Miksowanie muzyki

Miksowanie muzyki to jeden z głównych etapów produkcji. Bez niego utwór nie brzmi jak gotowy kawałek i pozostaje nagraniem demo. Początkujący muzycy w pewnym momencie spotykają się z rozczarowaniem. Wymyśliłeś rytmiczny beat, chwytliwą melodię, piękną harmonię. Następnie wybrałeś wysokiej jakości sample i znalazłeś ciekawe presety syntezatora. Wydaje się, że wszystko powinno brzmieć fajnie i harmonijnie. Ale kiedy pokazujesz swoje dzieło znajomym, widzisz, że nie są pod wrażeniem. I rozumiesz, że czegoś brakuje. Brakuje tylko miksowania.

Sytuacja z instrumentami na żywo jest jeszcze gorsza. Grasz w sali prób, jesteś podekscytowany, czujesz energię. Już wyobrażasz sobie, jak tłumy fanów przybywają na Twój koncert, jak utwory osiągają miliony odtworzeń. Ale nagrywasz swój materiał i zdajesz sobie sprawę, że nie wszystko jest tak fajne, jak wydawało się podczas próby. Wydaje się, że gitary są nastrojone, grasz płynnie i nie można nic zarzucić aranżacji, ale bez miksowania muzyka nie brzmi dobrze.

Nawet utwór z jedną gitarą akustyczną wymaga obróbki, a kompozycje z gęstą instrumentacją jeszcze bardziej. Trzeba zmiksować wszystkie utwory tak, aby grały spójnie, nie wychodziły poza ogólną kompozycję i tworzyły jedną fajną mieszankę. Ponadto podczas nagrywania zawsze pojawiają się wady, niefortunne miejsca, alikwoty. Pliki audio należy najpierw edytować i oczyścić, a następnie przetworzyć.

Czym jest miksowanie muzyki?

Zasadniczo jest to balans głośności, balans częstotliwości i barwa. W sumie są to trzy elementy. Są one jednak tak pracochłonne, że wymagają dużo czasu i wysiłku. Nie licząc ciągłego rozwoju umiejętności, szkoleń i edukacji. Ta praca wymaga dobrze rozwiniętego słuchu dostosowanego do konkretnych zadań. Miksowanie muzyki rozwiązuje wiele takich problemów.

1. Eliminacja wad nagrania. Aby muzyka brzmiała rytmicznie, wszystkie partie są wyrównane do wspólnej siatki, tak aby nieprzyjemne rezonanse nie obciążały uszu, są one wyszukiwane i wycinane. W wokalu należy skorygować intonację. Bardzo niewielu śpiewaków idealnie trafia w nuty. Słabo brzmiące instrumenty sprawiają, że brzmią one piękniej i pełniej;

2. Rozwiązywanie konfliktów między instrumentami. Wiele osób uważa, że na tym polega miksowanie muzyki. Jest to jednak tylko niewielka część tego procesu. Aby dźwięki „pasowały” do siebie w miksie, są one wyrównywane pod względem głośności, wyrównane, przypisane do poszczególnych miejsc w obrazie stereo, skompresowane, połączone efektami grupowymi itp.

3. Budowanie sceny. Dotyczy to również częściowo rozwiązywania konfliktów. Jednak w ten sposób inżynier dźwięku sprawia również, że obraz dźwiękowy jest piękniejszy, ciekawszy, bogatszy i przyjemniejszy dla ucha. Wyeksponuje coś, coś oddali, coś umieści po lewej stronie, coś innego nieco bardziej po lewej stronie itp. Aranżacja sceniczna jest często stosowana podczas miksowania muzyki na żywo. Wydaje się, że oglądamy występ zespołu: po lewej stronie jest gitarzysta, w pobliżu znajduje się kilku chórzystów, po prawej stronie trębacze, a klawiszowiec jest bliżej środka. A w przypadku gęstej aranżacji elektronicznej można po prostu stworzyć ścianę dźwięku, w której wszystko się łączy;

4. Nadanie utworowi kolorytu. Podczas miksowania muzyki artystów indie może to nie być najważniejsze. Jednak cała komercyjna muzyka pop ma swój własny koloryt: odważny lub inteligentny, jasny lub delikatny, suchy lub bogaty. To samo dotyczy stylów. Kick w hip-hopie nie jest taki sam jak kick w hard rocku, chociaż źródła mogą być prawie takie same. Nowy rap i rap old school brzmią zupełnie inaczej;

5. Zapewnienie emisji. Miksowanie muzyki na monitorach wysokiej klasy sprawia, że muzyka brzmi równie dobrze w słuchawkach, jak i na zwykłych głośnikach. Utwór musi „grać” w samochodzie, być wyrazisty w centrum handlowym, pasować do zakresu smartfonów i laptopów. Nazywa się to słowem „emisja”.

