Structure de la chanson

Les idées du compositeur ne sont en elles-mêmes que la base de la future composition, une sorte de cadre sur lequel doivent être posés les principaux éléments. Le véritable travail commence par l'arrangement – ​​il transforme un ensemble d'idées musicales en une œuvre complète qui peut captiver l'auditeur et le guider à travers toutes les idées de l'auteur. Plus ce chemin musical est intéressant et agréable, plus l'auditeur aura probablement envie de revenir encore et encore sur cette chanson.

Un arrangement peut être comparé à une carte à partir de laquelle une chanson est créée. Cette carte comprend souvent des solutions et des itinéraires éprouvés que les compositeurs et arrangeurs utilisent encore et encore. Cela ne signifie pas qu’ils abordent le sujet de manière formelle – au contraire, ces structures et formules ont été testées par de nombreux succès et continuent de fonctionner, contribuant à créer de nouveaux chefs-d’œuvre musicaux.

Structure typique des chansons dans la musique populaire

Pour comprendre le fonctionnement d’une structure typique d’une chanson, il est important d’en comprendre les éléments de base. En règle générale, une chanson se compose des huit éléments suivants :

• Introduction/Intro ;
• Verset;
• Pré-refrain/pont ;
• Refrain;
• Post-refrain/tag ;
• Interlude;
• Casser;
• Sortie.

Toutes ces parties ne sont pas nécessairement présentes dans chaque composition, et certaines peuvent être répétées plusieurs fois selon l'intention du compositeur et la charge sémantique qu'elles portent.

Introduction

L'intro d'une chanson est la partie qui atteint en premier l'auditeur. Son objectif principal est de préparer le public à la composition et de le conduire en douceur au premier couplet. La perception globale de la chanson entière dépend en grande partie de l’intérêt et de l’excitation de l’intro. Si l'intro attire immédiatement l'attention, la probabilité que l'auditeur écoute le morceau jusqu'à la fin augmente considérablement.

À moins que vous ne travailliez dans le genre rock progressif ou math metal, essayez de ne pas faire une intro trop longue, pour ne pas fatiguer l'auditeur.

En termes de contenu, l’intro peut être variée – tout dépend de la créativité de l’auteur. Il peut être constitué d'un ou deux éléments de la piste principale, comme la mélodie et la batterie ou la basse et les claviers, ou répéter la structure du refrain. La longueur de l'intro varie également selon l'idée du compositeur, mais elle prend généralement 2, 4 ou 8 mesures.

Verset

Un couplet est la partie sémantique centrale de toute chanson, où le texte principal est révélé et le message informatif de la composition est posé. Le couplet transmet non seulement l'idée principale, mais prépare également l'auditeur aux parties suivantes de la chanson.

Contrairement au refrain ou au pont, le texte du couplet change généralement de l'un à l'autre, ajoutant de la variété et de la profondeur au récit. Cependant, le strict respect de cette règle n’est pas nécessaire – il existe de nombreuses chansons merveilleuses dans l’histoire de la musique où les couplets sont simples et répétitifs, mais restent en même temps efficaces et mémorables.

Un exemple de structure et d'arrangement de chanson pourrait ressembler à ceci : la composition commence par une intro, suivie de deux couplets, puis de quatre refrains répétitifs, suivis d'un interlude solo ou instrumental, et la chanson se termine par une outro. La durée du morceau est d'environ 3 minutes et 30 secondes, ce qui permet d'obtenir une composition riche et dynamique qui retient l'attention de l'auditeur du début à la fin.

Pré-refrain/pont

Le pont, également appelé pré-refrain, sert de lien entre le couplet et le refrain. Étant donné que le refrain est généralement la partie la plus mémorable et la plus émouvante de la chanson, le pont aide à faciliter la transition du couplet au refrain en réduisant le contraste entre eux.

Si l'harmonie du couplet et du refrain est basée sur les mêmes accords, le pont peut ajouter de la variété en modifiant la progression des accords et en ajoutant de nouveaux éléments musicaux. Du point de vue de l'auditeur, le pré-refrain rend la composition plus intéressante et dynamique, préparant le point culminant du refrain.

