Estructura de la canción

Las ideas del compositor son en sí mismas sólo la base para la composición futura, una especie de marco sobre el que se deben colocar los elementos principales. El verdadero trabajo comienza con el arreglo: convierte un conjunto de ideas musicales en una obra completa que puede cautivar al oyente y guiarlo a través de todas las ideas del autor. Cuanto más interesante y agradable sea este camino musical, más probable será que el oyente quiera volver a esta canción una y otra vez.

Un arreglo se puede comparar con un mapa a partir del cual se crea una canción. Este mapa a menudo incluye soluciones y rutas probadas en el tiempo que compositores y arreglistas utilizan una y otra vez. Esto no significa que aborden el tema de manera formulaica; al contrario, estas estructuras y fórmulas han sido probadas por muchos éxitos y continúan funcionando, ayudando a crear nuevas obras maestras musicales.

Estructura típica de una canción en la música popular

Para entender cómo funciona la estructura típica de una canción, es importante entender sus partes básicas. Normalmente, una canción consta de los siguientes ocho elementos:

• Introducción/Introducción;
• Versículo;
• Pre-Coro/Puente;
• Coro;
• Post-Coro/Etiqueta;
• Interludio;
• Romper;
• Fuera.

No todas estas partes están necesariamente presentes en cada composición, y algunas pueden repetirse varias veces dependiendo de la intención del compositor y de la carga semántica que llevan.

Introducción

La introducción de una canción es la parte que llega primero al oyente. Su objetivo principal es preparar al público para la composición y conducirlo sin problemas al primer verso. La percepción general de toda la canción depende en gran medida de lo interesante y emocionante que sea la introducción. Si la introducción llama la atención de inmediato, la probabilidad de que el oyente escuche la pista hasta el final aumenta significativamente.

A menos que estés trabajando en los géneros de rock progresivo o metal matemático, intenta no alargar demasiado la introducción para no cansar al oyente.

En cuanto al contenido, la introducción puede ser variada, todo depende de la creatividad del autor. Puede constar de uno o dos elementos de la pista principal, como melodía y batería o bajo y teclados, o repetir la estructura del estribillo. La duración de la introducción también varía según la idea del compositor, pero suele durar 2, 4 u 8 compases.

Versículo

Un verso es la parte semántica central de cualquier canción, donde se revela el texto principal y se coloca el mensaje informativo de la composición. El verso no sólo transmite la idea principal, sino que también prepara al oyente para las siguientes partes de la canción.

A diferencia del coro o puente, el texto del verso suele cambiar de uno a otro, añadiendo variedad y profundidad a la narración. Sin embargo, no es necesario seguir estrictamente esta regla: hay muchas canciones maravillosas en la historia de la música donde los versos son simples y repetitivos, pero al mismo tiempo siguen siendo efectivos y memorables.

Un ejemplo de estructura y arreglo de una canción podría verse así: la composición comienza con una introducción, seguida de dos versos, luego cuatro estribillos que se repiten, seguidos de un interludio solista o instrumental, y la canción termina con una salida. La duración de la pista es de aproximadamente 3 minutos y 30 segundos, lo que permite una composición rica y dinámica que mantiene la atención del oyente de principio a fin.

Pre-coro/puente

El puente, también conocido como pre-estribillo, sirve de enlace entre la estrofa y el estribillo. Dado que el estribillo suele ser la parte más memorable y emotiva de la canción, el puente ayuda a suavizar la transición del verso al estribillo al reducir el contraste entre ellos.

Si la armonía de la estrofa y el estribillo se basa en los mismos acordes, el puente puede agregar variedad cambiando la progresión de acordes y agregando elementos musicales nuevos. Desde la perspectiva del oyente, el pre-estribillo hace que la composición sea más interesante y dinámica, preparándose para el clímax del estribillo.

