, i jest to całkowicie w porządku. Wszystkie procesy nagrywania utworów w pewnym stopniu się ze sobą łączą. Po prostu zwracaj uwagę na to, jak utwór brzmi jako całość. Posłuchaj go zaraz po wysłuchaniu swoich ulubionych utworów w stylu, który próbujesz naśladować.

Produkt końcowy jest znacznie ważniejszy niż wszystkie omówione tutaj drobne szczegóły, a bardzo łatwo jest się pogubić w tych wszystkich szczegółach.

Dobra piosenka to dobra piosenka, więc podczas aranżowania i tworzenia muzyki upewnij się, że wzbogacasz utwór.

Zła piosenka jest zła i nie ma znaczenia, jak dobrze jest wykonana, zaaranżowana lub zmiksowana, więc jeśli podoba ci się aranżacja, przepisz piosenkę, aby była lepsza.

Aranżacje w muzyce klasycznej

Sztuka aranżacji i adaptacji muzyki istnieje od wieków. W okresie renesansu dość popularna była tabulatura (rodzaj aranżacji). Polegała ona na aranżowaniu utworów wokalnych lub zespołowych do wykonania na solo na klawesynie lub lutni.

W tym samym okresie opublikowano angielskie madrygały na różne głosy, co wskazuje, że można je było wykonywać na różne sposoby. Jednak zostały one stworzone z myślą o kilku rynkach.

Aranżowanie muzyki było również popularne w okresie baroku, kiedy to wielu wielkich muzyków zapożyczało utwory innych artystów lub aranżowało na nowo swoje własne kompozycje. Doskonałym przykładem z tej epoki jest Bach. Niektóre z jego utworów były aranżacjami kompozycji Antonio Vivaldiego. Remiksowanie nie jest niczym nowym!

Inni muzycy, tacy jak George Friedrich Handel i Francesco Geminiani, również odcisnęli swoje piętno na okresie baroku, jeśli chodzi o aranżacje. W rzeczywistości Handel był najbardziej znany z przerabiania własnych utworów.

Aranżacje można dostrzec w twórczości Beethovena. Przerobił on niektóre motywy z Prometeusza, aby dopasować je do zakończenia Symfonii heroicznej lub Symfonii nr 3.

W XIX wieku, wraz z rosnącą popularnością fortepianu, aranżacje stały się bardziej popularne niż kiedykolwiek wcześniej. Wiele transkrypcji orkiestrowych i utworów kameralnych zostało zaaranżowanych i opublikowanych z myślą o wykonaniu na fortepianie.

Aranżowanie muzyki było częstym zjawiskiem wśród wielkich muzyków. Pozostanie ono popularne również w przyszłości.

Muzyka współczesna

Nagrania muzyki popularnej często zawierają partie rogów miedzianych, smyczkowych i innych instrumentów, które zostały dodane przez aranżerów, a nie skomponowane przez oryginalnych autorów utworów. Niektórzy aranżerzy muzyki pop dodają nawet partie z wykorzystaniem pełnej orkiestry, choć ze względu na koszty jest to mniej powszechne. Aranżacje muzyki popularnej mogą również obejmować nowe wersje istniejących utworów z nowymi zabiegami muzycznymi. Zmiany te obejmują zmiany tempa, rozmiaru, tonacji, instrumentacji i innych elementów muzycznych.

Znane przykłady aranżacji muzyki rockowej to wersja Joe Cockera utworu Beatlesów „With a Little Help from My Friends”, „Crossroads” zespołu Cream oraz wersja Ike'a i Tiny Turner utworu Creedence Clearwater Revival „Proud Mary”. Amerykański zespół Vanilla Fudge i brytyjski zespół Yes oparli swoje wczesne kariery na radykalnych przeróbkach współczesnych hitów. Bonnie Poynter wykonała wersje disco i Motown utworu „Heaven Must Have Sent You”. Remiksy w muzyce tanecznej również można uznać za aranżacje.

Jazz

Aranżacje muzyczne dla małych kompozycji jazzowych były zazwyczaj nieformalne, minimalistyczne i nie były wymieniane w napisach końcowych. Duże zespoły miały zazwyczaj wyższe wymagania dotyczące aranżacji nutowych, chociaż wczesny big band Counta Basiego znany jest z wielu aranżacji, które zostały opracowane przez samych muzyków i zapamiętane („w głowach muzyków”). Jednak większość aranżacji big bandowych została nagrana i przypisana konkretnemu aranżerowi, na przykład dzieła Sammy'ego Nestico i Neila Hefty'ego dla późniejszych big bandów Counta Basiego.

Don Redman wprowadził innowacje w aranżacjach jazzowych z Fletcher Henderson Orchestra w latach 20. XX wieku. Utwory Redmana wprowadziły bardziej złożoną skalę melodyczną i partie solowe dla różnych sekcji big bandu. Benny Carter stał się głównym aranżerem Hendersona na początku lat 30. XX wieku, zyskując sławę dzięki swoim umiejętnościom w tej dziedzinie, a także talentowi jako wykonawca.

Aranżacje big bandowe są nieoficjalnie nazywane chartami. W erze swingu były to albo przeróbki popularnych piosenek, albo zupełnie nowe kompozycje. Aranżacje Duke'a Ellingtona i Billy'ego Strayhorna dla big bandu Duke'a Ellingtona były zazwyczaj nowymi kompozycjami, a niektóre utwory Eddiego Sotera dla zespołu Benny'ego Goodmana i Artiego Shawa dla własnego zespołu również były nowymi kompozycjami. Po erze bopu coraz powszechniejsze stało się aranżowanie fragmentów kompozycji jazzowych combo dla big bandów.

Po 1950 roku liczba big bandów spadła. Niemniej jednak kilka zespołów kontynuowało działalność. Gil Evans napisał szereg aranżacji dla big bandów pod koniec lat 50. i na początku lat 60., przeznaczonych wyłącznie do nagrań sesyjnych.

W XXI wieku aranżacje jazzowe powróciły w niewielkim stopniu. Gordon Goodwin, Roy Hargrove i Christian McBride wprowadzili nowe big bandy, grające zarówno kompozycje oryginalne, jak i nowe aranżacje standardowych utworów.

Wnioski

Aranżacja muzyczna jest ważną częścią procesu tworzenia i produkcji utworów w dzisiejszym świecie i ewoluowała przez wieki wraz z wielkimi kompozytorami świata. Korzystając z powyższych wskazówek, możesz już teraz zacząć tworzyć swoje pierwsze aranżacje. Nie potrzebujesz specjalistycznej wiedzy ani specjalistycznego sprzętu. Dzięki programowi online Amped Studio, który jest dostępny bezpośrednio w przeglądarce komputera, możesz tworzyć dobrej jakości aranżacje swoich utworów. Znajdziesz tu wiele wtyczek, instrumentów i próbek, a swoją pracę możesz udostępnić znajomym lub współpracownikom za pomocą kilku kliknięć.