Chœur (Refrain)

Le refrain est l’une des parties culminantes clés de la chanson, qui doit être mémorable mais pas intrusive. Il est optimal d'inclure 2 à 4 chœurs de différentes longueurs dans la composition. Puisque le refrain est la partie la plus répétée du morceau, il concentre les principales idées lyriques et musicales, et contient également le message principal de la chanson et l'accroche musicale qui attire l'attention de l'auditeur.

Il est important de ne pas surcharger la composition avec des refrains répétés. Après tout, nous créons quelque chose d’unique, et non un hit typique qui attire l’attention uniquement par son caractère intrusif.

En règle générale, le premier refrain se compose de 8 mesures, créant une seule répétition. Le deuxième refrain peut doubler, occupant 16 mesures et incluant de petits changements pour maintenir l'intérêt. Le refrain final, apparaissant à la fin de la chanson, peut varier de 16 à 32 mesures. Cependant, par expérience, il vaut mieux se limiter à un plus petit nombre de refrains à la fin de la composition afin de conserver sa dynamique et son intérêt pour l'auditeur.

Post-refrain/tag

Parfois, la dernière ligne d'un refrain peut s'étendre au-delà des mesures qui lui sont imparties, ce qui peut poser problème, surtout si les paroles de la section suivante de la chanson, comme un couplet, commencent par un micro. Pour éviter les chevauchements de mots et assurer une transition en douceur entre les sections de la composition, les compositeurs et les arrangeurs ajoutent souvent un silence de 2 à 4 mesures. Cela permet au chanteur de faire une courte pause avant de continuer la chanson et rend le récit musical plus fluide.

Le post-refrain, comme le pré-refrain, peut prendre n'importe quelle forme : depuis une répétition d'éléments du refrain ou une introduction avec un simple chant des choristes jusqu'à un break instrumental ou une variation de la mélodie principale. Tout dépend de l'intention créative de l'arrangeur et du compositeur, ainsi que de l'atmosphère qu'ils souhaitent créer dans la chanson.

Qu'est-ce que la musique populaire ?

Quand on parle de musique populaire, il y a souvent confusion, et beaucoup pensent qu’il s’agit exclusivement de musique pop. Cependant, c’est une idée fausse. Les termes « Musique Populaire » et « Musique Pop » ne sont pas synonymes et font référence à des genres musicaux différents.

La musique pop fait référence à un genre spécifique qui se caractérise par une perception facile, des mélodies simples et une concentration sur le public de masse.

Dans le même temps, le terme « musique populaire » couvre un large éventail de styles musicaux populaires auprès d'un large public, mais qui ne sont pas nécessairement associés au genre pop. Cela inclut le rock, la fusion, le rythme et le blues, l'industriel, le disco, le rock and roll, le reggae, le nu metal, l'alternatif et bien d'autres styles. Ainsi, la musique populaire est une variété de styles destinés au grand public.

Pont (Milieu 8)

Dans la musique occidentale, le pont vers la fin d’une chanson est souvent appelé Middle 8, ce qui se traduit littéralement par « middle huit ». Parfois, les musiciens appellent aussi Middle 8 le pont. Cette partie de la composition est généralement destinée à la section instrumentale : des solos ou des parties et mélodies modifiées peuvent être entendues ici, ajoutant de la dynamique et de la variété.

Le but principal du Middle 8 est de créer un point culminant pour la composition avant le dernier refrain ou break. Tout au long de la chanson, la dynamique et l'énergie augmentent progressivement, atteignant leur apogée dans ce pont. Comme son nom l'indique, sa longueur est généralement de 8 mesures, bien que des versions plus longues soient également disponibles.

Casser

Après l'intro, une courte pause est parfois insérée, appelée break (de l'anglais Break – interruption, pause). La pause sert à donner un court répit à l'auditeur. La saturation constante de la composition peut être fatiguante, et le break permet d'équilibrer l'énergie de la chanson.

La présence d'un break et d'une intro dépend du contexte. Si la composition comporte un solo, alors il est logique d'utiliser une pause calme pour créer un contraste. Cependant, personne n'interdit d'ajouter une autre intro instrumentale ou vocale après le solo ou même de revenir au couplet.