Czego potrzebujesz do miksowania muzyki?

Muzycy przez lata doskonalili swoje umiejętności, szukając nowych ruchów i technik, analizując hity, eksperymentując. Ale nawet bez poważnego przygotowania i wiedzy początkujący może usiąść przy komputerze, otworzyć sekwencer online (na przykład Amped Studio) i w pół godziny naszkicować beat. Miksowanie muzyki jest bardziej skomplikowane. Potrzebne są tu specjalne zasoby.

1. Wytrenowany słuch

Im więcej czasu dana osoba poświęca na balansowanie, wyrównywanie, analizowanie referencji, tym lepiej radzi sobie z miksowaniem. Muzykom nie zaleca się samodzielnego miksowania swoich utworów, ponieważ inne uszy znacznie lepiej wychwytują niedociągnięcia, do których autor przyzwyczaił się podczas pracy nad swoim dziełem. Zewnętrzny inżynier dźwięku ma doświadczenie, umiejętności, wiedzę i świeże spojrzenie.

Czasami jednak miksowanie muzyki ogranicza się tylko do znalezienia równowagi. Niektórzy aranżerzy od razu tworzą dobrze brzmiące utwory. A jeśli jesteś skrupulatny w stosunku do swojego materiału, możesz bardzo pomóc inżynierowi miksowania. To samo dzieje się, gdy miks po masteringu pozostaje praktycznie niezmieniony: po prostu osoba, która go miksowała, już zbliżyła go do ideału.

2. Monitorowanie

Oczywiste jest, że muzyka musi być odtwarzana za pomocą jakiegoś sprzętu. Jednak w tym przypadku jakość sprzętu dźwiękowego wpłynie na jakość miksowania. Co więcej, jeśli istnieje wybór między drogimi głośnikami a niedrogimi monitorami, lepiej wybrać te drugie.

Nie zaleca się miksowania na zwykłej akustyce, zwłaszcza na drogiej. Faktem jest, że taka akustyka zawsze upiększa dźwięk, ukrywając wszelkiego rodzaju artefakty, które łatwo pojawiają się na głośnikach muzycznych o mocy 1 W lub większej. Do miksowania muzyki należy używać wyłącznie profesjonalnych monitorów. Są one zaprojektowane w taki sposób, aby ujawnić wszystkie wady dźwięku i uczynić je słyszalnymi. Oznacza to, że odtwarzają one każdy dźwięk w jego oryginalnej formie, co ułatwia pracę inżynierowi dźwięku.

Można również miksować muzykę za pomocą słuchawek. Jednak profesjonaliści starają się tego unikać. Słuchawki nie zapewniają odpowiedniego obrazu stereo. Ostatecznie utwór będzie słuchany w przestrzeni i również w przestrzeni należy go oceniać. Chociaż obecnie sprzedawane są różne programy, które korygują dźwięk słuchawek, zbliżając go do studia. Wydaje się, że tworzą one profesjonalne studio z monitorami ze słuchawek.

Jednak miksowanie muzyki za pomocą słuchawek ma swoje zalety. Na przykład eliminuje wpływ pomieszczenia. Dźwięk przechodzący przez głośniki nabiera określonego koloru. Dlatego ta sama piosenka brzmi inaczej na różnych głośnikach, na różnych monitorach, w różnych słuchawkach. Nie jest to jednak takie złe. Fala dźwiękowa odbija się od ścian i w różnych pomieszczeniach nabiera różnych właściwości.

Dzięki słuchawkom można miksować muzykę w najgorszych, nieprzygotowanych pomieszczeniach. Jednak aby pracować na głośnikach lub monitorach, pomieszczenie musi być odpowiednio przygotowane. Najbardziej przystępnym sposobem jest wygłuszenie wszystkiego za pomocą wełny mineralnej, zasłon zaciemniających, paneli dźwiękochłonnych itp. Jest to jednak temat na osobną dyskusję. W każdym razie spróbuj przetestować swój miks na różnych głośnikach i w różnych pomieszczeniach.

