Mistura de música

A mixagem musical é uma das principais etapas da produção. Sem ela, a música não soa como uma peça finalizada e permanece uma gravação demo. Os aspirantes a músicos enfrentam decepções em algum momento. Você criou uma batida cativante, uma melodia marcante, uma bela harmonia. Depois, escolheu samples de alta qualidade e encontrou predefinições interessantes para o sintetizador. Parece que tudo deveria soar bem e harmonioso. Mas você mostra a sua criação aos seus amigos e percebe que eles não ficam impressionados. E você entende que algo está faltando. Tudo o que falta é a mixagem.

A situação com instrumentos ao vivo é ainda pior. Tocas na sala de ensaios, ficas empolgado, sentes a motivação. Já consegues imaginar como multidões de fãs lotam o teu concerto, como as faixas estão a ganhar milhões de reproduções. Mas gravas o teu material e percebes que nem tudo é tão legal quanto parecia no ensaio. E parece que as guitarras estão afinadas, e tocas suavemente, e não há nada a criticar no arranjo, mas sem a mixagem a música não soa bem.

Mesmo uma música com um único violão precisa de processamento, e composições com instrumentação densa ainda mais. Você precisa misturar todas as faixas para que elas toquem de forma consistente, não saiam do contexto geral e formem uma mistura legal. Além disso, durante a gravação, sempre aparecem falhas, partes infelizes e sobretons. Os arquivos de áudio precisam ser editados e limpos primeiro e, em seguida, processados.

O que é mixagem musical?

Basicamente, trata-se do equilíbrio de volume, equilíbrio de frequência e coloração. São três componentes no total. Mas eles são tão trabalhosos que exigem muito tempo e esforço. E isso sem contar o desenvolvimento constante de habilidades, treinamento e educação. Este trabalho requer uma audição bem desenvolvida, adaptada para tarefas específicas. E a mixagem de música resolve muitos desses problemas.

1. Eliminação de falhas de gravação. Para que a música soe ritmicamente, todas as partes são alinhadas a uma grelha comum, para que ressonâncias desagradáveis não pressionem os ouvidos, elas são procuradas e cortadas. Nos vocais, a entoação deve ser corrigida. Existem muito poucos cantores que acertam perfeitamente as notas. Instrumentos com som ruim fazem com que pareçam mais bonitos e encorpados;

2. Resolução de conflitos entre instrumentos. Muitas pessoas pensam que isso é mixagem musical. No entanto, isso é apenas uma pequena parte. Para que os sons «se encaixem» na mixagem, eles são nivelados em volume, equalizados, alocados em cada lugar na imagem estéreo, comprimidos, colados com efeitos de grupo, etc.;

3. Construir a cena. Isto também se aplica, em parte, à resolução de conflitos. Mas, desta forma, o engenheiro de som também torna a imagem sonora mais bonita, interessante, rica e agradável ao ouvido. Ele trará algo para o primeiro plano, afastará algo, colocará algo à esquerda, outra coisa um pouco mais à esquerda, etc. O arranjo do palco é frequentemente usado na mixagem de música ao vivo. Parece que estamos a assistir à apresentação da banda: à esquerda está um guitarrista, vários backing vocals estão próximos, à direita estão os trompetistas e um tecladista está mais próximo do centro. E para um arranjo eletrónico denso, pode simplesmente criar uma parede de som na qual tudo se funde;

4. Dar cor à faixa. Ao mixar a música de artistas independentes, isso pode não ser o mais importante. Mas toda a música pop comercial tem a sua própria cor: ousada ou inteligente, brilhante ou suave, seca ou rica. O mesmo se aplica aos estilos. O kick no hip-hop não é o mesmo que o kick no hard rock, embora as fontes possam ser quase as mesmas. O rap novo e o rap old school soam muito diferentes;

5. Garantir a transmissão. Misturar música em monitores de alta qualidade tende a fazer com que a música soe igualmente bem em auscultadores e em altifalantes normais. A faixa tem de «arrasar» no carro, ser exigente no shopping, combinar com os alcances do smartphone e do laptop. Isso é chamado de «transmissão».

O que é necessário para misturar música?