Coro (Estribillo)

El coro es una de las partes culminantes clave de la canción, que debe ser memorable pero no intrusivo. Lo óptimo es incluir de 2 a 4 coros de diferente duración en la composición. Al ser el estribillo la parte más repetida del tema, concentra las principales ideas líricas y musicales, y además contiene el mensaje principal de la canción y el gancho musical que atrae la atención del oyente.

Es importante no sobrecargar la composición con estribillos repetidos. Después de todo, estamos creando algo único, y no un éxito típico que llama la atención sólo por su intrusión.

Como regla general, el primer estribillo consta de 8 compases, creando una única repetición. El segundo coro puede duplicarse, ocupar 16 compases e incluir pequeños cambios para mantener el interés. El estribillo final, que aparece al final de la canción, puede variar de 16 a 32 compases. Sin embargo, por experiencia, es mejor limitarse a un número menor de estribillos al final de la composición para mantener su dinámica y el interés del oyente.

Post-Coro/Etiqueta

A veces, la última línea de un estribillo puede extenderse más allá de los compases que se le han asignado, lo que puede ser un problema, especialmente si la letra de la siguiente sección de la canción, como un verso, comienza con una pastilla. Para evitar la superposición de palabras y garantizar una transición suave entre las secciones de la composición, los compositores y arreglistas suelen añadir un descanso de 2 a 4 compases. Esto permite al vocalista tomar un breve descanso antes de continuar la canción y hace que la narrativa musical sea más fluida.

El post-estribillo, al igual que el pre-estribillo, puede adoptar cualquier forma: desde una repetición de elementos del estribillo o una introducción con un simple canto de los coristas hasta una pausa instrumental o una variación de la melodía principal. Todo depende de la intención creativa del arreglista y compositor, así como de la atmósfera que quieran crear en la canción.

¿Qué es la música popular?

Cuando hablamos de música popular suele haber confusión, y muchos creen que hablamos exclusivamente de música pop. Sin embargo, esta es una idea errónea. Los términos “Música Popular” y “Música Pop” no son sinónimos y se refieren a géneros musicales diferentes.

La música pop se refiere a un género específico que se caracteriza por la facilidad de percepción, melodías simples y un enfoque en la audiencia masiva.

Al mismo tiempo, el término “música popular” cubre una amplia gama de estilos musicales que son populares entre una amplia audiencia, pero que no están necesariamente asociados con el género pop. Esto incluye rock, fusión, ritmo y blues, industrial, disco, rock and roll, reggae, nu metal, alternativo y muchos otros estilos. Así, la música popular es una variedad de estilos dirigidos a un público masivo.

Puente (Medio 8)

En la música occidental, el puente hacia el final de una canción a menudo se llama Middle 8, que se traduce literalmente como "ocho medio". A veces los músicos también llaman al Middle 8 el puente. Esta parte de la composición suele estar destinada a la sección instrumental: aquí se pueden escuchar solos o partes alteradas y melodías, añadiendo dinámica y variedad.

El objetivo principal de Middle 8 es crear un clímax para la composición antes del último estribillo o pausa. A lo largo de la canción, la dinámica y la energía aumentan gradualmente, alcanzando su punto máximo en este puente. Como su nombre indica, su longitud suele ser de 8 compases, aunque también están disponibles versiones más largas.

Romper

Después de la introducción, a veces se inserta una breve pausa, llamada pausa (del inglés Break – interrupción, pausa). La pausa sirve para dar un breve respiro al oyente. La saturación constante de la composición puede resultar agotadora y la pausa ayuda a equilibrar la energía de la canción.

La presencia de una pausa y una introducción depende del contexto. Si la composición tiene un solo, entonces es lógico utilizar una pausa tranquila para crear un contraste. Sin embargo, nadie prohíbe añadir otra introducción instrumental o vocal después del solo o incluso volver a la estrofa.

La pausa suele ser minimalista y se basa en los mismos acordes y melodía que el estribillo. En ocasiones puede actuar como un pequeño pre-estribillo antes del estribillo final. La duración de la pausa varía de 4 a 16 compases.