3. Interfejs dźwiękowy

Każdy komputer, który może wysyłać dźwięk do głośników, ma wbudowany interfejs audio. Ale dlaczego to nie wystarcza do miksowania muzyki? Faktem jest, że urządzenie to jest wyposażone w przetwornik ADC i DAC.

ADC (przetwornik analogowo-cyfrowy) przekształca dźwięk analogowy na żywo (głos, akordy gitarowe, uderzenia perkusji) na kod cyfrowy, czyli zapisuje go w komputerze. Z kolei DAC (przetwornik cyfrowo-analogowy) sprawia, że kod ten brzmi, czyli wysyła go do głośników.

Jeśli nie zamierzamy niczego nagrywać, nie potrzebujemy przetwornika ADC. Jednak przetwornik DAC jest niezbędny do miksowania muzyki i powinien być dobrej jakości. Jakość kart dźwiękowych wbudowanych w komputer pozostawia wiele do życzenia. Dlatego muzykom lub początkującym inżynierom dźwięku zaleca się zakup zewnętrznej karty dźwiękowej. Im droższa, tym lepsza.

Urządzenie to działa jednak w połączeniu z głośnikami. Jeśli nie masz profesjonalnych monitorów, interfejs audio będzie bezużyteczny. Dlatego na początku możesz korzystać z wbudowanej karty komputerowej. Nie musisz czekać, aż zdobędziesz pożądany sprzęt. Zawsze korzystaj z tego, co masz pod ręką.

4. Oprogramowanie

Możesz miksować muzykę w tym samym programie, w którym wykonałeś aranżację. Większość sekwencerów jest wszechstronna i pozwala na nagrywanie instrumentów na żywo, tworzenie beatów, edycję partii, pracę z MIDI, miksowanie, mastering i wiele więcej. Będziesz również potrzebować wtyczek przetwarzających: korektorów, kompresorów itp. Są one dołączone do wielu programów.

Miksowanie muzyki w sekwencerach online pozwala całkowicie zrezygnować z programów i wtyczek. Potrzebujesz tylko komputera, tabletu lub smartfona ze słuchawkami. Na przykład funkcjonalność Amped Studio daje Ci wszystkie możliwości miksowania utworu. Możesz tu zbudować równowagę między ścieżkami, panoramować je, a nawet zautomatyzować panoramowanie i głośność dla każdego instrumentu. Konto Premium otwiera jeszcze więcej opcji automatyzacji.

Amped Studio ma wbudowane kompresory, korektor, bramkę, pogłos i wiele innych efektów. Nie musisz nawet instalować żadnych wtyczek VST, chociaż ten sekwencer pozwala na używanie VST. Wspomnieliśmy, że dla dobrego miksowania ważne jest, aby słuchać miksów na różnych głośnikach. Amped Studio otwiera się na każdym urządzeniu, które ma przeglądarkę. Oznacza to, że możemy sprawdzić miks w dowolnym miejscu: na przykład podczas wizyty u znajomych lub rodziców.

Ten program online zapewnia również dostęp do wielu kont. Wszyscy muzycy z grupy mogą w nim pracować, słuchać utworów, wprowadzać zmiany, próbować nietypowych rozwiązań, poprawiać coś. Dzięki temu miksowanie muzyki jest bardziej obiektywne. Im więcej uszu, tym lepiej. Świeże spojrzenie tylko pomaga w pracy.

Jak miksować utwór?

Później omówimy ten proces krok po kroku, od routingu po przetwarzanie kanału głównego. Najpierw jednak przyjrzyjmy się miksowaniu muzyki z zewnątrz, aby uchwycić istotę tego procesu i nie powtarzać czynności mechanicznie. Dowiemy się, co dokładnie robi inżynier dźwięku podczas miksowania kompozycji i dlaczego to robi.

1. Równowaga głośności

Precyzyjnie ustawione poziomy głośności sprawiają, że utwór jest już złożony. Jeśli jednak głośność poszczególnych ścieżek ciągle się zmienia, miks nie będzie stabilny. Dlatego instrumenty z wyraźnymi atakami, szczytami i spadkami muszą być kompresowane. Kompresja zawęża zakres, eliminując różnicę między cichymi i głośnymi dźwiękami.

