Mezclar música

La mezcla musical es una de las etapas principales de la producción. Sin ella, la canción no suena como una pieza terminada y sigue siendo una grabación demo. Los aspirantes a músicos se enfrentan a la decepción en algún momento. Se te ocurrió un ritmo pegadizo, una melodía cautivadora, una hermosa armonía. Luego elegiste muestras de alta calidad y encontraste presets de sintetizador interesantes. Parece que todo debería sonar genial y armonioso. Pero le muestras tu creación a tus amigos y ves que no les impresiona. Y comprendes que falta algo. Lo único que falta es la mezcla.

La situación con los instrumentos en vivo es aún peor. Tocas en la sala de ensayos, te emocionas, sientes la energía. Ya te imaginas cómo multitudes de fans acuden a tu concierto, cómo las canciones obtienen millones de reproducciones. Pero grabas tu material y te das cuenta de que no todo es tan genial como parecía en el ensayo. Y parece que las guitarras están afinadas, que tocas con fluidez y que el arreglo es perfecto, pero sin la mezcla, la música no suena bien.

Incluso una canción con una sola guitarra acústica necesita procesamiento, y las composiciones con instrumentación densa aún más. Es necesario mezclar todas las pistas para que suenen de forma coherente, no se salgan del contexto general y formen una mezcla genial. Además, al grabar, siempre aparecen defectos, partes desafortunadas y armónicos. Los archivos de audio deben editarse y limpiarse primero, y luego procesarse.

¿Qué es la mezcla musical?

Básicamente, se trata del equilibrio de volumen, el equilibrio de frecuencias y la coloración. Hay tres componentes en total. Pero son tan laboriosos que requieren mucho tiempo y esfuerzo. Y eso sin contar el desarrollo constante de habilidades, la formación y la educación. Este trabajo requiere un oído bien desarrollado y adaptado a tareas específicas. Y la mezcla de música resuelve muchos de estos problemas.

1. Eliminación de defectos de grabación. Para que la música suene rítmicamente, todas las partes se alinean con una cuadrícula común, de modo que las resonancias desagradables no presionen los oídos, se buscan y se eliminan. En las voces, se debe corregir la entonación. Hay muy pocos cantantes que alcancen las notas a la perfección. Los instrumentos que suenan mal los hacen parecer más bonitos y ricos;

2. Resolución de conflictos entre instrumentos. Mucha gente piensa que esto es mezclar música. Sin embargo, esto es solo una pequeña parte. Para que los sonidos «encajen» juntos en la mezcla, se nivelan en volumen, se ecualizan, se asignan a cada lugar en la imagen estéreo, se comprimen, se unen con efectos de grupo, etc.

3. Construir la escena. Esto también se aplica en parte a la resolución de conflictos. Pero de esta manera, el ingeniero de sonido también hace que la imagen sonora sea más bonita, interesante, rica y agradable al oído. Pondrá algo en primer plano, alejará algo, colocará algo a la izquierda, otra cosa un poco más a la izquierda, etc. La disposición del escenario se utiliza a menudo cuando se mezcla música en directo. Parece que estamos viendo la actuación de la banda: a la izquierda está el guitarrista, varios coristas están cerca, a la derecha están los trompetistas y el teclista está más cerca del centro. Y para una disposición electrónica densa, simplemente se puede crear un muro de sonido en el que todo se fusiona.

4. Dar color a la pista. Al mezclar la música de artistas independientes, puede que esto no sea lo más importante. Pero toda la música pop comercial tiene su propio color: atrevido o inteligente, brillante o suave, seco o rico. Lo mismo ocurre con los estilos. El kick en el hip-hop no es lo mismo que el kick en el hard rock, aunque las fuentes puedan ser casi las mismas. El rap nuevo y el rap old school suenan muy diferentes;

5. Garantizar la difusión. Mezclar música en monitores de alta gama tiende a hacer que la música suene igual de bien en los auriculares que en los altavoces habituales. La pista tiene que «rockear» en el coche, ser exigente en el centro comercial, adaptarse a los rangos de los smartphones y los ordenadores portátiles. A esto se le llama «difusión».

¿Qué se necesita para mezclar música?

