Arranjos musicais

A arranjo musical existe há muitos anos e é uma característica essencial de qualquer estilo ou género musical. Alguns dos maiores músicos arranjaram partes das suas obras em outras obras e/ou adaptaram o trabalho de outros músicos.

Bach, Beethoven, Korsakov, Ravel e muitos outros contribuíram para o campo dos arranjos musicais, mas vale a pena compreender que o processo pode ter um significado diferente quando se trata da criação musical moderna.

Arranjar é a criação de música usando peças musicais existentes. Isso inclui, por exemplo, arranjos de um instrumento específico em uma música pop ou rearranjar uma música remontando as diferentes partes ou seções de uma música.

Em diferentes estilos musicais, existem diferentes estruturas de arranjo, como a forma A/A/B/A de 32 compassos de mudanças de ritmo no jazz ou uma estrutura de blues de 12 compassos e, dentro da estrutura, os acordes, o ritmo e o tempo podem tornar o arranjo musical único.

Existem três tipos de arranjos que precisa de considerar para criar a sua própria música de alta qualidade.

1. Estrutural, que significa o movimento de energia, secções e transições na sua música.
2. Instrumental, que é como as notas, acordes e melodias devem ser tocados pelos vários instrumentos. Lembre-se de que isso pode mudar ao longo da sua faixa! Mudar uma melodia do vocal para o sintetizador pode torná-la nova e refrescante.
3. Arranjo de posição, que significa como o som é posicionado na sua mistura. Definir o volume, o panning, a profundidade e a sensação de presença.

Neste artigo, falaremos detalhadamente sobre a importância dos arranjos musicais na produção musical.

Dicas para arranjadores iniciantes no pop

Certifique-se de que a música funciona sozinha

A música funciona sozinha se a tocar apenas no piano ou na guitarra enquanto canta? Se a música ainda não for «ótima» sozinha, nenhuma quantidade de arranjos ou técnicas de produção musical irá corrigir isso.

Considere as seguintes perguntas:

• Tem um refrão forte?
• A melodia principal está no lugar certo?
• Tem um bom «gancho» melódico ou harmónico?
• Tem um ritmo cativante (até as baladas têm um ritmo forte)?

Trabalhe na sua música até que ela soe bem "nua", apenas com piano/guitarra e voz. É extremamente importante seguir este passo. Uma música ruim continuará ruim, mesmo com os melhores arranjos e produção. Uma boa música continuará sendo uma boa música.

Verifique quais os géneros que a música abrange

Antes de começar a arranjar música ou uma canção, deve perguntar-se: que género(s) ela abrange?

Depois de decidir isso, pode ser muito útil encontrar algumas faixas de referência. As faixas de referência são extremamente importantes tanto na fase de arranjo/produção quanto na fase de mixagem/masterização de qualquer gravação. Algumas pessoas podem dizer: «Não quero copiar ninguém porque quero ser completamente original».

Mas a verdade é que mesmo os profissionais de topo, que são os mais originais, estão constantemente a consultar outros materiais. Não se preocupe em copiar outra pessoa, a menos que esteja literalmente a copiar nota por nota, instrumento por instrumento, etc.

Certifique-se de que a música tem duração suficiente

Este passo é um pouco semelhante ao primeiro. No entanto, o arranjador/produtor pode querer alterar a forma da música para a gravação. Às vezes, a forma como um artista interpreta uma música ao vivo pode ser diferente da versão de estúdio. Para a versão gravada, é muito importante que a música seja o mais concisa possível.

Certifique-se de que tem uma voz principal decente

Gravar um vocal principal irá ajudá-lo a tomar decisões durante o arranjo. Por exemplo, sem ouvir o vocal principal, é fácil tornar o arranjo da música demasiado denso. Como resultado, isso levará não só a uma gravação final menos agradável, mas também tornará muito mais difícil trabalhar durante a mistura. As melhores músicas gravadas têm arranjos com o equilíbrio perfeito de densidade de produção.

Todos os diferentes elementos do arranjo/produção devem ter o seu próprio espaço e alcance sonoro.

Por exemplo, não quer que o baixo toque uma linha e os teclados toquem outra na mesma gama.

Bateria e outros componentes rítmicos

Além dos vocais principais, a parte mais importante do arranjo musical são os componentes percussivos/rítmicos da música. Eles ocupam a maior parte do espaço áudio, proporcionam ao ouvinte um «groove» e determinam em grande parte a sensação da música.

Se a faixa envolver um baterista real, o seu arranjo deve simplesmente delinear a direção geral do que o baterista deve tocar.