Miksowanie muzyki to jednak nie tylko wyrównanie i antyaliasing. Za pomocą suwaków głośności możemy budować perspektywę, podobnie jak w malarstwie. Główne instrumenty można wzmocnić, a tym samym wysunąć na pierwszy plan. To, co gra ciszej, schodzi na dalszy plan. A drobne dźwięki niech brzmią gdzieś bardzo daleko.

Zmiana balansu podczas odtwarzania miksów pomaga uczynić utwór bardziej dramatycznym, dynamicznym i energetycznym. Automatyzacja jest jedną z najważniejszych technik miksowania muzyki. Możemy zautomatyzować głośność, rysując linię, wzdłuż której poziom będzie się zmieniał. Wtedy balans ulegnie zmianie: na pierwszy plan wysunie się inny instrument, pojawią się inne akcenty, zmieni się groove.

2. Równowaga częstotliwości

Każda piosenka ma unikalną charakterystykę częstotliwościową (AFC). Ale różne instrumenty mają różne zakresy. Podczas miksowania muzyki tworzą one zrównoważony obraz. Nie jest jednak konieczne osiągnięcie płaskiej charakterystyki częstotliwościowej.

• Kick i gitara basowa utrzymują niskie tony od około 40 do 800 herców. Jednocześnie mają również częstotliwość obecności (dźwięk strun lub uderzenie pałką) – w zakresie 1000 Hz.
• Zakres werbla zaczyna się od około 200 Hz i rozciąga się aż do najwyższych częstotliwości. Jednocześnie może on mieć mocne niskie tony w zakresie około 100 Hz i jasne wysokie tony w zakresie około 7000 Hz.
• Hi-hat i inne talerze wypełniają pełny zakres średnich i wysokich częstotliwości od 300 Hz w górę. Często jednak są one mocno przycięte, pozostawiając tylko sam szczyt.
• Gitara elektryczna znajduje się w środku, od 300 do 5000 Hz. Co więcej, szczyty i spadki w tym obszarze mogą być rozłożone w najbardziej niezwykły sposób.
• Zakres fortepianu wynosi około 80 do 10 000 Hz. Podobnie jak w przypadku gitary akustycznej.
• Syntezatory mogą zajmować szeroki zakres częstotliwości w zależności od charakteru dźwięku.

Jednak w przypadku miksowania muzyki zakresy instrumentów nie są zbyt ważne. Najważniejsze jest to, że kick i bas odpowiadają za dolny zakres, talerze za górny, instrumenty harmoniczne znajdują się w środku, a wokale wiszą nad tym wszystkim, zajmując cały zakres od dołu do góry. Znacznie ważniejsze są konkretne częstotliwości i efekt, jaki daje ich wzmocnienie lub osłabienie.

• 30, 60 lub 100 Hz – główna niska częstotliwość kicku i basu. Jeśli mamy niski kick, a bas znajduje się na 100 Hz, to wycinamy 100 Hz w kicku i dodajemy w basie. I odwrotnie. Tak właśnie działają one razem. Moc werbla jest również ukryta na 100 Hz.
• 250 Hz – pełnia lub dudnienie. Jeśli utworzysz tutaj duże wybrzuszenie na wokalu, uzyskasz dźwięk pudełkowy. Jeśli dokonasz dużego wycięcia, fundament głosu zniknie, stanie się on ospały i cienki.
• 600 Hz – gęstość i mętność. Jeśli jest jej dużo (na przykład na gitarze basowej), instrument będzie brzmiał niewyraźnie i mydliście. Jeśli jest jej za mało, miks straci pełnię, stanie się pusty.
• 800 Hz – złe pomieszczenia mają brudny dźwięk przy tej częstotliwości. Można ją wyciąć, aby oczyścić instrument akustyczny lub wokal.
• 1,5 kHz – czytelność werbla, uderzenia stopy, brzmienie strun gitary basowej i obecność wokalu. Najważniejsze jest to, że przy tej częstotliwości instrument daje o sobie znać. Jeśli ją dodasz, głos zbliży się do słuchacza, ale nabierze brzmienia dzwonka telefonicznego.
• 3, 4, 5, 7 kHz – górne barwy. Wystarczy wypróbować je po kolei i posłuchać, która najbardziej Ci odpowiada. Ważne jest, aby nie pojawiały się rezonanse i cierpkość. W zakresie 7-8 kHz występuje również dźwięk „c”, który może uderzać w uszy.
• 10 kHz i powyżej – miękkość i lekkość. Zmiękcza perkusję i werble, a wokale stają się bardziej wyraziste.