Los músicos llevan años perfeccionando sus habilidades, buscando nuevos movimientos y técnicas, analizando éxitos y experimentando. Pero incluso sin una preparación y unos conocimientos serios, un principiante puede sentarse frente al ordenador, abrir un secuenciador online (por ejemplo, Amped Studio) y esbozar un ritmo en media hora. Mezclar música es más complicado. Aquí se necesitan recursos especiales.

1. Oído entrenado

Cuanto más tiempo dedica una persona a equilibrar, ecualizar y analizar referencias, mejor es su capacidad para mezclar. No se recomienda a los músicos que mezclen sus canciones por su cuenta, ya que otros oídos percibirán mucho mejor los defectos a los que el autor está acostumbrado durante el trabajo en su creación. Un ingeniero de sonido externo tiene la experiencia, la habilidad, los conocimientos y la frescura de percepción necesarios.

Sin embargo, a veces la mezcla musical se limita únicamente a encontrar el equilibrio. Algunos arreglistas crean pistas que suenan bien desde el principio. Y si eres escrupuloso con tu material, puedes ayudar mucho al ingeniero de mezclas. Lo mismo ocurre cuando la mezcla después de la masterización permanece prácticamente sin cambios: es solo que quien la mezcló ya la ha acercado al ideal.

2. Monitorización

Está claro que la música necesita reproducirse a través de algo. Pero en este caso, la calidad del equipo de sonido afectará a la calidad de la mezcla. Además, si hay que elegir entre altavoces caros y monitores baratos, es mejor optar por estos últimos.

No se recomienda mezclar con acústica normal, especialmente con una cara. El hecho es que este tipo de acústica siempre embellece el sonido, ocultando todo tipo de artefactos que aparecen fácilmente en altavoces musicales con una potencia de 1 W o más. Para mezclar música, se deben utilizar exclusivamente monitores profesionales. Están diseñados de tal manera que revelan todos los defectos del sonido y los hacen audibles. Es decir, reproducen cualquier sonido en su forma original, lo que facilita el trabajo del ingeniero de sonido.

También se puede mezclar música con auriculares. Pero los profesionales intentan evitarlo. Los auriculares no proporcionan una imagen estéreo adecuada. Y al final, la canción se escuchará en el espacio, y también debe evaluarse en el espacio. Aunque hoy en día se comercializan diversos programas que corrigen el sonido de los auriculares, acercándolo al del estudio. Parecen convertir los auriculares en un estudio profesional con monitores.

Pero mezclar música con auriculares tiene sus ventajas. Por ejemplo, eliminar la influencia de la sala. El sonido que pasa por los altavoces adquiere un color específico. Por lo tanto, en diferentes altavoces, en diferentes monitores, en diferentes auriculares, la misma canción suena de forma diferente. Pero esto no es tan malo. La onda sonora se refleja en las paredes y, en diferentes salas, adquirirá características diferentes.

Con los auriculares, puedes mezclar música en las peores habitaciones, sin preparar. Pero para trabajar con altavoces o monitores, la habitación debe estar preparada. La forma más asequible es amortiguarlo todo con lana mineral, cortinas opacas, paneles absorbentes del sonido, etc. Pero este es un tema para otra discusión. En cualquier caso, intenta probar tu mezcla en diferentes altavoces y en diferentes habitaciones.

3. Interfaz de sonido

Cualquier ordenador que pueda emitir sonido a los altavoces tiene una interfaz de audio integrada. Pero, ¿por qué no es suficiente para mezclar música? El hecho es que este dispositivo está equipado con un ADC y un DAC.

Un ADC (convertidor analógico-digital) convierte el sonido analógico en directo (voz, acordes de guitarra, golpes de batería) en un código digital, es decir, lo escribe en un ordenador. Un DAC (convertidor digital-analógico), por otro lado, hace que este código suene, es decir, lo envía a los altavoces.

Si no vamos a grabar nada, no necesitamos un ADC en absoluto. Pero se necesita un DAC para mezclar música y debe ser de buena calidad. La calidad de las tarjetas de sonido integradas en el ordenador deja mucho que desear. Por lo tanto, se recomienda a los músicos o ingenieros de sonido novatos que adquieran una tarjeta de audio externa. Por lo tanto, se recomienda a los músicos o ingenieros de sonido novatos que adquieran una tarjeta de audio externa, y cuanto más cara sea, mejor.