Os músicos têm aperfeiçoado as suas habilidades durante anos, procurando novos movimentos e técnicas, analisando sucessos, experimentando. Mas mesmo sem uma preparação e conhecimentos sérios, um iniciante pode sentar-se em frente ao computador, abrir um sequenciador online (por exemplo, Amped Studio) e esboçar uma batida em meia hora. Misturar música é mais complicado. São necessários recursos especiais para isso.

1. Audição treinada

Quanto mais tempo uma pessoa dedica ao equilíbrio, equalização e análise de referências, melhor ela fica na mixagem. Não é recomendável que os músicos mixem suas próprias músicas, porque outros ouvidos perceberão muito melhor as falhas às quais o autor está acostumado durante o trabalho em sua criação. Um engenheiro de som externo tem experiência, habilidade, conhecimento e uma percepção renovada.

No entanto, às vezes a mixagem musical se limita apenas a encontrar o equilíbrio. Alguns arranjadores criam faixas com boa sonoridade imediatamente. E se for meticuloso com o seu material, poderá ajudar muito o engenheiro de mixagem. O mesmo acontece quando a mixagem após a masterização permanece praticamente inalterada: é que quem mixou já a aproximou do ideal.

2. Monitorização

É claro que a música precisa ser reproduzida por meio de algo. Mas, nesse caso, a qualidade do equipamento de som afetará a qualidade da mixagem. Além disso, se houver uma escolha entre alto-falantes caros e monitores baratos, é melhor escolher os últimos.

Não é recomendável misturar em acústicas comuns, especialmente em acústicas caras. O facto é que essas acústicas sempre embelezam o som, escondendo todos os tipos de artefactos que facilmente aparecem em altifalantes de música com potência de 1 W ou mais. Para misturar música, deve usar exclusivamente monitores profissionais. Eles são projetados de forma a revelar todas as falhas no som e torná-las audíveis. Ou seja, eles reproduzem qualquer som na sua forma original, o que facilita o trabalho do engenheiro de som.

Também é possível misturar música com auscultadores. Mas os profissionais tentam evitar isso. Os auscultadores não fornecem uma imagem estéreo adequada. E, no final, a música será ouvida no espaço e também precisa de ser avaliada no espaço. Embora hoje em dia sejam vendidos vários programas que corrigem o som dos auscultadores, aproximando-o do estúdio. Eles parecem transformar os auscultadores num estúdio profissional com monitores.

Mas misturar música com auscultadores tem as suas vantagens. Por exemplo, livrar-se da influência da sala. O som que passa pelos altifalantes adquire uma cor específica. Portanto, em diferentes altifalantes, em diferentes monitores, em diferentes auscultadores, a mesma música soa de forma diferente. Mas isso não é tão mau. A onda sonora é refletida nas paredes e, em diferentes salas, ela adquirirá características diferentes.

Com auscultadores, pode misturar música nas piores salas, sem preparação. Mas para trabalhar em altifalantes ou monitores, a sala precisa de estar preparada. A forma mais acessível é amortecer tudo com lã mineral, cortinas opacas, painéis de absorção de som, etc. Mas este é um tópico para uma discussão separada. Em qualquer caso, tente testar a sua mistura em diferentes altifalantes e em diferentes salas.

3. Interface de som

Qualquer computador que possa emitir som para altifalantes tem uma interface de áudio integrada. Mas por que isso não é suficiente para mixar música? O facto é que este dispositivo está equipado com um ADC e um DAC.

Um ADC (conversor analógico-digital) converte o som analógico ao vivo (voz, acordes de guitarra, batidas de bateria) em um código digital, ou seja, grava-o num computador. Um DAC (conversor digital-analógico), por outro lado, faz com que esse código soe, ou seja, o transmite para os altifalantes.

Se não vamos gravar nada, não precisamos de um ADC. Mas um DAC para mixagem de música é necessário e deve ser de boa qualidade. A qualidade das placas de som integradas ao computador deixa muito a desejar. Portanto, um músico ou engenheiro de som novato é aconselhado a adquirir uma placa de áudio externa. Portanto, um músico ou engenheiro de som novato é recomendado a adquirir uma placa de áudio externa, e quanto mais cara, melhor.

