Abmischen von Musik

Das Abmischen von Musik ist einer der wichtigsten Schritte in der Produktion. Ohne diesen Schritt klingt der Song nicht wie ein fertiges Stück, sondern bleibt eine Demoaufnahme. Aufstrebende Musiker erleben irgendwann eine Enttäuschung. Sie haben einen groovigen Beat, eine eingängige Melodie und eine schöne Harmonie komponiert. Dann haben Sie hochwertige Samples ausgewählt und interessante Synthesizer-Presets gefunden. Es scheint, dass alles cool und harmonisch klingen sollte. Aber Sie spielen Ihre Kreation Ihren Freunden vor und stellen fest, dass sie nicht beeindruckt sind. Und Sie verstehen, dass etwas fehlt. Das Einzige, was fehlt, ist das Abmischen.

Bei Live-Instrumenten ist die Situation noch schlimmer. Du spielst im Proberaum, bist high, spürst den Drive. Du kannst dir schon vorstellen, wie Scharen von Fans zu deinem Konzert strömen, wie die Tracks Millionen von Plays erzielen. Aber du nimmst dein Material auf und stellst fest, dass nicht alles so cool ist, wie es bei der Probe schien. Die Gitarren scheinen gestimmt zu sein, du spielst flüssig, am Arrangement gibt es nichts auszusetzen, aber ohne Mix klingt die Musik nicht.

Selbst ein Song mit einer Akustikgitarre muss bearbeitet werden, und Kompositionen mit dichter Instrumentierung erst recht. Man muss alle Tracks so mischen, dass sie konsistent abgespielt werden, nicht aus dem Gesamtbild herausfallen und einen coolen Mix bilden. Außerdem treten bei der Aufnahme immer Fehler, unglückliche Stellen und Obertöne auf. Audiodateien müssen zuerst bearbeitet und bereinigt und dann verarbeitet werden.

Was ist Musikmischen?

Im Grunde genommen handelt es sich dabei um Lautstärkebalance, Frequenzbalance und Färbung. Insgesamt gibt es drei Komponenten. Diese sind jedoch so aufwendig, dass sie viel Zeit und Mühe kosten. Und dabei sind die ständige Weiterentwicklung der Fähigkeiten, Schulungen und Fortbildungen noch nicht einmal mitgerechnet. Dieser Job erfordert ein gut entwickeltes Gehör, das auf bestimmte Aufgaben zugeschnitten ist. Das Mischen von Musik löst viele solcher Probleme.

1. Beseitigung von Aufnahmefehlern. Damit die Musik rhythmisch klingt, werden alle Parts auf ein gemeinsames Raster abgestimmt, sodass unangenehme Resonanzen nicht auf die Ohren drücken, sondern herausgesucht und herausgeschnitten werden. Bei Gesang muss die Intonation korrigiert werden. Es gibt nur sehr wenige Sänger, die die Töne perfekt treffen. Schlecht klingende Instrumente lassen sie schöner und fetter klingen.

2. Lösung von Konflikten zwischen Instrumenten. Viele Menschen denken, dass dies Musikmischen ist. Dies ist jedoch nur ein kleiner Teil davon. Damit die Klänge im Mix zusammen „sitzen”, werden sie in ihrer Lautstärke angeglichen, ausgeglichen, jedem Platz im Stereobild zugewiesen, komprimiert, mit Gruppeneffekten zusammengeklebt usw.

3. Aufbau der Szene. Dies gilt teilweise auch für die Konfliktlösung. Auf diese Weise macht der Tontechniker das Klangbild jedoch auch schöner, interessanter, reichhaltiger und angenehmer für das Ohr. Er rückt etwas in den Vordergrund, verschiebt etwas weiter nach hinten, platziert etwas links, etwas anderes etwas weiter links usw. Die Bühnenanordnung wird häufig beim Mischen von Live-Musik verwendet. Wir scheinen die Performance der Band zu sehen: Links steht ein Gitarrist, mehrere Backgroundsänger stehen in der Nähe, rechts stehen Trompeter und ein Keyboarder steht näher an der Mitte. Und für ein dichtes elektronisches Arrangement kann man einfach eine Klangwand erzeugen, in der alles verschmilzt.

4. Dem Track Farbe verleihen. Beim Abmischen der Musik von Indie-Künstlern ist dies vielleicht nicht das Wichtigste. Aber alle kommerzielle Popmusik hat ihre eigene Farbe: kühn oder intelligent, hell oder sanft, trocken oder reichhaltig. Das Gleiche gilt für Stile. Der Kick im Hip-Hop ist nicht derselbe wie der Kick im Hardrock, obwohl die Quellen fast identisch sein können. Neuer Rap und Old-School-Rap klingen sehr unterschiedlich.