Le break est généralement minimaliste et repose sur les mêmes accords et la même mélodie que le refrain. Parfois, il peut faire office de petit pré-refrain avant le refrain final. La durée du break varie de 4 à 16 mesures.

Sortie

L'outro ou outro est la dernière partie de la chanson. Il peut faire écho à l’intro ou être son contraire. L'outro peut être constitué de plusieurs répétitions du refrain avec un fondu progressif (Fade Out) ou être complètement unique et contrairement aux autres parties de la composition.

Il est important de ne pas faire traîner l’outro : si elle est trop longue, l’auditeur risque de se fatiguer et de se demander : « Quand est-ce que ça va finir ? Ce que sera la sortie dépend de la nature de la chanson entière. Dans les morceaux énergiques, il peut être opportun de terminer la composition en répétant les refrains, et dans les ballades, d'autres accords peuvent être utilisés pour créer un accent final. En fin de compte, le choix de l’outro appartient au compositeur.

La structure finale d'une chanson dans la musique populaire

La chanson peut être visualisée comme un graphique, où le mouvement de la musique et sa dynamique ressemblent à une parabole, avec une alternance de montées et de descentes de tension.

Tout au long de la composition, l’énergie musicale augmente progressivement, atteint son apogée au point culminant, puis diminue progressivement vers la fin, créant une conclusion harmonieuse. Un tel graphique montre clairement comment la musique conduit l'auditeur à travers des pics et des vallées émotionnelles, rendant chaque partie de la chanson significative et interconnectée.

Une partie de la chanson	Longueur possible
Introduction	2-8 barres
Verset	8-32 barres
Pré-refrain/Bridge	2-16 barres
Refrain	8-16 barres
Post-refrain/Tag	2-4 barres
Pont	8 barres (parfois 16)
Casser	4-16 barres
Sortie	2-4 barres

Vous ne devriez pas faire en sorte que toutes les parties de la future chanson soient de même longueur, par exemple 32 mesures chacune – chaque élément de la composition a sa propre longueur optimale qui doit être prise en compte. Chaque chanson est unique et nécessite une approche individuelle, il est donc important de ne pas surcharger l'arrangement et de ne pas essayer d'y inclure tous les éléments possibles. Une répartition équilibrée des parties maintiendra l'intérêt de l'auditeur et créera une structure harmonieuse de la composition.

Structure typique des chansons dans la musique électronique

Contrairement à la musique populaire, la structure des morceaux électroniques a ses propres caractéristiques. L'une des raisons en est l'influence des formats radio, où les morceaux doivent s'inscrire dans une certaine durée de diffusion, ce qui exclut le recours à des mixages sans fin.

De plus, l’arrangement de la danse et de la musique électronique doit apporter du confort aux danseurs. De longues sections de ces morceaux alternent avec des courtes pour donner aux danseurs une chance de se reposer. En règle générale, une composition de danse se compose de sept parties clés :

• Battement d'introduction ;
• Panne;
• S'accumuler;
• Baisse;
• Pause du milieu ;
• Deuxième goutte ;
• Battement final.

Un exemple d'une telle structure typique est le morceau « United We Dance » de Vicetone, qui illustre bien comment exactement les éléments sont construits dans la musique électronique, dance et club.

Il s'agit d'une section composée de seize mesures ou plus de batterie ou de percussions. Les traits caractéristiques de l'intro dans la musique électronique sont le minimalisme dans l'utilisation des instruments, l'accent mis sur le rythme et l'apparition progressive et sans hâte de la mélodie principale. L'objectif principal du rythme d'introduction est de fournir au DJ la possibilité de mélanger en douceur et soigneusement le nouveau morceau avec le précédent, en maintenant l'harmonie de la setlist.

Panne

Une rupture est le moment où la composition revient à ses éléments principaux. Dans cette section, la batterie est souvent complètement absente, créant ainsi plus d'espace pour d'autres composants musicaux. La répartition comprend généralement la ligne mélodique principale du morceau, qui s'intensifie progressivement et est envahie par des instruments supplémentaires, augmentant ainsi la densité du son. La durée de la panne peut varier – de 16 à 32 bars ou plus.