Mas este dispositivo funciona em conjunto com os altifalantes. Se não tiver monitores profissionais, a interface de áudio não terá utilidade. Portanto, no início, pode usar a placa integrada no computador. Não precisa de esperar até obter o equipamento que deseja. Use sempre o que tem à mão.

4. Software

Pode misturar música no mesmo programa em que fez o arranjo. A maioria dos sequenciadores é versátil, permitindo gravar instrumentos ao vivo, criar batidas, editar partes, trabalhar com MIDI, misturar, masterizar e muito mais. Também precisará de plugins de processamento: equalizadores, compressores, etc. Eles vêm com muitos programas.

Misturar música em sequenciadores online permite-lhe dispensar completamente programas e plugins. Tudo o que precisa é de um computador, tablet ou smartphone com auscultadores. Por exemplo, a funcionalidade do Amped Studio oferece todas as possibilidades para misturar uma música. Aqui pode criar um equilíbrio entre as faixas, fazer o pan, e até automatizar o pan e o volume de cada instrumento. Uma conta Premium abre ainda mais opções de automatização.

O Amped Studio possui compressores, EQ, gate, reverberação e muitos outros efeitos integrados. Não é necessário instalar nenhum plug-in VST, embora este sequenciador permita usar VSTs. Mencionamos que é importante ouvir a mixagem em diferentes altifalantes para obter uma boa mixagem. O Amped Studio pode ser aberto em qualquer dispositivo que tenha um navegador. Ou seja, podemos verificar a mixagem em qualquer lugar: por exemplo, visitando amigos ou pais.

Este programa online também dá acesso a várias contas. Todos os músicos do grupo podem trabalhar nele, ouvir faixas, fazer alterações, experimentar soluções incomuns, corrigir algo. Isso torna a mixagem musical mais objetiva. Quanto mais ouvidos, melhor. Uma nova percepção só ajuda no trabalho.

Como misturar a música?

Mais tarde, vamos percorrer este processo passo a passo, desde o encaminhamento até ao processamento do canal principal. Mas primeiro, vamos analisar a mistura de música de fora para dentro, a fim de compreender a essência e não repetir as ações mecanicamente. Vamos descobrir o que exatamente o engenheiro de som faz quando mistura a composição e por que o faz.

1. Equilíbrio de volume

Níveis de volume definidos com precisão já fazem a música ficar montada. Mas se o volume das faixas individuais estiver a mudar constantemente, a mixagem não ficará estável. Portanto, instrumentos com ataques, picos e quedas óbvios devem ser comprimidos. A compressão estreita o alcance, eliminando a diferença entre sons suaves e altos.

No entanto, misturar música não se resume apenas a achatar e suavizar. Com a ajuda dos faders de volume, podemos criar perspectiva, tal como na pintura. Os instrumentos principais podem ser tornados mais altos e, assim, destacados. O que toca mais baixo fica em segundo plano. E deixe que os pequenos detalhes de preenchimento soem em algum lugar muito distante.

Alterar o equilíbrio enquanto reproduz a mistura ajuda a tornar a música mais dramática, dinâmica e enérgica. A automação é uma das técnicas mais importantes para misturar música. Podemos automatizar o volume traçando uma linha ao longo da qual o nível irá mudar. E então os equilíbrios irão mudar: outro instrumento irá para o primeiro plano, outros acentos irão aparecer, o ritmo irá mudar.

2. Equilíbrio de frequência

Cada música tem uma resposta de frequência única (AFC). Mas instrumentos diferentes vivem em faixas diferentes. Ao mixar música, eles constroem uma imagem equilibrada. Embora não seja necessário obter uma resposta de frequência plana.

• A bateria e o baixo manterão os graves entre cerca de 40 e 800 hertz. Ao mesmo tempo, eles também têm uma frequência de presença (cordas a tocar ou cliques do batedor) – na região de 1000 Hz.
• A faixa da caixa começa em cerca de 200 Hz e se estende até o máximo. Ao mesmo tempo, ela pode ter graves firmes em torno de 100 Hz e agudos brilhantes em torno de 7000 Hz.
• O hi-hat e outros pratos preenchem toda a faixa de frequências médias e agudas a partir de 300 Hz. Mas muitas vezes são severamente cortados, deixando apenas o topo.
• A guitarra elétrica está no meio, de 300 a 5000 Hz. Além disso, os picos e quedas nesta área podem ser distribuídos da forma mais invulgar.
• A faixa do piano é de aproximadamente 80 a 10.000 Hz. Assim como uma guitarra acústica.
• Os sintetizadores podem ocupar uma grande variedade de gamas, dependendo da natureza do som.