5. Sicherstellen der Übertragbarkeit. Das Mischen von Musik auf High-End-Monitoren führt dazu, dass die Musik über Kopfhörer und normale Lautsprecher gleich gut klingt. Der Track muss im Auto „rocken”, im Einkaufszentrum wählerisch sein und zu den Frequenzbereichen von Smartphones und Laptops passen. Dies wird als „Broadcast” bezeichnet.

Was braucht man, um Musik zu mischen?

Musiker haben ihre Fähigkeiten über Jahre hinweg verfeinert, nach neuen Moves und Techniken gesucht, Hits analysiert und experimentiert. Aber auch ohne ernsthafte Vorbereitung und Kenntnisse kann sich ein Anfänger an den Computer setzen, einen Online-Sequenzer (z. B. Amped Studio) öffnen und in einer halben Stunde einen Beat skizzieren. Das Mischen von Musik ist komplizierter. Hier sind spezielle Ressourcen erforderlich.

1. Geschultes Gehör

Je mehr Zeit eine Person mit dem Ausbalancieren, Ausgleichen und Analysieren von Referenzen verbringt, desto besser kann sie mischen. Musikern wird nicht empfohlen, ihre Songs selbst zu mischen, da andere Ohren die Mängel, an die sich der Autor während der Arbeit an seinem Werk gewöhnt hat, viel besser hören. Ein externer Tontechniker verfügt über Erfahrung, Fähigkeiten, Wissen und eine frische Wahrnehmung.

Manchmal beschränkt sich das Musikmischen jedoch nur darauf, die Balance zu finden. Einige Arrangeure erstellen auf Anhieb gut klingende Tracks. Und wenn Sie Ihr Material gewissenhaft bearbeiten, können Sie dem Mix-Ingenieur sehr helfen. Das Gleiche passiert, wenn der Mix nach dem Mastering praktisch unverändert bleibt: Es ist nur so, dass derjenige, der gemischt hat, ihn bereits näher an das Ideal gebracht hat.

2. Monitoring

Es ist klar, dass Musik über etwas wiedergegeben werden muss. In diesem Fall beeinflusst jedoch die Qualität der Tonausrüstung die Qualität des Mixes. Wenn Sie die Wahl zwischen teuren Lautsprechern und preiswerten Monitoren haben, sollten Sie sich für Letztere entscheiden.

Es wird nicht empfohlen, mit gewöhnlicher Akustik zu mischen, insbesondere nicht mit teurer. Tatsache ist, dass solche Akustik immer den Klang verschönert und alle Arten von Artefakten verbirgt, die bei Musiklautsprechern mit einer Leistung von 1 W oder mehr leicht auftreten. Zum Abmischen von Musik sollten Sie ausschließlich professionelle Monitore verwenden. Diese sind so konzipiert, dass sie alle Mängel im Klang aufdecken und hörbar machen. Das heißt, sie geben jeden Klang in seiner ursprünglichen Form wieder, was die Arbeit des Tontechnikers erleichtert.

Sie können Musik auch mit Kopfhörern mischen. Profis versuchen dies jedoch zu vermeiden. Kopfhörer bieten kein adäquates Stereobild. Und letztendlich wird der Song im Raum gehört und muss auch im Raum bewertet werden. Zwar werden heute verschiedene Programme verkauft, die den Klang von Kopfhörern korrigieren und ihn dem Studio näher bringen. Sie scheinen aus Kopfhörern ein professionelles Studio mit Monitoren zu machen.

Das Mischen von Musik mit Kopfhörern hat jedoch auch Vorteile. Zum Beispiel lässt sich der Einfluss des Raums ausschalten. Der Klang, der durch die Lautsprecher kommt, nimmt eine bestimmte Farbe an. Daher klingt derselbe Song auf verschiedenen Lautsprechern, auf verschiedenen Monitoren und in verschiedenen Kopfhörern unterschiedlich. Das ist jedoch nicht weiter schlimm. Die Schallwelle wird von den Wänden reflektiert und erhält in verschiedenen Räumen unterschiedliche Eigenschaften.

Mit Kopfhörern kann man Musik auch in den schlechtesten, unvorbereiteten Räumen mischen. Um jedoch an Lautsprechern oder Monitoren zu arbeiten, muss der Raum vorbereitet sein. Die günstigste Möglichkeit ist, alles mit Mineralwolle, Verdunkelungsvorhängen, schallabsorbierenden Paneelen usw. zu dämpfen. Aber das ist ein Thema für eine separate Diskussion. Versuchen Sie auf jeden Fall, Ihren Mix auf verschiedenen Lautsprechern und in verschiedenen Räumen zu testen.