Outro

El outro o outro es la parte final de la canción. Puede hacerse eco de la introducción o ser todo lo contrario. El outro puede consistir en varias repeticiones del estribillo con un desvanecimiento gradual (Fade Out) o ser completamente único y diferente a otras partes de la composición.

Es importante no alargar el final: si es demasiado largo, el oyente puede cansarse y empezar a pensar: “¿Cuándo terminará esto?” El final dependerá de la naturaleza de toda la canción. En temas enérgicos, puede ser apropiado finalizar la composición repitiendo los estribillos, y en baladas se pueden utilizar otros acordes para crear un acento final. En última instancia, la elección de la salida queda en manos del compositor.

La estructura final de una canción en la música popular.

La canción se puede visualizar como un gráfico, donde el movimiento de la música y su dinámica se asemejan a una parábola, con subidas y bajadas alternas de tensión.

A lo largo de la composición, la energía musical aumenta gradualmente, alcanza su punto máximo en el clímax y luego disminuye suavemente hacia el final, creando una conclusión armoniosa. Este gráfico muestra claramente cómo la música lleva al oyente a través de picos y valles emocionales, haciendo que cada parte de la canción sea significativa e interconectada.

parte de la cancion	longitud posible
Introducción	2-8 barras
Versículo	8-32 barras
Pre-coro/Puente	2-16 barras
Coro	8-16 barras
Post-estribillo/Etiqueta	2-4 barras
Puente	8 compases (a veces 16)
Romper	4-16 barras
Outro	2-4 barras

No debes hacer que todas las partes de la canción futura tengan la misma duración, por ejemplo, 32 compases cada una; cada elemento de la composición tiene su propia duración óptima que debes tener en cuenta. Cada canción es única y requiere un enfoque individual, por lo que es importante no sobrecargar el arreglo y no intentar incluir en él todos los elementos posibles. Una distribución equilibrada de las partes mantendrá el interés del oyente y creará una estructura armoniosa de la composición.

Estructura típica de una canción en música electrónica.

A diferencia de la música popular, la estructura de las pistas electrónicas tiene sus propias características. Una de las razones de esto es la influencia de los formatos de radio, donde las pistas deben encajar en un tiempo de transmisión determinado, lo que excluye el uso de mezclas interminables.

Además, los arreglos de danza y música electrónica deben brindar comodidad a los bailarines. Las secciones largas de estas pistas se alternan con otras cortas para que los bailarines tengan la oportunidad de descansar. Normalmente, una composición de danza consta de siete partes clave:

• Ritmo introductorio;
• Descomponer;
• Acumulación;
• Gota;
• descanso medio;
• Segunda caída;
• Golpe final.

Un ejemplo de una estructura tan típica es el tema “United We Dance” de Vicetone, que ilustra bien cómo se construyen exactamente los elementos en la música electrónica, dance y de club.

Esta es una sección que consta de dieciséis o más compases de batería o percusión. Los rasgos característicos de la introducción en la música electrónica son el minimalismo en el uso de instrumentos, el énfasis en el ritmo y la aparición gradual y pausada de la melodía principal. El objetivo principal del ritmo de introducción es brindarle al DJ la oportunidad de mezclar suave y cuidadosamente la nueva pista con la anterior, manteniendo la armonía del setlist.

Descomponer

Una ruptura es el momento en que la composición vuelve a sus elementos principales. En esta sección, la batería suele estar completamente ausente, lo que crea más espacio para otros componentes musicales. La ruptura suele incluir la línea melódica principal de la pista, que gradualmente se intensifica y se cubre con instrumentos adicionales, aumentando la densidad del sonido. La duración de la avería puede variar: de 16 a 32 bares o más.

Acumulación

La preparación sirve como preparación para el coro, similar al pre-coro en la música popular. Esta sección de la composición genera tensión gradualmente debido a la aceleración de las partes de batería y el uso de bandas: sonidos de sintetizador que aumentan suavemente en volumen y tono, convirtiéndose en el elemento central del arreglo.