Mas, para misturar música, as gamas dos instrumentos não são muito importantes. O principal é que o bumbo e o baixo são responsáveis pela parte inferior, os pratos são responsáveis pela parte superior, os instrumentos de harmonia estão localizados no meio e os vocais pairam acima de tudo isso, ocupando tudo, da parte inferior à parte superior. Muito mais importantes são as frequências específicas e o efeito que a sua amplificação ou atenuação proporciona.

• 30, 60 ou 100 Hz – a principal frequência baixa do bumbo e do baixo. Se tivermos um bumbo baixo e o baixo estiver em 100 Hz, então cortamos 100 Hz no bumbo e adicionamos no baixo. E vice-versa. É assim que eles funcionam em conjunto. A potência da caixa também está escondida em 100 Hz.
• 250 Hz – plenitude ou ressonância. Se fizer um grande aumento nos vocais aqui, obterá um som abafado. Se fizer um grande corte, a base da voz desaparecerá, tornando-se lenta e fraca.
• 600 Hz – densidade e turbidez. Se houver muito (por exemplo, num baixo), o instrumento soará arrastado e ensopado. Se não houver o suficiente, a mistura perderá a plenitude e ficará vazia.
• 800 Hz – Salas ruins têm um som sujo nessa frequência. Pode cortá-la para limpar um instrumento acústico ou vocais.
• 1,5 kHz – Legibilidade da caixa, batidas do bumbo, cordas do baixo a tocar e vocais presentes. O resultado final é praticamente o mesmo – nesta frequência, o instrumento se faz notar. Se a adicionar, a voz ficará mais próxima do ouvinte, mas adquirirá um som semelhante ao de um telefone a tocar.
• 3, 4, 5, 7 kHz – cores superiores. Basta experimentá-las uma a uma e ouvir qual você mais gosta. É importante garantir que não haja ressonâncias e que não apareça acidez. Na região de 7-8 kHz, há também um som “c”, que pode atingir os ouvidos.
• 10 kHz e acima – suavidade e leveza. Suaviza os chapéus e as caixas, enquanto os vocais se elevam.

Estas são apenas orientações gerais. Misturar música é um processo delicado e, em cada caso, a equalização deve ser individual. Para alguns vocalistas, o som «c» pode ser acentuado a 9 kHz (não 7). Para alguns kicks, um slap pode soar na região de 3 kHz (não 1,5). A turbidez pode ser procurada em toda a faixa média baixa: de 300 a 1000 Hz (não apenas em 600 e 800). Portanto, é preciso abordar cuidadosamente cada ferramenta.

3. Equilíbrio de acordo com os planos

A disposição dos instrumentos no espaço também cria uma imagem harmoniosa ao misturar música. Não é apenas o fader de volume que pode aproximar ou afastar o instrumento. Compressores, equalizadores e reverbs criam ilusões espaciais.

Por exemplo, alguns compressores têm parâmetros de ataque e liberação ajustáveis. Um ataque grande (longo) torna os golpes mais poderosos, mas remove o som. Um ataque curto (rápido) torna o instrumento pequeno, mas aproxima-o. É assim que o cérebro percebe um sinal sonoro. Uma liberação rápida remove toda a sujeira e cria a ilusão de um espaço enorme. A liberação longa torna o som compacto e limpo.

Como podemos ver, a mixagem de música não se resume apenas à equalização, mas influencia muito. O equalizador pode tornar os vocais não apenas mais bonitos, mas também mais próximos. Já abordámos 1,5 kHz, que força o vocalista a sair da mistura alguns passos. As baixas frequências também aproximam os vocais e qualquer outro instrumento. O cérebro humano está acostumado ao facto de captar mais graves de uma fonte próxima. Isso é chamado de “efeito de proximidade”.