3. Sound-Interface

Jeder Computer, der Ton an Lautsprecher ausgeben kann, verfügt über eine integrierte Audio-Schnittstelle. Aber warum reicht das zum Abmischen von Musik nicht aus? Tatsache ist, dass dieses Gerät mit einem ADC und einem DAC ausgestattet ist.

Ein ADC (Analog-Digital-Wandler) wandelt analogen Live-Ton (Stimme, Gitarrenakkorde, Schlagzeugbeats) in einen digitalen Code um, d. h. er schreibt ihn auf einen Computer. Ein DAC (Digital-Analog-Wandler) hingegen macht diesen Code hörbar, d. h. er gibt ihn an die Lautsprecher aus.

Wenn wir nichts aufnehmen wollen, brauchen wir überhaupt keinen ADC. Aber ein DAC zum Abmischen von Musik ist notwendig und sollte von guter Qualität sein. Die Qualität der im Computer eingebauten Soundkarten lässt zu wünschen übrig. Daher wird Musikern oder angehenden Tontechnikern empfohlen, sich eine externe Audiokarte zuzulegen. Je teurer diese ist, desto besser.

Dieses Gerät funktioniert jedoch in Verbindung mit Lautsprechern. Wenn Sie keine professionellen Monitore haben, ist das Audio-Interface nutzlos. Daher können Sie zu Beginn die integrierte Computerkarte verwenden. Sie müssen nicht warten, bis Sie die gewünschte Ausrüstung haben. Verwenden Sie immer das, was Sie zur Hand haben.

4. Software

Sie können Musik in demselben Programm mischen, in dem Sie das Arrangement erstellt haben. Die meisten Sequenzer sind vielseitig einsetzbar und ermöglichen es Ihnen, Live-Instrumente aufzunehmen, Beats zu erstellen, Parts zu bearbeiten, mit MIDI zu arbeiten, zu mischen, zu mastern und vieles mehr. Sie benötigen außerdem Bearbeitungs-Plugins: Equalizer, Kompressoren usw. Diese sind in vielen Programmen enthalten.

Wenn Sie Musik in Online-Sequenzern mischen, benötigen Sie überhaupt keine Programme und Plugins. Sie benötigen lediglich einen Computer, ein Tablet oder ein Smartphone mit Kopfhörern. Die Funktionen von Amped Studio bieten Ihnen beispielsweise alle Möglichkeiten, einen Song zu mischen. Hier können Sie eine Balance zwischen den Tracks herstellen, sie pannen und sogar das Panning und die Lautstärke für jedes Instrument automatisieren. Ein Premium-Account eröffnet Ihnen noch mehr Automatisierungsoptionen.

Amped Studio verfügt über integrierte Kompressoren, EQ, Gate, Reverb und viele andere Effekte. Sie müssen nicht einmal VST-Plugins installieren, obwohl dieser Sequenzer die Verwendung von VSTs ermöglicht. Wir haben erwähnt, dass es für ein gutes Mischen wichtig ist, den Mix auf verschiedenen Lautsprechern anzuhören. Amped Studio lässt sich von jedem Gerät mit einem Browser öffnen. Das heißt, wir können den Mix überall überprüfen, zum Beispiel bei Freunden oder Eltern.

Dieses Online-Programm bietet auch Zugriff auf mehrere Konten. Alle Musiker der Gruppe können darin arbeiten, sich Tracks anhören, Änderungen vornehmen, ungewöhnliche Lösungen ausprobieren und etwas korrigieren. Das macht das Abmischen von Musik objektiver. Je mehr Ohren, desto besser. Eine frische Wahrnehmung hilft nur bei der Arbeit.

Wie mischt man einen Song?

Wir werden diesen Prozess später Schritt für Schritt durchgehen, vom Routing bis zur Bearbeitung des Master-Kanals. Aber zuerst wollen wir uns das Mischen von Musik von außen ansehen, um das Wesentliche zu verstehen und die Handlungen nicht mechanisch zu wiederholen. Wir werden herausfinden, was genau der Tontechniker tut, wenn er die Komposition mischt, und warum er es tut.

1. Lautstärkebalance

Präzise eingestellte Lautstärken machen den Song bereits zu einem Ganzen. Wenn sich die Lautstärke einzelner Spuren jedoch ständig ändert, ist der Mix nicht stabil. Daher müssen Instrumente mit deutlichen Anschlägen, Spitzen und Einbrüchen komprimiert werden. Die Kompression verengt den Bereich und beseitigt den Unterschied zwischen leisen und lauten Klängen.