Não se concentre demasiado em programar a faixa com batidas. Um bom baterista tomará essas decisões por si.

Isso leva-nos a outro ponto. Precisas de um baterista realmente bom que saiba tocar no tempo certo se quiseres adicionar bateria acústica. Ela precisa ser gravada com perfeição.

Se a bateria não for gravada na perfeição, a sensação e a música serão muito afetadas e, se for editada, será mais difícil alinhar as secções. Lembre-se de que pode sempre torná-la mais áspera ou com um estilo lo-fi. Basta escolher quantos canais de microfone vão para a mistura final e que tipo de processamento será usado.

Se estiver a programar a bateria você mesmo, o que pode ser feito facilmente no sequenciador online Amped Studio, deve pensar como um baterista e pensar nas transições nas diferentes secções da música. Pode passar do chimbau para o prato de condução no refrão e ter um pequeno preenchimento entre as secções. Além disso, tente usar um kit de bateria apropriado para a música ao programar. Provavelmente não vai querer usar um kit 808 para uma música de hard rock se estiver a tentar emular um baterista ao vivo nesse género.

Se não estiver familiarizado ou não tiver experiência com programação de bateria, mantenha a simplicidade e certifique-se de que a parte da bateria realça a música e não distrai dela.

Alguns produtores experientes costumam manipular a sensação movendo ligeiramente a bateria alguns milissegundos à frente da batida e empurrando o hi-hat para trás. Isso depende da música e deve ser escolhido com bom gosto. Existem plugins de “groove” maravilhosos para MIDI que alteram sutilmente a velocidade e o tempo enquanto programa a sua bateria. A única regra é: experimente!

Baixo e elementos de baixo

Depois de especificar a bateria no arranjo musical, o baixo (ou elementos de baixo) é o próximo passo na maioria dos casos.

Se for uma música pop padrão, você precisa garantir que o baixo "abra" no refrão, ou seja, que o baixo não toque baixinho em um registro agudo quando o refrão diminuir.

Se a sua faixa tiver um baixista «real», é extremamente importante que ele seja gravado profissionalmente e toque como a bateria. Não há nada pior para a sua faixa do que a falta de clareza do baixo e das frequências baixas. Certifique-se de que a parte da bateria e a parte do baixo funcionam juntas.

Se a sua faixa tiver baixo sintetizado, tenha cuidado com o sub-baixo e as predefinições elegantes. Se o subwoofer for o único baixo na sua faixa, o patch deve ser projetado para ter harmónicos no meio do espectro, para que o ouvido possa encontrá-los ao ouvir em altifalantes que não têm boas frequências graves.

Por exemplo, pode não ouvir certos patches de subwoofer em computadores portáteis, iPhones e alguns auscultadores e aparelhos de som automotivos. É por isso que é sempre bom ouvir uma mixagem de música em diferentes dispositivos antes de finalizar.

O que soa muito bem num estúdio ou clube com excelentes sistemas de graves aprimorados, mas noutros dispositivos ou locais soa «pesado».

Pode encontrar uma predefinição de graves enquanto trabalha com um dos seus sintetizadores favoritos no Amped Studio que soa incrível isoladamente, mas não é adequada para o arranjo ou domina a música. Esteja ciente de trabalhar com graves «estéreo» e patches que contêm muitas frequências agudas.

Na maioria dos casos, você vai querer um patch de baixo que seja monofónico e não muito alto no espectro de frequências. No entanto, há exceções! A experiência irá ajudá-lo a tomar as decisões certas.

Este artigo baseia-se em arranjos de músicas pop, portanto, algumas dessas dicas não são válidas para determinados géneros, especialmente quando se trata de baixo e bateria.

O principal componente harmónico impulsionador

Esta parte do arranjo musical pode ser bastante aberta e livre, mas deve abordar este ponto com grande responsabilidade. Para compreender quais instrumentos pode usar, vale a pena ouvir as suas faixas favoritas.

Em muitas músicas, o principal instrumento que complementa os vocais principais é a guitarra ou o piano. Esses instrumentos são os mais prováveis de serem tocados ao longo da música. Depois de decidir sobre essa questão, você pode compor e arranjar com o material escolhido.

Aprender a fazer isso apenas lendo um artigo é extremamente difícil. É tudo uma questão de tentativa e erro e experiência. Você então estará livre para usar seus instrumentos harmónicos para formar o esboço da música. Voicings de acordes, transições de acordes e tons principais são boas ferramentas para melhorar uma estrutura básica de acordes em um arranjo. Se você é novo em acordes, experimente o Chord Creator no Amped Studio para ver e ouvir como os acordes e progressões podem funcionar. Este é um ótimo lugar para começar e aprender sobre estrutura harmónica.