S'accumuler

La préparation sert de préparation au refrain, semblable au pré-refrain de la musique populaire. Cette section de la composition crée progressivement une tension en raison de l'accélération des parties de batterie et de l'utilisation d'élévateurs – des sons de synthétiseur qui augmentent progressivement en volume et en hauteur, devenant ainsi l'élément central de l'arrangement.

Baisse

Un drop est le point culminant d’un morceau, semblable à un refrain dans la musique populaire. Il est destiné à faire une forte impression sur l'auditeur avec des grooves puissants, une basse entraînante, un rythme dense et un crochet de synthétiseur brillant, qui est le thème musical principal de l'ensemble du morceau.

Pause intermédiaire

Un break médian est la partie centrale de la composition, contenant des éléments musicaux uniques qui ne vont pas au-delà de la mélodie principale. Cette section est souvent utilisée pour passer en douceur à la phase suivante, qui est généralement plus courte que la première. Un break médian peut être une variation sur le thème du premier break ou drop, mais diffère souvent des autres parties du morceau, apportant de nouvelles idées et des changements au son.

Ce morceau commencera par un refrain, créant immédiatement l'ambiance et l'énergie. Après cela, deux couplets différents suivront, chacun apportant de nouveaux éléments et de la variété à l'histoire de la chanson. Au milieu de la composition, un intermède solo ou instrumental sera inséré pour ajouter de la dynamique et de la profondeur au son. Le morceau se terminera par plusieurs tags – de courts intermèdes qui viendront immédiatement après le refrain, qui renforceront l'effet et fixeront les idées musicales clés de la composition dans la mémoire de l'auditeur.

Deuxième goutte

La deuxième goutte a généralement une structure et une énergie similaires à la première, mais inclut quelques changements qui ajoutent de la variété à la composition. Ces différences peuvent prendre la forme d’un crochet différent, d’une nouvelle ligne de basse ou d’un rythme modifié, ce qui contribue à rafraîchir le son et à maintenir l’intérêt de l’auditeur.

Outro Beat

Semblable au rythme d'intro, le rythme d'outro joue un rôle important dans la musique de danse, aidant le DJ à mélanger en douceur le morceau de fin avec le suivant du set. C’est pourquoi cette partie de la composition est souvent la plus longue, offrant ainsi l’espace nécessaire à la transition.

Structure des chansons Outro dans la musique électronique

Afin de s'adapter au format radio, les versions originales des morceaux du club, qui peuvent durer de 5 à 10 minutes, sont éditées. En conséquence, toutes les parties de la composition sont raccourcies afin que le morceau final ne dépasse pas 3-4 minutes. Cela permet d'obtenir une structure plus compacte, similaire à une chanson pop standard, tout en conservant les éléments clés et l'énergie de l'original.

Partie de la chanson	Longueur possible
Battement d'introduction	à partir de 16 barres
Panne	16-32 barres
S'accumuler	16-32 barres
Baisse	16 barres
Pause intermédiaire	16-32 barres
Deuxième goutte	16-32 barres
Outro Beat	à partir de 16 barres

Formes de structure de base des chansons : ABA, AABA, AAA et ABABCB

Lors de la planification d'un arrangement, les compositeurs et arrangeurs ont souvent recours à l'une des quatre formes courantes : ABA, AABA, AAA et ABABCB.

La forme ABA est la structure de chanson la plus populaire. Lorsque les gens parlent du modèle standard couplet-refrain-couplet, ils font généralement référence à la forme ABA. Un trait caractéristique de cette forme est la présence de deux sections identiques (A) et d'une section contrastée (B). Le contraste dans la section B est créé en changeant l'harmonie, la tonalité, le rythme ou en changeant l'ambiance générale de la musique. Sous forme ABA, les sections A et B peuvent être n'importe quelle partie de la chanson : couplets, refrains, ponts ou solos.