Beim Abmischen von Musik geht es jedoch nicht nur um das Glätten und Anti-Aliasing. Mit Hilfe der Lautstärkeregler können wir Perspektive schaffen, genau wie in der Malerei. Die Hauptinstrumente können lauter gemacht und so in den Vordergrund gerückt werden. Was leiser spielt, tritt in den Hintergrund. Und lassen Sie die kleinen Fülltöne irgendwo ganz weit weg klingen.

Das Verändern der Balance während des Abspielens des Mixes trägt dazu bei, den Song dramatischer, dynamischer und energiegeladener zu machen. Die Automatisierung ist eine der wichtigsten Techniken beim Abmischen von Musik. Wir können die Lautstärke automatisieren, indem wir eine Linie zeichnen, entlang der sich der Pegel verändert. Und dann verschiebt sich die Balance: Ein anderes Instrument rückt in den Vordergrund, andere Akzente treten hervor, der Groove verändert sich.

2. Frequenzbalance

Jeder Song hat einen einzigartigen Frequenzgang (AFC). Aber verschiedene Instrumente liegen in unterschiedlichen Bereichen. Beim Mischen von Musik bilden sie ein ausgewogenes Bild. Es ist jedoch nicht notwendig, einen flachen Frequenzgang zu erreichen.

• Die Kick und die Bassgitarre halten den tiefen Bereich von etwa 40 bis 800 Hertz. Gleichzeitig haben sie auch eine Präsenzfrequenz (klingende Saiten oder Klicken eines Schlägels) – im Bereich von 1000 Hz.
• Der Snare-Bereich beginnt bei etwa 200 Hz und erstreckt sich bis ganz nach oben. Gleichzeitig kann er einen straffen Tiefenbereich um 100 Hz und einen hellen Höhenbereich um 7000 Hz haben.
• Hi-Hat und andere Becken füllen den gesamten Mittel- und Hochtonbereich ab 300 Hz aufwärts aus. Oft werden sie jedoch stark abgeschnitten, sodass nur die allerhöchsten Frequenzen übrig bleiben.
• Die E-Gitarre liegt in der Mitte, von 300 bis 5000 Hz. Außerdem können Spitzen und Einbrüche in diesem Bereich auf ungewöhnliche Weise verteilt sein.
• Der Bereich des Klaviers liegt bei etwa 80 bis 10.000 Hz. Genau wie bei einer Akustikgitarre.
• Synthesizer können je nach Art des Klangs eine Vielzahl von Bereichen einnehmen.

Für das Abmischen von Musik sind die Instrumentenbereiche jedoch nicht besonders wichtig. Wichtig ist vor allem, dass die Kick und der Bass für den unteren Bereich zuständig sind, die Becken für den oberen Bereich, die Harmonieinstrumente in der Mitte liegen und der Gesang über allem schwebt und den gesamten Bereich von unten bis oben einnimmt. Viel wichtiger sind die spezifischen Frequenzen und die Wirkung, die ihre Verstärkung oder Dämpfung hat.

• 30, 60 oder 100 Hz – die Hauptniederfrequenz von Kick und Bass. Wenn wir einen tiefen Kick haben und der Bass bei 100 Hz liegt, dann schneiden wir 100 Hz beim Kick heraus und fügen sie beim Bass hinzu. Und umgekehrt. So funktionieren sie im Zusammenspiel. Die Snare-Power liegt ebenfalls bei 100 Hz.
• 250 Hz – Fülle oder Dröhnen. Wenn Sie hier einen großen Buckel bei den Vocals machen, erhalten Sie einen dumpfen Klang. Wenn Sie einen großen Ausschnitt machen, verschwindet die Grundlage der Stimme, sie wird träge und dünn.
• 600 Hz – Dichte und Trübung. Wenn es davon viel gibt (z. B. bei einem Bass), klingt das Instrument undeutlich und seifig. Wenn es nicht genug davon gibt, verliert der Mix seine Fülle und klingt leer.
• 800 Hz – Schlechte Räume haben bei dieser Frequenz einen schmutzigen Klang. Man kann sie abschneiden, um ein akustisches Instrument oder Gesang zu bereinigen.
• 1,5 kHz – Lesbarkeit der Snare, Kick-Kicks, klingende Bassgitarrensaiten und präsente Vocals. Das Fazit ist in etwa dasselbe – bei dieser Frequenz macht sich das Instrument bemerkbar. Wenn Sie sie hinzufügen, kommt die Stimme dem Zuhörer näher, erhält aber einen Telefonklingelton.
• 3, 4, 5, 7 kHz – Top-Farben. Sie müssen sie nur nacheinander ausprobieren und hören, welche Ihnen am besten gefällt. Es ist wichtig, darauf zu achten, dass keine Resonanzen auftreten und keine Schärfe entsteht. Im Bereich von 7-8 kHz gibt es auch einen Klang „c“, der die Ohren treffen kann.
• 10 kHz und darüber – Weichheit und Luftigkeit. Mildert Hats und Snares, während der Gesang an Höhe gewinnt.