Pero este dispositivo funciona en combinación con los altavoces. Si no tienes monitores profesionales, la interfaz de audio no te servirá de nada. Por lo tanto, al principio, puedes utilizar la tarjeta integrada en el ordenador. No tienes que esperar a conseguir el equipo que deseas. Utiliza siempre lo que tengas a mano.

4. Software

Puedes mezclar música en el mismo programa en el que hiciste el arreglo. La mayoría de los secuenciadores son versátiles y te permiten grabar instrumentos en directo, crear ritmos, editar partes, trabajar con MIDI, mezclar, masterizar y mucho más. También necesitarás plugins de procesamiento: ecualizadores, compresores, etc. Vienen con muchos programas.

Mezclar música en secuenciadores online te permite prescindir por completo de programas y plugins. Todo lo que necesitas es un ordenador, una tableta o un smartphone con auriculares. Por ejemplo, la funcionalidad de Amped Studio te ofrece todas las posibilidades para mezclar una canción. Aquí puedes crear un equilibrio entre las pistas, panoramizarlas e incluso automatizar la panoramización y el volumen de cada instrumento. Una cuenta Premium te ofrece aún más opciones de automatización.

Amped Studio tiene compresores, ecualizadores, puertas, reverberación y muchos otros efectos incorporados. Ni siquiera tienes que instalar ningún complemento VST, aunque este secuenciador te permite usar VST. Mencionamos que es importante escuchar la mezcla en diferentes altavoces para obtener una buena mezcla. Amped Studio se abre desde cualquier dispositivo que tenga un navegador. Es decir, podemos comprobar la mezcla en cualquier lugar: por ejemplo, visitando a amigos o familiares.

Este programa en línea también da acceso a múltiples cuentas. Todos los músicos del grupo pueden trabajar en él, escuchar pistas, hacer cambios, probar soluciones inusuales, corregir algo. Esto hace que la mezcla musical sea más objetiva. Cuantos más oídos, mejor. Una percepción fresca solo ayuda al trabajo.

¿Cómo mezclar la canción?

Más adelante veremos este proceso paso a paso, desde el enrutamiento hasta el procesamiento del canal maestro. Pero primero, veamos la mezcla de música desde fuera para comprender la esencia y no repetir las acciones mecánicamente. Descubriremos qué hace exactamente el ingeniero de sonido cuando mezcla la composición y por qué lo hace.

1. Equilibrio de volumen

Los niveles de volumen ajustados con precisión ya hacen que la canción quede montada. Pero si el volumen de las pistas individuales cambia constantemente, la mezcla no será estable. Por lo tanto, los instrumentos con ataques, picos y caídas evidentes deben comprimirse. La compresión reduce el rango, eliminando la diferencia entre los sonidos suaves y fuertes.

Sin embargo, mezclar música no consiste solo en aplanar y suavizar. Con la ayuda de los faders de volumen, podemos crear perspectiva, como en la pintura. Los instrumentos principales se pueden hacer más fuertes y, por lo tanto, destacar. Lo que suena más bajo pasa a un segundo plano. Y dejemos que los pequeños detalles de relleno suenen en algún lugar muy lejano.

Cambiar el balance mientras se reproduce la mezcla ayuda a que la canción sea más dramática, dinámica y enérgica. La automatización es una de las técnicas más importantes para mezclar música. Podemos automatizar el volumen trazando una línea a lo largo de la cual cambiará el nivel. Y entonces los balances cambiarán: otro instrumento pasará a primer plano, aparecerán otros acentos, el groove cambiará.

2. Equilibrio de frecuencias

Cada canción tiene una respuesta de frecuencia única (AFC). Pero los diferentes instrumentos viven en diferentes rangos. Al mezclar música, crean una imagen equilibrada. Aunque no es necesario lograr una respuesta de frecuencia plana.