Gota

Un drop es la culminación de una pista, similar a un estribillo en la música popular. Su objetivo es causar una fuerte impresión en el oyente con ritmos poderosos, un bajo potente, un ritmo denso y un gancho de sintetizador brillante, que es el tema musical principal de toda la pista.

descanso medio

Una pausa intermedia es la parte central de la composición y contiene elementos musicales únicos que no van más allá de la melodía principal. Esta sección se utiliza a menudo para realizar una transición suave a la siguiente preparación, que suele ser más corta que la primera. Una pausa intermedia puede ser una variación del tema de la primera ruptura o caída, pero a menudo difiere de otras partes de la pista, aportando nuevas ideas y cambios en el sonido.

Esta pista comenzará con un estribillo, creando el ambiente y la energía de inmediato. Después de eso, seguirán dos versos diferentes, cada uno de los cuales aportará nuevos elementos y variedad a la historia de la canción. En medio de la composición, se insertará un interludio solista o instrumental para agregar dinámica y profundidad al sonido. La pista terminará con varias etiquetas: breves interludios que vienen inmediatamente después del estribillo, que mejorarán el efecto y fijarán las ideas musicales clave de la composición en la memoria del oyente.

Segunda caída

La segunda gota suele tener una estructura y energía similar a la primera, pero incluye algunos cambios que añaden variedad a la composición. Estas diferencias pueden ser en forma de un gancho diferente, una nueva línea de bajo o un ritmo modificado, lo que ayuda a refrescar el sonido y mantener al oyente interesado.

Ritmo final

Al igual que el ritmo de introducción, el ritmo de salida juega un papel importante en la música dance, ya que ayuda al DJ a mezclar suavemente la pista final con la siguiente del set. Por eso esta parte de la composición suele ser la más larga, proporcionando el espacio necesario para la transición.

Estructura de la canción Outro en música electrónica

Para adaptarse al formato de radio, se editan las versiones originales de los temas del club, que pueden durar de 5 a 10 minutos. Como resultado, todas las partes de la composición se acortan para que la pista final no exceda los 3-4 minutos. Esto permite una estructura más compacta, similar a una canción pop estándar, manteniendo los elementos clave y la energía del original.

Parte de la canción	longitud posible
Ritmo de introducción	desde 16 barras
Descomponer	16-32 barras
acumulación	16-32 barras
Gota	16 barras
descanso medio	16-32 barras
Segunda caída	16-32 barras
Ritmo final	desde 16 barras

Formas básicas de estructura de canciones: ABA, AABA, AAA y ABABCB

Al planificar un arreglo, los compositores y arreglistas suelen recurrir al uso de una de cuatro formas comunes: ABA, AABA, AAA y ABABCB.

La forma ABA es la estructura de canción más popular. Cuando la gente habla del patrón estándar verso-coro-verso, normalmente se refieren a la forma ABA. Un rasgo característico de esta forma es la presencia de dos secciones idénticas (A) y una sección contrastante (B). El contraste en la sección B se crea cambiando la armonía, el tono, el ritmo o cambiando el estado de ánimo general de la música. En forma ABA, las secciones A y B pueden ser cualquier parte de la canción: estrofas, estribillos, puentes o solos.

Si imagina la estructura de una canción en forma ABA, podría verse como una de las siguientes:

Versículo 1 (A)	Coro 1 (A)
Coro (B)	Interludio (B)
Versículo 2 (A)	Coro 2 (A)
Coro 2 (A)	Versículo 1 (A)
Descanso (B)	Pre-coro (B)
Coro 3 (A)	Versículo 2 (A)

Un gran ejemplo de la forma ABA es el clásico de jazz "I Got Rhythm" de George Gershwin. En esta composición, las secciones de La se tocan en clave de si bemol, con dos acordes por compás, lo que le da energía y dinámica a la música. En la sección B, la tonalidad cambia, el ritmo se ralentiza: un acorde se extiende a lo largo de dos compases y la música se vuelve menos dinámica, creando un contraste con las secciones A.