Dies sind nur grobe Richtlinien. Das Mischen von Musik ist ein heikler Prozess, und in jedem Fall muss die Entzerrung individuell erfolgen. Bei manchen Sängern kann der „c“-Klang bei 9 kHz (nicht 7) betont werden. Bei einigen Kicks kann ein Schlag im Bereich von 3 kHz (nicht 1,5) zu hören sein. Die Trübung kann im gesamten unteren Mitteltonbereich gesucht werden: von 300 bis 1000 Hz (nicht nur bei 600 und 800). Sie müssen also jedes Werkzeug sorgfältig angehen.

3. Balance gemäß den Plänen

Die Anordnung der Instrumente im Raum schafft ebenfalls ein harmonisches Bild beim Abmischen von Musik. Nicht nur der Lautstärkeregler kann ein Instrument näher oder weiter weg bringen. Kompressoren, Equalizer und Hallgeräte erzeugen räumliche Illusionen.

Einige Kompressoren verfügen beispielsweise über einstellbare Attack- und Release-Parameter. Ein großer (langer) Attack macht die Hits kraftvoller, entfernt aber den Klang. Ein kurzer (schneller) Attack macht das Instrument klein, bringt es aber näher. So nimmt das Gehirn ein Tonsignal wahr. Ein schneller Release entfernt alle Verunreinigungen und erzeugt die Illusion eines riesigen Raums. Der lange Release macht den Klang kompakt und sauber.

Wie wir sehen können, besteht das Mischen von Musik nicht nur aus der Entzerrung, sondern hat einen großen Einfluss. Der Equalizer kann den Gesang nicht nur schöner, sondern auch näher machen. Wir haben bereits 1,5 kHz behandelt, was den Sänger ein paar Schritte aus dem Mix herausdrängt. Niedrige Frequenzen bringen auch Gesang und andere Instrumente näher. Das menschliche Gehirn ist daran gewöhnt, dass es mehr Bass aus einer nahen Quelle aufnimmt. Dies wird als „Näherungseffekt” bezeichnet.

Der Hall scheint so konzipiert zu sein, dass wir beim Mischen von Musik riesige Räume mit Reflexionen erhalten, die in alle Richtungen fliegen. Dieses Gerät verfügt jedoch über einen Parameter, mit dem Sie einen Eindruck von Weite vermitteln und gleichzeitig die Stimme in den Vordergrund rücken können, ohne dass sie im Hall untergeht. Diese Einstellung wird als „Predelay” bezeichnet. Sie sorgt für eine Pause zwischen dem unverfälschten Klang und dem bearbeiteten Klang und trennt so den Effekt vom Instrument.

Panorama ist eine weitere leistungsstarke Möglichkeit, Ihr Musikmixing zu verbessern. Damit lässt sich der Klang nicht nur vor und zurück, sondern auch nach links und rechts verschieben. Das Gitarrenspiel von der Seite verliert an Bedeutung, da es nicht in der Mitte steht. Gleichzeitig zieht es jedoch die Aufmerksamkeit auf sich, da es im Raum lokalisiert ist. Setzen wir die Tasten auf die andere Seite, dann haben wir ein breites Stereobild mit zwei Punkten, die gut hörbar sind, aber gleichzeitig andeuten, dass sie hier nicht die Hauptrolle spielen.

4. Bereicherung und Verzierung

Das Mischen von Musik erfordert nicht immer diese Art von Arbeit. Es kommt vor, dass der Arrangeur die Klangfarben recht kräftig, hell und schön gestaltet hat. Manchmal erhält der Tontechniker sogar separate Spuren mit Delays und Hall. Wenn sie gut klingen, besteht keine Notwendigkeit, sie neu zu schreiben. Oftmals erfordern Klänge jedoch bereits in der Phase des Musikmischens eine zusätzliche Bearbeitung.

Die naheliegendste Möglichkeit, einen Klang zu bereichern, ist die Sättigung. Dazu muss man nur ein spezielles Plugin öffnen und einige Obertöne hinzufügen. Equalizer und Kompressoren, die die Funktionsweise analoger Geräte simulieren, können ebenfalls harmonische Verzerrungen erzeugen. Dazu gehören Emulationen von PulTec, Teletronix, Fairchild und 1176. Emulationen von Tonbandgeräten und Konsolen machen den Klang ebenfalls satter.