Si vous imaginez une structure de chanson sous forme ABA, elle pourrait ressembler à l'une des choses suivantes :

Verset 1 (A)	Chœur 1 (A)
Chœur (B)	Intermède (B)
Verset 2 (A)	Chœur 2 (A)
Chœur 2 (A)	Verset 1 (A)
Pause (B)	Pré-refrain (B)
Chœur 3 (A)	Verset 2 (A)

Un bon exemple de forme ABA est le classique du jazz « I Got Rhythm » de George Gershwin. Dans cette composition, les sections A sont jouées dans la tonalité de Si bémol, avec deux accords par mesure, ce qui donne à la musique énergie et dynamique. Dans la section B, la tonalité change, le rythme ralentit – un accord s'étire sur deux mesures, et la musique devient moins dynamique, créant un contraste avec les sections A.

La forme AABA est un développement du schéma ABA. Dans cette structure, la section A est répétée deux fois, puis il y a une transition vers une section B contrastée, après quoi la composition revient à la section A. Cette approche vous permet de créer une composition avec un thème principal clairement exprimé et un milieu contrasté. La structure d'une chanson selon le schéma AABA pourrait ressembler à ceci : A (intro) – A (répétition) – B (contraste) – A (retour au thème principal).

Verset 1 (A)	Chœur 1 (A)
Verset 2 (A)	Chœur 2 (A)
Chœur (B)	Pont (B)
Verset 3 (A)	Chœur 3 (A)
Chœur 2 (A)	Verset 1 (A)
Chœur 3 (A)	Verset 2 (A)
Pause (B)	Préchorus (B)
Chœur 3 (A)	Verset 3 (A)

Bien que le formulaire AABA commence par deux sections A identiques, cela ne signifie pas qu’elles doivent être identiques. Les compositeurs et arrangeurs apportent souvent de légères modifications à l'harmonie, à la mélodie ou à l'instrumentation au fur et à mesure que la section progresse pour garder l'auditeur intéressé. Parfois, les changements se limitent à des parties individuelles de la mélodie, ce qui les rend plus expressives. Il est également courant de voir une combinaison de formes ABA et AABA, où des éléments des deux structures sont entrelacés pour créer de la variété dans la composition.

La forme AAA implique l'utilisation de trois sections identiques, qu'il s'agisse de couplets ou de refrains, avec des variations harmoniques ou mélodiques mineures. Cela permet une composition cohérente avec des changements minimes, tout en gardant l'auditeur intéressé.

Le formulaire ABABCB offre une structure plus complexe. Le compositeur commence par un motif couplet-refrain-couplet-refrain standard, puis ajoute une section C, qui peut être un pont, un solo ou un break. La composition revient ensuite au chœur, créant une combinaison équilibrée de répétition et de nouveauté.

Structure des chansons des Beatles – De retour en URSS

La chanson « Back in theURSS » des Beatles a été écrite comme une sorte de réponse au tube de Chuck Berry « Back in the USA ». Créée en 1968, cette composition semble toujours pertinente et moderne aujourd'hui. La chanson est apparue à l'époque où le Premier ministre britannique Harold Wilson lançait une campagne politique sous le slogan « Je soutiens la Grande-Bretagne ». Ce slogan a été largement affiché sur les affiches de campagne dans tout le pays. Paul McCartney, inspiré par cette campagne, a inventé la phrase « Je soutiens (de retour) l'URSS », qui est devenue une sorte de réponse satirique aux idées politiques qui dominaient la société anglaise de l'époque. Le public britannique a apprécié l'ironie de McCartney, mais la plaisanterie est restée incompréhensible pour de nombreux auditeurs aux États-Unis. La composition a été écrite par Paul McCartney en collaboration avec John Lennon et ouvre le célèbre album à deux disques sans titre des Beatles de 1968, également connu sous le nom de « The White Album ».

La particularité de « Back in theURSS » est son arrangement classique pour la musique pop et rock. La chanson est interprétée dans la tonalité de do mineur, avec un tempo de 120 battements par minute et une taille de 4/4.

Étant donné que YouTube a souvent des problèmes pour publier des chansons des Beatles, au lieu de la version studio, nous vous suggérons de regarder une performance live de la composition de Paul McCartney à Moscou en 2002. Cependant, dans la discussion suivante, nous parlerons de l'enregistrement en studio.