• El bombo y el bajo mantendrán los graves entre 40 y 800 hercios aproximadamente. Al mismo tiempo, también tienen una frecuencia de presencia (cuerdas que suenan o golpes de baqueta) en la región de los 1000 Hz.
• El rango del snare comienza en unos 200 Hz y se extiende hasta arriba. Al mismo tiempo, puede tener un grave ajustado alrededor de los 100 Hz y un agudo brillante alrededor de los 7000 Hz.
• El hi-hat y otros platillos llenan todo el rango de frecuencias medias y altas a partir de 300 Hz. Pero a menudo se recortan considerablemente, dejando solo los agudos más altos.
• La guitarra eléctrica se encuentra en el medio, entre 300 y 5000 Hz. Además, los picos y valles en esta zona pueden distribuirse de la forma más inusual.
• El rango del piano es de aproximadamente 80 a 10 000 Hz. Al igual que una guitarra acústica.
• Los sintetizadores pueden ocupar una amplia variedad de rangos dependiendo de la naturaleza del sonido.

Pero para mezclar música, los rangos de los instrumentos no son muy importantes. Lo principal es que el bombo y el bajo se encargan de los graves, los platillos se encargan de los agudos, los instrumentos de armonía se sitúan en el medio y las voces se sitúan por encima de todo esto, ocupando todo el rango, desde los graves hasta los agudos. Mucho más importantes son las frecuencias específicas y el efecto que produce su amplificación o atenuación.

• 30, 60 o 100 Hz: la principal frecuencia baja del bombo y el bajo. Si tenemos un bombo grave y el bajo se sitúa en 100 Hz, entonces cortamos 100 Hz en el bombo y añadimos en el bajo. Y viceversa. Así es como funcionan en concierto. La potencia de la caja también se oculta en 100 Hz.
• 250 Hz: plenitud o resonancia. Si se crea un gran bulto en las voces aquí, se obtiene un sonido encajonado. Si se realiza un gran recorte, la base de la voz desaparecerá, se volverá lenta y débil.
• 600 Hz: densidad y turbidez. Si hay mucha (por ejemplo, en un bajo), el instrumento sonará confuso y jabonoso. Si no hay suficiente, la mezcla perderá su plenitud y se volverá vacía.
• 800 Hz: las salas malas tienen un sonido sucio en esta frecuencia. Puedes recortarla para limpiar un instrumento acústico o las voces.
• 1,5 kHz: legibilidad de la caja, golpes de bombo, resonancia de las cuerdas del bajo y presencia de las voces. La conclusión es más o menos la misma: a esta frecuencia, el instrumento se hace notar. Si la añades, la voz se acercará al oyente, pero adquirirá un sonido similar al de un teléfono sonando.
• 3, 4, 5, 7 kHz: colores superiores. Solo hay que probarlos uno por uno y escuchar cuál te gusta más. Es importante asegurarse de que no salgan resonancias y no aparezca acidez. En la región de 7-8 kHz también hay un sonido «c», que puede golpear los oídos.
• 10 kHz y superiores: suavidad y ligereza. Suaviza los sombreros y las trampas, mientras que las voces se elevan.

Estas son solo pautas generales. Mezclar música es un proceso delicado y, en cada caso, la ecualización debe ser individual. Para algunos vocalistas, el sonido «c» puede acentuarse a 9 kHz (no a 7). En algunos bombos, puede sonar un golpe en la región de los 3 kHz (no en 1,5). La turbidez puede buscarse en toda la zona media-baja: de 300 a 1000 Hz (no solo en 600 y 800). Por lo tanto, hay que abordar cada herramienta con cuidado.

3. Equilibrio según los planes

La disposición de los instrumentos en el espacio también crea una imagen armoniosa al mezclar música. No es solo el fader de volumen lo que puede acercar o alejar el instrumento. Los compresores, ecualizadores y reverberaciones crean ilusiones espaciales.

Por ejemplo, algunos compresores tienen parámetros de ataque y liberación ajustables. Un ataque grande (largo) hace que los golpes sean más potentes, pero elimina el sonido. Un ataque corto (rápido) hace que el instrumento sea pequeño, pero lo acerca. Así es como el cerebro percibe una señal sonora. Una liberación rápida elimina toda la suciedad y crea la ilusión de un espacio enorme. La liberación larga hace que el sonido sea compacto y limpio.

Como podemos ver, la mezcla de música no se basa solo en la ecualización, pero influye mucho. El ecualizador puede hacer que las voces no solo sean más bonitas, sino también más cercanas. Ya hemos hablado de los 1,5 kHz, que alejan al vocalista de la mezcla un par de pasos. Las frecuencias bajas también acercan las voces y cualquier otro instrumento. El cerebro humano está acostumbrado a captar más graves de una fuente cercana. Esto se denomina «efecto de proximidad».