La forma AABA es un desarrollo del esquema ABA. En esta estructura, la sección A se repite dos veces, luego hay una transición a una sección B contrastante, después de lo cual la composición vuelve a la sección A. Este enfoque le permite crear una composición con un tema principal claramente expresado y un medio contrastante. La estructura de una canción según el esquema AABA podría verse así: A (introducción) – A (repetición) – B (contraste) – A (regreso al tema principal).

Versículo 1 (A)	Coro 1 (A)
Versículo 2 (A)	Coro 2 (A)
Coro (B)	Puente (B)
Versículo 3 (A)	Coro 3 (A)
Coro 2 (A)	Versículo 1 (A)
Coro 3 (A)	Versículo 2 (A)
Descanso (B)	Precoro (B)
Coro 3 (A)	Versículo 3 (A)

Aunque la forma AABA comienza con dos secciones A idénticas, esto no significa que tengan que ser idénticas. Los compositores y arreglistas suelen realizar ligeros cambios en la armonía, la melodía o la instrumentación a medida que avanza la sección para mantener el interés del oyente. A veces los cambios se limitan a partes individuales de la melodía, haciéndolas más expresivas. También es común ver una combinación de formas ABA y AABA, donde elementos de ambas estructuras se entrelazan para crear variedad en la composición.

La forma AAA implica el uso de tres secciones idénticas, ya sean versos o estribillos, con menores variaciones armónicas o melódicas. Esto permite una composición cohesiva con cambios mínimos, manteniendo al mismo tiempo el interés del oyente.

La forma ABABCB ofrece una estructura más compleja. El compositor comienza con un patrón estándar de estrofa-estribillo-estrofa-estribillo, luego agrega una sección C, que puede ser un puente, un solo o una pausa. Luego, la composición regresa al coro, creando una combinación equilibrada de repetición y novedad.

Estructura de la canción de The Beatles – De vuelta en la URSS

La canción "Back in the URSS" de The Beatles fue escrita como una especie de respuesta al éxito de Chuck Berry "Back in the USA". Creada en 1968, esta composición todavía suena relevante y moderna hoy. La canción apareció durante el período en que el Primer Ministro británico, Harold Wilson, lanzó una campaña política bajo el lema "Estoy respaldando a Gran Bretaña". Este lema apareció ampliamente en carteles de campaña en todo el país. Paul McCartney, inspirado por esta campaña, ideó la frase “Estoy respaldando (de vuelta) a la URSS”, que se convirtió en una especie de respuesta satírica a las ideas políticas que dominaban la sociedad inglesa en ese momento. El público británico apreció la ironía de McCartney, pero el chiste resultó incomprensible para muchos oyentes en Estados Unidos. La composición fue escrita por Paul McCartney en colaboración con John Lennon y abre el famoso álbum de dos discos sin título de The Beatles de 1968, también conocido como “The White Album”.

La peculiaridad de “Back in the URSS” es su arreglo clásico para música pop y rock. La canción está interpretada en clave de do menor, con un tempo de 120 latidos por minuto y un tamaño de 4/4.

Dado que YouTube a menudo tiene problemas con la publicación de canciones de los Beatles, en lugar de la versión de estudio, sugerimos ver una interpretación en vivo de la composición de Paul McCartney en Moscú en 2002. Sin embargo, en la siguiente discusión, hablaremos sobre la grabación de estudio.

0:00. Introducción

La canción comienza con el sonido característico de un avión aterrizando, seguido de una introducción de 4 compases en el acorde E7. Después de estos cuatro compases, el acorde A suena en el tiempo fuerte, pasando suavemente al primer verso.

0:15. Verso 1

Cuando Paul McCartney comienza a cantar sobre una noche de insomnio y un vuelo desde Miami, la canción acelera el ritmo. El primer verso consta de 8 compases, divididos en dos bloques de 4 compases, construidos sobre los acordes A, D, C, D.