0h00. Introduction

La chanson commence par le son caractéristique d'un atterrissage d'avion, suivi d'une intro de 4 mesures sur l'accord E7. Après ces quatre mesures, l'accord A retentit sur le temps fort, passant en douceur au premier couplet.

0h15. Verset 1

Alors que Paul McCartney commence à chanter sur une nuit blanche et un vol en provenance de Miami, la chanson accélère. Le premier couplet est constitué de 8 mesures, divisées en deux blocs de 4 mesures, construits sur les accords A, D, C, D.

0h28. Chœur 1

Le refrain se compose de six mesures, ce qui est inhabituel pour la musique pop. Les trois premières mesures sont construites sur les mêmes accords que le couplet (A, C, D), et ici le crochet vocal apparaît avec la phrase « Back in theURSS ! ». Les trois mesures suivantes conduisent doucement l'auditeur au deuxième couplet, qui répète la structure et l'harmonie du premier.

0h52. Chœur 2

Après le deuxième couplet, la chanson revient dans le refrain, qui est structurellement et harmoniquement identique au premier. Le même crochet vocal et le même riff de guitare principal sont répétés ici. Cependant, la durée du deuxième refrain est légèrement différente : il se compose de 7,5 mesures : 7 mesures en 4/4 et 1 mesure en 2/4.

1h04. Post-refrain et pause

À 1:04, le post-refrain commence, qui est une nouvelle section de la chanson. Cette partie est basée sur des harmonies et des chœurs dans le style des Beach Boys et comprend la progression d'accords D, A, D, Bm7, E7, D7, A, A. Le post-refrain se compose de huit mesures, suivies de deux -pause de mesure sur les accords A et E, préparant la transition vers le solo de guitare.

1:21. Solo de guitare

Le solo de guitare suit la mélodie vocale et est soutenu par les accords des couplets. Cette section est similaire aux couplets et refrains précédents : les 8 mesures du couplet se transforment en douceur en un refrain de six mesures et se terminent par un autre post-refrain de 10 mesures.

2h01. Verset 3

Le dernier couplet est identique aux précédents, mais avec l'ajout d'une partie de guitare solo qui joue sur l'accord A. Le troisième couplet passe à un autre refrain de six mesures.

14h25. Sortie

La finale de « Back in theURSS » est construite sur un riff bluesy avec un accord de La et des harmonies vocales d'accompagnement avec un chant répété de « Woo-ooo-oo ». La dernière section se compose de 6 mesures et se répète jusqu'à ce que le son d'un avion à l'atterrissage apparaisse à 2:40, mettant ainsi fin à la composition.

La structure finale de la chanson Les Beatles – Retour en URSS

Partie de la chanson	Longueur
Introduction	4 barres
Verset 1	8 barres
Chœur 1	6 barres
Verset 2	8 barres
Chœur 2	7,5 barres
Post-refrain	8 barres
Casser	2 barres
Solo de guitare	24 barres
Verset 3	8 barres
Chœur 3	6 barres
Sortie	6 barres

Structure de la chanson 2Pac feat. Dr Dre – Amour californien

Dr. Dre est l'un des producteurs de musique les plus influents de notre époque. Son talent unique et son approche de l'arrangement ont fait du groupe hip-hop NWA de véritables idoles pour des millions de personnes. Grâce à Dre, il est devenu évident que la musique créée par des artistes noirs peut non seulement être populaire, mais aussi connaître un succès commercial auprès d'un large public.

Les musiciens qui ont travaillé avec le Dr Dre notent souvent son perfectionnisme. Il ne sort une chanson que lorsqu'il est absolument sûr de sa qualité. Parfois, le travail sur une composition peut prendre des mois, voire des années, mais le résultat final est toujours à la hauteur des attentes, créant de véritables succès.

Pourtant, le célèbre morceau « California Love » a été créé par Dre en 1995 en quelques semaines seulement. Initialement, cette chanson avait été préparée pour son album solo « The Chronic II : A New World Odor (Poppa's Got A Brand New Funk) », mais pour un certain nombre de raisons, l'album n'a jamais été terminé. Au même moment, en 1995, Tupac Shakur, un ami proche de Dre, sort de prison. Voulant célébrer cet événement et soutenir Tupac, Dre a décidé d'utiliser un morceau d'accompagnement établi de longue date et, avec Roger Troutman, a commencé à travailler sur un morceau qui allait bientôt devenir le légendaire « California Love ».