To tylko ogólne wytyczne. Miksowanie muzyki to delikatny proces i w każdym przypadku korekcja musi być indywidualna. W przypadku niektórych wokalistów dźwięk „c” może być zaakcentowany przy 9 kHz (a nie 7). W przypadku niektórych kopnięć uderzenie może brzmieć w zakresie 3 kHz (a nie 1,5). Zmętnienie można szukać w całym dolnym środku: od 300 do 1000 Hz (a nie tylko przy 600 i 800). Dlatego należy ostrożnie podchodzić do każdego narzędzia.

3. Równowaga zgodnie z planami

Rozmieszczenie instrumentów w przestrzeni również tworzy harmonijny obraz podczas miksowania muzyki. Nie tylko suwak głośności może przybliżyć lub oddalić instrument. Kompresory, korektory i pogłosy tworzą iluzje przestrzenne.

Na przykład niektóre kompresory mają regulowane parametry ataku i zwolnienia. Duży (długi) atak sprawia, że uderzenia są mocniejsze, ale usuwa dźwięk. Krótki (szybki) atak sprawia, że instrument jest mały, ale zbliża go. W ten sposób mózg odbiera sygnał dźwiękowy. Szybkie zwolnienie usuwa wszystkie zanieczyszczenia i tworzy iluzję ogromnej przestrzeni. Długie zwolnienie sprawia, że dźwięk jest zwarty i czysty.

Jak widać, miksowanie muzyki nie polega wyłącznie na korekcji, ale ma na nią duży wpływ. Korektor może sprawić, że wokal będzie nie tylko ładniejszy, ale także bliższy. Omówiliśmy już częstotliwość 1,5 kHz, która powoduje, że wokalista jest nieco oddalony od miksowania. Niskie częstotliwości również zbliżają wokal i inne instrumenty. Ludzki mózg jest przyzwyczajony do tego, że odbiera więcej basów z bliskiego źródła. Nazywa się to „efektem bliskości”.

Pogłos wydaje się być stworzony po to, aby podczas miksowania muzyki uzyskać ogromne przestrzenie z odbiciami rozchodzącymi się we wszystkich kierunkach. Jednak to urządzenie ma jeden parametr, który pozwala pozostawić wrażenie ogromu, a jednocześnie wysunąć głos na pierwszy plan, nie pozwalając mu utonąć w pogłosie. To ustawienie nazywa się „Predelay”. Wprowadza ono pauzę między czystym dźwiękiem a dźwiękiem przetworzonym, oddzielając w ten sposób efekt od instrumentu.

Panorama to kolejny potężny sposób na ulepszenie miksowania muzyki. Umożliwia ona przesuwanie dźwięku nie tylko do przodu i do tyłu, ale także w lewo i w prawo. Gitara grająca z boku traci na znaczeniu, ponieważ nie znajduje się w centrum. Ale jednocześnie przyciąga uwagę, ponieważ jest zlokalizowana w przestrzeni. Umieśćmy klawisze po przeciwnej stronie, a teraz mamy szerokie stereo z dwoma punktami, które są dobrze słyszalne, ale jednocześnie sugerują, że nie są tutaj głównymi.

4. Wzbogacenie i dekoracja

Miksowanie muzyki nie zawsze wymaga tego rodzaju pracy. Zdarza się, że aranżer stworzył dość odważne, jasne i piękne barwy. Czasami inżynier dźwięku otrzymuje nawet oddzielne ścieżki z opóźnieniami i pogłosem. Jeśli brzmią one przyzwoicie, nie ma potrzeby ich przepisywania. Często jednak dźwięki wymagają dodatkowej obróbki już na etapie miksowania muzyki.