O reverb parece ter sido criado para que, ao mixar música, tenhamos espaços enormes com reflexos voando em todas as direções. Mas este dispositivo tem um parâmetro que permite deixar uma impressão de enormidade e, ao mesmo tempo, trazer a voz para a frente, não deixando-a se afogar na reverberação. Esta configuração é chamada de “Predelay”. Ela faz uma pausa entre o som limpo e o som processado, separando assim o efeito do instrumento.

O Panorama é outra forma poderosa de melhorar a sua mixagem musical. Ele permite mover o som não apenas para frente e para trás, mas também para a esquerda e para a direita. A guitarra tocando ao lado perde o seu significado porque não está no centro. Mas, ao mesmo tempo, atrai a atenção, porque está localizada no espaço. Vamos colocar as teclas do outro lado, em oposição, e agora temos um estéreo amplo com dois pontos, que são bem audíveis, mas ao mesmo tempo sugerem que não são os principais aqui.

4. Enriquecimento e decoração

A mistura de música nem sempre requer este tipo de trabalho. Acontece que o arranjador tornou os timbres bastante ousados, brilhantes e bonitos. Às vezes, o engenheiro de som até recebe faixas separadas com atrasos e reverberação. Se soarem decentes, não há necessidade de reescrevê-las. Mas muitas vezes os sons requerem processamento adicional já na fase de mistura da música.

A maneira mais óbvia de enriquecer um timbre é a saturação. Basta abrir um plugin dedicado e adicionar alguns harmónicos. Equalizadores e compressores que simulam o funcionamento de dispositivos analógicos também podem introduzir distorção harmónica. Estes incluem emulações PulTec, Teletronix, Fairchild, 1176. Emulações de gravadores e consolas também tornam o som mais saturado.

A mixagem de música raramente fica completa sem processamento paralelo. Compressores que produzem cores especiais são colocados em faixas separadas. Em seguida, os envios da faixa principal são feitos nelas. Esse sinal multiplicado é fortemente comprimido e cuidadosamente misturado ao sinal principal. O resultado é um som denso com sobretons adicionais. Compressores diferentes produzem cores diferentes, você pode misturá-los a seu gosto. O mesmo às vezes é feito com equalizadores.

Trabalhar com reverberações e atrasos é considerado por muitos como a etapa mais criativa na mixagem de música. De facto, com esses efeitos, a mixagem imediatamente começa a soar bonita e rica. Mas é importante não exagerar: a reverberação deve ser quase inaudível e os ecos do atraso não devem vir à tona. A automação permite que você mostre toda a sua criatividade aqui. Por exemplo, você pode ativar o delay em determinados pontos, alterar sua pulsação ou cor. Em alguns pontos, você pode alongar a cauda do reverb ou aumentar seu nível.

5. Trabalhe com a secção master e os grupos

Esta é a etapa final da mixagem musical. Mas algumas técnicas podem ser usadas ao longo do processo. O processamento em lote ajuda a unir os componentes de uma mixagem. Por exemplo, se você combinar kick, snair e hat em um grupo e colocar um compressor de coloração, como o Slate FG-MU, em uma faixa comum, isso os unirá. A bateria soará como um único instrumento: com um groove comum, uma cor comum e um nível comum.

Às vezes, a mixagem musical requer o processamento separado do grupo instrumental e o processamento separado do grupo vocal. Pelo contrário, ajuda a tirar um pouco os vocais da mixagem. Também pode aplicar compressão sidechain para que, enquanto os vocais estão a tocar, todas as outras músicas sejam ligeiramente comprimidas e a voz se destaque.

Compressores e limitadores suavizam a microdinâmica. Mas a macrodinâmica às vezes precisa ser alterada, pelo contrário. E isso é feito manualmente. O trabalho com a macrodinâmica pode ser realizado enquanto a música está a ser mixada ou pode ser deixado para o engenheiro de masterização. Os pontos que devem explodir (por exemplo, refrões), aumentamos 1 decibel com a ajuda da automação. Onde as emoções, de acordo com a lógica da música, devem diminuir, baixamos o volume. E no refrão, aumentamos novamente.