Das Abmischen von Musik ist selten ohne Parallelverarbeitung abgeschlossen. Kompressoren, die besondere Klangfarben erzeugen, werden auf separaten Spuren platziert. Dann werden die Sends von der Hauptspur auf diese Spuren gelegt. Dieses multiplizierte Signal wird stark komprimiert und sorgfältig in das Hauptsignal gemischt. Das Ergebnis ist ein dichter Klang mit zusätzlichen Obertönen. Verschiedene Kompressoren ergeben unterschiedliche Klangfarben, die Sie nach Ihrem Geschmack mischen können. Dasselbe wird manchmal auch mit Equalizern gemacht.

Die Arbeit mit Reverbs und Delays wird von vielen als die kreativste Phase beim Abmischen von Musik angesehen. Tatsächlich klingt der Mix mit diesen Effekten sofort schön und reichhaltig. Es ist jedoch wichtig, es nicht zu übertreiben: Der Hall sollte kaum hörbar sein, und die Delay-Echos sollten nicht in den Vordergrund treten. Die Automatisierung ermöglicht es Ihnen, hier Ihre volle Kreativität zu entfalten. Sie können beispielsweise das Delay an bestimmten Stellen einschalten, seine Pulsation oder Klangfarbe ändern. An einigen Stellen können Sie den Nachhall verlängern oder dessen Pegel anheben.

5. Arbeiten mit dem Master-Bereich und Gruppen

Dies ist die letzte Phase des Musikmixings. Aber einige Techniken können auch schon vorher angewendet werden. Die Stapelverarbeitung hilft dabei, die Komponenten eines Mixes miteinander zu verbinden. Wenn Sie beispielsweise Kick, Snare und Hi-Hat zu einer Gruppe zusammenfassen und einen Farbkompressor wie Slate FG-MU auf eine gemeinsame Spur legen, werden diese miteinander verbunden. Die Drums klingen dann wie ein einziges Instrument: mit einem gemeinsamen Groove, einer gemeinsamen Farbe und einem gemeinsamen Pegel.

Manchmal erfordert das Mischen von Musik eine separate Bearbeitung der Instrumentengruppe und eine separate Bearbeitung der Gesangsgruppe. Im Gegenteil, es hilft, den Gesang ein wenig aus dem Mix herauszunehmen. Sie können auch Sidechain-Kompression anwenden, sodass während der Wiedergabe des Gesangs alle anderen Musikparts leicht komprimiert werden und die Stimme in den Vordergrund tritt.

Kompressoren und Limiter glätten die Mikrodynamik. Die Makrodynamik muss jedoch manchmal im Gegenteil beeinflusst werden. Dies geschieht manuell. Die Arbeit mit der Makrodynamik kann während des Abmischens der Musik durchgeführt werden oder dem Mastering-Ingenieur überlassen werden. Die Stellen, die explodieren sollen (z. B. Refrains), machen wir mit Hilfe der Automatisierung um 1 Dezibel lauter. Wo die Emotionen gemäß der Logik des Songs nachlassen sollen, verringern wir die Lautstärke. Und im Refrain erhöhen wir sie wieder.

Außerdem können Refrains und Strophen unterschiedlich bearbeitet werden, damit sie sich voneinander unterscheiden. Dies trägt ebenfalls zur Entwicklung eines Musikstücks bei und macht es interessanter und dynamischer.

Wir zerlegen den Prozess des Musikmischens Schritt für Schritt

Es werden ganze Kurse und Schulen eingerichtet, um diese Kunst zu lehren. Und eine Woche reicht nicht aus, um das Mischen zu lernen. Und erst recht nicht ein Artikel. Deshalb werden wir nur kurz die Grundlagen des Songs durchgehen. Bevor Sie mit der Arbeit beginnen, stellen Sie sicher, dass die Spuren ordnungsgemäß bearbeitet und bereinigt sind. Die Kompression zieht alle leisen Klicks und Geräusche heraus und macht sie laut. Natürlich müssen Sie den Rhythmus und die Tonhöhenkorrektur des Gesangs anpassen.

1. Vorbereitung des Arbeitsbereichs. Um die Navigation im Projekt zu erleichtern, färben Sie die Spuren in verschiedenen Farben ein und fügen Sie Symbole hinzu, wenn der Sequenzer dies zulässt. In Amped Studio werden die Spuren beispielsweise automatisch eingefärbt.