La reverberación parece haber sido creada para que, al mezclar música, obtengamos espacios enormes con reflejos que vuelan en todas direcciones. Pero este dispositivo tiene un parámetro que permite dejar una impresión de enormidad y, al mismo tiempo, hacer que la voz destaque, sin dejar que se ahogue en la reverberación. Este ajuste se denomina «Predelay». Hace una pausa entre el sonido limpio y el sonido procesado, separando así el efecto del instrumento.

Panorama es otra forma poderosa de mejorar la mezcla de tu música. Permite mover el sonido no solo hacia adelante y hacia atrás, sino también hacia la izquierda y hacia la derecha. La guitarra que suena desde un lado pierde su importancia porque no está en el centro. Pero al mismo tiempo, llama la atención, porque está localizada en el espacio. Pongamos las teclas en el otro lado, en contraposición, y ahora tenemos un amplio estéreo con dos puntos, que son bien audibles, pero al mismo tiempo insinúan que no son los principales aquí.

4. Enriquecimiento y decoración

La mezcla de música no siempre requiere este tipo de trabajo. A veces, el arreglista ha creado timbres bastante atrevidos, brillantes y bonitos. A veces, el ingeniero de sonido incluso obtiene pistas separadas con retardos y reverberación. Si suenan bien, no hay necesidad de reescribirlos. Pero a menudo los sonidos requieren un procesamiento adicional ya en la fase de mezcla de la música.

La forma más obvia de enriquecer un timbre es la saturación. Solo hay que abrir un plugin específico y añadir algunos armónicos. Los ecualizadores y compresores que simulan el funcionamiento de los dispositivos analógicos también pueden introducir distorsión armónica. Entre ellos se encuentran las emulaciones PulTec, Teletronix, Fairchild y 1176. Las emulaciones de grabadoras y consolas también hacen que el sonido sea más saturado.

La mezcla de música rara vez se completa sin un procesamiento paralelo. Los compresores que producen colores especiales se colocan en pistas separadas. A continuación, se realizan los envíos desde la pista principal a ellas. Esta señal multiplicada se comprime fuertemente y se mezcla cuidadosamente con la señal principal. El resultado es un sonido denso con matices adicionales. Los diferentes compresores dan diferentes colores, puedes mezclarlos a tu gusto. Lo mismo se hace a veces con los ecualizadores.

Muchos consideran que trabajar con reverberaciones y retardos es la etapa más creativa de la mezcla de música. De hecho, con estos efectos, la mezcla inmediatamente comienza a sonar hermosa y rica. Pero es importante no exagerar: la reverberación debe ser apenas audible y los ecos del retardo no deben pasar a primer plano. La automatización te permite mostrar toda tu creatividad aquí. Por ejemplo, puedes activar el retardo en determinados lugares, cambiar su pulsación o su color. En algunos puntos, puedes alargar la cola de la reverberación o subir su nivel.

5. Trabaja con la sección maestra y los grupos

Esta es la etapa final de la mezcla de música. Pero se pueden utilizar algunas técnicas a lo largo del proceso. El procesamiento por lotes ayuda a unir los componentes de una mezcla. Por ejemplo, si combinas el bombo, el snare y el charles en un grupo y cuelgas un compresor de coloración como Slate FG-MU en una pista común, los unirá. La batería sonará como un solo instrumento: con un groove común, con un color común, con un nivel común.

A veces, la mezcla musical requiere un procesamiento separado del grupo instrumental y otro del grupo vocal. Por el contrario, ayuda a sacar un poco las voces de la mezcla. También puedes aplicar compresión sidechain para que, mientras se reproducen las voces, el resto de la música se comprima ligeramente y la voz destaque.

Los compresores y limitadores suavizan la microdinámica. Pero la macrodinámica a veces necesita ser alterada, por el contrario. Y esto se hace manualmente. El trabajo con la macrodinámica se puede realizar mientras se mezcla la música, o se puede dejar en manos del ingeniero de masterización. Aquellos lugares que deben explotar (por ejemplo, los estribillos), los hacemos 1 decibel más altos con la ayuda de la automatización. Donde las emociones, según la lógica de la canción, deben disminuir, bajamos el volumen. Y en el estribillo lo volvemos a subir.