Além disso, os refrões e os versos podem ser processados de forma diferente para que se diferenciem. Isso também ajudará no desenvolvimento de uma peça musical, tornando-a mais interessante e dinâmica.

Desmontamos o processo de mixagem musical passo a passo

Cursos e escolas inteiros estão a ser criados para ensinar esta arte. E uma semana não é suficiente para aprender a misturar. E muito menos um artigo. Portanto, abordaremos brevemente apenas a base da música. Antes de começar a trabalhar, certifique-se de que as faixas estão devidamente editadas e limpas. A compressão irá retirar todos os cliques e ruídos baixos, tornando-os altos. É claro que é necessário alinhar o ritmo e corrigir o tom das vozes.

1. Preparação do espaço de trabalho. Para facilitar a navegação no projeto, pinte as faixas com cores diferentes, coloque ícones, se o sequenciador permitir. Por exemplo, no Amped Studio, as faixas são coloridas automaticamente.

2. Roteamento. Combine os instrumentos em grupos para que seja mais conveniente trabalhar com eles e, posteriormente, misturar a música em grupos. Caixa, bumbo e chimbau num grupo. No outro – sintetizadores. No terceiro – partes vocais. O quarto é percussão. Quinto – guitarras. A lógica é simples. Em seguida, criaremos um grupo separado para instrumentos e outro para todos os vocais. E enviaremos essas duas faixas para a faixa geral da mixagem. Também precisamos criar faixas para diferentes planos de reverberação.

3. Processamento preliminar geral. Pode colocar imediatamente um limitador na faixa master e baixar tudo em 1-2 decibéis. Embora muitos engenheiros de som sejam contra misturar música sob o limitador. Alternativamente, pode colocar imediatamente um gravador: por exemplo, Slate VTM ou Waves Kramer Tape. Se conseguirmos um som ousado, o gravador dará imediatamente a cor correta. Mas precisa girar os botões e ouvir qual configuração soa melhor.

4. Equilíbrios preliminares. Colocamos imediatamente todos os faders para que a mixagem soe mais ou menos equilibrada. Deixamos uma margem de alguns decibéis. À medida que a mixagem avança, a música ficará mais alta. Escolhemos a base (vocais, bateria, o principal instrumento harmónico), o resto é silenciado (mute) para não interferir. Fazemos um equilíbrio mais preciso para a base.

5. Kik. Silenciar tudo, exceto bateria e baixo. No kick, adicionamos imediatamente 30 ou 60 Hz, de preferência emulando um dispositivo de ferro. PulTec é a opção clássica aqui. Encontre um clique no kick na região de 1-5 kHz, ajuste-o ao seu gosto. Em um kick baixo, 100 Hz podem ser cortados e, no baixo, pelo contrário, você pode adicionar. Vamos colocar um compressor com um ataque ajustável e aumentar o ataque para tornar o kick mais potente.

6. Snair. Tentamos as mesmas frequências no snair. Se não houver potência suficiente, tentamos aumentar 100, 250 ou 600 Hz. Se não houver brilho suficiente, tente frequências diferentes na faixa média alta (1-7 kHz). Também colocamos um compressor com um ataque grande. Se o ataque não for suficiente, pode tentar usar algum tipo de designer transiente.

7. Hat. Ao misturar música num estilo eletrónico, os pratos geralmente não são alterados, porque boas amostras são imediatamente selecionadas para eles. Mas pode cortar os graves a partir de 300 Hz, diminuir os agudos se estiverem muito altos. Se definir o compressor para um ataque pequeno, pode obter um pico pontiagudo e agudo que às vezes cria um bom groove.

8. Grupo de bateria. Geralmente é apenas comprimido com um grande ataque e um pequeno release. Se ao mesmo tempo o bumbo e a caixa forem fortemente suprimidos, é melhor misturar o compressor em paralelo.

9. Baixo. O baixo é geralmente emulado com um Teletronix LA-2A. Ele faz imediatamente os ataques certos. Ao misturar música com baixo sintético, o compressor é necessário apenas para uma ligeira sobrecarga e para criar harmónicos. Se aumentarmos 30 Hz para o bumbo, então aumentamos ligeiramente 60 para o baixo. Aqui é preciso ver onde há mais graves: no bumbo ou no baixo.