2. Routing. Kombinieren Sie die Instrumente zu Gruppen, damit Sie bequemer damit arbeiten und anschließend die Musik in Gruppen mischen können. Snare, Kick und Hat in einer Gruppe. In der anderen – Synthesizer. In der dritten – Gesangsparts. Die vierte ist Percussion. Fünfte – Gitarren. Die Logik ist einfach. Dann erstellen wir eine separate Gruppe für Instrumente und eine separate für alle Vocals. Und wir senden diese beiden Spuren an die allgemeine Spur des Mixes. Wir müssen auch Spuren für verschiedene Reverb-Pläne erstellen.

3. Allgemeine Vorverarbeitung. Sie können sofort einen Limiter auf die Master-Spur legen und alles um 1-2 Dezibel herunterdrehen. Allerdings sind viele Toningenieure gegen das Mischen von Musik unter dem Limiter. Alternativ können Sie sofort ein Tonbandgerät einsetzen: zum Beispiel Slate VTM oder Waves Kramer Tape. Wenn wir einen kräftigen Klang erzielen, gibt das Tonbandgerät sofort die richtige Farbe. Aber Sie müssen an den Reglern drehen und hören, welche Konfiguration besser klingt.

4. Vorläufige Balance. Wir stellen sofort alle Fader so ein, dass der Mix mehr oder weniger ausgewogen klingt. Wir lassen einen Spielraum von einigen Dezibel. Im Laufe des Mixings wird die Musik lauter werden. Wir wählen die Basis (Gesang, Schlagzeug, das wichtigste harmonische Instrument), der Rest wird stummgeschaltet (mute), um nicht zu stören. Wir stellen eine genauere Balance für die Basis ein.

5. Kick. Wir schalten alles außer Schlagzeug und Bass stumm. Bei der Kick fügen wir sofort 30 oder 60 Hz hinzu, vorzugsweise durch Emulation eines Eisen-Geräts. PulTec ist hier die klassische Option. Finden Sie einen Klick bei der Kick im Bereich von 1-5 kHz und passen Sie ihn nach Ihrem Geschmack an. Bei einer tiefen Kick können 100 Hz abgeschnitten werden, beim Bass hingegen können Sie etwas hinzufügen. Setzen wir einen Kompressor mit einstellbarem Attack ein und erhöhen wir den Attack, um die Kick kraftvoller zu machen.

6. Snair. Wir probieren die gleichen Frequenzen auf Snair aus. Wenn die Kraft nicht ausreicht, versuchen wir, 100, 250 oder 600 Hz anzuheben. Wenn die Helligkeit nicht ausreicht, probieren Sie verschiedene Frequenzen im oberen Mitteltonbereich (1-7 kHz) aus. Wir setzen auch einen Kompressor mit großem Attack ein. Wenn der Attack nicht ausreicht, können Sie versuchen, eine Art Transient Designer zu verwenden.

7. Hat. Beim Mischen von Musik im elektronischen Stil werden Becken normalerweise nicht verändert, da für sie sofort gute Samples ausgewählt werden. Sie können jedoch die tiefen Frequenzen ab 300 Hz abschneiden und die hohen Frequenzen herunterregeln, wenn sie zu stark zischen. Wenn Sie den Kompressor auf einen kleinen Attack einstellen, erhalten Sie einen spitzen, scharfen Bump, der manchmal einen guten Groove erzeugt.

8. Schlagzeuggruppe. Diese wird in der Regel nur mit einem großen Attack und einem kleinen Release komprimiert. Wenn gleichzeitig Kick und Snare stark unterdrückt werden, ist es besser, den Kompressor parallel zu mischen.

9. Bass. Der Bass wird in der Regel mit einem Teletronix LA-2A emuliert. Dieser sorgt sofort für die richtigen Attacken. Beim Mischen von Musik mit synthetischem Bass wird der Kompressor nur für eine leichte Übersteuerung und die Erzeugung von Obertönen benötigt. Wenn wir 30 Hz für die Kick erhöht haben, erhöhen wir 60 Hz für den Bass leicht. Hier muss man schauen, wo mehr Tiefen sind: bei der Kick oder beim Bass.

10. Synthesizer. Wenn es mehrere davon gibt, passen wir die Balance zwischen ihnen an und stellen sie dann auf das Niveau von Schlagzeug und Bass ein. Beim Mischen von Musik liegt die Hauptarbeit mit Synthesizern in ihrer Sättigung und Expansion. Hierfür eignen sich parallele Kompression, m/s-Entzerrung, Verzerrung und Sättigung. Was die Frequenzkorrektur angeht, können Sie versuchen, 250, 600 und 1500 Hz hinzuzufügen. Aber überprüfen Sie dies unbedingt mit den Vocals.