Najbardziej oczywistym sposobem wzbogacenia barwy jest nasycenie. Wystarczy otworzyć dedykowaną wtyczkę i dodać trochę harmonicznych. Korektory i kompresory, które symulują działanie urządzeń analogowych, również mogą wprowadzać zniekształcenia harmoniczne. Należą do nich emulacje PulTec, Teletronix, Fairchild, 1176. Emulacje magnetofonów i konsol również sprawiają, że dźwięk jest bardziej nasycony.

Miksowanie muzyki rzadko jest kompletne bez przetwarzania równoległego. Kompresory, które wytwarzają specjalne barwy, umieszcza się na oddzielnych ścieżkach. Następnie wysyła się na nie sygnały z głównej ścieżki. Ten zwielokrotniony sygnał jest silnie kompresowany i starannie miksowany z sygnałem głównym. Rezultatem jest gęsty dźwięk z dodatkowymi alikwotami. Różne kompresory dają różne barwy, można je miksować według własnego gustu. To samo robi się czasem z korektorami.

Praca z pogłosami i opóźnieniami jest przez wielu uważana za najbardziej kreatywny etap miksowania muzyki. Rzeczywiście, dzięki tym efektom miks natychmiast zaczyna brzmieć pięknie i bogato. Ważne jest jednak, aby nie przesadzić: pogłos powinien być ledwo słyszalny, a echa opóźnienia nie powinny wysuwać się na pierwszy plan. Automatyzacja pozwala tutaj wykazać się pełną kreatywnością. Można na przykład włączyć opóźnienie w określonych miejscach, zmienić jego pulsację lub barwę. W niektórych momentach można wydłużyć ogon pogłosu lub podnieść jego poziom.

5. Praca z sekcją master i grupami

Jest to ostatni etap miksowania muzyki. Jednak niektóre techniki można stosować już wcześniej. Przetwarzanie wsadowe pomaga połączyć elementy miksowania. Na przykład, jeśli połączysz kick, snair i hat w grupę i umieścisz kompresor barwowy, taki jak Slate FG-MU, na wspólnej ścieżce, połączy to te elementy. Perkusja będzie brzmiała jak jeden instrument: ze wspólnym groove'em, wspólną barwą i wspólnym poziomem.

Czasami miksowanie muzyki wymaga oddzielnego przetwarzania grupy instrumentalnej i oddzielnego przetwarzania grupy wokalnej. Wręcz przeciwnie, pomaga to nieco wyodrębnić wokale z miksowania. Można również zastosować kompresję sidechain, tak aby podczas odtwarzania wokali cała pozostała muzyka była lekko skompresowana, a głos wysuwał się na pierwszy plan.

Kompresory i limitery wygładzają mikrodynamikę. Jednak makrodynamika czasami wymaga wpływania na nią, wręcz przeciwnie. Odbywa się to ręcznie. Praca z makrodynamiką może być wykonywana podczas miksowania muzyki lub pozostawiona inżynierowi masteringu. Miejsca, które powinny eksplodować (na przykład refreny), zwiększamy o 1 decybel za pomocą automatyzacji. Tam, gdzie zgodnie z logiką utworu emocje powinny opadać, zmniejszamy głośność. W refrenie ponownie ją zwiększamy.

Ponadto refreny i zwrotki mogą być przetwarzane w różny sposób, aby się od siebie różniły. Pomoże to również w rozwoju utworu muzycznego, czyniąc go bardziej interesującym i dynamicznym.

Rozkładamy proces miksowania muzyki krok po kroku

Powstają całe kursy i szkoły, aby uczyć tej sztuki. Tydzień to za mało, aby nauczyć się miksowania. A tym bardziej jeden artykuł. Dlatego pokrótce omówimy tylko podstawy utworu. Przed rozpoczęciem pracy upewnij się, że ścieżki są odpowiednio edytowane i oczyszczone. Kompresja wyciągnie wszystkie ciche kliknięcia i szumy, sprawiając, że będą głośniejsze. Oczywiście należy wyrównać rytm i skorygować wysokość dźwięku wokalu.

1. Przygotowanie obszaru roboczego. Aby ułatwić poruszanie się po projekcie, pokoloruj ścieżki na różne kolory, umieść ikony, jeśli sekwencer na to pozwala. Na przykład w Amped Studio ścieżki są kolorowane automatycznie.