0:28. Coro 1

El coro consta de seis compases, algo inusual en la música pop. Los primeros tres compases están construidos sobre los mismos acordes que el verso (A, C, D), y aquí aparece el gancho vocal con la frase “¡De vuelta en la URSS!”. Los siguientes tres compases llevan suavemente al oyente al segundo verso, que repite la estructura y armonía del primero.

0:52. Coro 2

Después del segundo verso, la canción vuelve a pasar al estribillo, que es estructural y armónicamente idéntico al primero. Aquí se repite el mismo gancho vocal y el mismo riff de guitarra principal. Sin embargo, la duración del segundo estribillo es ligeramente diferente: consta de 7,5 compases: 7 compases en 4/4 y 1 compás en 2/4.

1:04. Post-coro y descanso

En el minuto 1:04 comienza el post-estribillo, que es una nueva sección de la canción. Esta parte se basa en armonías y coros al estilo de The Beach Boys e incluye la progresión de acordes D, A, D, Bm7, E7, D7, A, A. El post-estribillo consta de ocho compases, seguidos de dos -Pausa de compás en los acordes La y Mi, preparando la transición al solo de guitarra.

1:21. Solo de guitarra

El solo de guitarra sigue la melodía vocal y se apoya en los acordes de las estrofas. Esta sección es similar a los versos y estribillos anteriores: los 8 compases del verso pasan suavemente a un coro de seis compases y terminan con otro post-estribillo de 10 compases.

2:01. Verso 3

El último verso es idéntico a los anteriores, pero con la adición de una parte de guitarra solista que toca el acorde de La. El tercer verso pasa a otro coro de seis compases.

2:25. Outro

El final de “Back in the URSS” se basa en un riff de blues con un acorde de La y armonías vocales de acompañamiento con un canto repetido de “Woo-ooo-oo”. La última sección consta de 6 compases y se repite hasta que aparece el sonido de un avión aterrizando en el minuto 2:40, finalizando la composición.

La estructura final de la canción The Beatles – Back in the URSS

Parte de la canción	Longitud
Introducción	4 barras
Verso 1	8 barras
Coro 1	6 barras
Verso 2	8 barras
Coro 2	7,5 barras
Post-coro	8 barras
Romper	2 barras
Solo de guitarra	24 barras
Verso 3	8 barras
Coro 3	6 barras
Outro	6 barras

Estructura de la canción 2Pac hazaña. Dr. Dre - Amor de California

Dr. Dre es uno de los productores musicales más influyentes de nuestro tiempo. Su talento único y su enfoque de los arreglos convirtieron al grupo de hip-hop NWA en verdaderos ídolos de millones. Gracias a Dre, se hizo evidente que la música creada por artistas negros puede ser no sólo popular, sino también comercialmente exitosa entre una amplia audiencia.

Los músicos que han trabajado con Dr. Dre suelen notar su perfeccionismo. No lanza una canción hasta que está absolutamente seguro de su calidad. A veces, trabajar en una composición puede llevar meses o incluso años, pero el resultado final siempre cumple con las expectativas, creando verdaderos éxitos.

Sin embargo, la famosa canción "California Love" fue creada por Dre en 1995 en tan solo unas pocas semanas. Inicialmente, esta canción fue preparada para su álbum en solitario "The Chronic II: A New World Odor (Poppa's Got A Brand New Funk)", pero por varias razones el álbum nunca se completó. Al mismo tiempo, en 1995, Tupac Shakur, un amigo cercano de Dre, salió de prisión. Queriendo celebrar este evento y apoyar a Tupac, Dre decidió utilizar una pista de acompañamiento de larga data y, junto con Roger Troutman, comenzó a trabajar en una pista que pronto se convertiría en el legendario "California Love".

La canción fue lanzada en octubre de 1995 en el primer álbum de Tupac, "All Eyez on Me". El sencillo subió instantáneamente a la cima de todas las listas estadounidenses y mantuvo el liderazgo durante aproximadamente dos semanas. Posteriormente, el tema fue nominado a varios premios Grammy y se convirtió en uno de los mejores discos de G-Funk.