Existem tendências nas músicas pop em termos de harmonia, como nas seções de refrão, onde você usará mais instrumentos ou densidade para tornar o arranjo mais coeso. Quanto às seções de verso, você provavelmente as tornará mais esparsas.

Exemplos clássicos são duplicar guitarras na seção do refrão (e distribuí-las à esquerda e à direita) ou transformar qualquer fonte de mono para estéreo.

Se decidir usar uma secção de metais ou cordas no seu arranjo, precisa de se certificar de que as partes se encaixam muito bem na música. A maioria das músicas não pode ter um arranjo musical complexo. Na maioria dos casos, vai querer usar instrumentos de sopro para preencher as lacunas com linhas deliciosamente simples ou para «complementar» as partes em que o vocalista canta. O mesmo se aplica às cordas. Existem algumas bibliotecas de amostras excelentes para cordas e metais, mas é difícil utilizá-las sem estudar e compreender as relações básicas entre acordes e o arranjo de cordas e metais. Se tiver a sorte de trabalhar com um arranjador de cordas experiente e gravar uma secção de cordas ao vivo ou um conjunto de metais, será um verdadeiro prazer ouvir e experimentar.

Uma revisão da música pop moderna e da EDM

Ao criar um arranjo musical, é muito importante ouvir muitas faixas desse estilo e compreender como todas as peças se encaixam.

Existem muitos estilos diferentes dentro da EDM, por isso é importante ouvir e compreender as características básicas das faixas que gostas num estilo específico. Pensa no tempo, nos sons de baixo e bumbo e nos padrões rítmicos e ganchos do sintetizador. Cada estilo tem elementos específicos que fazem parte do estilo para arranjar.

A maioria das canções pop básicas tem uma introdução, um verso, um refrão (refrão ou gancho), uma ponte e um final.

Suplementação de efeitos

Qual é o passo final para aprender a arranjar música ou uma canção? Adicionar os efeitos.

Para um arranjo acústico, isso pode ser a adição de percussão a diferentes partes do arranjo. Exemplos clássicos seriam a parte do shaker no segundo verso e o pandeiro na ponte.

Em estilos mais modernos, seriam todos os «ruídos brancos» e efeitos sonoros, como pausas, risers, uplifters, down lifters, etc.

Ao usar esses efeitos, é muito importante que eles combinem com a música.

Por exemplo, nem todos os pacotes de efeitos funcionarão para todos os arranjos musicais. Melhor ainda, crie o seu próprio efeito especial para cada música. Leva mais tempo, mas pode levar a ótimos resultados. Se estiver a usar soluções prontas (o que é perfeitamente aceitável), certifique-se de ter acesso a muitas bibliotecas diferentes para não ficar limitado a usar apenas algumas favoritas.

Passando para o processo de gravação e produção

Depois de terminar os arranjos musicais e vocais, está pronto para passar para a gravação e/ou mistura.

Frequentemente, nessa fase, a faixa pode mudar ligeiramente. Por exemplo, o processo de mistura pode indicar que precisa de eliminar ou adicionar certos elementos do arranjo, e isso é absolutamente normal. Todos os processos de gravação de músicas fluem uns para os outros até certo ponto. Basta ficar atento ao som da música como um todo. Ouça-a logo após ouvir uma das suas faixas favoritas no estilo que está a tentar imitar.

O produto final é muito mais importante do que todos os pequenos detalhes discutidos aqui, e é muito fácil ficar confuso com todos os detalhes.

Uma boa música é uma boa música, por isso certifique-se de que, no processo de arranjo e criação da música, está a melhorar a música.

Uma música ruim é uma música ruim, e não importa o quão bem ela seja feita, arranjada ou mixada, então, se você gosta do arranjo, reescreva a música para que ela fique melhor.

Arranjos na música clássica

A arte de arranjar e adaptar música existe há séculos. Durante o Renascimento, a tabulação (um tipo de arranjo) era bastante popular. Tratava-se de arranjar peças vocais ou de conjunto para serem tocadas no teclado solo ou no alaúde.

No mesmo período, foram publicados madrigais ingleses para diferentes vozes, indicando que podiam ser tocados de diferentes maneiras. No entanto, foram feitos para serem usados em vários mercados.