2. Routing. Połącz instrumenty w grupy, aby wygodniej było z nimi pracować, a następnie miksować muzykę w grupach. Werbel, bęben basowy i hi-hat w jednej grupie. W drugiej – syntezatory. W trzeciej – partie wokalne. Czwarta to perkusja. Piąta – gitary. Logika jest prosta. Następnie utworzymy oddzielną grupę dla instrumentów i oddzielną dla wszystkich wokali. Te dwie ścieżki wyślemy do ogólnej ścieżki miksowania. Musimy również utworzyć ścieżki dla różnych planów pogłosu.

3. Ogólne wstępne przetwarzanie. Można od razu umieścić limiter na ścieżce głównej i ściszyć wszystko o 1-2 decybele. Chociaż wielu inżynierów dźwięku jest przeciwnych miksowaniu muzyki pod limiterem. Alternatywnie można od razu włączyć magnetofon: na przykład Slate VTM lub Waves Kramer Tape. Jeśli osiągniemy odważne brzmienie, magnetofon natychmiast nada mu odpowiedni kolor. Ale trzeba pokręcić pokrętłami i posłuchać, która konfiguracja brzmi lepiej.

4. Wstępne balansowanie. Natychmiast ustawiamy wszystkie suwaki tak, aby miks brzmiał mniej więcej zrównoważony. Pozostawiamy margines kilku decybeli. W miarę postępu miksowania muzyka będzie stawać się coraz głośniejsza. Wybieramy podstawę (wokal, perkusja, główny instrument harmoniczny), resztę wyciszamy (mute), aby nie przeszkadzała. Dokonujemy dokładniejszego balansowania podstawy.

5. Kik. Wyciszamy wszystko oprócz perkusji i basu. Do kicku od razu dodajemy 30 lub 60 Hz, najlepiej emulując urządzenie żelazne. PulTec jest tutaj klasyczną opcją. Znajdź kliknięcie w kicku w zakresie 1-5 kHz i dostosuj je do swoich upodobań. Przy niskim kicku można wyciąć 100 Hz, a na basie, przeciwnie, można dodać. Dodajmy kompresor z regulowanym atakiem i zwiększmy atak, aby kick był mocniejszy.

6. Snair. Wypróbowujemy te same częstotliwości na snair. Jeśli nie ma wystarczającej mocy, próbujemy podnieść 100, 250 lub 600 Hz. Jeśli nie ma wystarczającej jasności, wypróbuj różne częstotliwości w górnej części środkowej (1-7 kHz). Umieszczamy również kompresor z dużym atakiem. Jeśli atak nie jest wystarczający, możesz spróbować użyć jakiegoś projektanta przejść.

7. Hat. Podczas miksowania muzyki w stylu elektronicznym zazwyczaj nie ingeruje się w talerze, ponieważ od razu wybiera się dla nich dobre sample. Można jednak wyciąć niskie częstotliwości od 300 Hz i ściszyć wysokie, jeśli zbytnio szumią. Jeśli ustawimy kompresor na mały atak, możemy uzyskać ostry, wyrazisty dźwięk, który czasami tworzy dobry groove.

8. Grupa perkusji. Zazwyczaj jest ona po prostu kompresowana z dużym atakiem i małym zwolnieniem. Jeśli jednocześnie kick i snair są silnie tłumione, lepiej zmiksować kompresor równolegle.

9. Bas. Bas jest zazwyczaj emulowany za pomocą Teletronix LA-2A. Natychmiast zapewnia odpowiednie ataki. Podczas miksowania muzyki z syntetycznym basem kompresor jest potrzebny tylko do niewielkiego przeciążenia i tworzenia harmonicznych. Jeśli podnieśliśmy 30 Hz dla kicku, to dla basu podnosimy nieco 60. Tutaj trzeba sprawdzić, gdzie jest więcej niskich tonów: w kicku czy w basie.

10. Syntezatory. Jeśli jest ich kilka, dostosowujemy równowagę między nimi, a następnie ustawiamy je na poziomie perkusji i basu. Podczas miksowania muzyki główna praca z syntezatorami polega na ich nasyceniu i ekspansji. W tym celu odpowiednie są kompresja równoległa, korekcja m / s, zniekształcenie, nasycenie. Jeśli chodzi o korekcję częstotliwości, można spróbować dodać 250, 600, 1500 Hz. Należy jednak koniecznie sprawdzić to z wokalem.