La base de “California Love” fue una muestra de teclado reelaborada de una canción poco conocida de Joe Cocker, “Woman To Woman”. La composición está escrita en clave de si bemol mayor, con un solo acorde, el tamaño es 4/4 y el tempo es de 92 pulsaciones por minuto.

0:00. Introducción

La canción comienza con Roger Troutman cantando la frase "California Love" en un talkbox. A las 0:03, el ritmo comienza y durante los siguientes cuatro compases, aparecen la batería, el bajo, los teclados y una sección de metales, tocando el tema musical principal de la canción. Estos cuatro compases preparan el escenario para el resto de la canción, con el tema del teclado permaneciendo constante a lo largo de la pista y los otros elementos musicales apareciendo y desapareciendo del arreglo.

0:13. Coro 1

Después de cuatro compases de introducción, la sección de metales se desvanece, dando paso a voces procesadas que llevan el coro durante los siguientes 12 compases. Una de las características clave del coro son los sintetizadores brillantes que suenan al comienzo de cada compás, acentuando el acorde principal de la pista (si bemol mayor) y enfatizando su clave. El coro pasa suavemente al primer verso, que comienza con un movimiento ascendente de los instrumentos de metal.

0:45. Verso 1

El primer verso dura 16 compases, durante los cuales Dr. Dre rapea su letra. Se agregan silbidos al arreglo y los primeros ocho compases conservan los elementos presentes en la introducción. Los segundos ocho compases se complementan con nuevas partes de sintetizador y un canto vocal, creando un sonido más rico.

1:27. Coro 2

El segundo estribillo es similar al primero, pero con una serie de cambios: aparecen frases vocales adicionales y coros femeninos. La transición a la siguiente parte de la composición vuelve a estar indicada por instrumentos de metal.

1:58. Puente

Después del segundo estribillo, comienza el puente en lugar del verso esperado. En las palabras “Shake, shake it, baby” se escucha un riff y un ritmo de teclado, complementados con los sonidos de los truenos en cada compás. Este puente tiene una duración de ocho compases, creando un contraste con las partes anteriores de la composición.

2:19. Verso 2

El segundo verso es idéntico al primero tanto en duración como en instrumentación, pero la letra la canta 2Pac, lo que aporta nueva energía y dinámica a la pista.

3:01. Coro 3

El tercer estribillo coincide con los anteriores y pasa suavemente a otro interludio, similar al que sonó después del segundo estribillo.

3:54. Outro

A partir del minuto 3:54, la canción comienza a avanzar hacia su final. El sonido de los instrumentos se desvanece gradualmente y el arreglo se vuelve menos saturado. El outro es un bucle de 20 compases que consta de elementos de la estrofa y el estribillo, con una repetición constante de la línea principal de la canción, que lleva gradualmente al oyente hasta el final de la composición.

Estructura final de la canción 2Pac feat. Dr. Dre - Amor de California

Parte de la canción	Longitud
Introducción	Barra + 4 barras
Coro 1	12 barras
Verso 1	16 barras
Coro 2	12 barras
Puente 1	8 barras
Verso 2	16 barras
Coro 3	12 barras
Puente 2	8 barras
Outro	8 barras

El arreglo de “California Love” está hecho de tal manera que es difícil separar las partes individuales de la canción entre sí: su sonido es monolítico y un poco monótono, creando una sensación de flujo suave y continuo sin estructura estructural obvia. límites.

Además, “California Love” destaca por su inusual estructura. En lugar del esquema estándar "Intro-estrofa-estribillo-estrofa-estribillo", aquí se utiliza un enfoque más original: "Intro-estribillo-estrofa-estribillo-puente". Esta estructura desordenada añade dinamismo y originalidad a la composición, haciéndola única en comparación con las construcciones musicales tradicionales.