Además, los estribillos y las estrofas se pueden procesar de forma diferente para que se distingan. Esto también contribuirá al desarrollo de una pieza musical, haciéndola más interesante y dinámica.

Desmontamos el proceso de mezcla de música paso a paso

Se están creando cursos y escuelas completos para enseñar este arte. Y una semana no es suficiente para aprender a mezclar. Y mucho menos un artículo. Por lo tanto, repasaremos brevemente solo las bases de la canción. Antes de empezar a trabajar, asegúrate de que las pistas estén correctamente editadas y limpias. La compresión sacará todos los clics y ruidos silenciosos, haciéndolos más fuertes. Por supuesto, es necesario alinear el ritmo y corregir el tono de las voces.

1. Preparación del espacio de trabajo. Para facilitar la navegación por el proyecto, colorea las pistas con diferentes colores y coloca iconos, si el secuenciador lo permite. Por ejemplo, en Amped Studio, las pistas se colorean automáticamente.

2. Enrutamiento. Combina los instrumentos en grupos para que sea más cómodo trabajar con ellos y, posteriormente, mezclar la música en grupos. La caja, el bombo y el charles en un grupo. En otro, los sintetizadores. En el tercero, las partes vocales. El cuarto es percusión. Quinto: guitarras. La lógica es sencilla. A continuación, crearemos un grupo separado para los instrumentos y otro para todas las voces. Y enviaremos estas dos pistas a la pista general de la mezcla. También tenemos que crear pistas para diferentes planes de reverberación.

3. Procesamiento preliminar general. Puedes poner inmediatamente un limitador en la pista maestra y bajar todo entre 1 y 2 decibelios. Aunque muchos ingenieros de sonido están en contra de mezclar música con el limitador. Alternativamente, puedes poner inmediatamente una grabadora: por ejemplo, Slate VTM o Waves Kramer Tape. Si conseguimos un sonido atrevido, la grabadora dará inmediatamente el color correcto. Pero hay que girar los mandos y escuchar qué configuración suena mejor.

4. Balances preliminares. Colocamos inmediatamente todos los faders para que la mezcla suene más o menos equilibrada. Dejamos un margen de unos pocos decibelios. A medida que avanza la mezcla, la música se volverá más fuerte. Elegimos la base (voces, batería, el instrumento armónico principal), el resto se silencia (mute) para no interferir. Hacemos un balance más preciso para la base.

5. Kik. Silenciamos todo excepto la batería y el bajo. En el kick, añadimos inmediatamente 30 o 60 Hz, preferiblemente emulando un dispositivo de hierro. PulTec es la opción clásica en este caso. Busca un clic en el kick en la región de 1-5 kHz y ajústalo a tu gusto. En un kick bajo, se pueden cortar 100 Hz y, en el bajo, por el contrario, se pueden añadir. Pongamos un compresor con un ataque ajustable y aumentemos el ataque para que el bombo sea más potente.

6. Snair. Probamos las mismas frecuencias en el snair. Si no hay suficiente potencia, intentamos subir 100, 250 o 600 Hz. Si no hay suficiente brillo, prueba diferentes frecuencias en la parte media superior (1-7 kHz). También ponemos un compresor con un ataque grande. Si el ataque no es suficiente, puedes intentar utilizar algún tipo de diseñador de transitorios.

7. Símbalos. Al mezclar música de estilo electrónico, los platillos no suelen modificarse, ya que se seleccionan inmediatamente buenas muestras para ellos. Pero puedes cortar los graves a partir de 300 Hz y bajar los agudos si silban demasiado. Si ajustas el compresor a un ataque pequeño, puedes obtener un golpe puntiagudo y agudo que a veces crea un buen groove.

8. Grupo de percusión. Normalmente se comprime con un ataque grande y una liberación pequeña. Si al mismo tiempo se suprimen fuertemente el bombo y el snare, es mejor mezclar el compresor en paralelo.

9. Bajo. El bajo suele emularse con un Teletronix LA-2A. Inmediatamente produce los ataques adecuados. Al mezclar música con bajo sintético, el compresor solo es necesario para una ligera sobrecarga y para crear armónicos. Si subimos 30 Hz para el bombo, entonces subimos ligeramente 60 para el bajo. Aquí hay que fijarse dónde hay más graves: en el bombo o en el bajo.