10. Sintetizadores. Se houver vários deles, ajustamos o equilíbrio entre eles e, em seguida, colocamos no mesmo nível da bateria e do baixo. Ao misturar música, o trabalho principal com sintetizadores recai sobre a sua saturação e expansão. Para isso, compressão paralela, equalização m/s, distorção e saturação são adequados. Quanto à correção de frequência, pode tentar adicionar 250, 600, 1500 Hz. Mas certifique-se de verificar com os vocais.

11. Vocais. O ponto mais importante. A compressão torna os vocais bonitos imediatamente. Mas pode colocar vários compressores, afiná-los de ouvido e, alternando, encontrar o mais adequado. Para quaisquer vocais ao misturar música, eles colocam um filtro que corta a parte inferior para 60-90 Hz. Isso removerá possíveis ruídos e zumbidos. Já considerámos as frequências vocais: plenitude a 250 Hz, presença a 1,5 kHz, «s» a 7-8 kHz.

12. Reverb. Normalmente, para decoração, usa-se um delay rítmico (colcheia, colcheia com ponto ou semínima) e vários reverbs com diferentes algoritmos e comprimentos (placa longa, placa curta, câmara, sala). Criamos faixas para eles, enviamos os vocais e ouvimos qual se adapta melhor, misturando um pouco. Depois, fazemos o mesmo com o snair e os sintetizadores.

Se, no final da mixagem, não estiver a obter a densidade desejada, o reverb pode ajudar a unir um pouco as coisas. Ele também irá polir as falhas dos vocais. Para o delay, geralmente é prescrita a automação, aumentando o seu volume nas pausas para que ele as preencha ritmicamente. O bumbo e o baixo geralmente não são tratados com nada. Caso contrário, aparecerão ruídos e zumbidos. Não crie muitos planos. Dois ou três são suficientes.

13. Masterização. Este processo não é considerado como mixagem de música, uma vez que aqui o trabalho já está em andamento na mixagem finalizada, que é uma faixa. Normalmente, uma música é masterizada por outra pessoa, não pela mesma pessoa que a mixou. São necessários ouvidos frescos e equipamento de alta qualidade aqui. Mas se não for possível contactar um engenheiro de masterização, pode tentar processar o canal master você mesmo.

Para fazer isso, você precisa de pelo menos um limitador e uma faixa de referência. Com a ajuda do limitador, você aproxima o volume do nível de referência. Mas este dispositivo não apenas aumenta o volume do som, ele também comprime o alcance da música, ou seja, funciona como um compressor. É aqui que a mixagem da música pode terminar.

Mas, além do limitador, existem muitos plugins VST complexos para trabalhar com a secção master. Entre eles estão o Drawmer S73 da Softube e o aclamado iZotope Ozone. Eles ajudam a adicionar ar, graves e impacto a uma música, fazer compressão paralela e EQ, expandir o estéreo, fazer EQ m/s e muito mais. Mas deve sempre verificar os resultados da sua mistura com os resultados da sua masterização. Se não trouxer melhorias, é melhor recusá-lo.

Conclusão

Descobrimos os fundamentos da engenharia de som, passámos pelo processo de mixagem rapidamente e delineámos os pontos em que se deve basear ao trabalhar. A arte de mixar música não pode ser dominada em um dia. São necessários anos de treino e aprendizagem. Mas agora pode facilmente fazer uma mixagem preliminar.

Se precisar de informações sobre plugins, pode encontrá-las em outro artigo. Aqui, deliberadamente não analisámos equalizadores e compressores específicos para deixar claro: um bom som não é criado por dispositivos, mas por habilidade e audição. Pode até misturar uma música sem instalar nenhum software no seu computador – basta ter acesso à Internet. Com o sequenciador online, pode começar a misturar imediatamente.

Não espere pela oportunidade de comprar hardware e plugins caros. Porque boas mixagens vêm principalmente da dedicação. Se estiver interessado em mixar música, encontrará muitos vídeos de treinamento na Internet, comece a praticar e em algumas semanas se sentirá como um peixe na água no processo.