La chanson est sortie en octobre 1995 sur le premier album de Tupac « All Eyez on Me ». Le single s'est instantanément hissé au sommet de tous les charts américains et a occupé la tête pendant environ deux semaines. Par la suite, le morceau a été nominé pour plusieurs Grammy Awards et est devenu l'un des meilleurs disques de G-Funk.

La base de « California Love » était un extrait de clavier retravaillé d'une chanson peu connue de Joe Cocker « Woman To Woman ». La composition est écrite dans la tonalité de si bémol majeur, avec un seul accord, la taille est de 4/4 et le tempo est de 92 battements par minute.

0h00. Introduction

La chanson commence avec Roger Troutman chantant la phrase « California Love » sur une talkbox. À 0:03, le rythme démarre et au-dessus des quatre mesures suivantes, la batterie, la basse, les touches et une section de cuivres apparaissent, jouant le thème musical principal de la chanson. Ces quatre mesures préparent le terrain pour le reste de la chanson, le thème du clavier restant constant tout au long de la piste et les autres éléments musicaux entrant et sortant de l'arrangement.

0h13. Chœur 1

Après quatre mesures d'intro, la section de cuivres disparaît, laissant place à des voix traitées qui portent le refrain sur les 12 mesures suivantes. L'une des caractéristiques clés du refrain réside dans les synthés chatoyants qui jouent au début de chaque mesure, accentuant l'accord principal du morceau (si bémol majeur) et soulignant sa tonalité. Le refrain passe en douceur au premier couplet, qui commence par un mouvement ascendant des cuivres.

0h45. Verset 1

Le premier couplet dure 16 mesures, pendant lesquelles le Dr Dre rappe ses paroles. Des sifflets s'ajoutent à l'arrangement, et les huit premières mesures conservent les éléments présents dans l'intro. Les huit secondes mesures sont complétées par de nouvelles parties de synthétiseur et un chant vocal, créant un son plus riche.

1:27. Chœur 2

Le deuxième refrain est similaire au premier, mais avec un certain nombre de changements : des phrases vocales supplémentaires et des chœurs féminins apparaissent. La transition vers la partie suivante de la composition est à nouveau indiquée par les cuivres.

1h58. Pont

Après le deuxième refrain, le pont commence à la place du couplet attendu. Sur les mots « Shake, shake it, baby », un riff et un rythme de clavier se font entendre, complétés par des sons de tonnerre dans chaque mesure. Ce pont dure huit mesures, créant un contraste avec les parties précédentes de la composition.

2h19. Verset 2

Le deuxième couplet est identique au premier en termes de longueur et d'instrumentation, mais les paroles sont chantées par 2Pac, ce qui apporte une nouvelle énergie et dynamique au morceau.

3h01. Chœur 3

Le troisième refrain coïncide avec les précédents et passe en douceur à un autre interlude, semblable à celui qui a retenti après le deuxième refrain.

3h54. Sortie

À partir de 3:54, la chanson commence à avancer vers sa fin. Le son des instruments s'estompe progressivement et l'arrangement devient moins saturé. L'outro est une boucle de 20 mesures composée d'éléments du couplet et du refrain, avec une répétition constante de la ligne principale de la chanson, conduisant progressivement l'auditeur jusqu'à la fin de la composition.

Structure finale de la chanson 2Pac feat. Dr Dre — Amour californien

Partie de la chanson	Longueur
Introduction	Barre + 4 barres
Chœur 1	12 barres
Verset 1	16 barres
Chœur 2	12 barres
Pont 1	8 barres
Verset 2	16 barres
Chœur 3	12 barres
Pont 2	8 barres
Sortie	8 barres

L'arrangement de « California Love » est fait de telle manière qu'il est difficile de séparer les différentes parties de la chanson les unes des autres : son son est monolithique et un peu monotone, créant une sensation de flux fluide et continu sans structure évidente. frontières.