10. Sintetizadores. Si hay varios, ajustamos el equilibrio entre ellos y luego los ponemos al mismo nivel que la batería y el bajo. Al mezclar música, el trabajo principal con los sintetizadores recae en su saturación y expansión. Para ello, son adecuados la compresión paralela, la ecualización m/s, la distorsión y la saturación. En cuanto a la corrección de frecuencia, puedes intentar añadir 250, 600 y 1500 Hz. Pero asegúrate de comprobarlo con las voces.

11. Voces. El punto más importante. La compresión hace que las voces suenen bien de inmediato. Pero puedes poner varios compresores, ajustarlos de oído y, cambiando entre ellos, encontrar el más adecuado. Para cualquier voz al mezclar música, se pone un filtro que corta los graves a 60-90 Hz. Esto eliminará posibles pisadas y zumbidos. Ya hemos considerado las frecuencias vocales: plenitud a 250 Hz, presencia a 1,5 kHz, «s» a 7-8 kHz.

12. Reverberación. Por lo general, para la decoración se utiliza un retardo rítmico (cuarto, tresillo o cuarto con punto) y varias reverberaciones con diferentes algoritmos y diferentes longitudes (placa larga, placa corta, cámara, sala). Creamos pistas para ellas, enviamos las voces y escuchamos cuál se adapta mejor, mezclando un poco. Luego hacemos lo mismo con la caja y los sintetizadores.

Si al final de la mezcla no consigues la densidad que deseas, la reverberación puede ayudar a unir un poco las cosas. También pulirá los defectos de las voces. Para el retardo, normalmente se prescribe la automatización, aumentando su volumen en las pausas para que las llene rítmicamente. El bombo y el bajo no suelen manipularse con nada. De lo contrario, aparecerán suciedad y zumbidos. No crees demasiados planos. Dos o tres son suficientes.

13. Masterización. Este proceso no se considera mezcla musical, ya que aquí se trabaja sobre la mezcla final, que es una sola pista. Normalmente, la masterización de una canción la realiza otra persona, no la misma que la ha mezclado. Para ello se necesitan oídos frescos y un equipo de alta calidad. Pero si no es posible contactar con un ingeniero de masterización, puedes intentar procesar el canal maestro tú mismo.

Para ello, necesitas al menos un limitador y una pista de referencia. Con la ayuda del limitador, acercas el volumen al nivel de referencia. Pero este dispositivo no solo hace que el sonido sea más alto, sino que también comprime el rango de la canción, es decir, funciona como un compresor. Aquí es donde puede terminar la mezcla de música.

Pero, además del limitador, hay muchos plugins VST complejos para trabajar con la sección maestra. Entre ellos se encuentran el Drawmer S73 de Softube y el aclamado iZotope Ozone. Ayudan a añadir aire, graves y fuerza a una canción, realizan compresión paralela y ecualización, amplían el estéreo, realizan ecualización m/s y mucho más. Pero siempre debes comprobar los resultados de tu mezcla con los resultados de tu masterización. Si no aporta ninguna mejora, es mejor rechazarlo.

Conclusión

Hemos descubierto los fundamentos de la ingeniería de sonido, hemos repasado el proceso de mezcla de un vistazo y hemos esbozado los puntos en los que hay que basarse al trabajar. El arte de mezclar música no se domina en un día. Se necesitan años de formación y aprendizaje. Pero ahora puedes hacer fácilmente una mezcla aproximada.

Si necesitas información sobre plugins, puedes encontrarla en otro artículo. Aquí deliberadamente no hemos analizado ecualizadores y compresores específicos para dejar claro que un buen sonido no se crea con dispositivos, sino con habilidad y oído. Incluso puedes mezclar una canción sin instalar ningún software en tu ordenador, solo necesitas acceso a Internet. Con el secuenciador online, puedes empezar a mezclar de inmediato.

No esperes a tener la oportunidad de comprar hardware y plugins caros. Porque las buenas mezclas provienen principalmente de la dedicación. Si te interesa mezclar música, encontrarás montones de vídeos de formación en Internet, empieza a practicar y en un par de semanas te sentirás como pez en el agua en el proceso.