11. Wokale. Najważniejsza kwestia. Kompresja sprawia, że wokale od razu brzmią pięknie. Można jednak zastosować kilka kompresorów, dostroić je na słuch i, przełączając, znaleźć najbardziej odpowiedni. W przypadku każdego wokalu podczas miksowania muzyki stosuje się filtr, który tnie dolną częstotliwość do 60-90 Hz. Usuwa to ewentualne tupanie i brzęczenie. Rozważaliśmy już częstotliwości wokalne: pełnię przy 250 Hz, obecność przy 1,5 kHz, „s” przy 7-8 kHz.

12. Pogłos. Zazwyczaj do dekoracji stosuje się rytmiczne opóźnienie (ćwierćnuta, triola lub ćwierćnuta z kropką) oraz kilka pogłosów o różnych algorytmach i długościach (długi płytowy, krótki płytowy, komorowy, pokojowy). Tworzymy dla nich ścieżki, wysyłamy wokale i słuchamy, który z nich najlepiej pasuje, mieszając je nieco. Następnie robimy to samo ze snairem i syntezatorami.

Jeśli pod koniec miksowania nie uzyskasz pożądanej gęstości, pogłos może pomóc nieco wszystko połączyć. Wypoleruje również niedoskonałości wokalu. W przypadku opóźnienia zazwyczaj zaleca się automatyzację, zwiększając jego głośność w pauzach, aby wypełniały je rytmicznie. Kick i bas zazwyczaj nie są modyfikowane. W przeciwnym razie pojawią się zanieczyszczenia i szumy. Nie twórz zbyt wielu planów. Wystarczą dwa lub trzy.

13. Mastering. Proces ten nie jest uważany za miksowanie muzyki, ponieważ tutaj praca jest już wykonywana na gotowym miksie, który jest jednym utworem. Zazwyczaj utwór jest masterowany przez inną osobę, a nie tę samą, która go miksowała. Potrzebne są tutaj świeże uszy i wysokiej jakości sprzęt. Jeśli jednak nie ma możliwości skontaktowania się z inżynierem masteringu, można spróbować samodzielnie przetworzyć kanał master.

Aby to zrobić, potrzebujesz co najmniej limitera i utworu referencyjnego. Za pomocą limitera zbliżasz głośność do poziomu referencyjnego. Ale to urządzenie nie tylko zwiększa głośność dźwięku, ale także kompresuje zakres utworu, czyli działa jak kompresor. Na tym może się kończyć miksowanie muzyki.

Oprócz limitera istnieje wiele złożonych wtyczek VST do pracy z sekcją master. Należą do nich Drawmer S73 firmy Softube i wysoko oceniany iZotope Ozone. Pomagają one dodać do utworu powietrze, bas, moc, wykonać kompresję równoległą i korekcję, rozszerzyć stereo, wykonać korekcję m/s i wiele więcej. Zawsze jednak należy sprawdzić wyniki miksowania z wynikami masteringu. Jeśli nie przynosi to poprawy, lepiej zrezygnować.

Wnioski

Opanowaliśmy podstawy inżynierii dźwięku, przejrzeliśmy proces miksowania i nakreśliliśmy punkty, na których należy się opierać podczas pracy. Sztuki miksowania muzyki nie da się opanować w jeden dzień. Wymaga to lat szkolenia i nauki. Teraz jednak można z łatwością wykonać wstępny miks.

Jeśli potrzebujesz informacji na temat wtyczek, znajdziesz je w innym artykule. Celowo nie analizowaliśmy tutaj konkretnych korektorów i kompresorów, aby jasno pokazać, że dobry dźwięk nie jest tworzony przez urządzenia, ale przez umiejętności i słuch. Możesz nawet miksować utwór bez instalowania żadnego oprogramowania na komputerze – wystarczy dostęp do Internetu. Dzięki sekwencerowi online możesz od razu rozpocząć miksowanie.

Nie czekaj na okazję, aby kupić drogi sprzęt i wtyczki. Ponieważ dobre miksy wynikają głównie z poświęcenia. Jeśli interesuje Cię miksowanie muzyki, w Internecie znajdziesz mnóstwo filmów szkoleniowych, zacznij ćwiczyć, a po kilku tygodniach poczujesz się w tym procesie jak ryba w wodzie.