11. Gesang. Der wichtigste Punkt. Durch Kompression klingt der Gesang sofort schön. Sie können jedoch mehrere Kompressoren einsetzen, diese nach Gehör einstellen und durch Umschalten den am besten geeigneten finden. Bei jedem Gesang wird beim Abmischen von Musik ein Filter eingesetzt, der den unteren Bereich auf 60-90 Hz abschneidet. Dadurch werden mögliche Stampfen und Summen entfernt. Wir haben bereits die Gesangsfrequenzen betrachtet: Fülle bei 250 Hz, Präsenz bei 1,5 kHz, „s“ bei 7–8 kHz.

12. Hall. Normalerweise werden zur Verzierung ein rhythmisches Delay (Viertel, Triole oder Viertel mit Punkt) und mehrere Hall-Effekte mit unterschiedlichen Algorithmen und unterschiedlichen Längen (lange Platte, kurze Platte, Kammer, Raum) verwendet. Wir erstellen Tracks für sie, senden den Gesang und hören uns an, welcher am besten passt, und mischen ein wenig. Dann machen wir dasselbe mit Snair und Synthesizern.

Wenn Sie am Ende des Mixes nicht die gewünschte Dichte erreichen, kann Hall helfen, die Dinge ein wenig zusammenzufügen. Außerdem werden dadurch die Mängel des Gesangs geglättet. Für das Delay wird in der Regel eine Automatisierung vorgeschrieben, die seine Lautstärke in den Pausen erhöht, damit es diese rhythmisch ausfüllt. Kick und Bass werden in der Regel nicht bearbeitet. Andernfalls treten Verunreinigungen und Brummen auf. Erstellen Sie nicht zu viele Pläne. Zwei oder drei sind ausreichend.

13. Mastering. Dieser Prozess wird nicht als Musikmixing betrachtet, da hier bereits an dem fertigen Mix gearbeitet wird, der aus einem Track besteht. Normalerweise wird ein Song von einer anderen Person gemastert, nicht von derselben Person, die ihn gemischt hat. Hier sind frische Ohren und hochwertige Geräte erforderlich. Wenn es jedoch nicht möglich ist, einen Mastering-Ingenieur zu kontaktieren, können Sie versuchen, den Master-Kanal selbst zu bearbeiten.

Dazu benötigen Sie mindestens einen Limiter und einen Referenztrack. Mit Hilfe des Limiters bringen Sie die Lautstärke näher an den Referenzpegel. Dieses Gerät macht den Klang jedoch nicht nur lauter, sondern komprimiert auch den Dynamikbereich des Songs, d. h. es funktioniert wie ein Kompressor. Hier kann das Abmischen der Musik enden.

Neben dem Limiter gibt es jedoch viele komplexe VST-Plugins für die Arbeit mit dem Master-Bereich. Dazu gehören Softubes Drawmer S73 und das hochgelobte iZotope Ozone. Sie helfen dabei, einem Song Luft, Bass und Punch zu verleihen, parallele Kompression und EQ durchzuführen, Stereo zu erweitern, m/s-EQ durchzuführen und vieles mehr. Sie sollten jedoch immer die Ergebnisse Ihres Mixings mit den Ergebnissen Ihres Masterings vergleichen. Wenn es keine Verbesserung bringt, ist es besser, darauf zu verzichten.

Fazit

Wir haben die Grundlagen der Tontechnik herausgearbeitet, den Mixing-Prozess im Überblick durchlaufen und die Punkte umrissen, auf die man sich bei der Arbeit verlassen kann. Die Kunst des Musikmixings kann man nicht an einem Tag beherrschen. Es erfordert jahrelanges Training und Lernen. Aber jetzt können Sie ganz einfach einen Rough Mix erstellen.

Wenn Sie Informationen zu Plugins benötigen, finden Sie diese in einem anderen Artikel. Hier haben wir bewusst keine spezifischen Equalizer und Kompressoren analysiert, um deutlich zu machen: Guter Sound entsteht nicht durch Geräte, sondern durch Geschick und Gehör. Sie können einen Song sogar mischen, ohne Software auf Ihrem Computer zu installieren – Sie benötigen lediglich einen Internetzugang. Mit dem Online-Sequenzer können Sie sofort mit dem Mischen beginnen.

Warten Sie nicht auf die Gelegenheit, teure Hardware und Plugins zu kaufen. Denn gute Mixe entstehen vor allem durch Engagement. Wenn Sie sich für das Mischen von Musik interessieren, finden Sie im Internet unzählige Schulungsvideos. Beginnen Sie mit dem Üben, und in ein paar Wochen werden Sie sich dabei wie ein Fisch im Wasser fühlen.