O arranjo musical também era popular durante o período barroco, quando muitos grandes músicos pegavam emprestado de outros artistas ou rearranjavam as suas próprias obras. Um grande exemplo dessa época é Bach. Algumas de suas obras eram arranjos de obras de Antonio Vivaldi. O remix não é novidade!

Outros músicos, como George Friedrich Handel e Francesco Geminiani, também deixaram a sua marca no período barroco no que diz respeito a arranjos. Na verdade, Handel era mais conhecido por reformular o seu próprio material.

Você pode ver arranjos na obra de Beethoven. Ele refez alguns dos temas de Prometheus' Creations para se adequar ao final da Heroic Symphony ou Symphony No. 3.

No século XIX, com a crescente popularidade do piano, os arranjos também se tornaram mais populares do que nunca. Muitas transcrições orquestrais e peças de câmara foram arranjadas e publicadas para serem tocadas no piano.

Arranjar música era uma prática frequente entre os grandes músicos. E continuará a ser forte no futuro.

Música moderna

As gravações de música popular frequentemente incluem partes de trompas de cobre, cordas com arco e outros instrumentos que foram adicionados por arranjadores e não compostos pelos compositores originais. Alguns arranjadores pop até adicionam seções usando uma orquestra completa, embora isso seja menos comum devido ao custo. Os arranjos de música popular também podem incluir novas versões de canções existentes com novos tratamentos musicais. Essas mudanças envolvem alterações no tempo, tamanho, tonalidade, instrumentação e outros elementos musicais.

Exemplos bem conhecidos de arranjos de música rock incluem a versão de Joe Cocker de «With a Little Help from My Friends» dos Beatles, «Crossroads» dos Cream e a versão de Ike e Tina Turner de «Proud Mary» dos Creedence Clearwater Revival. A banda americana Vanilla Fudge e a banda britânica Yes basearam as suas carreiras iniciais em reformulações radicais de sucessos modernos. Bonnie Poynter interpretou versões disco e Motown de «Heaven Must Have Sent You». Remixes em música dance, por exemplo, também podem ser considerados arranjos.

Jazz

Os arranjos musicais para pequenas composições de jazz eram geralmente informais, mínimos e não constavam nos créditos. Grandes conjuntos tendiam a ter exigências mais elevadas em relação aos arranjos musicais, embora a big band inicial de Count Basie seja conhecida pelos seus muitos arranjos, que foram desenvolvidos pelos próprios músicos e memorizados («na cabeça do músico»). No entanto, a maioria dos arranjos de big band foi gravada e atribuída a um arranjador específico, como o trabalho de Sammy Nestico e Neil Hefty para as big bands posteriores de Count Basie.

Don Redman inovou nos arranjos de jazz com a Fletcher Henderson Orchestra na década de 1920. Os trabalhos de Redman introduziram um tom melódico mais complexo e performances a solo para várias partes da big band. Benny Carter tornou-se o principal arranjador de Henderson no início da década de 1930, tornando-se famoso pelas suas habilidades na área, além do seu talento como intérprete.

Os arranjos para big bands são informalmente chamados de charts. Na era do swing, eles eram reformulações de canções populares ou composições totalmente novas. Os arranjos de Duke Ellington e Billy Strayhorn para a big band de Duke Ellington eram geralmente composições novas, e alguns trabalhos de Eddie Soter para a banda de Benny Goodman e Artie Shaw para sua própria banda também eram composições novas. Após a era do bop, tornou-se mais comum arranjar trechos de composições de jazz combo para big bands.

Após 1950, o número de big bands diminuiu. No entanto, várias bandas continuaram. Gil Evans escreveu vários arranjos para big bands no final da década de 1950 e início da década de 1960, destinados apenas a gravações de sessão.

No século XXI, os arranjos jazzísticos de música tiveram um retorno modesto. Gordon Goodwin, Roy Hargrove e Christian McBride introduziram novas big bands com composições originais e novos arranjos de músicas padrão.

Conclusão

O arranjo musical é uma parte importante do processo de criação e produção de faixas no mundo atual e evoluiu ao longo dos séculos com os grandes compositores mundiais. Usando as dicas acima, pode começar a fazer os seus primeiros arranjos agora mesmo. Não precisa de ter conhecimentos especiais nem equipamento especial. Com o programa online Amped Studio, disponível diretamente no navegador do seu computador, pode fazer arranjos de boa qualidade para as suas músicas. Aqui encontrará um grande número de plug-ins, instrumentos e samples, e pode partilhar o seu trabalho com amigos ou colegas com apenas alguns cliques.