Estructura de la canción Martin Garrix – Animales

“Animals” de Martin Garrix, lanzado en 2014, se convirtió instantáneamente en un éxito y se aseguró un lugar en la cima de las listas mundiales. A pesar de su popularidad, la canción tiene un arreglo típico del género: el énfasis principal está en un poderoso ritmo de 4/4 y un pegadizo riff de percusión que anima cualquier pista de baile.

La canción está escrita en clave de fa menor, con un tempo de 128 latidos por minuto, que es estándar para muchas pistas de baile.

Puede resultar difícil encontrar la mezcla original de 5:04 en YouTube, por lo que se adjunta al material un videoclip con una versión de radio de la canción. Tenga en cuenta que es posible que los horarios no coincidan con la versión original. Si alguien tiene un enlace a la versión completa de la composición, nos alegraría que lo compartiera en los comentarios.

0:00. Ritmo de introducción

La composición comienza con una introducción minimalista, donde los primeros 16 compases están dominados por el kick and ride, que recuerda a un metrónomo. Junto al ritmo suena un sintetizador arpegiado, cuyo sonido está abundantemente procesado con reverberación. Un aumento gradual en la fuerza y ​​potencia del sintetizador lleva suavemente al oyente al siguiente segmento de la composición.

0:30. Introducción al bajo

En esta etapa entra un bajo grave, que se basa en los golpes rítmicos del bombo. El sintetizador arpegiado pasa a un segundo plano y aparece un nuevo sintetizador en la mezcla, fortaleciendo gradualmente su sonido. Hacia el final de esta introducción, se puede escuchar un golpe invertido en el platillo, lo que añade dramatismo antes de la transición.

1:00. Mini descanso

Esta breve pausa de cuatro compases sirve como una especie de pausa, durante la cual el arreglo se congela casi por completo. Los únicos sonidos son el tictac de un reloj, una línea de bajo que se desvanece gradualmente y el golpe de un platillo. Este momento prepara al oyente para que aparezca la línea melódica principal.

1:08. Desglose 1

El tictac de un reloj se va transformando poco a poco en una parte de percusión. Después de ocho compases de suave melodía, un sintetizador agresivo entra en la composición, repitiendo el tema principal con acordes potentes. Estos sintetizadores se apoyan en golpes de caja y aplausos, que acentúan cada tiempo del compás.

1:37. acumulación

La preparación de ocho compases alcanza un pico de tensión, preparando la composición para el descenso. Golpes acelerados de caja, un riff de sintetizador y ráfagas de sonidos láser conducen a un clímax, que termina con una muestra vocal.

1:53. Gota 1

El primer drop ofrece una solución interesante: en lugar de utilizar la línea melódica principal, Garrix introduce un nuevo riff, que se apoya en un ritmo potente y referencias al tema principal de la composición.

2:30. Desglose 2

Después de otra mini pausa de cuatro compases, el sintetizador vuelve a la mezcla, tocando el tema principal de la pista. Como antes, la avería pasa suavemente a otra acumulación.

3:15. Gota 2

La segunda caída es casi idéntica a la primera, pero su duración aumenta en 16 compases. Después de los primeros ocho compases, vuelve a sonar la muestra vocal, a la que se añaden acordes de sintetizador.

3:58. Outro

Después de una breve inserción con el tictac del reloj, el arreglo vuelve a los elementos de la introducción. A medida que se acerca el final, el sonido de la composición se vuelve más suave y sutil. En los momentos finales del tema, el sintetizador arpegiado vuelve a pasar a primer plano, creando un contraste entre el principio y el final.

Estructura final de la canción Martin Garrix — Animales

Sección de canciones	Longitud
Ritmo de introducción	Barra + 4 barras
Introducción al bajo	12 barras
Mini descanso 1	4 barras
Desglose 1	12 barras
Construir 1	8 barras
Gota 1	16 barras
Mini descanso 2	4 barras
Desglose 2	8 barras
Construir 2	8 barras
Gota 2	32 barras
Outro	32 barras