De plus, « California Love » se distingue par sa structure inhabituelle. Au lieu du schéma standard « Intro-verset-refrain-verset-refrain », une approche plus originale est utilisée ici : « Intro-refrain-verset-chorus-bridge ». Une telle structure mélangée ajoute du dynamisme et de l'originalité à la composition, la rendant unique par rapport aux constructions musicales traditionnelles.

Structure de la chanson Martin Garrix – Animaux

«Animals» de Martin Garrix, sorti en 2014, est instantanément devenu un succès et s'est assuré une place au sommet des charts mondiaux. Malgré sa popularité, la chanson a un arrangement typique du genre : l'accent principal est mis sur un puissant rythme 4/4 et un riff de percussion accrocheur qui fait vibrer n'importe quelle piste de danse.

La chanson est écrite dans la tonalité de fa mineur, avec un tempo de 128 battements par minute, ce qui est standard pour de nombreux morceaux de danse.

Il peut être difficile de trouver le mix original 5:04 sur YouTube, c'est pourquoi un clip vidéo avec une version radio de la chanson est joint au matériel. Veuillez noter que les horaires peuvent ne pas correspondre à la version originale. Si quelqu'un a un lien vers la version complète de la composition, nous serions heureux que vous le partagiez dans les commentaires.

0h00. Battement d'introduction

La composition commence par une intro minimaliste, où les 16 premières mesures sont dominées par le kick and ride, rappelant un métronome. Parallèlement au rythme, un synthétiseur arpégé retentit, dont le son est abondamment traité avec de la réverbération. Une augmentation progressive de la force et de la puissance du synthétiseur conduit en douceur l'auditeur au segment suivant de la composition.

0h30. Introduction à la basse

À ce stade, une basse grave entre, basée sur les coups rythmiques du coup de pied. Le synthétiseur arpégé passe au second plan, et un nouveau synthétiseur apparaît dans le mix, renforçant progressivement son son. Vers la fin de cette intro, vous pouvez entendre un coup inversé sur la cymbale, ce qui ajoute du drame avant la transition.

13h00. Mini-pause

Cette courte pause de quatre mesures sert comme une sorte de pause, pendant laquelle l'arrangement se fige presque complètement. Les seuls sons sont le tic-tac d'une horloge, une ligne de basse qui s'estompe progressivement et un coup de cymbale. Ce moment prépare l’auditeur à l’apparition de la ligne mélodique principale.

1h08. Répartition 1

Le tic-tac d'une horloge se transforme peu à peu en partie de percussion. Après huit mesures de douce mélodie, un synthé agressif entre dans la composition, répétant le thème principal avec des accords puissants. Ces synthés sont soutenus par des coups de caisse claire et des claps, accentuant chaque battement de la mesure.

1h37. S'accumuler

La montée en puissance de huit mesures atteint un pic de tension, préparant la composition à la chute. Des coups de caisse claire accélérés, un riff de synthé et des éclats de sons laser mènent à un point culminant, qui se termine par un échantillon vocal.

1:53. Déposez 1

Le premier drop offre une solution intéressante : au lieu d'utiliser la ligne mélodique principale, Garrix introduit un nouveau riff, soutenu par un rythme puissant et des références au thème principal de la composition.

14h30. Répartition 2

Après une autre mini-pause de quatre mesures, le synthé revient au mixage, jouant le thème principal du morceau. Comme auparavant, la panne se transforme en douceur en une autre accumulation.

15h15. Laisser tomber 2

La deuxième goutte est quasiment identique à la première, mais sa durée est augmentée de 16 mesures. Après les huit premières mesures, l'échantillon vocal retentit à nouveau, auquel sont ajoutés des accords de synthétiseur.

3h58. Sortie

Section Chanson

Structure finale de la chanson Martin Garrix — Animaux

Section Chanson	Longueur
Battement d'introduction	Barre + 4 barres
Introduction à la basse	12 barres
Mini pause 1	4 barres
Répartition 1	12 barres
Construire 1	8 barres
Déposez 1	16 barres
Mini pause 2	4 barres
Répartition 2	8 barres
Construire 2	8 barres
Laisser tomber 2	32 barres
Sortie	32 barres